Aaron and Ethan Emerson tell each other, awaiting the Zoagli event, on June 27th

On June 27, in Zoagli (GE), the 2nd ART IN PROGRESS EVENT will be proposed in memory of Greg Lake. All information (in italian) at the following link:

https://mat2020comunicatistampa.blogspot.com/2019/06/2art-in-progress-event-in-memoria-di.html

The event, which presents an evident fragrance of ELP, will have important and welcome guests:

REGINA LAKE (wife of Greg Lake of the ELP)

ELIONOR EMERSON (wife of Keith Emerson of the ELPs)

ETHAN EMERSON, who dedicates a piano concert to his grandfather Keith Emerson and the ELPs

I tried to ask a few questions to Aaron Emerson, one of Keith's two sons, and to young Ethan, who will perform on the occasion.

Some questions for Aaron

Premise: I saw ELP live when I was 17 (1973) and a few years ago I interviewed your father, as happened with Greg Lake, whom I met personally… just to say that I have a strong connection with that music and with those legendary musicians who have marked my life. I have some curiosity four you...

How was your family life having such an important father? Has it influenced you so much in your choices?

Growing up, my dad was on the road a lot of the time and my mum looked after myself and my brother Damon, but when he did come home I got to listen to a lot of music at a young age that, I guess, not a lot of 4 or 5 year olds got to listen to. Not a lot of kids at that age would listen to Prog Rock, but I was also listening to a lot of Classical music, and Jazz Artists and whatever he would play around the house. There are some songs that still stick with me to this day that he played when I was a kid, one of those was ‘Mountain Dance’ by Dave Grusin, also some very eclectic tunes that are out there, Chick Corea, Oscar Peterson, Jimmy Smith, Jack McDuff. So I got to listen to a lot of music at that age through dad. I would be listening to other music at school from my friends who were probably raised on more contemporary music, but I got introduced to a lot of different styles.

Have you continued your musical activity over time or have you chosen other paths?

I have continued to play music. I’ve had some bands over the years, Buzztonic was one of them and that was the first record deal I had. Now I am doing some session work, and writing with Steve Mac, Russell Small and Dino Psaras, who are world league artists/producers.

What do you think about Ethan's passion for music? Did you somehow push it in that direction or was it all natural?

We never pushed Ethan into playing the piano. I think he’s got a great gift. It’s his choice and we’ll see how it goes! I can guide him, but he has to choose his own path. He started playing dad’s music, I’m not expecting him to be playing dad’s music forever. I’d like him to try and find his own style, and do whatever he feels he wants to play. Whatever it is artistically, or any type of art or music, whatever he enjoys to do, I will support.

Do you have a memory, an anecdote of when you were a child and you had the chance to live and see up close the most important rock musicians?

I got to meet some amazing musicians over the years, Jeff Beck, Roger Daltrey, Ray Mansarek, Robbie Krieger, Jack Bruce to name a few. I remember when I was a kid, opening the door to Roger Daltrey who had come to do a session with dad in the barn at Stonehill where I grew up, and we went fishing at his house. Of course, Jim Davidson was always a good friend to my dad too and spent a lot of time with us at Stonehill.

A friend of mine, always remembers how he became a keyboard player after meeting Keith, when you were in his parents' school in Switzerland: do you remember him?

I was very young when we lived in Switzerland, so I’m sorry but I don’t remember much about that time. The only thing I remember is we lived next door to David Bowie because I used to play in the garden with his son!

… and  for Ethan

Your love for music seems obvious, given the atmosphere you've always breathed at home, but I'd like to know if you already have clear ideas about what you would like to do when you grow up...

I would like to continue playing music, and I’m excited to see where that takes me. I am starting my exams in music at school so that will have to put a focus on that over the next few years.

It is quite difficult to imagine a boy your age listening to progressive music: do you know ELP albums? Is there one in particular that you like best?

My favourite album of my grandfathers is ‘Emerson Plays Emerson’ because I love the classical compositions that he wrote. As for ELP, I think ‘Trilogy’ has to be my favourite.

How do you reconcile music with school?

It’s not too bad, as we have a piano in our house so I can practice and have lessons at home. I am studying music at school as well, along with all my other subjects.

I saw a video in which you play with an orchestra: I would like to know what you felt and if, looking to the future, you think more about playing inside a band or solo performance.

I was incredibly excited and nervous to play with the orchestra. At the time of that performance at the Birmingham Tribute Show, I was only 11 years old, but the conductor Terje Mikkleson made me feel very comfortable, and it was an amazing feeling after the performance! Looking to the future, who knows?!

Your performance is scheduled for June 27th, in Italy: are you happy with this new experience?

I am so excited and so honoured to be asked to play. I am playing in memory of two incredible artists, Greg Lake and Keith Emerson, and honouring their memory and making them proud is very important to me.

One last thing: what memories do you have of grandpa? Is there an anecdote you want to share with those who will come to listen to you at Zoagli?

My grandfather used to give me piano lessons at his house, just him and me. This is a very special memory for me. He was always very funny too.

Introduzione… progressiva al libro di Max Rock Polis, “Storie di Prog Rinascimento”

Max Rock Polis ha appena pubblicato un libro, “Storie di Prog Rinascimento” a cui ho scritto la prefazione. 

La propongo e consigliando al contempo la lettura del book…

Introduzione… progressiva!
di Athos Enrile

Parlare di musica progressiva con una certa originalità mi appare come un’ardua impresa: un fenomeno di breve durata - se si pensa alla piena visibilità -, mai cancellato, ritornato in auge in tempi recenti, anche se il concetto di “nicchia” appare perfettamente abbinabile al genere.

Le assi portanti del prog mal si addicono ai tempi televisivi e radiofonici, una per tutte la durata del singolo brano, mediamente dai cinque minuti in su.

E poi i testi raffinati, i tempi composti, le trame melodiche che si fondono col rock, con una porta aperta ad ogni genere di contaminazione. Un personaggio autorevole, in tempi lontani, asseriva che la musica progressiva non sarebbe mai esistita senza il mellotron… quindi gli archi, i fiati, la sperimentazione spinta, la piena libertà espressiva, l’abbandono delle certezze a favore di orizzonti inesplorati, l’arte visiva e grafica adattabile ad una esposizione museale.

C'è’ da rabbrividire nel pensare che una pletora di ventenni, nei primi seventies, riuscì ad inventare stili completamente differenti che, tutt’oggi, appaiono freschi e attuali: il recupero del classico da parte di ELP, la perfezione esecutiva di Fripp e soci, la commistione tra folk, rock e blues dei Jethro Tull, il puzzle sonoro e vocale dei Gentle Giant… piccoli esempi di prototipi della perfezione, ognuno immediatamente riconoscibile all’impatto.

Vista la premessa risulta complicato raggiungere le nuove leve, e l’elemento che quasi sempre fa da anello di congiunzione tra ere differenti è il genitore che, se fortunato e ostinato, riesce a passare alla prole un po’ delle proprie passioni.

E veniamo al cuore del book, a cui contribuisco con piacere perché anche io, come l’autore, prediligo il racconto di un mondo molto particolare attraverso i protagonisti, quelli che hanno avuto ruolo determinante alle origini - tornando poi a distanza di tempo ad amori mai sopiti - o le forze fresche, quelle che si avvicinano al genere prog dopo aver avuto l’occasione di toccare con mano cosa voglia dire creare musica di qualità.

Parto da questi ultimi, sottolineando, caso mai ce ne fosse bisogno, che la musica progressiva ha ormai raggiunto lo status dell’immortalità, esattamente come è avvenuto per la musica classica.

Andando ad analizzare con attenzione e curiosità un vinile degli anni ’70 si scopre facilmente come potrebbe essere oggetto di lavoro scolastico alternativo, con l’analisi degli aspetti musicali - tecnici e strutturali -, delle liriche - e dei significati profondi -, dell’artwork, del contesto storico e culturale, senza dimenticare l’opera di traduzione nel caso di album stranieri. Tanta manna per un professore open mind, così come per alunni inizialmente spiazzati, che a poco a poco prenderebbero coscienza e conoscenza di qualcosa di inaspettato ed estremamente piacevole… o forse no, perché la critica fa parte del normale esercizio di apprendimento.

Complicato? Utopia? Complicato no, utopistico probabile.

Eppure mi ritrovo tra le mani, con sempre maggior frequenza, album di giovani che propongono la loro musica, lontano dagli stereotipi imposti dai media. E i risultati sono di alto livello, perché la tecnica personale è aumentata, la tecnologia permette alchimie impensabili un tempo, e costruire una proposta credibile e presentabile è un gioco da ragazzi.

Non mi pare utile creare graduatorie di merito, ma mi piace evidenziare la commistione tra antico e attuale, quell’idea che ha portato il mio amico Giorgio “Fico” Piazza - primo bassista della PFM - a raccogliere attorno a sé un manipolo di ragazzi che lui guida e prova a plasmare, portando in giro per i palchi italiani - e non solo - uno show dedicato ai primi due album della Premiata: è questo lo spirito nel quale prolifica il concetto di “diffusione del verbo…” e sharing. E che dire di Lino Vairetti e della Prog Family degli Osanna, da lui creata attraverso il coinvolgimento di giovanissimi!

Non è materia per malati di musica specifica, né la voglia di rimanere ancorati ad un passato ormai lontano, ma il tutto nasce dalla convinzione che la buona musica vada proposta e raccontata a chi non ha mai avuto l’opportunità di ascoltarla - per mero stato anagrafico -, e che dopo la fruizione potrà decidere se varrà la pena proseguire il percorso conoscitivo oppure no.

Alto scenario è quello relativo ai ritorni illustri: vedo molte possibilità collegate.

Partiamo dal fatto che certe passioni non ci lasciano mai, e se i casi della vita hanno fatto sì che raggiunta la maturità sia stato necessario fare scelte dolorose, arriva il momento in cui ci si può ricongiungere a ciò che è stato momentaneamente abbandonato.

Altra condizione ci porta alla mancanza di opportunità, il non trovarsi al posto giusto nel momento corretto, e sono moltissime le band che, uscite dal magico fazzoletto temporale compreso tra il 1970 e il 1975 - e quindi entrate in circolo con lieve ritardo - non hanno trovato case discografiche disposte ad investire su di un disco costruito attraverso un genere ormai in fase decisamente calante. Il problema attualmente non esiste, il disco si fa e arriva ovunque nel mondo, anche se bisogna tralasciare l’idea del profitto.

Aggiungerei anche che certi nomi storici italiani sono rimasti nel cuore e nella mente di popoli a cui nessuno pensava quarantacinque anni fa, e l’accoglienza riservata, ad esempio, dal Giappone a band che propongono magari un solo elemento originale non ha eguali nel nostro paese, e rappresenta elemento motivante alla ricerca di quelle soddisfazioni che magari non si sono avute ad inizio carriera.

Ci sono poi quelli che non hanno mai smesso, che hanno navigato nel tempo modellando il comportamento a seconda delle esigenze, perché alla fine tutti “tengono famiglia”, e che ora sono pienamente autorizzati a rientrare nei ranghi.

Lascio per ultimo il comportamento più commovente e comprensibile, quello che fa sì che, riproponendosi come nel passato, ci si continui a sentire giovani e utili al prossimo, perché non credo ci sia nulla come il rapporto osmotico che si crea tra il musicista sul palco e il suo pubblico che possa dare assoluta carica vitale, una scossa con un continuo doppio senso di circolazione, un dare e avere senza soluzione di continuità.

Il vinile sta tornando a galla in maniera preponderante, in alcuni casi anche la musicassetta, in un periodo in cui ci siamo ormai abituati alla musica “liquida”, quella supercompressa, facile da scaricare e utilizzabile con tutti i device che ci circondano.

Forse il tutto può coesistere, anche se temo che le emozioni musicali totalizzanti vissute da quelli della mia generazione non siano riproponibili di questi tempi.

Ma a cosa mi riferisco quando parlo di “emozioni”? Ci vogliono esempi oltre alle parole scontate e ridondanti!

La musica, certa musica, mi serve per stare bene, a volte anche per soffrire.

Sono io che decido e so esattamente quali sono i tasti da toccare, e la cosa bella è che il tutto si può ripetere all’infinito, non è fatto occasionale.

Non c‘è razionalità in questo, e probabilmente il tutto si riconduce all’enorme stimolo che solo la musica può dare nell’alimentare il ricordo. Faccio un piccolo e recente esempio.

Mi accade che, sentendo la seconda parte di “The Cinema Show”, sia percorso da almeno venti secondi di brividi intensi che, partendo dal collo, arrivano sino alle ginocchia, e in quel frammento temporale provo sensazioni che, oggettivamente, sono in difficoltà nello spiegare compiutamente, un senso di estrema serenità, eccitazione e sviluppo di immagini che mi capita di provare in tante occasioni, non solo con la musica dei Genesis.

Che dire ancora, auguro a tutti di provare le stesse sensazioni benefiche, quelle che, personalmente, soltanto la musica progressiva riesce a regalarmi.

Buona lettura attraverso il racconto di Max Rock Polis e i suoi ospiti.

Piccolo esempio di perfezione prog…

The Samurai Of Prog- “Toki No kaze”

The Samurai Of Prog- “Toki No kaze”

Di Athos Enrile

Ritornano i The Samurai Of Prog e in sede di commento non posso far altro che ripescare nella memoria giudizi già espressi, e la convinzione che, almeno dal punto di vista dei lavori in “studio”, la multinazionale finlandese rappresenti l’essenza della musica progressiva e tenda a conservare i valori che furono dei primi seventies, con un logico ammodernamento atto a colmare il grande spazio temporale… ma il profumo di allora resta intatto.

Mi è capitato recentemente di ascoltare un album cult di rock progressivo, depurato totalmente della vocalità e di ogni tipo di “durezza” - a favore di trame classiche -, ovvero elementi che, in origine, erano caratterizzanti. Nonostante la "mutilazione" voluta, la bellezza delle trame è tale che la mutazione verso la classicità produce uno stato di immortalità.

Ecco cosa accade alla musica dei Samurai (Kimmo Pörsti alle percussioni, Marco Bernard al basso e Steve Unruh al violino/flauto e voce), un donare estrema dignità ad una musica nata piò o meno cinquant’anni fa, dando risalto a tutte le componenti essenziali (tranne i live, per motivi ovvi…). Vediamo quali:

-trame tipiche del genere (complessità, tempi composti, estrema libertà espressiva, varietà di genere)

-massimo coinvolgimento di artisti, in azione in ogni parte del globo (e qui gli aspetti tecnologici si fanno sentire…)

-accurata scelta della grafica e della confezione, riuscendo a fornire il piacere tipico dell’antico vinile (come sempre, il geniale e fido Ed Unitsky lascia il segno!)

-una prolificità fuori dal comune, tanto che all’uscita di ogni album esista già il materiale per quello successivo.

Ciò che è appena stato rilasciato si intitola Toki No kaze.

Perché utilizzare la lingua giapponese?

Bernard svela il segreto: “Sono composizioni originali ispirate dai film di Hayao Miyazaki…”

Un minimo di descrizione di Miyazaki: regista, sceneggiatore, animatore, fumettista e produttore cinematografico giapponese. Con una carriera durata cinquant'anni, Miyazaki è col tempo divenuto l'esponente dell'animazione giapponese più conosciuto all'estero. È considerato uno dei più influenti animatori della storia del cinema e secondo molti il più grande regista d'animazione vivente: la sua figura è stata paragonata più volte a quella di Walt Disney per l'importanza dei suoi contributi nel settore dell'animazione e ad Akira Kurosawa per la centralità nella storia del cinema giapponese.

Nei fatti va in scena un vero e proprio parallelismo tra l’evoluzione dell’opera di uno dei più famosi registi al mondo e la trasposizione musicale dei TSOP.

Il nuovo album consta di dodici tracce, circa settantacinque minuti di musica che sempre Bernard descrive così: “Dal pastorale all’epico, questo è rock progressivo sinfonico con un respiro cinematografico. Ricche orchestrazioni (compresi violino, sassofono, fiati, trombe e una miriade di tonalità di chitarre e tastiere), con il suono di un basso Rickenbacker e una batteria dinamica che forniscono la spina dorsale del tutto…”.

Ho ascoltato con attenzione e in religiosa concentrazione la progressione dei brani, e la mia estrema sensibilità verso questo modo di fare e proporre musica mi ha positivamente “stordito”… occorre prendersi il tempo necessario, sicuri che nessuno nei dintorni sarà portatore della minima distrazione!

Apre l’album “A Tear in the Sunset”, lungo pezzo strumentale che nell’idea originale propone l’avventura di due ragazzi sulle tracce di una misteriosa e magica isola fluttuante nel cielo… (Castle in the sky”). La musica è di Octavio Stampalia, che realizza un copione magico su cui iniziano le prove di orchestra dei Samurai in toto e dei primi collaboratori (oltre a Stampalia alle tastiere, troviamo Marc Papeghin alla tromba e corno francese, Kari Riikimaki e Pablo Robotti alle chitarre).

Segue la breve ma fascinosa “Fair Play”, scritta - e suonata al piano - da David Myers, coadiuvato dal flauto e dal violino di Unruh.

“Zero” (The wind rises) si rifà alla storia di Jirō Horikoshi, l’ingegnere aeronautico che progettò molti degli aerei da caccia e bombardamento utilizzati dai giapponesi durante la Seconda Guerra Mondiale nel teatro del Pacifico, tra cui il celebre Mitsubishi A6M, utilizzato nell’attacco di Pearl Harbor.
E’ un altro consistente brano strumentale che accompagna e delinea perfettamente la storia raccontata da Miyazaki. La musica e le tastiere sono di Alessandro di Benedetti, e vede all'opera la band al completo con l’ausilio delle chitarre di Massimo Sposaro e Kari Riikimaki.

“The Never-Ending Line” (Impressions on Miyazaki) propone la prima voce dell’album, quella incredibile di Daniel Fäldt, per un brano scritto da Alessandro di Benedetti (musica) e Federico Tetti (liriche), che introduce il sax di Marek Arnold: una favola sonora che colpisce e coinvolge.

“Au contraire” (Porco Rosso) vede salire in cattedra l’ex Latte & Miele Oliviero Lacagnina, che firma un altro strumentale che fluttua tra fiati, tastiere e sezione ritmica; ancora una parte orchestrale atta al racconto liberamente basato sul manga Hikōtei jidai, creato da Miyazaki. Porco Rosso è ambientato nella nostra penisola, e racconta la storia di un aviatore diventato maiale, che si rifiuta di venire a patti con il regime fascista.

“Reality” (Impressions on Miyazaki) presenta come massima protagonista un’artista a me sino ad oggi sconosciuta, Yuko Tomiyama, autrice del pezzo (musica e liriche): canta e si propone alle tastiere, un grande lavoro di squadra che vede, oltre ai Samurai, Alan Shikoh alla chitarra,  Roberto Vitelli al Taurus pedal e Jose Medina (orchestration).

A seguire “The Bicycle Ride” (“Kiki’s  delivery service”), altra perla strumentale, struggente e melanconica, con trame che giocano sull’alternanza di sax, violino e flauto, con il tocco chitarristico femminile della bravissima Marcella Arganese, a mia memoria nuova all’interno dell’universo TSOP.

Una nuova alchimia nasce con “Castle Blue Dream” (Howl’s Moving Castle), dove ritorna “la voce”, questa volta di Unruh, che oltre agli strumenti abituali imbraccia la chitarra classica. Le tastiere sono di Sergio Chierici. Altro episodio toccante, per melodia e progressione orchestrale per raccontare immagini e sentimenti che fanno riferimento a “Il Castello Errante di Howl“. 

Il nono step si intitola “The Spirits Around Us” (Princess Mononoke), che Miyazaki propone con varie sfaccettature: messaggi animalisti e femministi, ma anche il concetto di conflitto in tutte le sue possibilità, che si tratti di uomini contro uomini, uomini contro natura o animali contro animali.

La varietà di artisti questa volta propone l’ausilio di Danilo Sesti alle tastiere (è sua la musica mentre i testi sono di Unruh), Fran Turner alla chitarra e Kenrou Tanaka anch’esso alla chitarra. Un altro punto di eccellenza.

Con “Nausicaä e i Custodi della Vita” (Nausicaä of the valley of the wind) entra in gioco il team “genovese”, che firma la canzone (Luca Scherani musica ed Elisa Montaldo le liriche) e si unisce ai TSOP assieme a Marcella Arganese alla chitarra e Alice Scherani (vocalizzazioni).

Nausicaä, giovane principessa della Valle del vento, rimane coinvolta in uno scontro con Tolmechia, un regno che cerca di riportare in funzione un'antica arma per spazzare via una giungla tossica popolata da insetti giganti. Nausicaä dovrà cercare di evitare che i tolmechiani irritino queste creature…

Una favola che prende corpo, un racconto musicale condotto dalla particolare timbrica vocale della tastierista genovese, arrivata al cantato mano a mano che la sua carriera si è evoluta.

“Think Green” (Ponyo) è una favola sull'amore, sulle promesse, sul rispetto degli altri.

I tre Samurai si superano, una sezione ritmica precisa, incalzante e regolata dal tappeto tastieristico di Miche Mutti (autore della musica), molto emersoniano, e dalle fughe del violino di Unruh, mentre il vocalist è anche autore dei testi, Michele Marinini.

A chiudere l’album “La Magia è la Realtà” (Spirited Away), il cui racconto è paragonabile ad Alice nel Paese delle Meraviglie, anche se più selvaggio e surreale, ma allo stesso tempo più credibile e coerente.

Una chicca che vede protagonista ancora Elisa Montaldo, che oltre a suonare le “sue” tastiere e a scrivere il brano, lo propone cantato in giapponese, favorita dalla traduzione di Yoshiko Kase, fan del genere e abitué nel mondo prog.

E’ la ovvia conclusione di una favola, di un viaggio, di un percorso che va goduto attimo dopo attimo.

Il perfetto binario su cui, in questa occasione, scorrono musica e racconto, permette a questo manipolo di artisti di spaziare con la fantasia ampliando la fase creativa.

Il risultato è davvero di primordine, perfetto dal punto estetico, inappuntabile da quello del ricercato contesto prog, ma tutta questa “perfezione” sarebbe sterile se fosse fine a sé stessa, se non provocasse, come invece accade, il piacere d’ascolto che, in questo caso, conduce al sogno, al mondo della magia, all’invenzione che porta benessere fisico prolungato.

Musicisti straordinari che, utilizzando il collante dell’obiettivo comune, regalano al pubblico musica di pregio, e più di questo non credo si possa chiedere…

L’album è appena stato rilasciato ma i TSOP sono nuovamente in fermento. E già si parla di altri brani “fenomenali”!

Songs / Tracks Listing

1. A Tear in the Sunset (8:07)

2. Fair Play (2:34)

3. Zero (7:40)

4. The Never-Ending Line (4:55)

5. Au Contraire (5:07) 
6. Reality (9:24)

7. The Bicycle Ride (4:36)

8. Castle Blue Dream (7:38)

9. The Spirits Around Us (5:59)

10. Nausicaa e i Custodi della Vita (5:48)

11. Think Green (6:30)

12. La Magia è la Realtà (6:20) 

Total Time 74:46

Line-up / Musicians

- Marco Bernard / Rickenbacker bass

- Kimmo Pörsti / drums and percussion

- Steve Unruh / vocals, violin, flute, guitars

with:

- Octavio Stampalìa / keyboards

- Marc Papeghin / French horn, trumpet

- Kari Riihimäki / guitars

- Pablo Robotti / guitars

- Elisa Montaldo / keyboards, vocals

- Ruben Alvarez / guitars

- José Medina / orchestration

- Danilo Sesti / keyboards

- Fran Turner / guitars

- Kenrou Tanaka / guitars

- Oliviero Lacagnina / keyboards

- Luca Scherani / keyboards

- Marcella Arganese / guitars

- Alice Scherani / vocalization

- Yuko Tomiyama / vocals, keyboards

- Alan Kamran Shikoh / guitars

- Roberto Vitelli / Taurus pedal

- Alessandro di Benedetti / keyboards

- Federico Tetti / guitars

- Daniel Fäldt / vocals

- Antony Kalugin / keyboards

- Marek Arnold / sax

- Sergio Chierici / keyboards

- David Myers / piano

- Massimo Sposaro / guitars

- Michele Mutti / keyboards

- Michele Marinini / vocals

Releases information

Artwork: Ed Unitsky

Illustrations: Alessandra Bernard

CD Seacrest Oy ‎- SCR-1022 (2019, Finland)

Mixato con una qualità adatta agli audiofili da Kimmo Pörsti dei The Samurai, con una splendida confezione creata dal già citato Ed Unitsky.

www.seacrestoy.com

Beppe Gambetta e Riccardo Barbera in concerto a Savona: il commento

Sapevo che sarebbe stato un gran momento, una miscela di musica, cultura, tradizione e competenze specifiche.

Ne avevo avuto sentore pochi giorni prima, quando alla Ubik di Savona veniva presentato ciò che sarebbe andato in scena dopo pochi giorni, il 24 maggio, al Teatro Chiabrera, lo spettacolo creato da Beppe Gambetta e denominato:

“Odore di mare misto a maggiorana leggera”

Poesia e metafora del cibo nelle canzoni di Fabrizio De Andrè

Il link a seguire ci fornisce indicazioni oggettive sullo spettacolo e sui due protagonisti, oltre a Gambetta il contrabbassista Riccardo Barbera:

https://mat2020comunicatistampa.blogspot.com/2019/05/beppe-gambetta-in-concerto-savona-il-24.html

Ma un concerto sfugge ad ogni regola matematica e non esistono algoritmi che ne regalino un risultato certo.

Organizzazione, forse, complicata, gestita totalmente “in casa”, con Federica Calvino Prina (moglie di Gambetta) in evidenza per la gestione di qualcosa che può apparire semplice, ma semplice non è.

Beppe Gambetta torna a Savona dopo molti anni ma non è fatto casuale, esiste un legame con il luogo e con le persone, storie di musica e vita che si intrecciano e che formano un legame indissolubile. Il pubblico premia la scelta e arriva in Teatro in buon numero, fatto non certo scontato, qualunque sia la fonte propositrice.

La cornice merita - il salotto cittadino - ma non sono i muri che creano l’atmosfera…

Non è nemmeno la qualità dei protagonisti: Beppe Gambetta, maestro di chitarra acustica, Riccardo Barbera musicista straordinario in ambito jazz… ovvero la certezza della qualità!

Quello che a mio giudizio ha funzionato in maniera preponderante è… l’idea…

I presenti all’evento hanno afferrato e condiviso un’idea, un percorso logico che, se non captato in pieno, potrebbe passare per il solito utilizzo della musica di Faber…

Gambetta racconta e si racconta, lasciando ai margini la razionalità, privilegiando i sentimenti e le emozioni che possono scaturire, anche, da elementi materiali, come il cibo ad esempio. E la sua capacità di entrante in sintonia con il pubblico porta a quella che io chiamo “osmosi da concerto”, il continuo dare e avere che cresce nel corso della performance sino al crearsi di una totale empatia che determina l’assoluta bellezza e semplicità di ascolto.

Gambetta scherza, chiosa, utilizza ogni infinita accordatura di chitarra per regalare pezzi di vita - e barzellette -, e sì che lui di cose ne ha da raccontare!

Barbera partecipa alle gag, e mette in mostra delle skills spaventose, che unite a quelle del suo compagno di viaggio diventano orgoglio per l’audience, perché è indubbio che il concerto a cui abbiamo assistito è di quelli da… “Io c’ero”!

Ho goduto del massimo piacere d’ascolto, afferrando i particolari da posizione privilegiata, e felice di trovarmi pienamente coinvolto dalle storie proposte, cibo ma non solo, of course!

Propongo una trentina di minuti di musica, certo che potrà emergere lo spirito della serata.

La mia speranza è quello che Beppe Gambetta non aspetti altri 20 anni per tornare a suonare nella nostra città, fatta a volte di “musoni”, ma capace di importanti scambi di affetto, come è accaduto ieri, in una serata di fine maggio… un momento magico che ha regalato, a tutti, forti emozioni.

Beppe Gambetta alla Ubik di Savona-18 maggio 2019-Commento e video

Il 18 maggio, alla libreria Ubik di Savona, ho avuto l’opportunità di introdurre al pubblico presente un grande artista, che conoscevo per la sua arte, ma non avevo mai avuto modo di avvicinare personalmente: Beppe Gambetta, di mestiere chitarrista, anche se il termine appare assai riduttivo.

Credo sia stato uno dei miei incontri più gratificanti, perché vedere un tale musicista così da vicino, tra parole e musica, mi ha davvero toccato, anche se lo spessore umano è quello che alla fine risalta maggiormente, e la reazione del pubblico, presente in dose massiccia, conferma le mie sensazioni.

La filosofia che permea l’attività di Gambetta mette in evidenza il ruolo dell’artista, non solo come performer, ma come veicolo per la tessitura delle relazioni umane, concetto basico ma spesso poco considerato, sostituito spesso dalla voglia di visibilità a tutti i costi.

E non è un caso che i suoi “personaggio guida” siano stati uomini che attraverso la loro arte sono stati capaci di favorire la progressione in ambito sociale, e tra quelli dal lui conosciuti vengono citati Fabrizio De Andrè e Pete Seeger.

Gambetta è genovese - chitarrista in primis ma autore, arrangiatore, ricercatore e molto altro -, abituato a vivere la maggior parte del suo tempo in America - ha una casa nel New Jersey -, luogo in cui le sue passioni trovano pieno compimento nel mondo folk, anche se appare chiaro che è, anche, una necessità quella di vivere in un luogo dove il musicista è considerato “uno che lavora”, pensiero cancellato da tempo dalle nostre parti.

Non è tutto semplice neanche negli Stati Uniti, perchè come lui racconta… “… se sbaglio un concerto la volta dopo i presenti si riducono…”, ma l’audience esigente è quella che permette il miglioramento continuo.

Maestro nella particolare tecnica del flatpicking, nel corso della presentazione ha permesso di chiarire alcuni concetti legati alla sua attività, alla sua tecnica, al suo ruolo che permette di unire radici, culture e tradizione di differenti continenti, sino ad annullare il concetto di spazio/tempo, come accade solitamente in ambito artistico, soprattutto in campo musicale.

Parte del suo pensiero - briciole della sua musica - è compreso nel video che propongo a seguire, sintesi di quanto accaduto.

Ma qual è stato il motivo dell’incontro?

Gambetta è molto legato a Savona, città in cui ha insegnato e dove ha trovato diverse forme di collaborazione, ed è questo alla base del suo ritorno dopo molti anni per la proposizione di un progetto ambizioso denominato “Odore di mare misto a maggiorana leggera” - frase tratta dal brano “A Cimma” (De Andrè e Fossati) - ovvero “ Poesia e metafora del cibo nelle canzoni di Fabrizio de Andrè”, contenitore che presenta un percorso particolarissimo, quello che nel comunicato ufficiale è così definito: “Inoltrandosi nei testi di Fabrizio De Andrè, Beppe Gambetta ha costruito un percorso in cui il cibo acquista significati diversi, storici e metaforici. Si va dai profumi delle osterie della Città Vecchia, al brodo di farro dei galeotti, ai gatti mangiati per fame durante l'assedio di Genova. Si canta anche di cibo in senso evangelico (Il Pescatore), oppure erotico (Jamin-a), e, in canzoni diverse, si trovano tante altre metafore, come quella della "vecchiaia che ti pesta nel mortaio" o la critica al capitalismo nel menu in tedesco "maccheronico" del finale di "Ottocento".

Non un opera di coverizzazione quindi, ma un itinerario culturale ben preciso e inusuale, che andrà in scena il 24 maggio al Teatro Chiabrera di Savona, serata che si preannuncia imperdibile, con l’ausilio sul palco del contrabbassista jazz Riccardo Barbera.

Avrei passato ore a chiedere e a curiosare, viste le passioni comuni (ho scoperto che eravamo presenti ad un concerto genovese nel 1972!), che vanno dalla chitarra all’America, ma i tempi tecnici pongono dei limiti naturali.

Beppe Gambetta, utilizzando il suo modo espositivo affabile, ricco di aneddoti ed esperienze, ha strappato più di un sorriso, affascinando e regalando grandi esempi con la naturalezza e la semplicità che solo i grandi posseggono.

E ora la mia speranza personale è quella di vedere un Teatro Chiabrera gremito per un evento che si preannuncia di estrema qualità, una serata la cui organizzazione è ricaduta in toto sulla “famiglia Gambetta”, un regalo alla città che dovrebbe essere compensato dalle presenze perché, come è emerso nel corso della chiacchierata, l’artista cattura energia positiva dal giusto pubblico, una forza capace di rimbalzare per ritornare al mittente, una sorta di circolo chiuso che determina solitamente il concerto perfetto.

Da questo spazio racconterò il prossimo atto, anche se l’anticipazione è stata di grande conforto.

Una serata indimenticabile… eccone alcune pillole…

Zerothehero-“Nobody”

Zerothehero-“Nobody”

Zerothehero è il progetto solista di Carlo Barreca, musicista genovese, bassista in primis ma con vocazione verso l’uso incondizionato di strumentazione varia, tra i protagonisti della Fungus Family, band progressive di lungo corso.

L’album da poco rilasciato è “Nobody”, quarantadue minuti di musica strumentale - eccetto un episodio - in cui Barreca mostra il suo volto più passionale ed esprime una necessità, quella di lasciarsi andare senza limiti e barriere, perlustrando spazi inusuali e godendo della piena libertà espressiva:

“Ho suonato (quasi) tutto io, con l’aiuto dell’ottimo Luca Bonomi alla batteria. Metà dei brani sono nati come commento sonoro a “l’uomo dal fiore in bocca”, per un progetto realizzato qualche anno fa col “gruppo ironici d’assalto”. Per il resto ho impostato il lavoro come una sorta di Jam con me stesso, limando e ritoccando al minimo, lasciando imprecisioni e sbavature. Il tutto è per me un tributo a un certo modo di fare musica che sta scomparendo: le “salettate”, le improvvisazioni estemporanee, le combinazioni inattese. Ed è un omaggio diretto per un amico, con cui ho condiviso nottate in saletta, concerti senza scaletta e ore di interplay che a tratti sfiorava la telepatia”.

Questa è la filosofia con cui è stato realizzato “Nobody”, e l’intervista a seguire permette di entrare nei dettagli del disco, una preparazione all’ascolto che aiuta a comprendere.

La comprensione… è questa una possibile modalità di fruizione; esiste poi la censura al razionale e l’abbandono totale al fluire dei suoni, cercando la sintonia con l’autore, immedesimandosi, sostituendosi, entrando a far parte del viaggio, un itinerario con un inizio e una fine, stimolato dai ricordi e da una forte amicizia che viene fatalmente a mancare, ma che aleggia nei momenti più importanti, sicuramente quelli che hanno a che fare con la creatività.

C’è un forte profumo di Canterbury che permea l’album, e l’atmosfera appare quella che si respirava a cavallo tra gli anni ’60 e ’70, nel Kent, un tempo e un luogo colmo di genialità musicale.

Spruzzate di Oldfield - “Chairs”- e di Barrett - nel cantato di “Hourglass” -, appaiono dall’esterno elementi formativi di Barreca, una storia non vissuta in prima persona, per ovvi motivi anagrafici, ma assorbita in toto, e gli ascolti di Gong e Wyatt si rovesciano più o meno inconsapevolmente nel racconto personale, favorito dalla possibilità di assoluta libertà, quella che solitamente è limitata quando gli obiettivi devono essere condivisi dal gruppo.

Carlo Barreca si lascia andare, si racconta attraverso dodici episodi che marchia a fuoco col suo stile, prendendo una certa distanza dall’ortodossia, quella che va di pari passo con l’idea della visibilità, concetto che non credo abbia mai sfiorato l’autore, dedito alla sperimentazione e alla soddisfazione personale, stati mentali che alla fine producono qualità.

Uno uomo, una cantina, un pò di fumo, tanti strumenti… una notte intera da vivere… musica per sé, musica per chi ci sta vicino, musica per chi ci ha ormai lasciato… musica per gente virtuosa!

La nostra chiacchierata…

Eʼ uscito “Nobody”, "album realizzato come Zerothehero, ovvero il tuo progetto solista parallelo, soprattutto, alla Fungus Family di cui fai parte; partiamo dalle origini, come nasce e come si sviluppa nel tempo “Zerothehero”?

Ho sempre suonato da solo, senza mai prefiggermi scopi precisi; mi piace lʼidea del “to play”, o “jouer”, cioè suonare per il gusto di farlo. I brani di Zerothehero (come anche quelli che porto in dote alla Fungus Family) nascono quasi sempre da soli.

Sono un ascoltatore piuttosto vorace, e mi rendo anche conto di quanto gli ascolti confluiscano nel mio modo di “scrivere”.

Mi racconti cosa contiene “Nobody”, come si differenzia dal tuo normale impegno musicale?

Qualche anno fa mi è capitato di lavorare con un amico attore; mettemmo in scena “Lʼuomo dal fiore in bocca” e scrissi alcuni semplici temi su cui potessi “ricamare” al basso. Lʼossatura del disco nasce lì, mentre altri brani sono nati dallʼesigenza di improvvisare senza rete. Farlo da solo è stimolante, quando lasci decantare alcune parti, le dimentichi, e poi dopo un mese ci risuoni sopra con orecchie nuovamente vergini.

Nellʼalbum fai quasi tutto tu, e metti in evidenza, anche, la tua veste di polistrumentista, ma… la tua necessità di autarchia musicale è cosa episodica o è la parte preponderante del tuo essere musicista?

Parto da una confessione: sono solo un bassista; tutto il resto è gioco, sperimentazione, “cosa succede se metto un dito qui?” (lessi questa frase secoli fa a definire lo stile chitarristico di Syd Barrett). Vorrei riportare altri strumenti nellʼambito Fungus Family, ma dal punto di vista del live i fiati sono molto delicati e lo stick è particolarmente “fragile” nellʼeconomia di un mix.

Il disco è praticamente strumentale, tranne in un episodio: esiste un contesto ben preciso in cui la voce entra nella sfera dell’improvvisazione?

Le canzoni a volte arrivano, quando capita le afferro al volo! Hourglass parla del tempo; a volte la corsa e lʼaffanno sono una forma paradossale di pigrizia: non abbiamo la forza e il coraggio di fermarci, riflettere, ma i nostri schemi mentali ci impongono stimoli continui, senza priorità, logica, senza il necessario vuoto.

Realizzando il disco hai pensato ad un omaggio a persone o a situazioni precise?

Nel periodo in cui lavorai a “L’uomo dal fiore in bocca”, Alejandro J Blissett, chitarrista dei Fungus e mio grande amico e compagno di improvvisazione, scoprì di essere malato di un cancro al fegato. Questo è il mio piccolo omaggio a lui, ed è anche il mio modo di ricordare quelle serate in cui si saliva sul palco senza neppure una scaletta, improvvisando senza meta.

Qual è il tuo pensiero sulla situazione della musica dalle nostre parti? Album come il tuo o come qualunque altro del “circuito qualità” non trova canali che portano allʼascolto, se non a quello di nicchia…

Negli ultimi due anni ho ridotto di molto la vita da spettatore, per dedicarmi a una meravigliosa bimba; mi pare, comunque, che i giovani abbiano meno interesse per la musica “suonata” dal vivo rispetto alla mia generazione (ormai sono nei 40). Grazie per aver parlato di “qualità”!

Hai previsto momenti di incontro (concerti e presentazioni) per proporre il tuo nuovo lavoro?

Da quando è “uscito” il disco (uso il virgolettato perché mi sto muovendo pochissimo per promuoverlo) è capitato un unico concerto, che però mi ha permesso di arrangiare il materiale in modo da non impazzire saltando tra gli strumenti. Il mio setup dal vivo prevede basso, pedali, un semplice looper, microkorg e il flauto traverso. Penso di ripetere, devo però trovare situazioni adatte; il solo del bassista è notoriamente più efficace del buttafuori nello svuotare i locali, dunque mi propongo con circospezione e parsimonia!

https://zero-the-hero.bandcamp.com/

www.zerothehero.it