Sophya Baccini

Sempre più spesso mi capita di... scrivere di artisti e lavori musicali per me nuovi.

Mi piace percorrere "strade alternative" e, soprattutto, condividerle.

“L’ossessionare” i miei conoscenti e amici con le cose che scrivo ha un unico scopo, quello di spartire e diffondere la buona musica, che spesso fatica ad avere visibilità. Le mie possibilità di aiuto sono modeste, ma il provarci mi da il senso del “contribuire alla causa”.

Sono entrato nel mondo musicale di Sophya Baccini nello spazio pochi giorni, attraverso le musiche di Delirium e Osanna, ma soprattutto per mezzo di Aradìa, il disco di Sophya appena uscito, prodotto dalla genovese Black Widow.

Mi ero riproposto una specie di recensione, ma credo che non potrei migliorare quella di Riccardo Storti, pubblicata su Mentelocale, che può essere visionata al seguente link:

http://www.mentelocale.it/musica_notte/contenuti/index_html/id_contenuti_varint_23260

Preferisco quindi far scoprire Sophya Baccini attraverso le sue parole.

Evidenzio come tutti gli artisti che riesco ad avvicinare rispondano alle mie domande in modo ampio ed esaustivo, non limitandosi al gesto di cortesia, dimostrando quindi professionalità anche nell’assecondare un “gioco” , il mio, che in quanto a passione non è di livello minore.

Proprio per rispetto di Sophya, in questo caso, non salto nemmeno una riga di quanto da lei espresso, realizzando un post poco “vendibile”, giornalisticamente parlando, ma che inquadra la donna, la musicista, il talento.

Tutta da leggere l’intervista … non le mie parole, ma quelle di Sophya.

Sei per me un’artista da scoprire. Chi è Sophya Baccini e qual è il suo background culturale-musicale?

Non è facile riassumere 25 anni di carriera così su due piedi! Beh, ho cominciato col pianoforte da bambina, per cui ho conosciuto subito i grandi autori classici, e ho nutrito una passione veramente folle per Chopin; poi ho scoperto di avere una buona voce, e il fuoco si è spostato verso il canto. Ho preso lezioni di lirica, e contemporaneamente di dizione, recitazione e danza. Non pensavo di diventare una professionista, coltivavo semplicemente una passione; poi ho comprato due dischi fatali: “Relayer” degli Yes e “Greatest hits” di Janis Joplin: credo di aver deciso allora che quella sarebbe stata la mia strada. Il piano di Rick, la voce di Janis!

Risposi ad un annuncio di un gruppo che cercava una cantante per fare cover dei Matia Bazar, mi presero … e da allora non mi sono fermata più. Ho lavorato molti anni all’estero, anche negli Emirati Arabi come cantante degli Hilton Hotels, poi tornata in Italia sono diventata session player, e vocalist dal vivo per un mucchio di artisti. In questo ambito ho incontrato il tastierista ed il chitarrista dei Presence. Ho registrato con loro, a nostre spese, “The Shadowing”, e questo ha attirato l’attenzione della Black Widow, che ci ha contattati. Sono seguiti così altri cinque album in studio, più uno dal vivo e varie partecipazioni. Nel frattempo studiavo, ascoltavo, viaggiavo … in effetti non ho mai smesso di studiare musica, tuttora lo faccio, per me è una bellissima esigenza! Si passano tanti anni sui banchi di scuola a studiare, un po’ per forza, una volta che ho imparato come fare, permetti che studio quello che mi pare? Perdona questa piccola digressione …
Poi ho ricevuto una proposta dalla finlandese Colossus di scrivere un brano ispirato ad un loro poema epico, il Kalevala, insieme ad altri 30, tra gruppi e solisti. Il lavoro sarebbe stato un triplo CD. Dopo una serie di dubbi lancinanti e notti insonni, dovuti al fatto che ero assolutamente incapace di giudicare obiettivamente il mio lavoro di compositrice, ho deciso di accettare e mettermi in gioco. Ho scritto così “Malvagio per le stelle”, che è stato segnalato da molti come il miglior brano dell’opera . A questo punto mi sono chiusa per due anni nel mio studio e poi in sala d’incisione, ho raccolto tutto in una storia, ed ha preso forma “Aradìa”.

Ascoltando il disco dei Delirium ho scoperto una voce incredibile, quasi nascosta dalla dicitura ”corista”. Poi ti ho vista sul palco, ti ho ascoltata il giorno dopo e ora ho il tuo CD che mi rivela un’artista matura, nonostante la giovane età, che fa pensare a grandi margini di evoluzione. Dove può e dove vuole arrivare Sophya?

Se tu mi avessi fatto questa domanda qualche mese fa, quando il disco era pronto ma non era ancora uscito, ti avrei risposto che comunque fosse andata mi sentivo appagata, e che probabilmente questo sarebbe stato un punto di arrivo. Adesso, dopo l’accoglienza che ha ricevuto, ti dico che ho un’energia incredibile addosso, un mucchio di idee in testa, e che questo non è altro che l’inizio di un lunghissimo percorso. La vita di un artista, lo sto imparando adesso, è un continuo scambio di sensazioni con chi lo ascolta … e chi può prevedere dove ti porterà una cosa del genere? Una cosa però posso dirla: mi piacerebbe che “Aradìa” fosse un’ispirazione per i ragazzi, un incitamento a fare di meglio, come altri dischi lo sono stati per me. Credo di essere tra le pochissime donne nel Prog che canta, arrangia, suona e compone, in questo momento, ed essere una pioniera, aprire una pista – con tutti i rischi che questo comporta, ( me li assumo, va bene? ) – è sempre stata una mia caratteristica, e vorrei che continuasse così.

Sono entrato con un po’ di ritardo all’incontro di sabato, e tu eri impegnata a raccontare il “tuo significato” di prog. E’ un po’ quello che dico e scrivo da sempre e mi ha colpito un concetto che hai espresso e che a volte ho remore ad esprimere, per non passare per blasfemo. Sto parlando del tuo parallelismo con la musica classica, intendendo il progressive una musica completa, difficile, impegnativa e di piena soddisfazione per chi compone, esegue e ascolta. Come ti sei avvicinata alla musica progressiva?

E’ stato un percorso graduale, prima i cantautori italiani e francesi, dove è importante sentire quello che dicono, poi il rock classico inglese ed americano, dove è importante il ritmo, e poi è arrivato il Prog che riuniva un po’ tutte queste cose, oltre alle forme musicali care alla musica lirica e sinfonica, come ad esempio la suite. Per me il Prog è il punto più alto della musica leggera, oltre quello c’è solo la musica classica. Di più, per me è la lirica del futuro. Io veramente, vabbè lo dico, sono stata la prima ad alternare la tecnica lirica a quella moderna nel mio modo di cantare, e dopo che qualcuno ha gridato allo scandalo si è invece scoperto il mondo infinito di opportunità che ti apre questo incontro di generi, che è poi l’anima stessa del Prog. Qualcuno di noi ha mai dimenticato “Pictures at an Exhibition” degli EL&P? E’ stato per mesi e mesi primo in classifica! Non confiniamo il Prog in una piccola nicchia per pochi estimatori, per me non è quello il suo posto … è solo questione di tempo.

Sono molti i musicisti che operano reunion e riprendono con vigore la via prog, così come esistono tanti giovani che mettono da parte le “cose semplici” e si impegnano in progetti ambiziosi.

E’ un momento di riflusso, è un periodo fortunato, o è solo ..”… alla fine la musica buona prevale…” ?

La terza che hai detto … però, a parte gli scherzi, il Prog può anche essere estremamente semplice; lo sai, ascoltiamo qualche disco degli Ange, ad esempio, oppure “Lucky man” degli EL&P o “Wonderous stories” degli Yes, o “Raviole” degli Audience, o “700.000 anni fa l’amore”, del Banco, così tanto per dirne alcuni… la verità è che un prodotto nato dal Prog non finisce mai di stancarti, perché c’è quella tale canzone, ma c’è anche il brano da 10 minuti da riscoprire ogni volta, o l’assolo virtuoso ed immediato… è qualcosa che dura, ed è questo quello che il mondo vuole ADESSO. Il prodotto usa e getta non vale una spesa di 15-20 euro, quello se permetti me lo scarico da Internet, lo sento un paio di volte e poi mi libero l’hard disc. Un disco di buona musica è bello a cominciare dalla confezione, è una piccola opera d’arte che voglio tenere per sempre sul mio scaffale.

Nel corso della serata è emerso il discorso della musica “spazzatura” e tu hai dichiarato, tra le righe, di aver rischiato di andare a Sanremo. Non ho capito se sarebbe stata un’avventura stimolante o da evitare.

Se è vero che non è il tuo mondo artistico preferito, è anche vero che la visibilità che ne può derivare può facilitare la realizzazione dei progetti personali che spesso richiedo notevoli sforzi economici.

Insomma, forse bisogna mettere in conto che occorre sottostare a qualche piccolo compromesso. Sono fuori strada?

No, assolutamente, sono d’accordo con te, qualche compromesso è sempre necessario. Ne ho fatti tanti io, e ne faccio ancora quando si tratta di lavorare per gli altri, come vocalist o arrangiatrice. Quando la musica diventa una professione – io non faccio altro nella vita – non puoi fare sempre la scelta di qualità, altrimenti non mangi più! Emerson ha collaborato con Jovanotti, Spike Lee con Eros Ramazzotti… l’importante è essere sempre se stessi, anche in un ambito che non ti appartiene. Ed anche non esagerare con la spazzatura! Io sinceramente non penso che Sanremo sia solo spazzatura, per la maggior parte presenta cose inascoltabili, ma anche tanti grandissimi artisti sono usciti da lì. Il fatto è che io ci andrei anche domani, ma non portando spazzatura! Non avrebbe senso, non trovi? Non sarei credibile, non è il mio messaggio, non avrebbe alcun seguito e potrebbe essere addirittura controproducente.

Ti ho vista coccolata da Lino, da Martin e un po’ da tutti.
E’ il riconoscimento del talento , ma ci ho visto tanto affetto, segno che anche dal punto di vista umano le cose funzionano. Come nasce questo spirito positivo, che supera l’aspetto generazionale e la paura del nuovo che sopravanza, tipico di ogni ambiente di lavoro?

Nasce dal fatto che quando sei un grandissimo artista, come nel caso di Martin e Lino, non hai nessuna paura del nuovo che avanza, comprendi anzi le potenzialità che esso contiene e la spinta ulteriore che può dare a quello che hai fatto e che fai tu. Cosa hanno più da dimostrare i Delirium, gli Osanna, che sono famosi in tutto il mondo? Che nessuno ha mai dimenticato nonostante anni di silenzio? Io devo dimostrare che sono in grado di essere ancora qui fra vent’anni! E poi la collaborazione, il riconoscimento del talento, sono tipici del mondo del Rock e del Prog in particolare. Da parte mia, ho imparato che più i grandi sono grandi, più sono modesti e disponibili, più apprezzano anche il tuo lato umano, forse più di quello artistico. Una lezione di vita, oltre che di musica. Sono quelli che usurpano il trono che hanno sempre paura che arrivi qualcuno ad usurparlo…

A un certo punto hai parlato di tasselli che trovano la loro giusta collocazione.
Cosa è accaduto in questo ultimo periodo e che ruolo ha avuto la Black Widow?

E’ successo che per uno strano caso, davvero non era programmato, questi tre dischi per me importantissimi – “Prog family” degli Osanna, “Il Nome del Vento” dei Delirium e “Aradìa” – sono usciti insieme. Se anche ne fosse uscito uno soltanto sarebbe comunque stata una tappa fondamentale della mia carriera. Invece sono qui tutti e tre, ed in ognuno di loro c’è una parte di me ben precisa e definita.
Tutto è cominciato con la collaborazione di Lino in” Aradìa”. La Black Widow, che è sempre attenta a questi segnali, ha capito che era tornata la voglia agli artisti di suonare dappertutto, di uscire di nuovo dal guscio. Così ha messo in contatto me e Martin, e lui ha suonato il flauto ed il sax in “Aradìa” ed io ho elaborato i cori ed ho suonato il piano ne “Il Nome del Vento”. Poi Lino mi ha chiamata tra gli ospiti di “Prog family” e i Delirium sono andati a suonare ad Afrakà, un festival bellissimo e molto importante che Lino organizza ogni anno all’inizio dell’estate, e Martin ha duettato sul palco con David Jackson. Insomma è cominciato un fermento che secondo me durerà molto a lungo… tutti suonano con tutti, confrontando generi ed esperienze, e chi trionfa una volta tanto è la musica pura e semplice. Per farti un esempio pratico, se tu comprassi questi tre dischi ascolteresti in un colpo solo grandi classici, due ore di musica inedita, e nel caso degli Osanna David Jackson dei Van Der Graaf Generator, Gianni Leone, David Cross dei King Crimson per citare alcuni degli ospiti, e strumenti e voci che girano in brani diversi, con stili diversi e con grandi esecutori… l’ultima cosa che mi sarei aspettata quando sono andata a fare queste collaborazioni! Evidentemente c’era già pronto un mosaico, ma io potevo vederne solo le singole tessere.

Leggendo le note sul tuo CD ho rafforzato certe mie impressioni che si legano poi al discorso del prog.

E’ semplicissimo creare una canzone e a volte basta un solo accordo e forse un giorno di lavoro.

Recentemente mi sono occupato del disco del Cerchio d’Oro, due anni di lavorazione, dei Delirium, due anni di lavorazione , e ora leggo che il tuo è stato registrato in più di due anni.

Impegno, fatica, spirito di abnegazione… ma a quale razza appartenete?

A quella dei perfezionisti monomaniaci ossessivi, con ascendenze pinkfloydiane. Però con questo modo di fare i Pink Floyd hanno creato un disco che è tra i primi cento in tutte le classifiche mondiali dal 1970.

Mi racconti come nasce “Aradìa” e mi dai qualche delucidazione sui suoi significati?
Per prima cosa è nato questo tema musicale che mi girava per la testa, e pensavo di costruirci una suite. Poi mi è capitato di leggere del mito di Aradia, figlia del diavolo e della dea Diana, la prima strega nella storia del mondo. Affascinante! Nel frattempo, sul piano personale, conoscevo un sacco di donne belle, brave ed in gamba, che mi stavano facendo abbandonare una certa mia latente misoginia dovuta al fatto che a causa del mio lavoro mi sono sempre ritrovata in un mondo di maschi, e ho dovuto anche imparare a difendermi, sviluppando un certo caratterino… a volte scostante proprio con il gentil sesso. Con queste donne sono nate delle bellissime amicizie di tipo un po’ “maschile”, cioè basate sul cameratismo autentico, sull’affetto quasi fraterno, una cosa che mentalmente noi donne, secondo me, stiamo appena cominciando a sperimentare. E’ come se fosse cominciato un reale affrancamento psicologico, dopo quello economico, e quindi siamo pronte per diventare nientemeno che amiche. Perché non unire tutto questo a quel famoso tema che intanto stavo cominciando a buttare giù sul piano? Ho preso in prestito la figura di Aradia ed ho cambiato l’accento in Aradìa, perché più che una storia mi serviva un nome, ho cominciato a scrivere i primi testi ed il resto è stata una naturale conseguenza. Ho lasciato poi che fosse una grandissima donna, Joni Mitchell (cantante, compositrice, pianista, chitarrista, pittrice…), a chiudere questo cerchio con la sua “Circle Game”.

Hai qualche aneddoto da raccontare, legato al periodo di gestazione?

C’è l’episodio divertente che è successo quando sono andata a chiedere a Lino Vairetti se voleva partecipare al disco, che era ancora in embrione… come ti ho detto Lino organizza ogni anno questo Festival molto importante che si chiama Afrakà, e io e mio marito andiamo da sempre a vederlo, perché ci sono sempre grandi nomi della musica internazionale ed oltretutto è gratis, in un bel parco… quell’anno c’era Brian Auger, e dopo il concerto andammo a salutare Lino come al solito, e io mi ero preparata tutto un discorso complicato un po’ alla Troisi, sicura che quando gli avessi fatto quella domanda lui avrebbe risposto no… e allora io avrei detto ma perché no, guarda che c’è questo, e quest’altro, e poi così, insomma una sfilza di argomenti che adesso neanche ricordo. Ci avviciniamo a Lino, lo salutiamo, tanti complimenti, io prendo fiato, gli faccio la fatidica richiesta, e lui: “Sì”. Sono rimasta impietrita riuscendo a stento a sostituire il “perché” con un “grazie”, ed un sorriso tiratissimo che non si è più cancellato fino a quando non sono tornata a casa…

Con Martin invece è successo un fatto forse ancora più carino. Gli ho mandato il primo brano dei due che lui ha suonato, “Nei luoghi”, con un sax guida, ovviamente campionato, poi ci siamo sentiti per telefono (ero emozionantissima, credimi…) e gli ho detto che mi sarebbe piaciuto il sax tenore. Lui mi disse ok, poi mi ha raccontato in seguito che quando ha posato il telefono parlava da solo…”Io ho il sax baritono, il soprano, una serie infinita di flauti, flautini ed ottavini, ma lei no, vuole il sax tenore che è l’unico che non ho…” Comunque ne ha comprato uno su Internet apposta … e parola mia, il suono di quel sax in quel pezzo è da brividi! Non dirglielo però… non garantisco la sua reazione!!!

Martin Grice ha affermato una cosa che sposo in pieno: è un lavoro che andrebbe “messo in scena”, rappresentato anche dal punto di vista teatrale.
Io ho avuto la stessa impressione, al primo ascolto.
Fa parte dei tuoi progetti futuri una realizzazione del genere?

Spero veramente che si possa fare, “Aradìa” è nata come una storia da rappresentare,e io ce l’ho tutta ben chiara in mente. Certo non è facile, renditi conto, cantanti, ballerini, scene… ma negli ultimi tempi ho imparato che le cose più insperate a volte si realizzano nel più semplice dei modi.

Ho messo in start il CD e ho iniziato a seguire i testi.
Non è un lavoro semplice, di immediata presa, ed emana profumo di cultura.
Non temi di aver realizzato qualcosa che escluda in partenza la massa?Assolutamente no, perché ci sono anche delle semplici canzoni - nelle quali tra l’altro io credo molto - tipo “When the Eagles flied”, che è un mio personale omaggio al Southern Rock americano, e nel titolo riecheggia “When the eagle flies” di Stevie Winwood, ma a parte queste elucubrazioni mentali è semplicemente un brano carino, come anche “Ever too small”, che invece è un po’ British Pop, una cosa alla Elton John. E poi ti dirò una cosa incredibile: io ho fiducia nella massa! Non penso che sia formata totalmente da deficienti, penso invece che esiste una gran MASSA di persone che è stufa di sentire sempre e solo cretinaggini e che dice solo “era ora” quando gli si offre qualcosa di meglio. Chiedilo un po’ ai Genesis, che devono il loro successo planetario agli italiani… anche a quei tempi, Orietta Berti e Mino Reitano erano primi in classifica… tanto di cappello a questi due grandi professionisti, ma accanto a loro la stragrande MASSA degli italiani mandò anche “The Lamb lies down on Broadway” a dominare la scena.

I brani sono cantati in equilibrio tra italiano e inglese, con passaggi in francese, e il tutto avviene anche all’interno dello stesso pezzo.
Perché hai scelto questi mezzi espressivi? Quali legami hai col mondo anglosassone?
Tutto si svolge sempre al servizio della storia, è questo il mio modo di comporre. Volevo far capire che “Aradìa” attraversava varie fasi della sua vita e della sua coscienza, viaggi fisici e mentali, ed ho usato linguaggi diversi per rendere questa idea. Ma comunque, io penso che ognuno poi può vederci quello che più gli pare, in un pezzo io ho inteso questo, ma a te può ricordare quella sera a Parigi con quello schianto di ragazzina francese… a me piace moltissimo anche come “lega” il francese con le atmosfere Prog, a volte anche più dell’inglese. L’inglese è d’altronde un must, è ormai il linguaggio del mondo, una specie di esperanto naturale, e l’italiano è la mia lingua, sono italiana, napoletana, e mi va di sottolineare questa cosa. Infine è stato semplicemente un caso, molti brani sono nati direttamente così, e non ho voluto eliminare quel tocco di spontaneità. Per quanto riguarda i miei legami col mondo anglosassone, sono forti, fortissimi, derivano da una ammirazione sconfinata per il loro modo di vivere, per la loro cultura in generale, a volte penso che siano una razza superiore. Beh, oddio, non proprio… ma davvero mi piacciono moltissimo gli inglesi, ed io piaccio a loro, c’è sempre stata una simpatia immediata e ricambiata. Martin Grice, non ha mai nascosto di essere uno dei miei più grandi ammiratori ed estimatori, così come Clive Jones dei Black Widow. Ma con Martin è una cosa speciale, a parte il fatto che io ho collaborato alsuo disco e lui al mio, non ha mai smesso di incoraggiarmi, di credere in me. Quando ha sentito i provini dei due brani che ha suonato nel disco, mi ha detto delle cose che scavavano nel profondo, si è accorto del lavoro e dello uno sforzo compositivo enorme che avevo fatto, e di un modo di usare la voce ai limiti del lecito, come uno strumento aggiunto. Questo non è mai successo con un artista italiano, e non è una constatazione polemica, è semplicemente un dato di fatto. Ti assicuro che se “Aradìa” alla fine è uscito, almeno per il 50% per cento lo devo a lui, ed alla fiducia che è stato capace di infondermi. E poi ammiro degli inglesi il sense of humour che mi appartiene come essenza, e che a volte qui in Italia può essere frainteso in una donna; mi piace il loro modo di ragionare, di premiare il migliore e di difendere la propria “isola”. Per questo motivo, non andrei mai a vivere in Inghilterra!!!

Sono rimasto colpito, al primo ascolto, da “Don’t Dream the Dream”.Nel quotidiano, coltivi i sogni o preferisci il pragmatismo?

Sono una sognatrice molto disincantata. Vivo praticamente nel mondo delle favole, ma so che con una buona dose di pragmatismo molti dei tuoi sogni si possono avverare … l’importante, secondo me, è essere pronti quando questo avviene! Spesso sogni per il piacere di sognare, di vivere in quella dimensione aliena dove tutto succede nel modo più bello e più piacevole che si possa immaginare. Poi magari queste due dimensioni si uniscono per un istante e tu sei lì a guardare da qualche altra parte. Oppure ci sono i sogni che possono ucciderti, che sono falsi amici, e ti annebbiano la mente. Questo è quello di cui parlo in “Don’t Dream the Dream”. In quel caso devi avere la forza di rinunciare, e il pragmatismo può essere un grande alleato per aiutarti a vederci chiaro.

Esiste qualcosa, al di fuori della musica, per cui riesci a provare forti emozioni?
Beh, a parte la sfera del personale, che com’è immaginabile comprende l’amore, l’amicizia , c’è la letteratura – un buon libro più di una volta mi ha salvato la vita – e il cinema, che però sfiora la musica, nel senso che la musica associata alle immagini è una cosa che mi interessa moltissimo, e lo stesso vale per il teatro, che ha raggiunto ultimamente dei livelli tecnologici strabilianti. E poi lo sport, il calcio ed il pattinaggio artistico in particolare, ma anche l’atletica… praticamente ogni quattro anni quando ci sono le Olimpiadi io non ci sono per nessuno. E poi la natura, gli animali. Una volta, tanto per dirtene una, ho fatto un applauso ad un panorama. Forse sono un po’ matta? Ti assicuro che avresti applaudito anche tu quello spettacolo, se avessi visto quello che ho visto io….(ho visto cose che voi umani!!!) sono insomma una persona molto sensibile, e fiera di esserlo, credo che l’elenco sarebbe troppo lungo…

All’interno della magnifica confezione CD ho trovato la seguente frase di Verdi, "Torniamo all’antico: sarà un progresso”… Quale significato dai a questa frase, calata sulla tua musica, sul tuo modo di vivere?

E’ una frase che Verdi pronunciò proprio in un periodo simile a quello in cui stiamo vivendo, dal punto di vista della creatività e dell’innovazione. C’era stato il grande movimento della Scapigliatura milanese e c’era Wagner che anticipava un po’ la musica dodecafonica, e quindi sembrava che ormai non ci fosse più niente da dire, che non si potesse andare oltre. Tutto si ripeteva stancamente e c’era l’obbligo del già sentito, del “come quello”. Allora Verdi disse questa cosa, nel senso di prendere ispirazione dal vecchio per fare il nuovo, ascoltare il passato per creare il futuro. Fu una ventata di energia per l’intera sfera musicale dell’Ottocento! In questo senso ho voluto usarla per spiegare Aradìa: io credo che si tratti di qualcosa di assolutamente nuovo, ma con le radici ben piantate nelle origini del Progressive. E credo che si possa applicare alla vita di noi tutti: quando non riuscite più ad andare avanti, ricordate qualcosa di bello del vostro passato, ma non con nostalgia, che vi farebbe stare peggio, piuttosto con un senso di conferma: se c’è stato una volta, può tornare.

When the Eagle Flies

Note biografiche

Sophya nasce professionalmente come cantante solista ed autrice di testi in italiano, napoletano, francese ed inglese.

Compositrice e corista, figlia di un tenore, ha perfezionato la sua tecnica vocale con studi di emissione lirica e blues, ha studiato pianoforte sin da piccola, e si è divertita ad imparare da sola a suonare la chitarra. Per migliorare la qualità delle sue esibizioni, ha frequentato corsi di dizione, recitazione e danza, oltre alla preparazione della licenza di solfeggio . Lavora da anni come vocalist dal vivo e come turnista in sala d’incisione. Nel suo curriculum, collaborazioni tra gli altri con Amij Stewart, Paolo Zavallone, il Maestro Mino Campanino, Nino D’angelo, Lino Vairetti degli Osanna.

Nel 1990, dopo una serie di esperienze prima in Italia e poi negli Emirati Arabi Uniti come cantante nella catena degli Hilton Hotels, fonda i PRESENCE, gruppo Prog-Dark molto amato all’estero (particolarmente in Giappone, America e Germania) mettendoci dentro un po’ tutta la sua esperienza di session-player e tutto quello che per lei è voce, dalla sperimentazione elettronica con l’uso di echi ed effetti creati da lei stessa, ai cori dissonanti, alle sonorità più “maschili” ed alla voce usata come strumento con l’impiego del campionatore, fino alle contaminazioni di lirica e blues con il rock ed un certo pop “de luxe”.

Con i Presence pubblica sei dischi, di cui è l’autrice dei testi, tutti full-length albums, molto curati nella grafica e nelle incisioni, grazie alla collaborazione con l’etichetta Black Widow di Genova. E’ votata dal magazine Flash Europa come quarta miglior voce rock femminile al mondo, in seguito alla sua interpretazione di quattro romanze di Verdi pubblicata sul CD “Black Opera”. Viene coniato per lei il termine “Rock Soprano”.

Nel 2004 la Black Widow ristampa il loro quarto album uscito nel 1996,”The Sleeper awakes”,su CD e doppio vinile, realizzato con la collaborazione della sezione d’archi del teatro S.Carlo, con allegato disco dal vivo.

Come solista, partecipa nel 2003 per la Colossus (etichetta finlandese di Progressive)ad un album triplo dedicato al grande poema epico Kalevala,dove collaborano trenta gruppi tutti di nazionalità diverse, in cui si cimenta per la prima volta come pianista e compositrice oltre che cantante. Il disco è distribuito in tutto il mondo dall’etichetta francese Musea.

Nello stesso anno si esibisce dal vivo nel Dance Musical “Il Canto di Circe”, tratto dall’omonima opera di Giordano Bruno, di cui è ideatrice della tematica ed autrice dei testi. Lo spettacolo viene ripreso e stampato su DVD.

Nel 2005 appare come special guest nel disco dei romani Greenwall “From the treasure box”, per l’etichetta Rock Revelation, in cui canta tre brani, e per uno di questi compone i cori.

Nell’Aprile 2008 esce l’album dei Malaavia “Vibrazioni Liquide” che vede la partecipazione di Sophya nel brano “Lakhmidi di Hira”.

E’ del Giugno 2008 l’ uscita del sesto album in studio dei Presence, “Evil Rose”, di cui è autrice come sempre di tutti i testi. .

Sophya ha collaborato inoltre ad un album di cover italiane di Prog anni ’70 per i genovesi Wicked Minds, con il brano “Io la Strega” dei Circus 2000, ed al disco solista del chitarrista della band, Electric Swan, con la cover di Ruth Copland “Your love feels so good to me”.

E’ tra gli ospiti del disco dei bergamaschi Tilion, insieme con Clive Jones della storica band inglese Black Widow, e con Lino Vairetti degli Osanna, con il brano scritto espressamente per lei “Symphony for a Shadow”. Il disco è uscito nell’Ottobre del 2008 per la Musea Record.

E’ tra gli ospiti del nuovo album degli Osanna, “Prog Family”ricco di collaborazioni illustri (David Jackson dei Van der Graf Generetor, David Cross dei King Krimson, Gianni Leone del Balleto di Bronzo tra gli altri), ed ha collaborato anche con i Delirium per il loro nuovo album “Il Nome del Vento”, uscito nel Febbraio 2009.

Esce il 7 Marzo 2009 il suo primo album da solista, “Aradìa”, contenente una suite originale di circa 60 minuti ed interamente scritto, arrangiato e registrato da lei. Ospiti illustri hanno partecipato a questo progetto, come Lino Vairetti degli Osanna, Martin Grice dei Delirium, il batterista/cantante Aurelio Fierro jr, nipote del celebre cantante napoletano, ed il tastierista Stefano Vicarelli dei romani Fonderia con il suo Moog modulare.

http://www.sophyabaccini.com/

www.myspace.com/sophyabaccini

http://www.presence.it/

Cervello-"Mèlos”

Il Cervello nasce a Napoli nel 1970, per opera di Antonio Spagnuolo al basso, Giulio D’Ambrosio ai fiati, Gianluigi Di Franco ai fiati e alla voce, Remigio Esposito alla batteria e Corrado Rustici alle chitarre; le musiche erano di Corrado Rustici, Antonio Spagnolo e di Gianluigi Di Franco, nonostante sulla copertina figurassero due prestanome “G. Marazza e E. Parazzini”.

L’unico disco della loro carriera uscì nel 1973, si chiamava “Mèlos”; tutti i testi erano ispirati abbastanza palesemente all’esoterismo con un particolare occhio alla mitologia greca.

La musica era particolare, assolutamente personale, ricca di suoni e di atmosfere partenopee grazie all’uso diverso dal solito dei tanti fiati (sax, flauto traverso e dolce, ecc…) utilizzati.

Molto bello l’utilizzo del sax, che veniva spesso usato come seconda chitarra, mentre i riffs venivano suonati all’unisono da sax e chitarra creando, un' amalgama davvero unica.

In Italia, “Mèlos” non ebbe un grandissimo seguito, ma stranamente arrivò a vendere un numero incredibile di copie in Giappone, dove venne più volte ristampato.

Dopo questo disco sia il gruppo che i musicisti scomparvero nel nulla, tranne Corrado Rustici che collaborò nel ‘73 con gli Osanna (Danilo Rustici, fratello di Corrado era il chitarrista di quel gruppo), poi fondò i Nova che non ottennero un gran successo in Italia, ma abbastanza negli USA, dove in seguito emigrò e dove, dopo aver partecipato come chitarrista ad album di artisti del calibro di Aretha Franklin, Whitney Houston, George Benson, Herbie Hancock ed altri, iniziò la sua fortunata carriera di produttore/arrangiatore di artisti come Zucchero, Elisa, Negramaro, Ligabue.

Acqua Fragile

Vidi gli Acqua Fragile agli inizi degli anni 70 come supporto, credo, dei Gentle Giant.

Ma è solo con l'entrata di Bernardo Lanzetti nella PFM che ho scoperto una delle migliori voci del panorama italiano e internazionale.

Qualcuno diceva , allora:"...sì, bravo, ma assomiglia così tanto a Peter Gabriel..."

Non è certamente una colpa avere una fantastica timbrica, nemmeno se riconduce ad altri artisti conosciuti.

Ho acquistato pochi giorni fa il CD omonimo, senza ascoltarlo, e ho trovato un lavoro "fresco", piacevole e originale, con chiare influenze dei grandi gruppi dell'epoca, tanto da poter individuare nei primi tre pezzi, ad esempio, Genesis, Gentle Giant e Yes.

Ben venga il ritrovamento di questi reperti e, per quello che posso, mi adopererò per fare la massima pubblicità possibile.

Gli Acqua Fragile furono un gruppo di rock progressivo italiano degli anni ‘70, originario della zona di Parma.

Il gruppo si chiamava inizialmente Gli Immortali, e comprendeva Bernardo Lanzetti (voce), Gino Campanini (chitarra) e Piero Canavera (batteria), a cui si erano aggiunti in seguito il tastierista Maurizio Mori e il bassista Franz Dondi.

Dondi proveniva da un altro gruppo minore, I Moschettieri, che nel 1967 aveva inciso un 45 giri («Il tempo dell’amore») e aveva suonato come spalla in un concerto italiano dei Rolling Stones.

"Gli Immortali" iniziarono a esibirsi dal vivo e agli inizi degli anni ‘70 furono notati dai membri della Premiata Forneria Marconi, uno dei gruppi di spicco del panorama del prog italiano.

Il manager della PFM, Franco Mamone, decise di seguire anche il gruppo di Lanzetti, che nel frattempo aveva cambiato nome in Acqua Fragile.

Mamone riuscì a far suonare il gruppo come supporter di molti grandi del momento, qualiSoft Machine, Uriah Heep e Gentle Giant.

Il primo album degli Acqua Fragile, Acqua Fragile, fu pubblicato dall’etichetta indipendente Numero Uno nel 1973. Era un lavoro chiaramente ispirato al progressive britannico (soprattutto Genesis e Gentle Giant) e cantato in inglese (fatto piuttosto anomalo per il panorama discografico italiano dell’epoca).

Acqua Fragile fu distribuito solo in Italia e non ebbe il successo sperato.

L’album successivo, Mass-Media Stars (1974), fu stampato anche per il mercato statunitense, che già aveva accolto con entusiasmo la PFM.

Alla fine dell’anno il gruppo acquisí un nuovo elemento, il tastierista Joe Vescovi, proveniente dai Trip appena scioltisi, ma poco tempo dopo fu il cantante Bernardo Lanzetti a abbandonare per entrare nella PFM (con cui avrebbe realizzato Chocolate Kings).

Lanzetti fu sostituito per qualche tempo da Roby Facini (precedentemente nei Top4 e nei Dik Dik), ma il gruppo non produsse piú nulla e si sciolse definitivamente nel 1975.

I membri del gruppo percorsero poi strade indipendenti. Lanzetti, dopo la PFM, intraprese una carriera solista di discreto successo, allontanandosi dal rock prog; recentemente ha collaborato con i Mangala Vallis (gruppo reggiano guidato da Gigi Cavalli Cocchi) nel loro album d’esordio "The Book of Dreams" (2003), per poi entrare stabilmente nel gruppo a partire da Lycanthrope (2005). Dondi e Canavera suonarono per qualche tempo nei Rocky's Filj, e poi negli Shout, una tribute band dei Beatles che ha pubblicato due CD negli anni ‘90.

Dondi ha anche fondato, di recente, l’Acqua Fragile Project, che ripropone brani del repertorio Acqua Fragile.

Formazione:

Bernardo Lanzetti: voce

Gino Campanini: chitarra.

Maurizio Mori: tastiere

Franz Dondi: basso

Piero Canavera: batteria.

JC Cinel-Before My Eyes

Da un pò di tempo mi capita di scoprire casualmente... validi artisti di cui non conoscevo l’esistenza, nonostante questi possano vantare un passato significativo da mettere sul tavolo.

Forse questa mia affermazione è un po’ il cuore dell’intervista a seguire, dedicata al “personaggio” JC Cinel.

Se un appassionato di musica come io sono, ricercatore quotidiano di novità, sino a un mese fa non aveva idea di chi fosse J C , beh… mie colpe a parte, qualcosa non funziona!

Ciò che non va, secondo JC Cinel, lo scoprirete nelle righe a seguire.

Da parte mia posso dire che Before My Eyes è un gran disco.

Ho condiviso l’ascolto con amici e a tutti è "suonato"strano quando alla fine ho raccontato di un artista italiano.

Non voglio nobilitare il rock e il blues d’oltreoceano, sottovalutando la qualità di casa nostra, ma evidenzio che esistono quasi sempre differenze, udibili al primo ascolto.

In questo caso JC ci propone ciò che non appartiene al nostro DNA, e lo fa nel migliore dei modi.

Ma c’è qualcosa in più, il tocco nostrano che trasforma il tutto in una miscela vincente.

So per esperienza diretta quale sia la musica del Tennessee, luogo in cui Cinel ha soggiornato a lungo.

Ad ogni angolo spunta una chitarra, un’armonica, un ritmo e una voce penetrante , spesso roca. C’e’ anche tanto dolore, all’insegna del “ … no pain…no blues..”.

Difficilmente però nasce una melodia, un coro, una voce limpida.

In Before My Eyes , disco che definirei di rock blues, c’è tutto.

Ci sono le armoniche della downtown di Menphis, le chitarre “dure, la voce della West Coast , c’è il ritmo e la melodia.

Viaggiare tra gli stati americani significa percorre infiniti rettilinei con i capelli al vento e la musica che ti accompagna, e questo è il disco ideale.

La prima volta che l’ho sentito ero in auto e da subito ho pensato che quella fosse la giusta collocazione.

Catalogarlo tra i cd “da viaggio” potrebbe risultare riduttivo, ma è un ‘immagine che mi aiuta a delineare la grande qualità, che si sposa all’estrema facilità di ascolto.

Come descritto nell’intervista a seguire, la musica di JC Cinel ha colpito nel segno anche con “giovanissimi uomini”, magari non potenziali acquirenti immediati, ma il giudizio positivo di chi si muove attraverso l’istinto, senza preconcetti, credo sia da tenere in grande considerazione in fase di una autovalutazione scevra dagli aspetti legati al mercato e al businnes.

L’intervista.

Un amico che conosce la mia “fame di musica” mi ha detto : ”Prova ad ascoltare questo… si chiama JC Cinel... “ Lo faccio, tra Genova e Savona, e quando successivamente entro nel tuo sito scopro che è il sesto lavoro e che sei italiano. Incredibile! Cosa non funziona nel sistema? Perché un musicista come te non riesce ad avere una corretta collocazione?

Buona domanda... forse perchè oggi la musica è diventata troppo intrattenimento e poco arte, forse perchè internet e tutto il mondo virtuale hanno permesso a chiunque di fare musica saturando il mercato e annullando di fatto la selezione naturale che faceva andare avanti chi era mosso da passione e qualità... anche con fatica... forse...

Cosa cambierebbe se fossi americano o se vivessi in quella parte del mondo?
Beh in America la musica riveste un ruolo fondamentale nella quotidianità di un ragazzo o di un uomo comune, anche non musicista, basta accendere la radio e giornalmente viene trasmesso il meglio del classic rock, country, blues, prog, jazz... capisci quindi che una persona si ritrova ad avere una cultura musicale rilevante anche senza andarla a cercare, immagina se sei musicista! Pensa che a volte, parlando con musicisti italiani, spesso ansiosi di ostentare il loro sapere, mi ritrovo a dover spiegare o parlare di artisti storici del rock di cui loro non hanno mai sentito parlare... triste no?

Sì, in America la figura del musicista è un dato di fatto, e ci sono a disposizione strutture e opportunità che qui sono impensabili...

L’impatto all’ascolto è notevole. Rock blues di ottima fattura che non ha niente da invidiare agli artisti di Beale Street. Come nasce JC Cinel?
Io appartengo alla vecchia generazione di musicisti che sono stati assidui ascoltatori ed acquirenti di dischi, prima di diventare musicisti(cosa estremamente rara oggi... conosco insegnanti di chitarra e altri strumenti che non sanno chi sono la Steve Miller Band, i Bad Company, Yes, Allman Brothers!!!) e quindi le influenze più variegate e le differenti sonorità hanno sempre fatto parte di me; è risultato naturale in seguito, suonando e scrivendo, esprimermi in un linguaggio musicale che attingesse da fonti e stili apparentemente antitetici.

Quali sono i tuoi riferimenti più importanti in ambito musicale?
La lista è molto lunga, te ne elenco un pò… sicuramente all'inizio tutto il movimento West Coast californiano e cantautorale, come America, CSN & Y, Buffalo Spingfield, Doobie Brothers, Bob Seger, Bob Dylan, Byrds, Eagles, Jefferson Airplane... ma anche il rock e hard rockblues British; penso ai Cream,Who, Free, Humble Pie, Cactus, Jeff Beck, Deep Purple, Led Zeppelin, il blues di BB King, Muddy Waters, Albert Collins, Albert King, per poi tornare al southern di Allman Brothers, Lynyrd Skynyrd, Blackfoot, Tom Petty, John Mellencamp... il prog degli Yes, Camel, Genesis, Van der Graaf ed anche l'AOR più radiofonico, Boston, Journey, Styx, Foreigner.

In cima a tutta questa lista ovviamente Beatles, ma potrei andare ancora avanti.

Mi puoi descrivere sommariamente la tua strumentazione, le tue preferenze in ambito chitarristico?

Uso Takamine per le acustiche e Gibson Les Paul standard ed Epiphone semiacustica per le elettriche; amplificatori Fender e Marshall. I miei chitarristi preferiti di sempre sono molto distanti tra loro... Eric Clapton, Jeff beck, Jimmy Page, Duane Allman, Gary Moore, Stephen Stills, Pierre Bensusan, George Benson, John Renbourne, Neil Schon, Carlos Santana, Jeff Healey, George Lynch, Larry Carlton, Steve Howe.

Ho fatto un test e ho inserito il tuo brano (il video) “Feel The Moment” su facebook per farlo sentire ad amici: sei piaciuto proprio a tutti. Ecco, mi pare che il tuo sia un CD che possa soddisfare i palati più variegati… non sempre il blues e il rock sono easylistening. Cosa ti guida nella composizione dei brani?

Molto spesso scrivo con la mia chitarra acustica... mi piace trovare progressioni armoniche particolari, accordi con voicing aperti e trasportabili in un contesto più articolato, dove aggiungo gli arrangiamenti e il sound del gruppo; mi piace dare comunque un messaggio di positività e solarità, mi piace pensare che chi ascolta le mie canzoni sia magari in macchina in autostrada e si senta di buon umore; i testi parlano di storie vissute, ma anche di sogni, di viaggi fatti e non fatti, del tendere verso qualcosa a discapito di una meta sicura e precisa, del vivere il momento perchè è tutto ciò che si ha.

Altro aneddoto personale.

Scorazzando in auto mio figlio e due suoi amici undicenni, a un certo punto ho detto loro:” … ora ascoltate J.C.Cinel, sentite che rock!!!” . Non hanno commentato, ma al ritorno uno di loro, salutandomi mi ha detto: “… come si chiamava quel cantante?” E poi ti ha cercato su youtube. La buona musica non ha età e l’istinto di un bambino non è da sottovalutare.
A chi "indirizzi” le tue canzoni? Hai a cuore la “coltivazione” dei più giovani?
Io penso che, come tu dici, la buona musica non abbia età; è ovvio che ognuno di noi ha delle corde musicali che vengono sollecitate da differenti colori musicali; la nostra personalità e sensibilità va a cercare la musica che più ci rappresenta, che più ci stimola e ci da emozioni; io amo molto la melodia e l'armonia e questo sicuramente avvicina persone ed ascoltatori che sono in sintonia; come dicevo prima penso di trasmettere solarità, speranza e positività e tanti chiedono questo dalla musica, sia giovani che meno giovani.

Ringrazia comunque l'amico di tuo figlio... fine ascoltatore...

Io definirei “Before my Eyes” un lavoro senza tempo, maturo e molto americano ( e per me è un termine positivo).

Quali i cambiamenti rispetto ai lavori, che ancora non conosco?
Si, hai colto nel segno.

Sicuramente rispetto ai lavori passati c'è una cura ulteriore per il songwriting, cosa fondamentale ed indispensabile, e anche un riguardo quasi maniacale per gli arrangiamenti e le armonie vocali ed il suono in generale. Penso con Before My Eyes di essere riuscito a fondere tutte le mie influenze, pur distanti, in unico stile. Raggiungere uno stile, alimentarlo, modellarlo, ma renderlo sempre riconoscibile, pur nelle sue evoluzioni, penso sia il lavoro più duro ed impegnativo per un artista...

Qual è la differenza tra un bravo musicista con grande successo e un bravo musicista un po’ meno in vista?

Forse oggi non basta più essere solo un bravo musicista per arrivare ai grandi circuiti, e lo dico senza rammarico; forse oggi servono anche altre attitudini, come essere promoter di se stessi, disposti a compromessi; magari prendere con maggior distacco il proprio lavoro, privilegiando il “vendersi bene” a discapito dell’arte; insomma, impegnarsi in aspetti che c’entrano meno con la musica, ma molto con la visibilità e il businnes.

Certo, non tutti sono in grado di farlo o ne hanno desiderio!

Nello scambio di mail che abbiamo avuto ho notato un velo di rammarico quando hai accennato al suonare dal vivo. E’ difficile trovare degni spazi per esibirsi?
Sì, è difficile per il semplice fatto che oggi l'Italia si sta trasformando in un circo d'intrattenimento; la gente va nei locali per divertirsi ed essere intrattenuta da gruppi/orchestra che propongono il meglio delle hits a cifre esorbitanti.
E’ ovvio che gli spazi a disposizione di che scrive materiale proprio e propone le proprie produzioni si riduce sempre di più, e i contesti non sono certo i migliori.
Non parliamo poi della salute dell’ industria discografica, elemento che è davanti agli occhi di tutti… basta accendere la televisione; è triste pensare che la curiosità verso l'arte si sia prosciugata così tanto! Non saprei neanche dire il perché, è così e basta; ogni generazione ha degli input ed esigenze, e forse oggi l'Italia ha bisogno di questo; ciò non toglie che ci sia sempre un underground molto attivo, anche se gli sbocchi sono molto limitati. Ci si può comunque sempre muovere da altre parti dove per fortuna, senza essere troppo esterofilo, la situazione è completamente rovesciata...

Ho notato che tra “Before my Eyes” , 2007, e Wicked Minds, del 2004, entrambi prodotti dalla Black Widow, c’e’ un live, “Wicked Minds”, sempre del 2007, ma prodotto da altra etichetta. Che significato hanno questi cambiamenti?

Ci sono stati tanti cambiamenti nei Wicked Minds...

Mi racconti qualcosa sui tuoi programmi futuri?

Sto lavorando al disco nuovo che avrà tanti ospiti tra cui spicca Johhny Neel, ex tastierista degli Allman Brothers che ho conosciuto durante la mia lunga permanenza a Nashville, che ha suonato Hammond e pianoforte su quattro mie brani. Sarà un disco più rock senza ovviamente tralasciare le mie storiche influenze. Sto facendo anche altre collaborazioni con artisti italiani e cantautori americani importanti, ma è ancora un pò presto per parlarne.

Ricordo i miei contatti per chi fosse interessato all'acquisto dei miei dischi:

http://www.jccynel.com/

URL=http://www.myspace.com/jccinelitaly

Alcune note salienti (per la biografia consultare il sito).

JC Cinel è un artista piacentino, da anni impegnato nel genere definibile come classic rock americano anche se, come evidenziato nell’intervista, molte e variegate sono le sue influenze.

Nel suo lungo percorso musicale, JC ha condiviso il palco con vere leggende del rock, come Johnny Neel(ex tastierista Allman Brothers Band), Mike Stergis(ex chitarrista Crosby Stills and Nash), UFO, Wishbone Ash, Uli Jon Roth(Scorpions), Adrian Belew.

Da segnalare una lunga permanenza a Nashville per registrazioni, collaborazioni ed esibizioni di vario genere.

In attesa del nuovo disco, previsto per il 2009, con special guests come Johnny Neel (ex Allman Brothers) e Mike Stergis (Crosby Stills and Nash), è fruibile "Before my eyes"(Black Widow records), che sta avendo grande eco sia in Italia che all'estero, gradimento testimoniato dalle ottime e numerose recensioni su riviste specializzate, sia in Italia che all'estero.

Before my eyes

Track List:

Ships in the Wind

Feel the Moment (video a seguire)

Sweet Dream

Out inthe Frontline

Dear Old Friend

Intro/Brush

Brush my Cymbals

Before my Eyes

What I See

Voices from Nowhere

Alone in the Dark

Taking Chances