La fame di musica dei giovani degli anni ’70 è la stessa che
ha caratterizzato i periodi successivi, con una differenza fondamentale a vantaggio
delle nuove leve: la possibilità di comunicare e di informarsi in modo capillare.
I primi seventies portarono musica nuova dall’estero - britannica
e americana - e la contaminazione provocò una rivoluzione musicale nel nostro
paese che partì da chi era più vicino al “mestiere” - musicisti e operatori del
settore - e che avvolse i fan che avevano già abbandonato il mangiadischi dei
genitori - quello con Villa, Ranieri e Morandi - a favore del beat, e che stavano
per essere contagiati dalla musica progressiva e, subito dopo, dal fenomeno del
cantautorato.
I soli canali informativi, ai tempi in cui stava nascendo ARPANET (la rete di dialogo tra computer pensata per scopi
militari statunitensi durante la guerra fredda), sintetizzando, si potevano individuare nella
radio - “Per Voi Giovani” -, nella stampa cartacea - “Ciao 2001”
- e nella televisione, di cui mi appresto a fare accenno.
Esistevano poi i fortunati, quelli che avevano fratelli
maggiori e viaggianti che potevano riportare in patria le novità del momento: una nicchia fortunata!
La televisione dicevo: l’unica trasmissione di cui ho
memoria, a dire il vero pochissima, è “UNDER 20”.
Andò in onda nel momento in cui il giovane ascoltatore e
fruitore di concerti aveva imparato a conoscere il meglio del prog inglese, e
le band italiane dedite al rock avevano trovato il coraggio per imboccare una
nuova strada, simile a quella dei cugini d’Oltremanica.
Ho immagini sfuocate, ma mi è rimasta addosso l’emozione, l’attesa
spasmodica delle ore 19 - mi pare -, momento designato per vedere i miei miti, per
almeno un’ora - anche qui… mi pare.
Solo playback, sfacciato in alcuni casi, ma era importante
vedere ascoltare la musica proposta dai “capelloni” - era questa la
definizione preferita dai genitori!
Ho trovato un commento in rete di un mio probabile coetaneo,
che modifica la mia sensazione relativa all’orario!
Bel programma
musicale che andò in onda nel 1973-74, il sabato alle 18.30 su Raidue per la
regia di Enzo Trapani, curata da Paolo Giaccio e con la voce fuori campo di
Raffaele Cascone. Fu un programma innovativo che portò in Tv i nuovi cantautori
e gruppi italiani oltre che filmati di musica straniera, però dovette
sottostare a dei compromessi, invitando anche personaggi della vecchia scuola e
per questo su Ciao 2001 ci fu una sorta di processo al programma a cui Paolo
Giaccio replicò.
Purtroppo, Paolo
Giaccio non può più ricordare con noi, potrebbe farlo però Raffaele Cascone,
e chissà che questo articolo non possa arrivare dalle sue parti e spingerlo a inviarci
qualche memoria interessante!
Intanto godiamoci un’ampia
sintesi di quel programma che permette di scoprire alcuni dei protagonisti dell’epoca…
Il 28 ottobre del 1977 usciva per Virgin Records “Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols”,
unico album in studio dei Sex Pistols.
L’album è considerato uno dei più influenti e controversi
della storia del rock. Pubblicato in piena era punk, sconvolse l'establishment
musicale e sociale, dando voce a una generazione di giovani arrabbiati e
disillusi.
“Never Mind…” debuttò direttamente al
primo posto della Official Albums Chart, guadagnando in breve tempo il disco
d'oro nel Regno Unito. Nel 2013 è stato certificato doppio disco di platino
dalla British Phonographic Industry. La rivista Rolling Stone nel 2004 lo ha
inserito alla posizione n. 41 nella lista dei 500 migliori album di sempre. Nel
2006 l'album è stato selezionato dalla rivista Time come uno dei 100 migliori
dischi di sempre. Nel 2016 Rolling Stone lo inserisce al terzo posto dei
migliori 40 dischi punk della storia.
Cosa c’è alla base di band e album?
La musica dei Sex Pistols è caratterizzata da una semplicità
quasi brutale. I riff di chitarra sono essenziali, la batteria martella ritmi
incessanti e il basso fornisce una solida base ritmica. La voce di Johnny
Rotten è rabbiosa, graffiante e carica di un'energia che trascina l'ascoltatore
in un vortice di emozioni contrastanti.
I testi delle canzoni sono un vero e proprio attacco
all'establishment, alla monarchia, alla società consumistica e ai valori
borghesi. Brani come "God Save the Queen" e "Anarchy
in the U.K." sono diventati inni per una generazione che si sentiva
esclusa e disillusa.
L'uscita di "Never Mind the Bollocks" scatenò una vera e propria rivoluzione culturale. Il disco ha ispirato la
nascita di numerose band punk in tutto il mondo e ha influenzato generi
musicali come il post-punk, il grunge e l'alternative rock. La copertina
provocatoria e i testi espliciti hanno generato scandalo e polemiche, ma hanno
anche attirato l'attenzione dei media e dei giovani.
A distanza di decenni rimane un disco fresco perché i temi
affrontati dai Sex Pistols sono ancora oggi molto attuali e la loro musica
conserva tutta la sua energia e la sua potenza.
Sintetizzando "Never Mind the Bollocks" è un
album fondamentale per capire la storia del rock e la cultura giovanile degli
anni '70, un disco che ha sfidato le convenzioni, ha dato voce a una
generazione e ha lasciato un segno indelebile nella storia della musica.
Non resta che ascoltarlo (cliccare sul titolo) per avere un’idea precisa di un
movimento che, con la sua entrata in scena, mandava momentaneamente - e
rapidamente - in pensione la musica progressiva.
Non ho vissuto bene il periodo a cavallo tra il ’60 e il ’70,
diciamo… i giorni delle scuole medie.
Il mio malessere non era motivato da nulla che avesse a che
fare con la ragione, e ancora oggi, ripensandoci non mi capacito di quei
momenti, credo, tipici di ogni preadolescenza: voglia di scoprire il mondo mentre
la TV, tra il 1° e il 2° canale, ci inondava di diversità che arrivavano da
altri lidi. Eppure, in quei giorni, regole famigliari imponevano, giustamente, un’etica
da rispettare.
E così accadeva che la domenica fosse d’obbligo il cinema
pomeridiano (con mamma, papà e fratellino), e al ritorno ci aspettasse lo
sceneggiato del dopocena.
Tra i tanti, il più “devastante” mi è sempre sembrato “Il
Commissario Maigret”, magnifico, senza dubbio, ma ancora oggi, il
connubio tra il bianco e nero tipico di quelle storie - mancava ancora qualche
anno all’arrivo del colore - e la canzone di Luigi Tenco mi procura un’esplosione
di spleen che col passare dei lustri non si è attenuata di una virgola.
Eppure, riconosco la grandezza di tutti quei protagonisti, ma
la sigla di Maigret mi fa sanguinare il cuore, mi tocca nel profondo e mi
riporta alla mente quel bambino di 13 anni a cui un mondo in bianco e nero
stava già stretto!
Ripropongo la canzone, e per giungere al top della malinconia
utilizzo la versione francese, una lingua che amo ma che, se applicata alla musica,
diventa particolarmente adatta a rendere triste ogni situazione.
E oggi va così.
La sigla iniziale de 'Le nuove inchieste del
Commissario Maigret', è la canzone "Le temps file ses jours",
versione in francese di 'Un giorno dopo l'altro' scritta ed
interpretata da Luigi Tenco.
La versione in italiano è la sigla finale e il testo della
versione iniziale in francese è di Jacques Chaumelle.
L’abitudine all’ascolto dei The
Samurai Of Prog- e quindi a tutte le
evoluzioni che riguardano la dinamicità dei musicisti, in continuo cambiamento -
mi hanno portato ad individuare in Marco Bernard e Kimmo Pörsti
il motore del progetto, ma, almeno dall’esterno, le porte sembrano sempre
aperte per chi è in grado di aggiungere qualità, non solo puramente
strumentistica, ma anche compositiva.
Kimmo Pörsti
Il nome di Marco Grieco, che nella copertina appare con
la denominazione “featuring”, è sempre più presente nella produzione
finlandese, ma in questo caso è lui l’autore in toto di un concept che lo vede
comporre musica e liriche.
Per il mero fruitore dell’opera dei TSoP, quello che interessa
è il risultato, ovvero quell’abitudine/certezza che l’esperienza sonora e
visiva che sta per iniziare andrà in una direzione ben precisa.
A di là del mio impegno nel mantenere oggettività di
giudizio, devo sottolineare come ogni nuovo loro progetto sia di mia piena soddisfazione,
un piacere che, è inutile negarlo, parte da qualcosa che, apparentemente non sembra sostanza, eppure, l’art work proposto in ogni occasione è parte formante della
bellezza dei loro album.
Marco Bernard
Non vorrei usare toni troppo roboanti, ma il nuovo impegno, "The Time Machine", dopo il primo ascolto,
avvenuto rigorosamente davanti a immagini e testi, mi è sembrato una sintesi
perfetta della mia idea di musica progressiva moderna, dove le skills elevate
dei singoli portano a realizzare il vero connubio tra trame sinfoniche e la
musica rock, tra tecnologia e strumenti acustici, con il desiderio di
raccontare un ambizioso concept che, se seguito con un po’ di attenzione,
riporta ad una lucida attualità, con un messaggio inequivocabile che sottolinea
la crudezza e l’inutilità delle guerre da cui siamo circondati.
Quindi un messaggio contro la guerra e, cosa da evidenziare, tutti
i proventi delle vendite saranno devoluti ad un'organizzazione umanitaria a
sostegno dei bambini colpiti dal conflitto in Ucraina.
Passiamo al contenuto più specifico, e a questo proposito,
cliccando sul link a seguire, sarà possibile avere tutte le info importanti sui
crediti, con testi e musicisti impegnati per ogni episodio:
“The Time Machine” è la summa di otto tessere
che si sviluppano nell’arco di poco meno di un’ora. Il fil rouge è dichiarato,
un iter evolutivo che racconta di un viaggio, quello attraverso i secoli della
nostra storia, dagli albori all’attualità, lasciando l’elemento descrittivo al
verbo miscelato alle trame sonore, anch’esse in grado di “raccontare”, come
accade specificatamente in due tracce, completamente strumentali.
Dice Marco Grieco a tal proposito: “The Time Machine è un
album che esplora il passato e il futuro, trascinando l'ascoltatore in un
viaggio fantastico che parte dall'alba dell'umanità e si conclude con una
riflessione sul nostro presente e futuro. Le otto tracce, che compongono il
disco, sono tasselli di un mosaico che raffigura momenti cruciali della storia
umana, dal legionario romano che medita sulla guerra, al genio creativo di
Leonardo da Vinci, fino a Einstein, simbolo delle sfide morali della scienza
moderna”.
Si inizia con The Time machine, e l’orologio
che scandisce il passare del tempo lascia il passo al violino di Maria
Kovalenko, che introduce la delicatezza vocale di Serge Tiagniryadno. L’esplosione
a seguire è uno dei leitmotiv dell’album, un fluttuare di emozioni cangianti nello
spazio di un amen.
Il desiderio… macchina del tempo, riportami
indietro nei secoli, riscriverò la storia, cambierò il passato e tutto andrà
bene…
Ma nel corso del viaggio… mi rendo
conto che non posso cambiare ciò che è stato fatto, il passato è stabilito, non
può essere annullato; macchina del tempo, portami indietro, al punto di
partenza!
A seguire Apes, e la preistoria fa capolino.
Restano gli stessi strumentisti “esterni” - cambio solo sull’elettrica che
passa a Roine Stolt - mentre Grieco e la
sezione ritmica formata da Bernard e Pörsti saranno presenti per tutto il
disco.
Noi siamo le scimmie, le prime della
nostra specie; ci chiediamo quale sia il mondo che troveremo alla fine del
viaggio… avremo mai le risposte che cerchiamo?
Certamente, un ascolto di questo tipo, con la lettura della
lirica mentre il brano scorre, è capace di influenzare notevolmente il
coinvolgimento, ma è un modus che consiglio vivamente, almeno la prima volta, perché
“il viaggio delle scimmie”, tanto per restare in tema, prende corpo e fornisce
sensazione di realtà.
Strumenti classici del rock si miscelano a sintetizzatori e
anche in questo senso il percorso nel tempo assume contorni realistici.
Ma l’excursus di Grieco cammina rapido e si sofferma su
guerre antiche e sulla caduta dell’Impero Romano, vicenda raccontata nel brano The
Last Legionary:
Mi trovo tra i resti dell'antico
regno di un impero, ho assistito a innumerevoli battaglie e ho visto nemici
sepolti, ma mentre affronto i miei giorni crepuscolari rifletto sulla scia delle
innumerevoli guerre viste, e mi chiedo se fossero evitabili, se vale la pena il
prezzo pagato per ottenere potere attraverso lotte sanguinarie.
Eppure, nel crepuscolo della mia vita, mi
ritrovo solo.
Iniziale tono epico e, nel corso della traccia, si fa notare
l’intreccio tra il violino della Kovalenko e i fiati, il corno francese di Marc
Papeghin e la tromba di Balázs Winkler.
Esprimendo un sintetico giudizio con un aggettivo direi pezzo
“aulico”… è questo il senso di sacralità musicale che mi arriva dall’ascolto,
con una variabilità unica, quella che solitamente mi porta a dire che è
impossibile non trovare qualcosa di proprio gradimento nella generica musica
prog, fondata sulla contaminazione e sulla libertà espressiva.
Il time travel è ancora lungo e la macchina fa un paio di
soste e incontra in primis Leonardo da Vinci che si dispera; il titolo è Painting
Mona Lisa:
Portami con te nell'abbraccio del
futuro, dove posso spiccare il volo e i miei talenti possono trovare spazio. Lascia che il mio genio prosperi in
un mondo ancora da realizzare…
Significativo l’intervento chitarristico dell’italiano
Roberto Bucci ma mi soffermo sulla figura di un altro musicista di casa nostra,
il flautista Giovanni Mazzotti, che ci riporta a sonorità note, tra Johann
Sebastian Bach e Jethro Tull.
Magnifico!
Superando i secoli si fa una sosta per dare luce ad Albert
Einstein che troviamo in E=MC2
Ho cercato i segreti, la svolta
cosmica, ma nel profondo si agita un conflitto interiore: valeva la pena
percorrere quel tipo di sentiero? Ho forse perso il controllo? Una fusione di
atomi, una potenza sconfinata, ma con essa sono arrivati gli echi della
disperazione. Il peso delle ripercussioni è troppo pesante da sopportare e mi
chiedo… avrei potuto cambiare il percorso scelto dal destino?
Nuovo vocalist (sono cinque in totale) - il conosciuto Clive
Nolan (Pendragon, Arena) - per un episodio che riproduce le visioni di un genio
e le sue preoccupazioni, disegnando con appropriate trame sonore un mondo che
propone l’immagine di maggior modernità.
A questo punto subentrano i due strumentali, il primo
intitolato Moon, equindi si suppone che il viaggio
sia arrivato al 1969, giorno in cui avvenne il primo allunaggio.
Tensione, emozione, stupore, paura, coraggio, incoscienza…
sono questi gli stati d’animo che ho percepito immaginando le immagini di quei
giorni collegate a ciò che i Samurai riescono a creare.
Il secondo è un tributo a Nelson Mandela, Madiba's Life,
che vede impegnato il solo Marco Grieco
al Grand Piano, due minuti dal forte impatto emotivo, e sottolineo la
fotografia scelta, meravigliosa, fruibile attraverso il link su indicato, che
presenta un Mandela immortalato da dietro, con una pletora di seguaci che ascoltano
e sorridono, immagine di una serenità che non ha certo contraddistinto la
storia dell’attivista sudafricano, raggiunta, forse, a fatica, alla fine di un
lungo percorso.
Si arriva alla conclusione con Future,commovente
monologo interiore di una donna incinta che riflette sul futuro del mondo e sul
coraggio necessario per far nascere una nuova vita. Questa chiusura ottimistica
incarna la speranza, il messaggio di fondo dell'album: nonostante le
difficoltà, l'umanità ha la capacità di plasmare un futuro migliore
(Grieco).
Marco Grieco
Per raccontare la storia di una donna viene scelta una
vocalist, Christina Booth, che riesce a fornire grande pathos al suo racconto.
Nove minuti di colline, intese come dolcezza e commozione
alternate a momenti di grande altitudine sonora, una bellezza che solo la Musica
è in grado di generare, se si conoscono alla perfezione le leve di comando,
ovvero quando il virtuosismo tecnico si unisce alla sensibilità.
A questo punto è buona cosa leggere la sintesi oggettiva
tratta dalle note ufficiali:
Musicalmente, “The Time Machine” è un esempio luminoso di progressivo
rock sinfonico moderno, capace di fondere le tecniche classiche del progressive
con arrangiamenti orchestrali di grande raffinatezza. Marco Grieco, alla
tastiera, guida l'ascoltatore attraverso paesaggi sonori impreziositi da
sintetizzatori Moog e chitarre elettriche, creando un'armonia quasi
cinematografica. Il tutto è rafforzato dall'inclusione di strumenti classici
come flauto, violino, tromba e corno francese, che donano un'ulteriore
profondità agli arrangiamenti.
Le collaborazioni con artisti internazionali, tra cui Serge
Tiagniryadno e Christina Booth alle voci, e musicisti come il chitarrista Roine
Stolt, arricchiscono ulteriormente l'album, rendendo ogni brano un’esperienza
variegata e imprevedibile. La sezione ritmica, composta dal bassista Marco
Bernard e dal batterista Kimmo Pörsti, fornisce una base solida che permette a
queste complesse tessiture musicali di respirare e svilupparsi.
Che altro aggiungere… ho immaginato un ascolto condiviso, con
anime pure, mai toccate dal genere… ho immaginato un utilizzo didattico, fatto
con pubblico trasversale… prog o non prog questa è arte, è sintesi dello scopo
della musica, ormai caratteristica di tutte le proposte dei The Samurai of Prog.
Bernard, Pörsti e Grieco, con tutta la truppa al seguito, ci
regalano la certezza che ci sia ancora spazio per vivere la musica al di fuori
che di ciò che impone il mainstream… certo, se un album come questo fosse stato
pubblicato nel 1973, tanto per citare un anno d’oro, sarebbe entrato nella
storia! Ma ora…
Se si chiedesse a chitarristi esperti di nominare la Flying V
più famosa del mondo, è probabile che risponderebbero la "Amos". E
non sorprende che Joe Bonamassa abbia questa pregiata chitarra storica nella
sua epica collezione di chitarre.
Solo 50 ricreazioni di questo eccezionale
strumento sono state realizzate a mano dagli esperti liutai del Gibson Custom
Shop e del Murphy Lab di Nashville, nel Tennessee, come parte di questa
straordinaria edizione da collezione.
Una Gibson Flying V originale del 1958 è davvero una cosa rara,
e non c'è niente di più leggendario di una Amos. Prende il nome dal suo primo
proprietario, Amos Arthur, dell'Arthur's Music Store in Indiana, ma la chitarra ha
poi trovato la sua strada nella collezione del leggendario Norman Harris prima
di fare un'apparizione sul grande schermo in This Is Spinal Tap.
Ora è di Joe Bonamassa, che la usa regolarmente sul palco e
in studio.
"Quadrophenia"
dei The Who è un album rock epico e senza
tempo che meriterebbe un'analisi dettagliata. Ma credo che un disegno superficiale - il mio di oggi - unito al completo ascolto, possa essere più utile alla causa, quella che è finalizzata ad avvicinare i neofiti al rock.
Pubblicato nel 1973, l'album
rappresenta uno dei punti più alti nella carriera degli Who e un classico
intramontabile del genere.
Si tratta della seconda opera rock
della band dopo “Tommy”, ed è anche l'unico album degli Who
interamente scritto dal solo Pete Townshend.
L'opera è un concept album che
racconta la storia di Jimmy, un giovane mod nella Londra degli anni '60. La
trama esplora le sfide e le frustrazioni che affliggono il ragazzo mentre cerca di
trovare la sua identità in un mondo caotico e spesso ostile. L'album affronta
temi come l'alienazione, la ribellione giovanile, l'amore, l'autodistruzione e
l'accettazione di sé.
Musicalmente, "Quadrophenia"
è un tour de force. Gli Who dimostrano la loro abilità straordinaria nel creare
brani potenti e coinvolgenti, ma ciò che
rende l’album così speciale è l'abilità della band di trasmettere emozioni
attraverso la musica. La voce di Roger Daltrey è piena di passione e intensità,
catturando perfettamente il tormento interiore di Jimmy. I testi di Townshend
sono ricchi di poesia e offrono una narrazione coinvolgente e la sezione
ritmica è uno dei punti di forza del disco.
L'album presenta anche una varietà di
stili musicali, che vanno dal rock duro ed energetico di brani come "The
Real Me" e "5:15" alla delicata ballata "Love
Reign O'er Me". L'uso di strumenti orchestrali e arrangiamenti
complessi aggiunge ulteriore profondità e dimensione all'opera.
Uno dei punti salienti di "Quadrophenia"
è la produzione impeccabile di Kit Lambert e degli Who stessi, capaci di creare un
capolavoro assoluto.
L'album cattura l'anima e lo spirito di un'intera
generazione, offrendo una colonna sonora iconica per l'adolescenza ribelle. La
sua combinazione di musica eccezionale, testi profondi e narrativa coinvolgente
lo rende un album che merita di essere ascoltato e apprezzato ancora oggi.
È stato detto:
“Tutta la grandezza degli Who è
racchiusa qua dentro”
A distanza di qualche anno, nel 1979,
“Quadrophenia” è divenuto un film - diretto da Franc Roddam -, pellicola che ha
contribuito e mettere in risalto una cultura, un modo di vivere, un periodo
importante amplificato dalla musica degli Who.
Phil Lesh, bassista dei Grateful Dead, muore a 84 anni
Il musicista è stato uno dei membri
fondatori dell'influente band ed è morto "circondato dalla sua famiglia e
pieno di amore"
Phil Lesh, l'influente bassista dei Grateful Dead che ha dato
impulso a molte delle incarnazioni in tour della jam band dopo la morte di
Jerry Garcia nel 1995, è morto. Aveva 84 anni.
La morte di Lesh è stata annunciata sulla sua pagina
Instagram. "Phil Lesh, bassista e membro fondatore dei The Grateful
Dead, è morto serenamente questa mattina", si legge nella didascalia.
"Era circondato dalla sua famiglia e pieno di amore. Phil ha portato
immensa gioia a tutti quelli che lo circondavano e lascia dietro di sé
un'eredità di musica e amore. Vi chiediamo di rispettare la privacy della
famiglia Lesh in questo momento".
Nato il 15 marzo 1940 a Berkeley, California, Lesh ha
studiato musica classica per tutta l'infanzia. Trombettista qualificato, ha
studiato con il compositore d'avanguardia Luciano Berio e ha suonato con il
compositore minimalista Steve Reich. Passò al basso, uno strumento che non
aveva mai suonato, nel 1965, dopo essere stato reclutato dai Warlocks, una band
guidata dal suo amico Garcia, per uno spettacolo in una pizzeria a Menlo Park,
California.
"Ero così emozionato che non dovevo pensarci... ma
sapevo che stava succedendo qualcosa di grandioso, qualcosa di più grande di
tutti, più grande di me di sicuro", ha detto Lesh al pubblicista e
storico ufficiale dei Dead Dennis McNally per il libro del 2002 A Long Strange
Trip.
L'impronta di Lesh fu cruciale per il sound iniziale dei
Grateful Dead, spesso accreditato insieme a Garcia. Fu coautore di numerose
composizioni, tra cui St Stephen, The Eleven e Dark Star,
che divennero elementi essenziali del repertorio della jam band.
Tra il 1967 e il 1990, Lesh apparve in tutte le 13 uscite in
studio dei Grateful Dead e nei 10 album live ufficiali. Insieme a Garcia, al
chitarrista Bob Weir e al batterista Bill Kreutzmann, Lesh rimase una parte
fondamentale della formazione in tournée della band improvvisata per 30 anni.
Dopo la morte di Garcia nel 1995 all'età di 53 anni, Lesh è
stato un punto fermo degli arrangiamenti successivi della band, inclusi gli
Other Ones (1998-1999), i Dead (2003-2004, 2008-2009) e i Furthur (2009-2013).
Ha saltato l'ultima incarnazione della band, i Dead &
Company, guidati da John Mayer.
Insieme agli altri membri dei Grateful Dead, Lesh è stato
inserito nella Rock and Roll Hall of Fame nel 1994.
Lascia la moglie Jill e i loro figli Grahame e Brian,
entrambi suonatori della Terrapin Family Band, la band di Lesh formatasi negli
ultimi anni della sua vita tramite il music hall e ristorante a conduzione
familiare a San Rafael, California.
I Golden Earringsono stati una delle band rock più importanti e
longeve dei Paesi Bassi, con una carriera che si estende per oltre cinque
decenni. Sono noti per il loro sound potente e versatile, che spazia dal rock
psichedelico degli inizi agli esperimenti hard rock e pop rock degli anni
successivi.
Formati a Haarlem nei primi anni '60, iniziarono come un
tipico gruppo beat, influenzati da band come Beatles e Rolling Stones. Il loro
sound si evolve rapidamente, abbracciando elementi del rock psichedelico e del
blues.
La svolta arriva negli anni '70 con album come
"Moontan" e "Shot in the Dark", che li portano al successo
internazionale. Brani come "Radar Love" e "Twilight Zone"
diventano dei veri e propri inni rock, grazie anche a video musicali innovativi
per l'epoca.
Negli anni successivi, i Golden Earring continuano a
sperimentare con diversi stili musicali, dal hard rock al pop rock, senza mai
perdere di vista la loro identità sonora. Album come "Long Live Rock 'n'
Roll" e "Cuttings" consolidano la loro posizione nel panorama
rock internazionale.
I Golden Earring sono considerati una delle band rock più
importanti dei Paesi Bassi, con un'influenza che va ben oltre i confini
nazionali. La loro capacità di evolversi e adattarsi ai cambiamenti della scena
musicale li ha resi un gruppo longevo e rispettato.
“Starless" dei King Crimson è un brano che merita
un'analisi approfondita, un pezzo monumentale, un vero e proprio viaggio
musicale che ha segnato un'epoca nel rock progressivo, ma al di là dei “giudizi
universali”, è una di quelle tessere che compongo il mio mosaico ideale, tendente alla
perfezione, e qui la passione per il genere c’entra poco.
Uscito nel 1974, inserito nell’album “Red” -
ultimo a nome King Crimson negli anni Settanta -, è la composizione più lunga
con i suoi dodici minuti di durata.
Inizialmente destinato a trovare spazio in “Starless and Bible Black”,
Fripp e Bruford ne decisero la rilocazione nell'album ad esso successivo.
"Starless" è più di una semplice canzone, è
un'esperienza. La sua durata, la complessità delle strutture armoniche e
ritmiche, l'intensità emotiva, la rendono un vero e proprio masterpiece.
Il brano si apre con un'atmosfera densa e malinconica,
dominata da un basso profondo e melodie sospese, con un tessuto di archi al
mellotron, una struggente linea di chitarra che si alterna al sassofono e al
violino, e poi parte la strofa.
Senza nulla togliere a chi ancor oggi propone la parte vocale,
il cantato del compianto John Wetton rimane per me insuperabile.
Questo inizio crea un senso di attesa e di mistero che
avvolge l'ascoltatore.
La tensione cresce costantemente, con l'aggiunta di nuovi
strumenti e l'intensificazione del ritmo, e la chitarra di Fripp, con le sue note
lunghe e sospese, contribuisce a creare uno stato ipnotico.
Dopo un crescendo graduale, il brano raggiunge un apice di
intensità con una evoluzione sonora che coinvolge tutti gli strumenti. È un
momento di catarsi, un rilascio di tutta l'energia accumulata nei minuti
precedenti.
Dopo l'esplosione, il brano si chiude con un ritorno alla
calma iniziale, lasciando l'ascoltatore con un senso di profonda soddisfazione.
La struttura di "Starless" è difficile e
articolata, con sezioni che si alternano e si sovrappongono. Questa complessità
contribuisce a creare un senso di disorientamento e di profondità.
Secondo l'autore del testo, Richard Palmer-James, esso ha a
che fare con la rottura tra due amici intimi e di come il futuro senza l'un
l'altro sembri "spoglio" e "privo di stelle", ma la
grandezza della trama sonora oscura qualsiasi tipo di lirica, anche se, ripeto,
la voce di Wetton è tra le più belle mai ascoltate.
"Starless" è a mio giudizio un brano che va oltre
la semplice musica. È un'esperienza che coinvolge tutti i sensi e lascia un
segno indelebile nell'animo dell'ascoltatore, un pezzo che va ascoltato e
riascoltato, ogni volta scoprendo nuove sfumature e nuovi significati.
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