UniSavona, corso sul Prog Italiano anni '70-2° lezione

Note di viaggio tra i solchi del progressive italiano

UniSavona-2° lezione-10 novembre

Il percorso all'interno della storia del rock progressivo italiano all'UniSavona, Sala Stella Maris, prosegue con una seconda tappa che ha spostato l'attenzione su due pietre miliari del genere: il Banco del Mutuo Soccorso e le Orme. Dopo aver tracciato le coordinate stilistiche generali e approfondito l'universo della Premiata Forneria Marconi, la lezione di ieri, 10 novembre, ha offerto un affondo dettagliato sulle traiettorie artistiche di queste due formazioni.

La struttura dell'incontro ha alternato momenti di sintesi per chi si fosse perso l'esordio del corso a un flusso continuo di materiale d'archivio. Interviste d'epoca, aneddoti legati ai retroscena discografici e ascolti guidati hanno permesso di ripercorrere l'evoluzione di un sound che ha saputo fondere la tradizione sinfonica europea con l'urgenza espressiva del rock.

Un valore aggiunto alla narrazione è arrivato dall'analisi visiva curata da Renata Gatti, che ha decodificato l'immaginario grafico di due copertine iconiche: Darwin! del Banco del Mutuo Soccorso e Felona e Sorona delle Orme. La copertina del disco del Banco, con la celebre confezione a forma di salvadanaio, e la visione surreale e fiabesca creata da Lanfranco per l'album de Le Orme, non rappresentano semplici contenitori commerciali, ma veri e propri manifesti visivi che anticipano le tematiche concettuali racchiuse nei solchi in vinile.

Fabrizio Castellani ha guidato il pubblico attraverso la ricostruzione storica delle vicende dei gruppi, mantenendo un equilibrio tra rigore filologico e divulgazione. L'attenzione costante dei partecipanti conferma la vitalità di un genere che continua a stimolare riflessioni a distanza di decenni dalla sua stagione aurea.

Il viaggio non si ferma qui: tra quindici giorni il calendario dell'UniSavona si arricchirà di un nuovo capitolo, pronto a esplorare altre due pagine fondamentali della nostra storia musicale.

 

La memoria del vinile che unisce: cronaca di un pomeriggio all'Associazione ALEC di Alba (7-11-26)-AMPIA TESTIMONIANZA VIDEO NELL'ARTICOLO

 

La memoria del vinile che unisce: cronaca di un pomeriggio all'Associazione ALEC di Alba

7 novembre 2026

L'ingresso all'Associazione ALEC di Alba porta con sé la familiarità dei luoghi di casa, dove la cultura musicale si respira tra le migliaia di vinili e CD che ne affollano gli spazi. Per me è un piacere costante tornare in questa realtà e contribuire a farla conoscere, soprattutto sapendo che ogni appuntamento riserva momenti irripetibili. L'apertura dell'incontro ne è stata la perfetta testimonianza: il dono ad ALEC di un paio di album scelti da Fabrizio nei mercatini in Germania. Un azzardo ragionato di fronte a un archivio così imponente, ma un gesto perfettamente intonato allo spirito del luogo e alla generosità dell'occasione.

La forza della presentazione di Vinili anni '70: 40+1 - Album tra arte e psicografia risiede proprio nella modularità delle sue quarantuno schede. La formula collaudata prevede di trattare due/tre dischi per volta, modellando la narrazione sulle specificità del pubblico. Ad Alba si è verificata una coincidenza straordinaria: la presenza simultanea in sala di ben tre figure chiave legate a un capolavoro del progressive italiano del 1977, Forse anche le lucciole non si amano più della Locanda delle Fate.

Ampio spazio del pomeriggio è stato dunque dedicato a quest'opera, articolata attraverso il consueto e coordinato passaggio di consegne tra noi quattro autori:

-L'inquadramento tecnico-musicale curato da Athos Enrile.

-L'analisi visiva ed estetica di Renata Gatti.

-La contestualizzazione storica di Fabrizio Castellani.

-La lettura psicologica e simbolica di Antonella Oliveri.

L'incontro tra i fondatori della band, Luciano Boero e Oscar Mazzoglio - accompagnato dal nipotino Gioele, giovanissimo e promettente appassionato di rock anni Settanta - e l'ideatore dell'immagine di copertina, Biagio Cairone, ha segnato il momento più toccante dell'evento. I due musicisti hanno sorpreso Cairone donandogli le immagini originali da cui nacque la cover, un materiale iconografico custodito dalla band per quasi cinquant'anni.

La seconda parte dell'evento si è concentrata su un pilastro del rock internazionale, Brain Salad Surgery degli Emerson, Lake & Palmer. 

Per entrambi gli album l'ascolto delle tracce da vinile originale ha fatto da colonna sonora, anche se la ricchezza degli interventi e la profondità dei contenuti proposti hanno felicemente preso il sopravvento sui tempi di riproduzione. 

Nonostante la contemporaneità di un evento cittadino di forte richiamo con Paolo Conte, l'ALEC ha registrato una partecipazione numerosa, attenta e costante, sfociata poi nel classico aperitivo di chiusura tra i sorrisi e la piena soddisfazione di tutti i presenti.

Un ringraziamento sincero va a Maura e Gian, che con occhio attento hanno filmato e fotografato l'intero incontro, garantendo una documentazione preziosa che continua a supportare il nostro cammino di presentazione in presentazione.

Grazie ovviamente a Enzo Patri, Gianni Abbà e a tutta l'Associazione per la solita gentilezza nell'accoglierci e nel coccolarci!

Eventi di questo tipo travalicano la semplice divulgazione nozionistica. In un'epoca caratterizzata dalla frammentazione, ritrovarsi attorno a un vinile o alla storia di un'immagine condivisa restituisce un valore immenso al tempo collettivo. Sono momenti aggregativi indispensabili, capaci di favorire una socializzazione autentica e di regalarci parente di profonda serenità e condivisione.

Blackberry Way e Tutta mia la città, due strade che portano alla stessa malinconia

 

Blackberry Way e Tutta mia la città

... due strade che portano alla stessa malinconia

 

Quando i Move pubblicano Blackberry Way alla fine del 1968, il clima della Swinging London è già cambiato. Le luci degli anni più spensierati si stanno spegnendo e la musica comincia a raccontare un mondo meno brillante. Roy Wood scrive una canzone che sembra uscire da una giornata grigia, una di quelle in cui la città non offre alcun conforto. Il brano nasce come risposta malinconica alle atmosfere più solari dei successi precedenti e diventa subito un piccolo manifesto di inquietudine urbana. La melodia procede con passo lento, quasi trattenuto, mentre l’arrangiamento costruisce un paesaggio che non concede aperture. È una fotografia di un momento storico in cui la psichedelia si sta ritirando e lascia spazio a un sentimento più introspettivo.

La voce di Carl Wayne attraversa questa atmosfera con un tono che non cerca effetti. Racconta una giornata che non vuole cominciare e che non promette nulla. Le tastiere disegnano un colore uniforme, mentre la chitarra rimane sullo sfondo come se non volesse disturbare. Il risultato è un brano che non ha bisogno di alzare la voce per farsi ascoltare, una confessione semplice, quasi domestica, che parla di una solitudine che non ha drammi, ma che pesa comunque.

Quando Blackberry Way arriva in Italia, gli Equipe 84 stanno vivendo una fase di grande creatività. Hanno già dimostrato di saper trasformare le canzoni inglesi in qualcosa di personale e riconoscibile. Con Tutta mia la città scelgono di non riprodurre l’originale in modo fedele. Preferiscono costruire una versione che mantenga la malinconia, ma che la renda più diretta. Il testo italiano non cerca traduzioni letterali. Racconta una città che sembra appartenere a chi la attraversa, ma che in realtà non offre alcun rifugio. È un modo diverso di esprimere la stessa sensazione di vuoto.

La voce di Maurizio Vandelli porta la canzone in un territorio più emotivo. Il timbro è più aperto, più vicino alla ballata pop italiana, e questo crea un contrasto interessante con l’origine inglese del brano. L’arrangiamento è più luminoso, ma non nasconde la malinconia. Le chitarre aggiungono un movimento che nell’originale era più trattenuto. La batteria accompagna con un passo regolare, come se volesse sostenere un cammino che non trova una direzione precisa. È una reinterpretazione che non tradisce il senso della canzone, ma lo traduce in un linguaggio più vicino alla sensibilità italiana di quegli anni.

Il risultato è un dialogo tra due mondi che non si incontrano direttamente, ma che finiscono per raccontare la stessa storia. Blackberry Way osserva la città da una finestra chiusa. Tutta mia la città la attraversa a piedi, cercando un punto in cui fermarsi. Entrambe parlano di un luogo che non consola e di un tempo che non offre risposte. Sono due modi diversi di descrivere la stessa malinconia, una malinconia che non ha bisogno di grandi gesti per farsi sentire… basta una strada, un cielo spento e una voce che prova a dare un nome a ciò che non si riesce a spiegare.

Paola Tagliaferro e La Compagnia dell'Es al Teatro Nuovo per la rassegna Prog d'Autunno a Valleggia-Un po' di commento e video

Cronache dal teatro, il progressive rock trova casa a Valleggia con Paola Tagliaferro e la Compagnia dell'Es

L'autunno musicale ligure continua a riservare spazi di ascolto focalizzati sulle strutture complesse e ragionate del rock progressivo, trovando nel Teatro Nuovo Valleggia una cornice ideale per accogliere progetti di spessore. La seconda serata della rassegna, venerdì 6 novembre, ha registrato una partecipazione calorosa ed eterogenea, a dimostrazione di come la proposta abbia saputo valicare i confini locali per richiamare appassionati genovesi, dalla Francia e persino dal Friuli.

La cifra dell'evento si è manifestata fin dalle prime battute, attraverso la ormai consueta intervista condotta a stretto contatto con la prima fila. In questo momento introduttivo, Paola Tagliaferro ha illustrato la genesi dei due progetti in scaletta, ripercorrendo l'importanza del legame personale e artistico con Greg Lake, nato nel 2012, un percorso proseguito successivamente accanto alla moglie Regina che ha portato Tagliaferro a diventare l'unica artista italiana nel catalogo della Manticore Records, la storica etichetta fondata dagli Emerson, Lake & Palmer e oggi riattivata.

La prima sezione del concerto ha offerto un banco di prova di notevole complessità, interamente dedicata alla riproposizione dal vivo del recente album, "Il Suono delle Sfere", incentrato sul concept cosmico. Portare sul palco una produzione originale e per larga parte inedita per gli ascoltatori si è rivelato un test superato con esiti ampiamente positivi, sostenuto da una scrittura che intreccia suggestioni esoteriche, la visione antroposofica del viaggio dell'anima e una rigorosa impalcatura tecnica. Le musiche hanno preso vita grazie alle doti di un vero e proprio super gruppo guidato da Paola Tagliaferro alla voce e chitarra. Pier Gonella ha delineato trame incisive alla chitarra e al basso, tessendo un dialogo continuo con i tasti di Luca Scherani, capace di coniugare precisione formale e sensibilità stilistica. A completare l'ossatura ritmica e timbrica è intervenuta la batteria di Andrea Orlando - già apprezzato sul medesimo palco nella formazione de L'Ombra della Sera durante il precedente appuntamento del festival -, autore di un lavoro di cesello sulle percussioni che ha sostenuto con dinamismo i passaggi dedicati alle sfere celesti e al simbolo dell'Ankh. 

Il momento di stacco tra i due tempi ha visto l'intervento di Luciano Carlino, del direttivo del teatro, che ha illustrato le prospettive della programmazione culturale. L'intervallo ha ospitato inoltre alcuni componenti de Il Cerchio d'Oro, storica formazione prog savonese, che hanno condiviso con la sala le ragioni dell'assenza dal festival, legata alla lavorazione di un nuovo disco la cui complessità compositiva ha imposto una pausa dall'attività dal vivo.

La seconda parte ha spostato l'asse espressivo sull'omaggio al repertorio storico dei King Crimson e degli ELP, utilizzando l’album “For the love of Greg Lake”. A differenza della prima metà, la dimestichezza del pubblico con queste partiture ha toccato corde emotive differenti, facendo leva su un patrimonio concettuale e sonoro condiviso. Nell'arco di due ore piene di musica, l'interpretazione della band ha saputo riannodare i fili di una grande tradizione, consegnando una serata di solida sostanza interpretativa.

La riuscita complessiva dello spettacolo poggia anche sul contributo indispensabile di chi opera dietro le quinte: l'attento lavoro di Eddy Service, composto da tre tecnici, ha garantito una resa sonora e illuminotecnica ideale, confermandosi quell'ossatura invisibile ma fondamentale senza la quale nessun evento dal vivo potrebbe prendere forma.

Chiuso il sipario su questo secondo capitolo, l'attenzione della rassegna si sposta ora verso il terzo evento in cartellone, atteso tra un paio di settimane, che vedrà protagonista sul palco del Teatro Nuovo Valleggia lo storico nome dei Delirium.

Contributi fotografici e video di Enrico Rolandi, Fulvio Bava e Fulvio Marella.

LA BAND

Paola Tagliaferro

Pier Gonella

Andrea Orlando

Luca Scherani

L'incontro tra David Bowie e Frank Zappa raccontato da Adrian Belew

Quando Brian Eno ascoltò per la prima volta Adrian Belew sul palco con Frank Zappa, capì subito di aver trovato l'elemento mancante per il nuovo progetto dal vivo di David Bowie. Era il 1978 e Belew suonava nella band di Zappa da appena un anno. La segnalazione di Eno diede il via a un corteggiamento serrato che portò a un inevitabile confronto tra due figure storiche della musica rock.

L'episodio decisivo si svolse durante un incontro a tre organizzato in un ristorante, un tentativo di mediazione informale trasformatosi in uno scambio laconico. Belew ricorda ancora la rigidità del momento: Bowie cercò di intavolare una conversazione rivolgendo tre domande dirette a Zappa, ma la risposta fu tre volte la stessa, un secco invito a quel "Capitano Tom" che richiamava l'iconico personaggio di Space Oddity. Preso atto della chiusura, Bowie si alzò dal tavolo insieme al chitarrista commentando ironicamente l'esito del colloquio.

In realtà, al di là dell'episodio al ristorante e di qualche battuta sferzante inserita da Zappa nei testi durante i concerti, la transizione non nacque da uno scontro personale. Con la fine della tournée di Zappa imminente e una pausa programmata di tre mesi per i musicisti, Bowie offrì a Belew un ingaggio immediato per un tour europeo di quattro mesi. Nel confronto finale avvenuto sul bus della tournée, fu lo stesso Zappa a suggerirgli di cogliere l'opportunità, sancendo l'accordo con una semplice stretta di mano.

Il prosieguo degli eventi prese poi una piega inaspettata. Al termine del tour Zappa sciolse la formazione, mentre l'impegno con Bowie si prolungò per oltre diciotto mesi, impedendo a Belew di tornare alla base come inizialmente previsto.

Nonostante la separazione forzata, i rapporti tra i due rimasero distesi nel tempo, segnati dal riconoscimento del ruolo fondamentale che Zappa aveva avuto nel lancio della carriera del chitarrista.

La traiettoria di Belew, proseguita successivamente con l'ingresso nei King Crimson, trova oggi una continuità ideale nella dimensione dal vivo. Con il progetto parallelo “Beat”, l'artista torna a condividere il palco con storici collaboratori dell'universo zappiano, come Steve Vai e Terry Bozzio, insieme a Tony Levin, riannodando i fili di una stagione irripetibile del rock di avanguardia.

Quel giorno in cui chiacchierai con Marcello Todaro, primo chitarrista del Banco del Mutuo Soccorso

 

Un estratto da "Le ali della musica", libro che scrissi nel 2016 

Intervista a Marcello Todaro, agosto 2013

Sono nato nel 1956, e ho vissuto da adolescente l’inizio del prog, alimentandomi con i concerti vicino a casa e con CIAO2001.

Da quelle pagine lessi che Marcello Todaro era uscito dal BMS e nella mia testa “pura” ciò era inconcepibile, così come l’uscita di Giorgio Fico Piazza dalla PFM. La prima volta che vidi il Banco a Genova, teatro Alcione, Todaro c’era, ma in un ruolo diverso da quello di chitarrista. Col passare degli anni sono entrato per passione in questo mondo, soprattutto scrivendone, e il mio amico Fico Piazza ha ripreso a suonare dopo 40 anni, come lui dice, grazie alla mia spinta.         

Una chiacchierata con Marcello, tra Italia e California...

Spiegami, a distanza di tanti anni, cosa avvenne in quei giorni lontani? Perché quel cambiamento?

Potrei iniziare con... “C’era una volta...”, visto che sono passati circa 40 anni! Ultimamente ho visto proprio un post su Facebook di Ciao 2001 dell’epoca... penso 1973, con l’articolo che parlava proprio del cambiamento. Certo, non fa piacere a nessuno essere sostituito, specialmente se hai partecipato con tanta determinazione a far nascere qualcosa in cui credi. Avevo deciso che questo sarebbe stato l’ultimo tentativo per raggiungere il successo. Il progetto “Banco” ha scatenato subito in me una serie di emozioni e sentivo profondamente che era la strada giusta. Per questo ho proposto gli inserimenti di Francesco, Renato e Pierluigi. All’inizio ho dovuto insistere un po’ per Francesco... (prova a pensare Checco a Marino!), ma poi tutto é filato liscio. Credo che sia già stato detto e scritto molto sull’argomento; comunque, il punto era che, se qualcuno poteva essere di freno per l’evoluzione del gruppo, poteva venire sostituito senza preferenze per nessuno. Così è stato: il mio background musicale era basato su esperienze differenti e poi, in un gruppo non sempre c’è identità di vedute e spesso non si concorda sulle scelte da fare e le strategie da adottare. Ognuno è libero, comunque, di avere le proprie opinioni che, sicuramente, variano a seconda dei punti di vista.

Mi pare che il passo musicale successivo fu proprio la creazione di una nuova band con Fico. Come andò quell’esperienza?

Avendo, sia il Banco che la PFM lo stesso manager/promoter, il compianto Franco Mamone, mi fu prospettata proprio da quest’ultimo l’idea di formare un gruppo con Giorgio Fico” Piazza, anche lui da poco uscito dalla PFM. L’etichetta era quella di Gianni Sassi, la Cramps. L’esperienza sia in studio di registrazione che fuori, fu veramente divertente, molto rilassata e senza problemi. Dalle registrazioni ne è uscito un bel disco molto Rock... ne ero e ne sono molto soddisfatto, specialmente per il suono delle chitarre. Purtroppo, per ragioni ancora tutt’oggi sconosciute, il disco non fu mai definitivamente completato e il gruppo i “Crystals” ... definitivamente sciolto!

Che ricordi hai, in generale, dell’atmosfera di quei giorni lontani?

La potrei definire decisamente goliardica... si partiva per suonare per il gusto di suonare, senza pensare troppo a problemi di carattere tecnico e/o burocratico. Quando abbiamo iniziato si viaggiava tutti e sei assieme con la strumentazione stivata nel pulmino, arrivati si scaricava, si montavano gli strumenti, prove e via così, fino all’ora del concerto. Dopo un po’ di tempo arrivò l’Hammond di Vittorio ed altra strumentazione, per cui comprammo un mezzo di trasporto più grande, un camion Mecedes 308 B da Cherubini! Siccome nessuno di noi aveva la patente C, che serviva per guidare quel tipo di mezzo, nelle trasferte mio padre faceva da autista. Poi arrivarono i tecnici, camion nuovo... e macchina per noi sei; la prima, se non ricordo male, fu una Fiat 2300, una familiare nera... sembrava una di quelle che si utilizzano per i funerali! Ho sempre pensato che il Banco sia uscito al momento giusto con la musica giusta, per cui il successo continuo fino ad oggi è meritato! Poi c’era il fermento musicale quello vero, se pensiamo solo a quanti sono stati i gruppi nati all’epoca, locali per suonare a non finire e il pubblico accorreva in massa. Per portare un esempio, uno dei famosi locali della costiera romagnola di quei tempi, “L’Altro Mondo” di Miramare di Rimini, scritturava il Banco per quattro serate nei mesi di luglio e agosto, perché ogni 15 giorni il pubblico dei vacanzieri cambiava, e poi come locale era uno dei nostri preferiti. Insomma, una gran bella atmosfera, vuoi che si era più giovani per cui pronti a tutto o quasi, vuoi per i tempi diversi, ma ci si divertiva e, soprattutto quando si suonava si sudava… come diceva il mio amico batterista Mauro Spina “se si suda c’é l’emozione giusta!”

Come è progredita la tua carriera musicale da allora ai giorni nostri?

Dopo il Banco e i Crystals ho lavorato come Sound Engineer in uno studio di registrazione alla EMI Italiana come Assistente alla Direzione Artistica, lavorando con vari artisti, tra i quali Pino Daniele, che ho seguito in studio come produttore. Ho poi continuato come Freelancer Live Sound Engineer negli anni successivi, lavorando con Ruggeri, Barbarossa, Mannoia, Minghi e tanti altri fino ad oggi. Ultimamente ho lavorato come Direttore di Produzione/ Palco, all’Umbria Jazz Festival, per cinque anni di seguito. In questa occasione sono venuto a contatto con produzioni di artisti di grosso calibro, tra i quali James Taylor, Santana, Eric Clapton, Pat Metheney, Herbie Hancock, ecc., per cui una bella esperienza, stancante, ma gratificante.

Hai qualche rammarico legato al tuo passato?

Sicuramente, a parte il Banco e i Crystal, lavorando alla EMI Italiana sono entrato in contatto con molti artisti stranieri che venivano in Italia per promuovere i loro ultimi dischi. Accompagnando uno di questi artisti, “The Motels”, in televisione, mi fu chiesto dalla cantante del gruppo, Martha Davis, se mi andasse di lavorare con loro in Tournee! Forse sarebbe stato da prenderlo al volo quel treno, ma troppe complicazioni... famiglia, lavoro, ecc. Proprio ultimamente sono rientrato in contatto con Martha... incredibile, ma si è ricordata... magari adesso recuperiamo il tempo perduto!

Tutti i gruppi di allora si sono riuniti - anche se non al completo - e con ottimi risultati: come giudichi queste reunion?

Se la cosa viene fatta per puro divertimento, con qualche cosa ancora da dire musicalmente, ben venga, se è solo a scopo di lucro... intendiamoci, non dico che si deve lavorare gratis, ma la professionalità non deve mai mancare.

Tu vivi in America, ma spesso ritorni a casa… quali sono le differenze maggiori tra le due situazioni, se ci riferiamo in senso generale allo stato della musica?

Sicuramente la professionalità ed il grado di preparazione di società e personale tecnico. L’ho constato di persona, lavorando con delle Rental Company, che il lavoro, sia piccolo o grande, offre sempre un servizio di alta qualità. Parlando poi di Musica, qui é con la “M” maiuscola, è una vera industria e dà lavoro a milioni di persone. Se pensiamo a tutte le organizzazioni, scuole, locali, rental company, ecc. che gravitano nel Music Business ce ne rendiamo conto. Da quando sono qui vado ogni anno al Winter NAMM, che si tiene al Covention Center di Anaheim, ad un’ora di macchina da dove vivo. Praticamente la città per quattro giorni si trasforma, ed è una bella trasformazione! Musica dappertutto, per le strade, locali, hotel, e dentro al NAMM giovani ovunque, con strumenti appresso, con l’entusiasmo e la voglia di fare e siccome la competizione è veramente dura, chi riesce è veramente bravo ed ha qualche cosa in più da dire.

Torniamo un attimo alle origini: quale tra gli album del BANCO a cui hai partecipato giudichi migliore, e perché?

Sicuramente il primo, il “Salvadanaio”... come si dice, “il primo amore non si scorda mai”.  Forse proprio perchè era il primo, ci abbiamo messo quel pizzico di passione in più... poi la copertina originalissima, l’energia, l’emozione, l’entusiasmo.

Ho letto da qualche parte che godi di enorme stima in oriente: come ti spieghi questo amore?

Questa è stata una sorpresa anche per me! Corsi e ricorsi della musica! Comunque mi fa piacere naturalmente.

Mi racconti i tuoi progetti futuri?

Progetti per il futuro non ne faccio mai, almeno a lunga distanza, e anche per scaramanzia! Per ora ci sono un paio di idee allo stato embrionale, una da leggere, forse, non dico di più, anche perché non mi va di parlare di cose che poi non si concretizzano. Se dovesse prendere forma e realizzarsi ti renderò partecipe.

Alla fine, il cerchio si chiude senza la pretesa di rincorrere il passato. Nelle traiettorie di chi ha fatto la storia della musica senza cercare necessariamente la luce dei riflettori resta la consapevolezza di aver suonato quando contava farlo davvero, lasciando che le note continuassero a scorrere oltre i confini del tempo e della geografia.

Glenn Frey: il cuore rock degli Eagles

 

Il 6 novembre 1948, a Detroit, Michigan, nasceva Glenn Frey, una figura destinata a diventare una delle colonne portanti della musica rock americana, co-fondatore, cantante, chitarrista e principale compositore (spesso in coppia con Don Henley) della leggendaria band Eagles.

Dopo un periodo formativo nella scena musicale di Detroit, dove fece anche un'apparizione come chitarrista e seconda voce nel brano "Ramblin' Gamblin' Man" di Bob Seger, Frey si trasferì a Los Angeles. Fu qui, nel 1971, che, insieme al batterista Don Henley, al bassista Randy Meisner e al chitarrista Bernie Leadon, diede vita agli Eagles, un gruppo che ridefinì il genere del country rock.

Frey fu una forza trainante per la band, distinguendosi per il suo talento di polistrumentista (chitarra e tastiere) e per la sua voce solista in molti dei brani più iconici. Sue sono le voci principali in classici come "Take It Easy" (il primo grande successo, scritto con Jackson Browne), "Peaceful Easy Feeling", "Tequila Sunrise", "Lyin' Eyes", "New Kid in Town" e "Heartache Tonight".

Come co-autore, spesso con Don Henley, contribuì a forgiare capolavori senza tempo, tra cui l'epica "Hotel California" e la malinconica "Desperado".

Gli Eagles, grazie anche al suo contributo, hanno stabilito record di vendite sbalorditivi, in particolare con la raccolta Their Greatest Hits (1971–1975), a lungo l'album più venduto di tutti i tempi negli Stati Uniti.

Dopo lo scioglimento iniziale degli Eagles nel 1980, Frey intraprese una carriera solista di notevole successo, dimostrando la sua versatilità con brani che si adattavano perfettamente al sound degli anni '80. I suoi successi più celebri in questo periodo includono "The Heat Is On" (colonna sonora del film Beverly Hills Cop - Un piedipiatti a Beverly Hills), "You Belong to the City" (inserita nella serie TV Miami Vice, in cui Frey fece anche un'apparizione come attore).

Gli Eagles si riunirono nel 1994 per il tour e l'album live Hell Freezes Over, con Frey che tornò al suo ruolo di leader e compositore fino alla fine.

Glenn Frey è scomparso il 18 gennaio 2016, all'età di 67 anni, a causa di complicazioni legate a un'artrite reumatoide, colite ulcerosa e polmonite. La sua morte fu un duro colpo per il mondo della musica, e il suo compagno di band Don Henley lo ricordò come "il fratello che aveva conosciuto per 45 anni".

L'eredità di Glenn Frey vive non solo nelle vendite multiplatino e nei sei Grammy Awards vinti con gli Eagles, ma soprattutto nella sua capacità di raccontare l'anima complessa e agrodolce della West Coast americana con armonie perfette e un rock onesto e indimenticabile.

Bruce Springsteen: il 5 novembre del 1973 usciva "The Wild, The Innocent & The E Street Shuffle"

"The Wild, The Innocent & The E Street Shuffle" è il secondo album in studio di Bruce Springsteen, pubblicato il 5 novembre del 1973 dalla Columbia Records.

Il disco rappresenta un passo importante nella carriera del Boss, in quanto contribuì a consolidare il suo stile distintivo e ad affermare la sua posizione come uno dei più grandi artisti rock.

Il ’73 è l’anno di debutto del cantautore americano, che a gennaio aveva già rilasciato l’esordio “Greetings from Asbury Park, N.J.,” ma non appena le vendite di quest’ultimo iniziarono a calare (forse mai decollate) ecco arrivare un nuovo progetto, il cui successo allontanerà le nubi grigie plafonate sulla testa di artista e label. E alla Columbia Records si ricrederanno in fretta.

L'album è una miscela di diversi generi musicali, tra cui il rock, il folk, il soul e il rhythm and blues. È caratterizzato da testi intensi e narrativi, che raccontano storie di personaggi marginali, sognatori e giovani ribelli che cercano una via di fuga dalla loro realtà. Springsteen dipinge quadri vividi e coinvolgenti con le sue parole, trasmettendo un senso di energia e di speranza.

Uno dei punti di forza di questo album è la potenza delle performance musicali. La E Street Band, la band di accompagnamento di Springsteen, suona con una passione e una maestria eccezionali, creando una colonna sonora coinvolgente per le storie raccontate nelle canzoni. L'uso di strumenti come il sassofono e il pianoforte aggiunge un tocco di profondità e intensità alla musica.

Tra i brani più noti dell'album si trovano "Rosalita (Come Out Tonight)", una canzone piena di vitalità e di energia contagiosa, e "Incident on 57th Street", una ballata epica che mescola abilmente elementi di rock e jazz. Altri brani degni di nota includono "4th of July, Asbury Park (Sandy)" e "Kitty's Back", che mostrano la capacità di Springsteen di scrivere canzoni coinvolgenti e ricche di atmosfera.

"The Wild, The Innocent & The E Street Shuffle" è un album che richiede una certa attenzione da parte dell'ascoltatore. Le canzoni sono articolate e ricche di dettagli, e le storie che raccontano sono complesse e ben sviluppate. È un album che si svela gradualmente, offrendo nuovi strati di significato ad ogni ascolto.

Complessivamente è considerato un capolavoro musicale e mette in rilievo un giovane Springsteen che dimostra da subito la sua abilità come compositore e cantante, mentre la E Street Band offre una performance straordinaria.

Imperdibile per gli amanti del genere.

Nel 2012 l'album è stato inserito alla posizione 133 nella lista dei 500 migliori album di tutti i tempi della rivista Rolling Stone.

CREDITI

Testi e musiche di Bruce Springsteen; edizioni musicali Laurel Canyon Music Ltd.

Lato A (cliccare sul titolo per ascoltare)

The E Street Shuffle – 4:31

4thof July, Asbury Park (Sandy) – 5:36

Kitty's Back – 7:09

Wild Billy's Circus Story – 4:47

Lato B

Incident on 57th Street – 7:45

Rosalita (Come Out Tonight) – 7:04

New York City Serenade – 9:55

 

Formazione

Bruce Springsteen – voce, chitarre, armonica a bocca, mandolino, percussioni

Clarence "Nick" Clemons – sassofono, cori

Garry Tallent – basso, basso tuba, cori

David Sancious – pianoforte, piano elettrico, clavinet, organo, assolo d'organo in Kitty's Back, arrangiamento d'archi in New York City Serenade, sassofono soprano in The E Street Shuffle, cori

Danny Federici – fisarmonica, pianoforte in Incident on 57th Street, organo in Kitty's Back, cori

Vini Lopez – batteria, glockenspiel, cornetta in The E Street Shuffle, cori

Albany "Al" Tellone – sassofono baritono in The E Street Shuffle

Richard Blackwell – congas, percussioni

 

Produzione

Mike Appel, Jim Cretecos – produzione

Louis Lahav – tecnico del suono

Jack Ashkinazy – remissaggio per le edizioni su CD

John Berg, Teresa Alfieri – design

David Gahr – fotografia

Ma come si proponeva nei live del 1973 il Boss?

Ecco un esempio: Bruce Springsteen era uno dei nuovi artisti della Columbia Records quando salì sul palco dell'Ahmanson Theatre il 1º maggio 1973 come parte della vetrina della label, nella manifestazione denominata "Week To Remember".

Il set è importante perché rappresenta il capitolo iniziale nell'incredibile carriera di Bruce. Springsteen esegue "Wild Billy's Circus Story".

Ricordando Vittorio De Scalzi nel giorno della sua nascita

Nasceva il 4 novembre del 1949 Vittorio De Scalzi e vorrei ricordarlo con un evento concreto a cui partecipai nel luglio 2019 a Genova, una bella esibizione di una delle tante diramazioni dei New Trolls - La storia dei NEW TROLLS - che chiudeva il Prog Fest.

Ho sottolineato “una delle tante diramazioni” perché i New Trolls che conobbi nell’adolescenza, nel corso degli anni hanno subito tantissimi cambiamenti e frammentazioni di cui non posso dare giudizio, certo è che non è mai stato semplice per me risalire alle origini e ridisegnare l’albero genealogico corretto.

Quando penso a Vittorio - e ai New Trolls - mi ritornano alla mente momenti precisi della mia vita, stimolati da tracce musicali che sono state per me riferimenti continui.

Parto dal 1968: il brano è “Visioni”, un rock psichedelico che mi colpì come un macigno, nonostante avessi solo 12 anni!

Dopo tre anni, la fase prog prevaleva sul rock precedente e nasceva “Concerto Grosso”…

E arriva il pop di qualità, quello trasversale, che tocca tutto il pubblico diventando un must senza tempo, e come simbolo cito “Aldebaran” e… “Quella carezza della sera”.

Come si fa a condensare così tanta musica in un articolo!

Ad ognuno il proprio ricordo e un diverso abbinamento tra trame sonore e memoria, lasciando spazio al pensiero personale, sottolineando un legame con l’artista scomparso… tutto lecito, comprensibile, umano.

Vittorio mancherà fisicamente, agli affetti più vicini e ai tanti conoscenti coltivati nel corso di mezzo secolo e oltre, ma è privilegio di certi artisti rimanere vivi per sempre, perché ogni volta che partirà l’arpeggio di “Una miniera” o il rock di “Davanti agli occhi miei” ci sarà qualcuno che immediatamente idealizzerà un palco, una televisione, un locale, in cui Vittorio e i suoi compagni di avventura continuano a suonare e a far sognare.

L'ambizione di un compositore: il percorso di Keith Emerson verso gli ELP

 

Il testo ripercorre le prime tappe della carriera di Keith Emerson basandosi su un approfondimento originariamente pubblicato dal portale Prog in occasione della sua scomparsa nel 2016.

Un percorso di affermazione personale e di ricerca sonora, che parte dai primi tasti premuti per difesa personale tra le mura scolastiche per arrivare alla definizione dell'estetica del progressive rock. Prima di riempire gli stadi con gli Emerson, Lake and Palmer, la traiettoria del tastierista britannico è stata segnata da un apprendistato continuo, guidato dal desiderio di superare i limiti strutturali degli strumenti dell'epoca e di essere riconosciuto prima di tutto come compositore.

L'approccio al pianoforte nacque infatti da una necessità pratica, ovvero quella di evitare le prevaricazioni dei compagni di scuola. Dimostrare familiarità con il repertorio di Jerry Lee Lewis e Little Richard gli garantì la tranquillità necessaria per studiare in disparte le sonate di Beethoven, impostando una dualità tra linguaggi popolari e colti che avrebbe caratterizzato tutta la sua produzione. Nel 1963 il Keith Emerson Trio registrò nel salotto di casa un primo documento sonoro influenzato dal boogie woogie e da Dave Brubeck, mentre il successivo trasferimento a Londra nel 1965 e l'ingresso nei Gary Farr And The T-Bones accelerarono la fusione tra Bach, Copland, Oscar Peterson e Shostakovich, mettendo sempre più al centro dell'assetto sonoro l'organo Hammond.

L'estetica performativa e aggressiva delle sue esibizioni si sviluppò quasi per caso durante una tournée in Francia con i The VIPs, quando per placare una rissa nel locale Emerson iniziò a sollecitare lo strumento dondolandolo e salendoci sopra. Questa componente visiva si consolidò dal 1967 con la nascita dei The Nice, gruppo inizialmente formato per accompagnare la cantante soul P.P. Arnold e poi passato sotto la gestione di Andrew Loog Oldham. In quel periodo presero forma le sue trovate più note, come l'uso dei coltelli forniti da Lemmy Kilmister tra i tasti dell'Hammond per prolungare il sustain, il gesto di bruciare la bandiera americana alla Royal Albert Hall nel 1968 durante l'esecuzione di America di Bernstein - che costò al gruppo un ban permanente dal teatro - e l'adozione del sintetizzatore Moog in ambito live sulla scia di Switched-On Bach di Wendy Carlos, gestendone le instabilità tecniche con l'assistenza diretta di Robert Moog.

Nel 1970 la spinta propulsiva dei The Nice si ritenne esaurita e la volontà di spingere l'esplorazione musicale oltre i confini raggiunti portò alla nascita degli ELP insieme al bassista e cantante Greg Lake e al batterista Carl Palmer. Con la nuova formazione la spettacolarità delle esibizioni raggiunse picchi eccezionali, inclusa l'introduzione del pianoforte a coda volante al Madison Square Garden e al California Jam. Tanta teatralità rimase comunque al servizio di una precisa visione artistica: rielaborare la musica di maestri come Mussorgsky, Bartók e Copland per proporla al pubblico rock, ribadendo l'esigenza di mettere la composizione e l'arte davanti a qualunque etichetta di semplice intrattenimento.

La figura di Keith Emerson rimane così consegnata alla storia della musica non soltanto per l'impatto visivo e le soluzioni sceniche entrate nell'immaginario collettivo, ma per l'ostinata volontà di abbattere le barriere tra la tradizione colta e il linguaggio moderno, dimostrando come la tecnica e la ricerca compositiva possano diventare la vera struttura portante dello spettacolo rock.

Cherry Wainer e Don Storer, precursori dei tempi

Beat-Club propone una coppia (anche nella vita) di musicisti del passato che non conoscevo ma che vale la pena approfondire.

A vedere una loro immagine dell’epoca sembrerebbero i protagonisti di una di quelle belle trasmissioni in bianco e nero di un tempo, quegli spettacoli definiti “Varietà” che tanto piacevano all’italiano medio a cavallo tra i ’60 e ’70.

In realtà furono due grandi musicisti e lei si può considerare una antesignana della figura di tastierista di organo Hammond.

Vediamo qualche nota biografica.

Cherry Wainer nacque il 2 marzo 1935 in Sudafrica ed è stata una musicista molto conosciuta come membro del Lord Rockingham XI (gruppo jazz di razza mista e di genere misto assemblato come house band nel pionieristico spettacolo pop “Oh Boy!”) e come solista all'organo Hammond.

Wainer sposò il batterista Don Storer con il quale apparve regolarmente come duo durante gli anni Sessanta. 

Viene ricordata in particolare la loro presenza in una serie televisiva tedesca, “Beat! Beat! Beat” (1967).

Wainer pubblicò diversi album solisti e singoli, nessuno dei quali entrò però a far parte delle classifiche del Regno Unito.

Lord Rockingham's XI

Lei e suo marito si trasferirono a Las Vegas nel 1968, dove lavorarono stabilmente nel cabaret.

In seguito, si ritirò dalla musica, ma rimase a Las Vegas e si impiegò in un negozio di articoli da regalo.

Don Storer è morto nel 2006.

Cherry Wainer è mancata il 14 novembre 2014 a Las Vegas, all'età di 79 anni.

Ecco di cosa si tratta…