La memoria del vinile che unisce: cronaca di un pomeriggio
all'Associazione ALEC di Alba
7 novembre 2026
L'ingresso all'Associazione ALEC di Alba porta con sé la
familiarità dei luoghi di casa, dove la cultura musicale si respira tra le
migliaia di vinili e CD che ne affollano gli spazi. Per me è un piacere
costante tornare in questa realtà e contribuire a farla conoscere, soprattutto sapendo
che ogni appuntamento riserva momenti irripetibili. L'apertura dell'incontro ne
è stata la perfetta testimonianza: il dono ad ALEC di un paio di album scelti
da Fabrizio nei mercatini in Germania. Un azzardo ragionato di fronte a un
archivio così imponente, ma un gesto perfettamente intonato allo spirito del
luogo e alla generosità dell'occasione.
La forza della presentazione di Vinili anni '70: 40+1 -
Album tra arte e psicografia risiede proprio nella modularità delle sue
quarantuno schede. La formula collaudata prevede di trattare due/tre dischi per volta, modellando la narrazione sulle specificità del pubblico. Ad
Alba si è verificata una coincidenza straordinaria: la presenza simultanea in
sala di ben tre figure chiave legate a un capolavoro del progressive italiano
del 1977, Forse anche le lucciole non si amano più della Locanda delle
Fate.
Ampio spazio del pomeriggio è stato dunque dedicato a
quest'opera, articolata attraverso il consueto e coordinato passaggio di
consegne tra noi quattro autori:
-L'inquadramento tecnico-musicale
curato da Athos Enrile.
-L'analisi visiva ed estetica di
Renata Gatti.
-La contestualizzazione storica di
Fabrizio Castellani.
-La lettura psicologica e simbolica
di Antonella Oliveri.
L'incontro tra i fondatori della band, Luciano Boero e Oscar
Mazzoglio - accompagnato dal nipotino Gioele, giovanissimo e promettente
appassionato di rock anni Settanta - e l'ideatore dell'immagine di copertina,
Biagio Cairone, ha segnato il momento più toccante dell'evento. I due musicisti
hanno sorpreso Cairone donandogli le immagini originali da cui nacque la cover,
un materiale iconografico custodito dalla band per quasi cinquant'anni.
La seconda parte dell'evento si è concentrata su un pilastro
del rock internazionale, Brain Salad Surgery degli Emerson, Lake &
Palmer.
Per entrambi gli album l'ascolto delle tracce da vinile originale ha
fatto da colonna sonora, anche se la ricchezza degli interventi e la profondità
dei contenuti proposti hanno felicemente preso il sopravvento sui tempi di
riproduzione.
Nonostante la contemporaneità di un evento cittadino di forte
richiamo con Paolo Conte, l'ALEC ha registrato una partecipazione numerosa,
attenta e costante, sfociata poi nel classico aperitivo di chiusura tra i
sorrisi e la piena soddisfazione di tutti i presenti.
Un ringraziamento sincero va a Maura e Gian, che con occhio
attento hanno filmato e fotografato l'intero incontro, garantendo una
documentazione preziosa che continua a supportare il nostro cammino di
presentazione in presentazione.
Grazie ovviamente a Enzo Patri, Gianni Abbà e a tutta l'Associazione per la solita gentilezza nell'accoglierci e nel coccolarci!
Eventi di questo tipo travalicano la semplice divulgazione
nozionistica. In un'epoca caratterizzata dalla frammentazione, ritrovarsi
attorno a un vinile o alla storia di un'immagine condivisa restituisce un
valore immenso al tempo collettivo. Sono momenti aggregativi indispensabili, capaci
di favorire una socializzazione autentica e di regalarci parente di profonda
serenità e condivisione.
Quando i Move
pubblicano Blackberry Wayalla fine del 1968, il clima della Swinging
London è già cambiato. Le luci degli anni più spensierati si stanno spegnendo e
la musica comincia a raccontare un mondo meno brillante. Roy Wood scrive una
canzone che sembra uscire da una giornata grigia, una di quelle in cui la città
non offre alcun conforto. Il brano nasce come risposta malinconica alle
atmosfere più solari dei successi precedenti e diventa subito un piccolo
manifesto di inquietudine urbana. La melodia procede con passo lento, quasi
trattenuto, mentre l’arrangiamento costruisce un paesaggio che non concede
aperture. È una fotografia di un momento storico in cui la psichedelia si sta
ritirando e lascia spazio a un sentimento più introspettivo.
La voce di Carl Wayne attraversa questa atmosfera con un tono
che non cerca effetti. Racconta una giornata che non vuole cominciare e che non
promette nulla. Le tastiere disegnano un colore uniforme, mentre la chitarra
rimane sullo sfondo come se non volesse disturbare. Il risultato è un brano che
non ha bisogno di alzare la voce per farsi ascoltare, una confessione semplice,
quasi domestica, che parla di una solitudine che non ha drammi, ma che pesa
comunque.
Quando Blackberry Way arriva in Italia, gli Equipe 84stanno
vivendo una fase di grande creatività. Hanno già dimostrato di saper
trasformare le canzoni inglesi in qualcosa di personale e riconoscibile. Con Tutta mia la cittàscelgono di non riprodurre l’originale in modo fedele. Preferiscono
costruire una versione che mantenga la malinconia, ma che la renda più diretta.
Il testo italiano non cerca traduzioni letterali. Racconta una città che sembra
appartenere a chi la attraversa, ma che in realtà non offre alcun rifugio. È un
modo diverso di esprimere la stessa sensazione di vuoto.
La voce di Maurizio Vandelli porta la canzone in un
territorio più emotivo. Il timbro è più aperto, più vicino alla ballata pop
italiana, e questo crea un contrasto interessante con l’origine inglese del
brano. L’arrangiamento è più luminoso, ma non nasconde la malinconia. Le
chitarre aggiungono un movimento che nell’originale era più trattenuto. La
batteria accompagna con un passo regolare, come se volesse sostenere un cammino
che non trova una direzione precisa. È una reinterpretazione che non tradisce
il senso della canzone, ma lo traduce in un linguaggio più vicino alla
sensibilità italiana di quegli anni.
Il risultato è un dialogo tra due mondi che non si incontrano
direttamente, ma che finiscono per raccontare la stessa storia. Blackberry
Way osserva la città da una finestra chiusa. Tutta mia la città
la attraversa a piedi, cercando un punto in cui fermarsi. Entrambe parlano di
un luogo che non consola e di un tempo che non offre risposte. Sono due modi
diversi di descrivere la stessa malinconia, una malinconia che non ha bisogno
di grandi gesti per farsi sentire… basta una strada, un cielo spento e una voce
che prova a dare un nome a ciò che non si riesce a spiegare.
Cronache dal teatro, il progressive
rock trova casa a Valleggia con Paola Tagliaferro e la Compagnia dell'Es
L'autunno musicale ligure continua a riservare spazi di
ascolto focalizzati sulle strutture complesse e ragionate del rock progressivo,
trovando nel Teatro Nuovo Valleggia una cornice ideale per accogliere
progetti di spessore. La seconda serata della rassegna, venerdì 6 novembre, ha registrato una
partecipazione calorosa ed eterogenea, a dimostrazione di come la proposta
abbia saputo valicare i confini locali per richiamare appassionati genovesi,
dalla Francia e persino dal Friuli.
La cifra dell'evento si è manifestata fin dalle prime
battute, attraverso la ormai consueta intervista condotta a stretto contatto con la
prima fila. In questo momento introduttivo, Paola Tagliaferro ha
illustrato la genesi dei due progetti in scaletta, ripercorrendo l'importanza
del legame personale e artistico con Greg Lake, nato nel 2012, un
percorso proseguito successivamente accanto alla moglie Regina che ha portato
Tagliaferro a diventare l'unica artista italiana nel catalogo della Manticore
Records, la storica etichetta fondata dagli Emerson, Lake & Palmer e oggi riattivata.
La prima sezione del concerto ha offerto un banco di prova di
notevole complessità, interamente dedicata alla riproposizione dal vivo del
recente album, "Il Suono delle Sfere",incentrato
sul concept cosmico. Portare sul palco una produzione originale e per larga
parte inedita per gli ascoltatori si è rivelato un test superato con esiti
ampiamente positivi, sostenuto da una scrittura che intreccia suggestioni
esoteriche, la visione antroposofica del viaggio dell'anima e una rigorosa
impalcatura tecnica. Le musiche hanno preso vita grazie alle doti di un vero e
proprio super gruppo guidato da Paola Tagliaferro alla voce e chitarra. Pier
Gonella ha delineato trame incisive alla chitarra e al basso, tessendo un
dialogo continuo con i tasti di Luca Scherani, capace di coniugare
precisione formale e sensibilità stilistica.A completare l'ossatura ritmica e timbrica è intervenuta la
batteria di Andrea Orlando - già apprezzato sul medesimo palco nella
formazione de L'Ombra della Sera durante il precedente appuntamento del
festival -, autore di un lavoro di cesello sulle percussioni che ha sostenuto
con dinamismo i passaggi dedicati alle sfere celesti e al simbolo dell'Ankh.
Il momento di stacco tra i due tempi ha visto l'intervento di
Luciano Carlino, del direttivo del teatro, che ha illustrato le prospettive
della programmazione culturale. L'intervallo ha ospitato inoltre alcuni
componenti de Il Cerchio d'Oro, storica formazione prog savonese, che
hanno condiviso con la sala le ragioni dell'assenza dal festival, legata alla
lavorazione di un nuovo disco la cui complessità compositiva ha imposto una
pausa dall'attività dal vivo.
La seconda parte ha spostato l'asse espressivo sull'omaggio
al repertorio storico dei King Crimson e degli ELP, utilizzando
l’album “For the love of Greg Lake”. A
differenza della prima metà, la dimestichezza del pubblico con queste partiture
ha toccato corde emotive differenti, facendo leva su un patrimonio concettuale
e sonoro condiviso. Nell'arco di due ore piene di musica, l'interpretazione
della band ha saputo riannodare i fili di una grande tradizione, consegnando
una serata di solida sostanza interpretativa.
La riuscita complessiva dello spettacolo poggia anche sul
contributo indispensabile di chi opera dietro le quinte: l'attento lavoro di
Eddy Service, composto da tre tecnici, ha garantito una resa sonora e
illuminotecnica ideale, confermandosi quell'ossatura invisibile ma fondamentale
senza la quale nessun evento dal vivo potrebbe prendere forma.
Chiuso il sipario su questo secondo capitolo, l'attenzione
della rassegna si sposta ora verso il terzo evento in cartellone, atteso tra un
paio di settimane, che vedrà protagonista sul palco del Teatro Nuovo Valleggia
lo storico nome dei Delirium.
Contributi fotografici e video di Enrico Rolandi, Fulvio Bava e Fulvio Marella.
Quando Brian Eno ascoltò per la prima volta Adrian
Belew sul palco con Frank Zappa, capì subito di aver trovato
l'elemento mancante per il nuovo progetto dal vivo di David Bowie. Era
il 1978 e Belew suonava nella band di Zappa da appena un anno. La segnalazione
di Eno diede il via a un corteggiamento serrato che portò a un inevitabile
confronto tra due figure storiche della musica rock.
L'episodio decisivo si svolse durante un incontro a tre
organizzato in un ristorante, un tentativo di mediazione informale
trasformatosi in uno scambio laconico. Belew ricorda ancora la rigidità del
momento: Bowie cercò di intavolare una conversazione rivolgendo tre domande
dirette a Zappa, ma la risposta fu tre volte la stessa, un secco invito a quel
"Capitano Tom" che richiamava l'iconico personaggio di Space
Oddity. Preso atto della chiusura, Bowie si alzò dal tavolo insieme al
chitarrista commentando ironicamente l'esito del colloquio.
In realtà, al di là dell'episodio al ristorante e di qualche
battuta sferzante inserita da Zappa nei testi durante i concerti, la
transizione non nacque da uno scontro personale. Con la fine della tournée di
Zappa imminente e una pausa programmata di tre mesi per i musicisti, Bowie
offrì a Belew un ingaggio immediato per un tour europeo di quattro mesi. Nel
confronto finale avvenuto sul bus della tournée, fu lo stesso Zappa a
suggerirgli di cogliere l'opportunità, sancendo l'accordo con una semplice
stretta di mano.
Il prosieguo degli eventi prese poi una piega inaspettata. Al
termine del tour Zappa sciolse la formazione, mentre l'impegno con Bowie si
prolungò per oltre diciotto mesi, impedendo a Belew di tornare alla base come
inizialmente previsto.
Nonostante la separazione forzata, i rapporti tra i due
rimasero distesi nel tempo, segnati dal riconoscimento del ruolo fondamentale
che Zappa aveva avuto nel lancio della carriera del chitarrista.
La traiettoria di Belew, proseguita successivamente con
l'ingresso nei King Crimson, trova oggi una continuità ideale nella dimensione
dal vivo. Con il progetto parallelo “Beat”, l'artista torna a condividere il
palco con storici collaboratori dell'universo zappiano, come Steve Vai e Terry
Bozzio, insieme a Tony Levin, riannodando i fili di una stagione irripetibile
del rock di avanguardia.
Un estratto da "Le ali della
musica", libro che scrissi nel 2016
Intervista a Marcello Todaro, agosto 2013
Sono
nato nel 1956, e ho vissuto da adolescente l’inizio del prog, alimentandomi con
i concerti vicino a casa e con CIAO2001.
Da
quelle pagine lessi che Marcello Todaroera uscito dal BMS e nella mia testa
“pura” ciò era inconcepibile, così come l’uscita di Giorgio Fico Piazza dalla PFM. La
prima volta che vidi il Banco a Genova, teatro Alcione, Todaro c’era, ma in un
ruolo diverso da quello di chitarrista. Col passare degli anni sono entrato per
passione in questo mondo, soprattutto scrivendone, e il mio amico Fico Piazza
ha ripreso a suonare dopo 40 anni, come lui dice, grazie alla mia spinta.
Una chiacchierata con Marcello, tra Italia e California...
Spiegami, a distanza di tanti anni, cosa
avvenne in quei giorni lontani? Perché quel cambiamento?
Potrei
iniziare con... “C’era una volta...”, visto che sono passati circa 40
anni! Ultimamente
ho visto proprio un post su Facebook di Ciao 2001 dell’epoca... penso 1973, con
l’articolo che parlava proprio del cambiamento. Certo, non fa piacere a nessuno essere
sostituito, specialmente se hai partecipato con tanta determinazione a far
nascere qualcosa in cui credi. Avevo deciso che questo sarebbe stato l’ultimo
tentativo per raggiungere il successo. Il progetto “Banco” ha scatenato subito
in me una serie di emozioni e sentivo profondamente che era la strada giusta.
Per questo ho proposto gli inserimenti di Francesco, Renato e Pierluigi.
All’inizio ho dovuto insistere un po’ per Francesco... (prova a pensare Checco
a Marino!), ma poi tutto é filato liscio. Credo che sia già stato detto e
scritto molto sull’argomento; comunque, il punto era che, se qualcuno poteva
essere di freno per l’evoluzione del gruppo, poteva venire sostituito senza
preferenze per nessuno. Così è stato: il mio background musicale era basato su
esperienze differenti e poi, in un gruppo non sempre c’è identità di vedute e
spesso non si concorda sulle scelte da fare e le strategie da adottare. Ognuno
è libero, comunque, di avere le proprie opinioni che, sicuramente, variano a
seconda dei punti di vista.
Mi pare che il passo musicale successivo fu
proprio la creazione di una nuova band con Fico. Come andò quell’esperienza?
Avendo,
sia il Banco che la PFM lo stesso manager/promoter, il compianto Franco Mamone,
mi fu prospettata proprio da quest’ultimo l’idea di formare un gruppo con
Giorgio Fico” Piazza, anche lui da poco uscito dalla PFM. L’etichetta era quella
di Gianni Sassi, la Cramps. L’esperienza
sia in studio di registrazione che fuori, fu veramente divertente, molto
rilassata e senza problemi. Dalle registrazioni ne è uscito un bel disco molto
Rock... ne ero e ne sono molto soddisfatto, specialmente per il suono delle
chitarre. Purtroppo,
per ragioni ancora tutt’oggi sconosciute, il disco non fu mai definitivamente
completato e il gruppo i “Crystals” ... definitivamente sciolto!
Che ricordi hai, in generale, dell’atmosfera
di quei giorni lontani?
La potrei
definire decisamente goliardica... si partiva per suonare per il gusto di
suonare, senza pensare troppo a problemi di carattere tecnico e/o burocratico. Quando
abbiamo iniziato si viaggiava tutti e sei assieme con la strumentazione stivata
nel pulmino, arrivati si scaricava, si montavano gli strumenti, prove e via
così, fino all’ora del concerto. Dopo un po’ di tempo arrivò l’Hammond di
Vittorio ed altra strumentazione, per cui comprammo un mezzo di trasporto più grande,
un camion Mecedes 308 B da Cherubini! Siccome nessuno di noi aveva la patente
C, che serviva per guidare quel tipo di mezzo, nelle trasferte mio padre faceva
da autista. Poi arrivarono i tecnici, camion nuovo... e macchina per noi sei;
la prima, se non ricordo male, fu una Fiat 2300, una familiare nera... sembrava
una di quelle che si utilizzano per i funerali! Ho
sempre pensato che il Banco sia uscito al momento giusto con la musica giusta,
per cui il successo continuo fino ad oggi è meritato! Poi c’era
il fermento musicale quello vero, se pensiamo solo a quanti sono stati i gruppi
nati all’epoca, locali per suonare a non finire e il pubblico accorreva in
massa. Per
portare un esempio, uno dei famosi locali della costiera romagnola di quei
tempi, “L’Altro Mondo” di Miramare di Rimini, scritturava il Banco per quattro
serate nei mesi di luglio e agosto, perché ogni 15 giorni il pubblico dei
vacanzieri cambiava, e poi come locale era uno dei nostri preferiti. Insomma, una
gran bella atmosfera, vuoi che si era più giovani per cui pronti a tutto o
quasi, vuoi per i tempi diversi, ma ci si divertiva e, soprattutto quando si
suonava si sudava… come diceva il mio amico batterista Mauro Spina “se si suda c’é l’emozione giusta!”
Come è progredita la tua carriera musicale
da allora ai giorni nostri?
Dopo il
Banco e i Crystals ho lavorato come Sound Engineer in uno studio di
registrazione alla EMI Italiana come Assistente alla Direzione Artistica, lavorando
con vari artisti, tra i quali Pino Daniele, che ho seguito in studio come
produttore. Ho poi continuato come Freelancer Live Sound Engineer negli anni
successivi, lavorando con Ruggeri, Barbarossa, Mannoia, Minghi e tanti altri
fino ad oggi. Ultimamente
ho lavorato come Direttore di Produzione/ Palco, all’Umbria Jazz Festival, per
cinque anni di seguito. In
questa occasione sono venuto a contatto con produzioni di artisti di grosso calibro,
tra i quali James Taylor, Santana, Eric Clapton, Pat Metheney, Herbie Hancock,
ecc., per cui una bella esperienza, stancante, ma gratificante.
Hai qualche rammarico legato al tuo passato?
Sicuramente,
a parte il Banco e i Crystal, lavorando alla EMI Italiana sono entrato in contatto
con molti artisti stranieri che venivano in Italia per promuovere i loro ultimi
dischi. Accompagnando uno di questi artisti, “The Motels”, in televisione, mi
fu chiesto dalla cantante del gruppo, Martha Davis, se mi andasse di lavorare
con loro in Tournee! Forse sarebbe stato da prenderlo al volo quel treno, ma
troppe complicazioni... famiglia, lavoro, ecc. Proprio ultimamente sono
rientrato in contatto con Martha... incredibile, ma si è ricordata... magari
adesso recuperiamo il tempo perduto!
Tutti i gruppi di allora si sono riuniti -
anche se non al completo - e con ottimi risultati: come giudichi queste
reunion?
Se la cosa
viene fatta per puro divertimento, con qualche cosa ancora da dire
musicalmente, ben venga, se è solo a scopo di lucro... intendiamoci, non dico
che si deve lavorare gratis, ma la professionalità non deve mai mancare.
Tu vivi in America, ma spesso ritorni a
casa… quali sono le differenze maggiori tra le due situazioni, se ci riferiamo
in senso generale allo stato della musica?
Sicuramente
la professionalità ed il grado di preparazione di società e personale tecnico. L’ho
constato di persona, lavorando con delle Rental Company, che il lavoro, sia
piccolo o grande, offre sempre un servizio di alta qualità. Parlando
poi di Musica, qui é con la “M” maiuscola, è una vera industria e dà lavoro a
milioni di persone. Se pensiamo a tutte le organizzazioni, scuole, locali,
rental company, ecc. che gravitano nel Music Business ce ne rendiamo conto. Da
quando sono qui vado ogni anno al Winter NAMM, che si tiene al Covention Center
di Anaheim, ad un’ora di macchina da dove vivo. Praticamente la città per
quattro giorni si trasforma, ed è una bella trasformazione! Musica dappertutto,
per le strade, locali, hotel, e dentro al NAMM giovani ovunque, con strumenti
appresso, con l’entusiasmo e la voglia di fare e siccome la competizione è
veramente dura, chi riesce è veramente bravo ed ha qualche cosa in più da dire.
Torniamo un attimo alle origini: quale tra
gli album del BANCO a cui hai partecipato giudichi migliore, e perché?
Sicuramente il primo, il “Salvadanaio”... come si dice, “il primo amore
non si scorda mai”.Forse proprio
perchè era il primo, ci abbiamo messo quel pizzico di passione in più... poi la copertina originalissima, l’energia, l’emozione,
l’entusiasmo.
Ho letto da qualche parte che godi di enorme
stima in oriente: come ti spieghi questo amore?
Questa è
stata una sorpresa anche per me! Corsi e ricorsi della musica! Comunque mi fa
piacere naturalmente.
Mi racconti i tuoi progetti futuri?
Progetti
per il futuro non ne faccio mai, almeno a lunga distanza, e anche per
scaramanzia! Per ora ci sono un paio di idee allo stato embrionale, una da
leggere, forse, non dico di più, anche perché non mi va di parlare di cose che
poi non si concretizzano. Se dovesse prendere forma e realizzarsi ti renderò
partecipe.
Alla fine, il cerchio si chiude senza la pretesa di
rincorrere il passato. Nelle traiettorie di chi ha fatto la storia della musica
senza cercare necessariamente la luce dei riflettori resta la consapevolezza di
aver suonato quando contava farlo davvero, lasciando che le note continuassero
a scorrere oltre i confini del tempo e della geografia.
Il 6 novembre 1948, a Detroit, Michigan, nasceva Glenn Frey, una figura destinata a diventare
una delle colonne portanti della musica rock americana, co-fondatore, cantante,
chitarrista e principale compositore (spesso in coppia con Don Henley) della
leggendaria band Eagles.
Dopo un periodo formativo nella scena musicale di Detroit,
dove fece anche un'apparizione come chitarrista e seconda voce nel brano
"Ramblin' Gamblin' Man" di Bob Seger, Frey si trasferì a Los Angeles.
Fu qui, nel 1971, che, insieme al batterista Don Henley, al bassista Randy
Meisner e al chitarrista Bernie Leadon, diede vita agli Eagles, un gruppo che
ridefinì il genere del country rock.
Frey fu una forza trainante per la band, distinguendosi per
il suo talento di polistrumentista (chitarra e tastiere) e per la sua voce
solista in molti dei brani più iconici. Sue sono le voci principali in classici
come "Take It Easy" (il primo grande successo, scritto con
Jackson Browne), "Peaceful Easy Feeling", "Tequila Sunrise", "Lyin' Eyes", "New Kid in Town"
e "Heartache Tonight".
Come co-autore, spesso con Don Henley, contribuì a forgiare
capolavori senza tempo, tra cui l'epica "Hotel California" e
la malinconica "Desperado".
Gli Eagles, grazie anche al suo contributo, hanno stabilito
record di vendite sbalorditivi, in particolare con la raccolta Their Greatest Hits(1971–1975), a lungo l'album più venduto di tutti
i tempi negli Stati Uniti.
Dopo lo scioglimento iniziale degli Eagles nel 1980, Frey
intraprese una carriera solista di notevole successo, dimostrando la sua
versatilità con brani che si adattavano perfettamente al sound degli anni '80.
I suoi successi più celebri in questo periodo includono "The Heat Is On"
(colonna sonora del film Beverly Hills Cop - Un piedipiatti a Beverly Hills),
"You Belong to the City" (inserita nella serie TV Miami Vice,
in cui Frey fece anche un'apparizione come attore).
Gli Eagles si riunirono nel 1994 per il tour e l'album live Hell
Freezes Over, con Frey che tornò al suo ruolo di leader e compositore
fino alla fine.
Glenn Frey è scomparso il 18 gennaio 2016,
all'età di 67 anni, a causa di complicazioni legate a un'artrite reumatoide,
colite ulcerosa e polmonite. La sua morte fu un duro colpo per il mondo della
musica, e il suo compagno di band Don Henley lo ricordò come "il
fratello che aveva conosciuto per 45 anni".
L'eredità di Glenn Frey vive non solo nelle vendite multiplatino
e nei sei Grammy Awards vinti con gli Eagles, ma soprattutto nella sua capacità
di raccontare l'anima complessa e agrodolce della West Coast americana con
armonie perfette e un rock onesto e indimenticabile.
"The
Wild, The Innocent & The E Street Shuffle" è il secondo
album in studio di Bruce
Springsteen, pubblicato il 5 novembre del 1973 dalla Columbia
Records.
Il disco rappresenta un passo
importante nella carriera del Boss, in quanto contribuì a consolidare il
suo stile distintivo e ad affermare la sua posizione come uno dei più grandi
artisti rock.
Il ’73 è l’anno di debutto del
cantautore americano, che a gennaio aveva già rilasciato l’esordio “Greetings
from Asbury Park, N.J.,” ma non appena le vendite di quest’ultimo iniziarono a calare (forse mai decollate) ecco arrivare un nuovo progetto, il cui successo
allontanerà le nubi grigie plafonate sulla testa di artista e label. E alla
Columbia Records si ricrederanno in fretta.
L'album è una miscela di diversi
generi musicali, tra cui il rock, il folk, il soul e il rhythm and blues. È
caratterizzato da testi intensi e narrativi, che raccontano storie di
personaggi marginali, sognatori e giovani ribelli che cercano una via di fuga
dalla loro realtà. Springsteen dipinge quadri vividi e coinvolgenti con le sue
parole, trasmettendo un senso di energia e di speranza.
Uno dei punti di forza di questo
album è la potenza delle performance musicali. La E Street Band, la band
di accompagnamento di Springsteen, suona con una passione e una maestria
eccezionali, creando una colonna sonora coinvolgente per le storie raccontate
nelle canzoni. L'uso di strumenti come il sassofono e il pianoforte aggiunge un
tocco di profondità e intensità alla musica.
Tra i brani più noti dell'album si
trovano "Rosalita (Come Out Tonight)", una canzone piena di
vitalità e di energia contagiosa, e "Incident on 57th Street",
una ballata epica che mescola abilmente elementi di rock e jazz. Altri brani
degni di nota includono "4th of July, Asbury Park (Sandy)" e
"Kitty's Back", che mostrano la capacità di Springsteen di
scrivere canzoni coinvolgenti e ricche di atmosfera.
"The Wild, The Innocent
& The E Street Shuffle" è un album che richiede una certa
attenzione da parte dell'ascoltatore. Le canzoni sono articolate e ricche di
dettagli, e le storie che raccontano sono complesse e ben sviluppate. È un
album che si svela gradualmente, offrendo nuovi strati di significato ad ogni
ascolto.
Complessivamente è considerato un
capolavoro musicale e mette in rilievo un giovane Springsteen che dimostra da subito la sua abilità come compositore
e cantante, mentre la E Street Band offre una performance straordinaria.
Imperdibile per gli amanti del
genere.
Nel 2012 l'album è stato inserito
alla posizione 133 nella lista dei 500 migliori album di tutti i tempi della
rivista Rolling Stone.
CREDITI
Testi e musiche di Bruce Springsteen;
edizioni musicali Laurel Canyon Music Ltd.
Bruce Springsteen – voce, chitarre,
armonica a bocca, mandolino, percussioni
Clarence "Nick" Clemons –
sassofono, cori
Garry Tallent – basso, basso tuba,
cori
David Sancious – pianoforte, piano
elettrico, clavinet, organo, assolo d'organo in Kitty's Back, arrangiamento
d'archi in New York City Serenade, sassofono soprano in The E Street Shuffle,
cori
Danny
Federici – fisarmonica, pianoforte in Incident on 57th Street, organo in
Kitty's Back, cori
Vini Lopez – batteria, glockenspiel,
cornetta in The E Street Shuffle, cori
Albany "Al" Tellone –
sassofono baritono in The E Street Shuffle
Richard Blackwell – congas,
percussioni
Produzione
Mike Appel, Jim Cretecos – produzione
Louis Lahav – tecnico del suono
Jack Ashkinazy – remissaggio per le
edizioni su CD
John Berg, Teresa Alfieri – design
David Gahr – fotografia
Ma come si proponeva nei live del
1973 il Boss?
Ecco un
esempio: Bruce Springsteen era uno dei nuovi artisti della
Columbia Records quando salì sul palco dell'Ahmanson Theatre il 1º maggio
1973 come parte della vetrina della label, nella manifestazione denominata "Week
To Remember".
Il set è importante perché
rappresenta il capitolo iniziale nell'incredibile carriera di Bruce. Springsteen
esegue "Wild Billy's Circus Story".
Nasceva il 4 novembre del 1949Vittorio De Scalzi e vorrei
ricordarlo con un evento concreto a cui partecipai nel luglio 2019 a Genova, una
bella esibizione di una delle tante diramazioni dei New Trolls - La storia
dei NEW TROLLS - che chiudeva il Prog Fest.
Ho sottolineato “una delle tante diramazioni” perché i
New Trolls che conobbi nell’adolescenza, nel corso degli anni hanno subito
tantissimi cambiamenti e frammentazioni di cui non posso dare giudizio, certo è
che non è mai stato semplice per me risalire alle origini e ridisegnare l’albero
genealogico corretto.
Quando penso a Vittorio - e ai New Trolls - mi ritornano alla
mente momenti precisi della mia vita, stimolati da tracce musicali che sono
state per me riferimenti continui.
Parto dal 1968: il brano è “Visioni”, un rock
psichedelico che mi colpì come un macigno, nonostante avessi solo 12 anni!
Dopo tre anni, la fase prog prevaleva sul rock precedente
e nasceva “Concerto Grosso”…
E arriva il pop di qualità, quello trasversale, che tocca
tutto il pubblico diventando un must senza tempo, e come simbolo cito “Aldebaran” e… “Quella
carezza della sera”.
Come si fa a condensare così tanta musica in un articolo!
Ad ognuno il proprio ricordo e un diverso abbinamento tra trame sonore e memoria, lasciando spazio al pensiero personale, sottolineando un legame con
l’artista scomparso… tutto lecito, comprensibile, umano.
Vittorio mancherà fisicamente, agli affetti più vicini e ai
tanti conoscenti coltivati nel corso di mezzo secolo e oltre, ma è privilegio
di certi artisti rimanere vivi per sempre, perché ogni volta che partirà l’arpeggio
di “Una miniera” o il rock di “Davanti agli occhi miei” ci sarà
qualcuno che immediatamente idealizzerà un palco, una televisione, un locale,
in cui Vittorio e i suoi compagni di avventura continuano a suonare e a far
sognare.
Il testo ripercorre le prime tappe
della carriera di Keith Emerson basandosi su un approfondimento originariamente
pubblicato dal portale Prog in occasione della sua scomparsa nel 2016.
Un percorso di affermazione personale e di ricerca sonora,
che parte dai primi tasti premuti per difesa personale tra le mura scolastiche
per arrivare alla definizione dell'estetica del progressive rock. Prima di
riempire gli stadi con gli Emerson, Lake and Palmer, la traiettoria del
tastierista britannico è stata segnata da un apprendistato continuo, guidato
dal desiderio di superare i limiti strutturali degli strumenti dell'epoca e di
essere riconosciuto prima di tutto come compositore.
L'approccio al pianoforte nacque infatti da una necessità
pratica, ovvero quella di evitare le prevaricazioni dei compagni di scuola. Dimostrare
familiarità con il repertorio di Jerry Lee Lewis e Little Richard gli garantì
la tranquillità necessaria per studiare in disparte le sonate di Beethoven,
impostando una dualità tra linguaggi popolari e colti che avrebbe
caratterizzato tutta la sua produzione. Nel 1963 il Keith Emerson Trio registrò
nel salotto di casa un primo documento sonoro influenzato dal boogie woogie e
da Dave Brubeck, mentre il successivo trasferimento a Londra nel 1965 e
l'ingresso nei Gary Farr And The T-Bones accelerarono la fusione tra Bach,
Copland, Oscar Peterson e Shostakovich, mettendo sempre più al centro
dell'assetto sonoro l'organo Hammond.
L'estetica performativa e aggressiva delle sue esibizioni si
sviluppò quasi per caso durante una tournée in Francia con i The VIPs, quando
per placare una rissa nel locale Emerson iniziò a sollecitare lo strumento
dondolandolo e salendoci sopra. Questa componente visiva si consolidò dal 1967
con la nascita dei The Nice, gruppo inizialmente formato per accompagnare la
cantante soul P.P. Arnold e poi passato sotto la gestione di Andrew Loog
Oldham. In quel periodo presero forma le sue trovate più note, come l'uso dei
coltelli forniti da Lemmy Kilmister tra i tasti dell'Hammond per prolungare il
sustain, il gesto di bruciare la bandiera americana alla Royal Albert Hall nel
1968 durante l'esecuzione di America di Bernstein - che costò al gruppo
un ban permanente dal teatro - e l'adozione del sintetizzatore Moog in ambito
live sulla scia di Switched-On Bach di Wendy Carlos, gestendone le
instabilità tecniche con l'assistenza diretta di Robert Moog.
Nel 1970 la spinta propulsiva dei The Nice si ritenne
esaurita e la volontà di spingere l'esplorazione musicale oltre i confini
raggiunti portò alla nascita degli ELP insieme al bassista e cantante Greg Lake
e al batterista Carl Palmer. Con la nuova formazione la spettacolarità delle
esibizioni raggiunse picchi eccezionali, inclusa l'introduzione del pianoforte
a coda volante al Madison Square Garden e al California Jam. Tanta teatralità
rimase comunque al servizio di una precisa visione artistica: rielaborare la
musica di maestri come Mussorgsky, Bartók e Copland per proporla al pubblico
rock, ribadendo l'esigenza di mettere la composizione e l'arte davanti a
qualunque etichetta di semplice intrattenimento.
La figura di Keith Emerson rimane così consegnata alla storia
della musica non soltanto per l'impatto visivo e le soluzioni sceniche entrate
nell'immaginario collettivo, ma per l'ostinata volontà di abbattere le barriere
tra la tradizione colta e il linguaggio moderno, dimostrando come la tecnica e
la ricerca compositiva possano diventare la vera struttura portante dello
spettacolo rock.
Beat-Club propone
una coppia (anche nella vita) di musicisti del passato che non conoscevo ma che
vale la pena approfondire.
A vedere una
loro immagine dell’epoca sembrerebbero i protagonisti di una di quelle belle
trasmissioni in bianco e nero di un tempo, quegli spettacoli definiti “Varietà”
che tanto piacevano all’italiano medio a cavallo tra i ’60 e ’70.
In realtà furono due grandi musicisti e lei si può considerare una antesignana della figura di tastierista di organo Hammond.
Vediamo qualche
nota biografica.
Cherry Wainernacque il 2 marzo 1935 in Sudafrica ed è stata una musicista molto conosciuta come membro del Lord Rockingham XI (gruppo
jazz di razza mista e di genere misto assemblato come house band nel
pionieristico spettacolo pop “Oh Boy!”) e come solista all'organo Hammond.
Wainer sposò il batterista Don Storercon il
quale apparve regolarmente come duo durante gli anni Sessanta.
Viene ricordata in
particolare la loro presenza in una serie televisiva tedesca, “Beat! Beat!
Beat” (1967).
Wainer pubblicò diversi album solisti e
singoli, nessuno dei quali entrò però a far parte delle classifiche del Regno Unito.
Lord Rockingham's XI
Lei e suo marito si trasferirono a Las Vegas
nel 1968, dove lavorarono stabilmente nel cabaret.
In seguito, si ritirò dalla musica, ma rimase a
Las Vegas e si impiegò in un negozio di articoli da regalo.
Don Storer è morto nel 2006.
Cherry Wainer è mancata il 14 novembre 2014 a
Las Vegas, all'età di 79 anni.
Il compleanno del frontman dei Red Hot Chili Peppers tra le
ferite dell'infanzia e la ricerca di un equilibrio attraverso la musica
Il compleanno di Anthony
Kiedis, nato il 1° novembre 1962, offre l'occasione per
ripercorrere una storia personale che si allontana radicalmente dai cliché
della rockstar cresciuta in un contesto ordinato. La sua infanzia è stata
segnata da una precoce frammentazione familiare e da un trasferimento a Los
Angeles, a soli dodici anni, per andare a vivere con il padre. Quell'ambiente
californiano degli anni Settanta, immerso nei margini del mondo dello
spettacolo e vissuto a contatto con una prematura maturità, ha rappresentato un
terreno fertile ma fortemente instabile, segnato da situazioni di sradicamento
che avrebbero potuto compromettere qualsiasi prospettiva futura.
La musica, e in particolare l'incontro con i compagni di
liceo a Fairfax con cui avrebbe fondato i Red Hot Chili Peppers, ha
funzionato da elemento di ancoraggio e di riscatto. L'energia primordiale del
funk-rock non è stata soltanto un veicolo espressivo, ma il mezzo attraverso
cui incanalare le inquietudini di un'esistenza complessa. La forza del gruppo è
sempre derivata dalla capacità di trasformare le proprie ferite biografiche in
un flusso sonoro fortemente identitario, dove il ritmo serrato e la coralità
del palco offrivano una via d'uscita al disordine interiore.
Negli anni, il percorso artistico di Kiedis si è evoluto
superando momenti di profonda crisi personale e la perdita di compagni di
viaggio fondamentali, mantenendo tuttavia intatta quell'urgenza espressiva
iniziale. Ripercorrere la sua parabola significa osservare come un vissuto
articolato possa tradursi, attraverso la disciplina della scrittura e la
condivisione della musica su scala globale, in una forma di autentica
resilienza artistica.
Anthony Kiedis celebra oggi un punto di una traiettoria che continua a
rinnovarsi. Mentre le sue passate tempeste personali restano sullo sfondo di
una vita ormai votata alla stabilità e alla cura di sé, i Red Hot Chili Peppers
restano una presenza attiva e vitale sui palchi di tutto il mondo. Il traguardo
di oggi non rappresenta un bilancio definitivo, ma un ulteriore capitolo
aperto: l'auspicio è che la sua energia e la sua scrittura possano continuare a
illuminare il percorso della band e dei suoi ascoltatori ancora a lungo.
