Wings-""Band on the Run" (1973), il il capolavoro di Paul McCartney dopo l'uscita dai Beatles-Era il 15 novembre del 1973

"Band on the Run" è il sesto album di Paul McCartney, il quinto in studio e il terzo dei Wings, pubblicato nel novembre/dicembre 1973 (il 15-11 in Inghilterra e il 7-12 negli USA) dalla Apple Records. L'album, che diventò il più grande successo dei Wings, viene considerato ancora oggi il vertice della carriera solista dell'ex Beatle ed è generalmente considerato il capolavoro di Paul McCartney e della sua band dopo lo scioglimento dei Beatles.

La rivista Rolling Stone l'ha inserito al 418º posto della sua lista dei 500 migliori album.

Il disco è stato l'ultimo album di Paul McCartney ad essere pubblicato dall'etichetta Apple Records.

L’album presenta una grande varietà di stili musicali, che spaziano dal pop al rock, dal folk al soul, ed è ricco di melodie orecchiabili miste ad arrangiamenti complessi e testi ben scritti. La produzione è curata e le performance musicali sono di altissimo livello.

La title track, "Band on the Run", è probabilmente il brano più famoso dell'album. È una canzone epica divisa in tre parti che racconta la storia di una banda in fuga. Con un ritornello orecchiabile e un crescendo di strumenti, è un pezzo che rimane impresso nella mente dell'ascoltatore.

Altri brani notevoli dell'album includono "Jet", un pezzo rock energico con un ritmo incalzante, "Let Me Roll It", che mostra l'influenza dei Beatles con un suono simile a quello di "Helter Skelter", e "Nineteen Hundred and Eighty-Five", una traccia che combina elementi di rock e pop con arrangiamenti orchestrali.

La qualità musicale di "Band on the Run" è innegabile. L'album dimostra la grande abilità di Paul McCartney come compositore e musicista. Le armonie vocali sono splendide e gli strumentisti dimostrano una grande maestria.

L'album ha ottenuto un grande successo commerciale, raggiungendo la vetta delle classifiche di vendita sia negli Stati Uniti che nel Regno Unito. Inoltre, ha ricevuto numerosi riconoscimenti ed è considerato uno dei migliori album della carriera di McCartney.

Complessivamente, quindi, un disco eccezionale, un classico intramontabile della musica rock e pop, che ancora oggi viene apprezzato per la sua qualità musicale e la sua influenza sulla scena musicale.

Assolutamente da ascoltare, anche se non si è… fan dei Beatles!

Copertina

La celebre foto di copertina venne scattata il 28 ottobre 1973 contro il muro esterno di uno stabile a Osterley Park, Isleworth. La fotografia ritrae Paul, Linda e Denny più altre sei persone, più o meno famose, vestite come carcerati e sorprese nell'atto di un tentativo di evasione dalla luce di un riflettore. Gli altri individui che compaiono in copertina sono:

Michael Parkinson (giornalista)

Kenny Lynch (attore, comico e cantante)

James Coburn (attore)

Clement Freud (rubricista, chef, narratore, parlamentare, e pronipote di Sigmund Freud)

Christopher Lee (attore)

John Conteh (pugile originario di Liverpool, in seguito diventato campione mondiale dei pesi mediomassimi) 

Citazioni dell'immagine di copertina sono state fatte dallo stesso McCartney (nel video del brano Spies Like Us, con Chevy Chase e Dan Aykroyd, e dalla Dreamworks per il poster del film Madagascar, che ritrae i personaggi principali contro un muro nella stessa posa della foto di Band on the Run).

 

Tracce (cliccare sul titolo per ascoltare)

Tutti i brani sono opera di Paul McCartney, eccetto dove indicato. 

Edizione Britannica 

Lato A

Band on the Run – 5:10

Jet – 4:06

Bluebird – 3:22

Mrs Vandebilt – 4:38

Let Me Roll It – 4:47 

Lato B

Mamunia– 4:50

No Words – 2:33 (P. McCartney, Denny Laine)

Picasso's Last Words (Drink to Me) – 5:50

Nineteen Hundred and Eighty-Five – 5:27

 

Formazione

Paul McCartney – voce, armonie vocali, cori, basso, pianoforte, chitarra acustica ed elettrica, batteria, percussioni, maracas

Linda McCartney – armonie vocali, cori, tastiere, percussioni

Denny Laine – armonie vocali, cori, chitarra solista, chitarra acustica, basso, percussioni 

Altri musicisti

Howie Casey – sassofono

Crediti

Paul McCartney - produttore

Geoff Emerick - ingegnere del suono

Steve Hackett, il rito del progressive al Teatro Colosseo di Torino: la cronaca del concerto del 12 novembre 2026

Il rito di un mito del rock che riesce ancora a trasformare la complessità del progressive in pura emozione dal vivo

Un rito che si rinnova concerto dopo concerto, anno dopo anno, alimentato da quello stato di grazia che sembra accompagnare chi dedica la propria esistenza alla musica. La tappa torinese del 12 novembre al Teatro Colosseo, appuntamento inaugurale della leg italiana del tour Best Of Genesis & Solo Gems, ha confermato ancora una volta perché Steve Hackett resti un punto di riferimento assoluto per il rock progressivo. A settantasei anni, il chitarrista britannico mostra una tenuta fisica e artistica straordinaria, già sottolineata dalla stampa internazionale nelle date appena concluse nel Regno Unito, unendo alla statura del mito una semplicità umana fuori dal comune.

Chi come me ha avuto la fortuna/opportunità di conoscerlo personalmente nel corso degli anni, ritrova sempre la stessa gentilezza disarmante. Anche a Torino, un'ora prima dello spettacolo, il backstage del Colosseo si è trasformato in un momento di autentica condivisione insieme a lui e alla moglie Jo, altrettanto cordiale e disponibile per qualche parola e qualche scatto. È il privilegio di respirare l'atmosfera che precede l'ingresso in scena di un protagonista della storia del rock prima che si accendano i riflettori.

Alle 20:30 in punto, con l'inconfondibile precisione britannica, le luci si sono abbassate dando il via a 3 ore di concerto, suddiviso in due set distinti separati da venti minuti di intervallo. Sul palco una formazione di sette musicisti collaudati - spesso in rotazione - e di altissimo livello, capaci di governare partiture articolate con naturalezza e impatto sonoro travolgente. In questo ingranaggio perfetto si inserisce con grande efficacia anche Amanda Lehmann, che non avevo mai visto dal vivo, presenza luminosa alla chitarra e alla voce, che completa l'equilibrio espressivo del gruppo come tassello di un mosaico prezioso.

La prima sezione dello spettacolo ha esplorato le gemme della carriera solista di Hackett, alternando atmosfere gotiche e affreschi strumentali di ampio respiro. Dai passaggi oscuri di The Devil's Cathedral fino all'inedito The Sea Inside, passando per classici ormai imprescindibili come Spectral Mornings, Ace of Wands, The Steppes e la maestosa chiusura affidata a Shadow of the Hierophant, la band ha costruito un crescendo avvolgente che il pubblico torinese ha accolto con partecipazione attenta e calore crescente.

Dopo la pausa, la seconda parte del concerto ha aperto le porte alla memoria e all'emozione più profonda, ripercorrendo alcune tra le pagine più amate del repertorio dei Genesis. L'attacco solenne di Watcher of the Skies riporta inevitabilmente indietro nel tempo, fino al primo storico concerto italiano della band al Teatro Alcione di Genova, quando il timbro allora sconosciuto e imponente del Mellotron spinse parte del pubblico a chiedersi perché non si aprissero le tende sul fondo del palco per mostrare l'orchestra.

Il cuore della serata ha toccato vertici altissimi con The Cinema Show e l'intenso assolo di tastiere di Lalle Larsson, preludio perfetto a Firth of Fifth. Proprio quel celebre solo di chitarra racchiude l'essenza del metodo di Hackett: come lo stesso musicista ha raccontato, per mettere a punto quei pochi minuti di musica furono necessari sei mesi di lavoro meticoloso, a testimonianza di una cura artigianale e di una profondità creativa che ancora oggi lasciano senza fiato. La monumentale Supper's Ready ha poi condotto la platea verso il finale, accolto da un'ovazione unanime che ha richiamato il gruppo sul palco per il canonico bis tra le ritmiche serrate di Dance on a Volcano, l'assolo di batteria di Felix Lehrmann e la cavalcata conclusiva di Los Endos. Un'altra serata da incorniciare.

La formazione sul palco

Steve Hackett: chitarra, voce

Nad Sylvan: voce

Jonas Reingold: basso, chitarra a dodici corde, cori

Rob Townsend: sassofono, flauti, tastiere, percussioni

Lalle Larsson: tastiere

Felix Lehrmann: batteria

Amanda Lehmann: chitarra, voce

 

La scaletta del concerto

Prima parte (Solo Gems)

The Devil's Cathedral - dall'album Surrender of Silence (2021)

Every Day - dall'album Spectral Mornings (1979)

The Sea Inside - brano recente (pubblicato nel biennio precedente al tour)

Spectral Mornings - dall'album Spectral Mornings (1979)

Ace of Wands - dall'album Voyage of the Acolyte (1975)

The Steppes - tratto dall'album Defector (1980)

Camino Royale - tratto dall'album Highly Strung (1983)

Shadow of the Hierophant - tratto dall'album Voyage of the Acolyte (1975)

 

Seconda parte (Best of Genesis)

 

Watcher of the Skies - tratto dall'album Foxtrot (1972)

The Cinema Show / Aisle of Plenty - tratto dall'album Selling England by the Pound (1973)

Assolo di tastiere - Lalle Larsson

Firth of Fifth - tratto dall'album Selling England by the Pound (1973)

Supper's Ready - tratto dall'album Foxtrot (1972)

Bis

Dance on a Volcano - tratto dall'album A Trick of the Tail (1976)

Assolo di batteria - Felix Lehrmann

Los Endos / Slogans / Los Endos - Los Endos tratto da A Trick of the Tail (1976); Slogans tratto dall'album solista Defector (1980)

 

Leon Russell: il maestro di cerimonie con la barba bianca

 

Oggi, 13 novembre, ricorre l'anniversario della morte di Leon Russell, il leggendario musicista, pianista e cantautore statunitense, scomparso nel 2016 all'età di 74 anni.

Leon Russell (1942 – 2016) è stato un pilastro della musica americana, un virtuoso del pianoforte e una figura camaleontica che ha collegato il rock and roll con il blues, il gospel, il country e il jazz per oltre cinquant'anni. Con la sua inconfondibile presenza scenica, caratterizzata dall'alta tuba e dalla lunga barba bianca, Russell ha influenzato generazioni di musicisti.

Nato come Claude Russell Bridges in Oklahoma, la carriera di Russell decollò negli anni '60 a Los Angeles. Prima di diventare famoso come artista solista, fu uno dei "Wrecking Crew" – l'anonimo ma cruciale gruppo di musicisti session man che definì il suono di innumerevoli successi pop.

La sua abilità al pianoforte fu fondamentale per il sound di artisti come Phil Spector (partecipando alla creazione del celebre "Wall of Sound" – Muro del Suono), i Byrds, e i Beach Boys (suonò anche in Pet Sounds).

Il vero punto di svolta arrivò nel 1970.

Il suo ruolo di direttore musicale del leggendario tour di Joe Cocker, documentato nell'album e film Mad Dogs & Englishmen, lo catapultò sotto i riflettori. Russell non solo suonò il piano e la chitarra, ma arrangiò gran parte del repertorio. L'energia grezza e caotica del tour lo rese una star quasi quanto Cocker stesso.

Nello stesso periodo, la sua carriera solista esplose. La sua voce roca, la capacità di scrivere brani emotivamente intensi e l'abilità di spaziare tra i generi lo resero un artista unico. Il suo primo album eponimo (Leon Russell, 1970) conteneva la hit "A Song for You", una ballata diventata uno standard, reinterpretata poi da artisti come Donny Hathaway e Ray Charles.

Russell fu un punto di riferimento per l'élite del rock mondiale.

• George Harrison: partecipò attivamente al leggendario "Concerto per il Bangladesh" nel 1971, suonando il piano e duettando con Harrison in Jumpin' Jack Flash / Young Blood.
• Bob Dylan: suonò il pianoforte nell'album The Concert for Bangladesh e nel fondamentale Shelter From The Storm.

Dopo un periodo di minore visibilità negli anni '80 e '90, Russell visse una notevole rinascita a partire dal 2010 grazie a Elton John.

Fan di Russell da sempre, Elton John lo cercò per registrare un album in duo intitolato The Union. L'album fu un successo critico e commerciale e reintrodusse Russell a una nuova generazione di fan, onorando la sua influenza sulla carriera dello stesso Elton John.

Leon Russell è stato inserito nella Rock and Roll Hall of Fame nel 2011. La sua eredità è quella di un musicista totale, un "maestro" che non si è mai limitato a un singolo genere. La sua miscela di rock, gospel (che chiamava "Okie Blues") e country-soul risuona ancora oggi, e la sua figura rimane quella di un'autentica icona outlaw del rock.

YES-"Fragile": Sì, sì, è il nostro mondo a essere Fragile!

“Fragile” è il quarto disco degli Yes, pubblicato il 12 novembre del 1971 dalla Atlantic Records. È un album che ha consolidato la reputazione degli Yes come pionieri del rock progressivo, caratterizzato da una combinazione unica di virtuosismo strumentale, composizioni complesse e un'ampia gamma di influenze musicali.

L'album si apre con il celebre brano "Roundabout", un'iconica traccia che rappresenta appieno l'estetica musicale degli Yes. La canzone è un vero e proprio viaggio sonoro, con cambi di tempo intricati, soli di chitarra mozzafiato di Steve Howe, un basso pulsante di Chris Squire e la maestria tastieristica di Rick Wakeman. La voce di Jon Anderson, con il suo timbro unico, si inserisce perfettamente nel contesto, aggiungendo un tocco di magia all'ensemble sonoro complesso e articolato.

"Fragile" contiene anche altre gemme, come "Long Distance Runaround" e "Heart of the Sunrise". La prima è una canzone orecchiabile con un ritmo vivace e melodie accattivanti, mentre la seconda è un'epica traccia di oltre dieci minuti che sfoggia la profondità e la grandezza del sound degli Yes. La sezione strumentale centrale di "Heart of the Sunrise" è notevole, e mette in evidenza le abilità tecniche dei membri della band in un crescendo di energia.

Oltre alle tracce principali, "Fragile" contiene anche delle composizioni strumentali brevi ma significative come "We Have Heaven" e "Mood for a Day", che sottolineano la versatilità degli Yes e la loro capacità di creare brani che vanno oltre le convenzioni del rock tradizionale.

In generale, "Fragile" è un album che ha influenzato numerosi musicisti e ha contribuito a definire il suono del rock progressivo. È un lavoro ricco di dettagli musicali, con ogni membro della band che brilla nel proprio ruolo, creando un insieme coeso e complesso. Le composizioni sono sofisticate e tecnicamente impressionanti, con un uso magistrale dei cambi di tempo e delle dinamiche.

"Fragile" è un album essenziale per gli appassionati di rock progressivo e rappresenta un punto di riferimento nel panorama musicale degli anni '70. La sua influenza e il suo impatto durano ancora oggi, rendendolo un'opera imprescindibile per chiunque voglia esplorare il genere.

Tracce (cliccare sul titolo per ascoltare)

Roundabout (Jon Anderson/Steve Howe) - 8:33

Cans And Brahms (Rick Wakeman)- 1:38

We Have Heaven (Jon Anderson) - 1:40

South Side Of The Sky (Jon Anderson/Chris Squire) - 7:58

Five Per Cent For Nothing (Bill Bruford) - 0:35

Long Distance Runaround (Jon Anderson) - 3:30

The Fish (Schindleria Praematurus) (Chris Squire) - 2:39

Mood For A Day (Steve Howe) - 3:00

Heart Of The Sunrise (Jon Anderson/Chris Squire/Bill Bruford) - 11:27

Il brano Heart Of The Sunrise dura 10:37. Al minuto 10:42, dopo 5 secondi di silenzio, come traccia fantasma si può ascoltare un reprise del brano We Have Heaven. 

Formazione

Jon Anderson: voce

Chris Squire: basso, seconde voci, chitarra elettrica

Steve Howe: chitarra elettrica, chitarra acustica, seconde voci

Rick Wakeman: organo Hammond, pianoforte, Fender Rhodes, clavicembalo, mellotron, sintetizzatore

Bill Bruford: batteria, percussioni

Argomento importante la copertina: per illustrarla, leggi il commento di Alessandro Pinton, che la descrive cliccando qui:

https://legendarycover.it/fragile-yes/

12 novembre 1973- Quel giorno in cui vidi per la prima volta i King Crimson...

Il post di oggi è un pò forzato, nel senso che vorrei raccontare molto ma… non posso!

Il problema è che il 12 novembre del 1973 avevo 17 anni, nessuna macchina fotografica a rimorchio, ne magici apparecchi capaci di captare l’essenza di serata.

In rete non si trovano registrazioni, ne immagini di quel giorno, e posseggo solo il ticket, anzi, lo possiede il mio amico Paolo che me lo ha prestato, perché il mio chissà dove è finito!

Il luogo era il Palasport, la città Torino, l’orario… non lo ricordo, la data certa il 12 novembre e la ricerca sul calendario riporta ad un lunedì… il che mi confonde ancora di più le idee: sarà stata sicuramente sera, e il giorno dopo dovevo certamente andare a scuola…

Dimenticavo… ero a Torino per un concerto, quello dei King Crimson!

Il focus del tour era la proposizione di “Larks' Tongues in Aspic”, rilasciato pochi mesi prima, mi pare a febbraio, un album che io e i miei compagni di viaggio conoscevamo a memoria!

Come scritto poc’anzi, sono risicate le notizie disponibili in rete, e per proporre un brano musicale sono risalito al concerto successivo, quello che Fripp e soci tennero due giorni dopo a Zurigo, contenuto in un doppio CD da collezione.

Il brano che ho inserito è “Easy Money” e la scelta non è casuale.

Ma veniamo agli elementi oggettivi, in primis la line up:

Robert Fripp - Guitar, Mellotron

Bill Bruford - Drums

David Cross - Violin, Mellotron

John Wetton - Bass, Vocal

L’unico elemento utile trovato sul web è la set list:

Larks' Tongues in Aspic, Part One

Peace - A Theme

Cat Food

The Night Watch

Book of Saturday

Easy Money

Improv

Exiles

Fracture

Lament

Improv

The Talking Drum

Larks' Tongues in Aspic, Part Two

21st Century Schizoid Man

Per il resto… ricordo davvero poco, ma mi è rimasta precisa una sensazione di giudizio generale: una freddezza iniziale, una difficoltà nel rompere il ghiaccio ed entrare in sintonia col pubblico e poi un senso di soddisfazione che parte da un determinato momento e prosegue abbinato ad una certa eccitazione: il concerto è finito e confluiamo verso l’uscita, sembra che ci conosciamo tutti, e in effetti le facce da concerto in quei giorni erano familiari. Molti i miei concittadini e con uno di loro, Pierangelo, mi soffermo a commentare l’esperienza appena vissuta. Mi rivolgo a lui che mi dice: “Inizio un po’ freddo ma da “Easy Money” in poi tutto è cambiato!”.

Che dire, se dopo tutti questi anni un insignificante particolare mi è rimasto nella testa, beh, è bene conservarlo come documento dell’epoca!

Ma che fortuna aver vissuto quel periodo!

IMMAGINI DI REPERTORIO DEL 1973

UniSavona, corso sul Prog Italiano anni '70-2° lezione

Note di viaggio tra i solchi del progressive italiano

UniSavona-2° lezione-10 novembre

Il percorso all'interno della storia del rock progressivo italiano all'UniSavona, Sala Stella Maris, prosegue con una seconda tappa che ha spostato l'attenzione su due pietre miliari del genere: il Banco del Mutuo Soccorso e le Orme. Dopo aver tracciato le coordinate stilistiche generali e approfondito l'universo della Premiata Forneria Marconi, la lezione di ieri, 10 novembre, ha offerto un affondo dettagliato sulle traiettorie artistiche di queste due formazioni.

La struttura dell'incontro ha alternato momenti di sintesi per chi si fosse perso l'esordio del corso a un flusso continuo di materiale d'archivio. Interviste d'epoca, aneddoti legati ai retroscena discografici e ascolti guidati hanno permesso di ripercorrere l'evoluzione di un sound che ha saputo fondere la tradizione sinfonica europea con l'urgenza espressiva del rock.

Un valore aggiunto alla narrazione è arrivato dall'analisi visiva curata da Renata Gatti, che ha decodificato l'immaginario grafico di due copertine iconiche: Darwin! del Banco del Mutuo Soccorso e Felona e Sorona delle Orme. La copertina del disco del Banco, con la celebre confezione a forma di salvadanaio, e la visione surreale e fiabesca creata da Lanfranco per l'album de Le Orme, non rappresentano semplici contenitori commerciali, ma veri e propri manifesti visivi che anticipano le tematiche concettuali racchiuse nei solchi in vinile.

Fabrizio Castellani ha guidato il pubblico attraverso la ricostruzione storica delle vicende dei gruppi, mantenendo un equilibrio tra rigore filologico e divulgazione. L'attenzione costante dei partecipanti conferma la vitalità di un genere che continua a stimolare riflessioni a distanza di decenni dalla sua stagione aurea.

Il viaggio non si ferma qui: tra quindici giorni il calendario dell'UniSavona si arricchirà di un nuovo capitolo, pronto a esplorare altre due pagine fondamentali della nostra storia musicale.

 

La memoria del vinile che unisce: cronaca di un pomeriggio all'Associazione ALEC di Alba (7-11-26)-AMPIA TESTIMONIANZA VIDEO NELL'ARTICOLO

 

La memoria del vinile che unisce: cronaca di un pomeriggio all'Associazione ALEC di Alba

7 novembre 2026

L'ingresso all'Associazione ALEC di Alba porta con sé la familiarità dei luoghi di casa, dove la cultura musicale si respira tra le migliaia di vinili e CD che ne affollano gli spazi. Per me è un piacere costante tornare in questa realtà e contribuire a farla conoscere, soprattutto sapendo che ogni appuntamento riserva momenti irripetibili. L'apertura dell'incontro ne è stata la perfetta testimonianza: il dono ad ALEC di un paio di album scelti da Fabrizio nei mercatini in Germania. Un azzardo ragionato di fronte a un archivio così imponente, ma un gesto perfettamente intonato allo spirito del luogo e alla generosità dell'occasione.

La forza della presentazione di Vinili anni '70: 40+1 - Album tra arte e psicografia risiede proprio nella modularità delle sue quarantuno schede. La formula collaudata prevede di trattare due/tre dischi per volta, modellando la narrazione sulle specificità del pubblico. Ad Alba si è verificata una coincidenza straordinaria: la presenza simultanea in sala di ben tre figure chiave legate a un capolavoro del progressive italiano del 1977, Forse anche le lucciole non si amano più della Locanda delle Fate.

Ampio spazio del pomeriggio è stato dunque dedicato a quest'opera, articolata attraverso il consueto e coordinato passaggio di consegne tra noi quattro autori:

-L'inquadramento tecnico-musicale curato da Athos Enrile.

-L'analisi visiva ed estetica di Renata Gatti.

-La contestualizzazione storica di Fabrizio Castellani.

-La lettura psicologica e simbolica di Antonella Oliveri.

L'incontro tra i fondatori della band, Luciano Boero e Oscar Mazzoglio - accompagnato dal nipotino Gioele, giovanissimo e promettente appassionato di rock anni Settanta - e l'ideatore dell'immagine di copertina, Biagio Cairone, ha segnato il momento più toccante dell'evento. I due musicisti hanno sorpreso Cairone donandogli le immagini originali da cui nacque la cover, un materiale iconografico custodito dalla band per quasi cinquant'anni.

La seconda parte dell'evento si è concentrata su un pilastro del rock internazionale, Brain Salad Surgery degli Emerson, Lake & Palmer. 

Per entrambi gli album l'ascolto delle tracce da vinile originale ha fatto da colonna sonora, anche se la ricchezza degli interventi e la profondità dei contenuti proposti hanno felicemente preso il sopravvento sui tempi di riproduzione. 

Nonostante la contemporaneità di un evento cittadino di forte richiamo con Paolo Conte, l'ALEC ha registrato una partecipazione numerosa, attenta e costante, sfociata poi nel classico aperitivo di chiusura tra i sorrisi e la piena soddisfazione di tutti i presenti.

Un ringraziamento sincero va a Maura e Gian, che con occhio attento hanno filmato e fotografato l'intero incontro, garantendo una documentazione preziosa che continua a supportare il nostro cammino di presentazione in presentazione.

Grazie ovviamente a Enzo Patri, Gianni Abbà e a tutta l'Associazione per la solita gentilezza nell'accoglierci e nel coccolarci!

Eventi di questo tipo travalicano la semplice divulgazione nozionistica. In un'epoca caratterizzata dalla frammentazione, ritrovarsi attorno a un vinile o alla storia di un'immagine condivisa restituisce un valore immenso al tempo collettivo. Sono momenti aggregativi indispensabili, capaci di favorire una socializzazione autentica e di regalarci parente di profonda serenità e condivisione.

Blackberry Way e Tutta mia la città, due strade che portano alla stessa malinconia

 

Blackberry Way e Tutta mia la città

... due strade che portano alla stessa malinconia

 

Quando i Move pubblicano Blackberry Way alla fine del 1968, il clima della Swinging London è già cambiato. Le luci degli anni più spensierati si stanno spegnendo e la musica comincia a raccontare un mondo meno brillante. Roy Wood scrive una canzone che sembra uscire da una giornata grigia, una di quelle in cui la città non offre alcun conforto. Il brano nasce come risposta malinconica alle atmosfere più solari dei successi precedenti e diventa subito un piccolo manifesto di inquietudine urbana. La melodia procede con passo lento, quasi trattenuto, mentre l’arrangiamento costruisce un paesaggio che non concede aperture. È una fotografia di un momento storico in cui la psichedelia si sta ritirando e lascia spazio a un sentimento più introspettivo.

La voce di Carl Wayne attraversa questa atmosfera con un tono che non cerca effetti. Racconta una giornata che non vuole cominciare e che non promette nulla. Le tastiere disegnano un colore uniforme, mentre la chitarra rimane sullo sfondo come se non volesse disturbare. Il risultato è un brano che non ha bisogno di alzare la voce per farsi ascoltare, una confessione semplice, quasi domestica, che parla di una solitudine che non ha drammi, ma che pesa comunque.

Quando Blackberry Way arriva in Italia, gli Equipe 84 stanno vivendo una fase di grande creatività. Hanno già dimostrato di saper trasformare le canzoni inglesi in qualcosa di personale e riconoscibile. Con Tutta mia la città scelgono di non riprodurre l’originale in modo fedele. Preferiscono costruire una versione che mantenga la malinconia, ma che la renda più diretta. Il testo italiano non cerca traduzioni letterali. Racconta una città che sembra appartenere a chi la attraversa, ma che in realtà non offre alcun rifugio. È un modo diverso di esprimere la stessa sensazione di vuoto.

La voce di Maurizio Vandelli porta la canzone in un territorio più emotivo. Il timbro è più aperto, più vicino alla ballata pop italiana, e questo crea un contrasto interessante con l’origine inglese del brano. L’arrangiamento è più luminoso, ma non nasconde la malinconia. Le chitarre aggiungono un movimento che nell’originale era più trattenuto. La batteria accompagna con un passo regolare, come se volesse sostenere un cammino che non trova una direzione precisa. È una reinterpretazione che non tradisce il senso della canzone, ma lo traduce in un linguaggio più vicino alla sensibilità italiana di quegli anni.

Il risultato è un dialogo tra due mondi che non si incontrano direttamente, ma che finiscono per raccontare la stessa storia. Blackberry Way osserva la città da una finestra chiusa. Tutta mia la città la attraversa a piedi, cercando un punto in cui fermarsi. Entrambe parlano di un luogo che non consola e di un tempo che non offre risposte. Sono due modi diversi di descrivere la stessa malinconia, una malinconia che non ha bisogno di grandi gesti per farsi sentire… basta una strada, un cielo spento e una voce che prova a dare un nome a ciò che non si riesce a spiegare.

Paola Tagliaferro e La Compagnia dell'Es al Teatro Nuovo per la rassegna Prog d'Autunno a Valleggia-Un po' di commento e video

Cronache dal teatro, il progressive rock trova casa a Valleggia con Paola Tagliaferro e la Compagnia dell'Es

L'autunno musicale ligure continua a riservare spazi di ascolto focalizzati sulle strutture complesse e ragionate del rock progressivo, trovando nel Teatro Nuovo Valleggia una cornice ideale per accogliere progetti di spessore. La seconda serata della rassegna, venerdì 6 novembre, ha registrato una partecipazione calorosa ed eterogenea, a dimostrazione di come la proposta abbia saputo valicare i confini locali per richiamare appassionati genovesi, dalla Francia e persino dal Friuli.

La cifra dell'evento si è manifestata fin dalle prime battute, attraverso la ormai consueta intervista condotta a stretto contatto con la prima fila. In questo momento introduttivo, Paola Tagliaferro ha illustrato la genesi dei due progetti in scaletta, ripercorrendo l'importanza del legame personale e artistico con Greg Lake, nato nel 2012, un percorso proseguito successivamente accanto alla moglie Regina che ha portato Tagliaferro a diventare l'unica artista italiana nel catalogo della Manticore Records, la storica etichetta fondata dagli Emerson, Lake & Palmer e oggi riattivata.

La prima sezione del concerto ha offerto un banco di prova di notevole complessità, interamente dedicata alla riproposizione dal vivo del recente album, "Il Suono delle Sfere", incentrato sul concept cosmico. Portare sul palco una produzione originale e per larga parte inedita per gli ascoltatori si è rivelato un test superato con esiti ampiamente positivi, sostenuto da una scrittura che intreccia suggestioni esoteriche, la visione antroposofica del viaggio dell'anima e una rigorosa impalcatura tecnica. Le musiche hanno preso vita grazie alle doti di un vero e proprio super gruppo guidato da Paola Tagliaferro alla voce e chitarra. Pier Gonella ha delineato trame incisive alla chitarra e al basso, tessendo un dialogo continuo con i tasti di Luca Scherani, capace di coniugare precisione formale e sensibilità stilistica. A completare l'ossatura ritmica e timbrica è intervenuta la batteria di Andrea Orlando - già apprezzato sul medesimo palco nella formazione de L'Ombra della Sera durante il precedente appuntamento del festival -, autore di un lavoro di cesello sulle percussioni che ha sostenuto con dinamismo i passaggi dedicati alle sfere celesti e al simbolo dell'Ankh. 

Il momento di stacco tra i due tempi ha visto l'intervento di Luciano Carlino, del direttivo del teatro, che ha illustrato le prospettive della programmazione culturale. L'intervallo ha ospitato inoltre alcuni componenti de Il Cerchio d'Oro, storica formazione prog savonese, che hanno condiviso con la sala le ragioni dell'assenza dal festival, legata alla lavorazione di un nuovo disco la cui complessità compositiva ha imposto una pausa dall'attività dal vivo.

La seconda parte ha spostato l'asse espressivo sull'omaggio al repertorio storico dei King Crimson e degli ELP, utilizzando l’album “For the love of Greg Lake”. A differenza della prima metà, la dimestichezza del pubblico con queste partiture ha toccato corde emotive differenti, facendo leva su un patrimonio concettuale e sonoro condiviso. Nell'arco di due ore piene di musica, l'interpretazione della band ha saputo riannodare i fili di una grande tradizione, consegnando una serata di solida sostanza interpretativa.

La riuscita complessiva dello spettacolo poggia anche sul contributo indispensabile di chi opera dietro le quinte: l'attento lavoro di Eddy Service, composto da tre tecnici, ha garantito una resa sonora e illuminotecnica ideale, confermandosi quell'ossatura invisibile ma fondamentale senza la quale nessun evento dal vivo potrebbe prendere forma.

Chiuso il sipario su questo secondo capitolo, l'attenzione della rassegna si sposta ora verso il terzo evento in cartellone, atteso tra un paio di settimane, che vedrà protagonista sul palco del Teatro Nuovo Valleggia lo storico nome dei Delirium.

Contributi fotografici e video di Enrico Rolandi, Fulvio Bava e Fulvio Marella.

LA BAND

Paola Tagliaferro

Pier Gonella

Andrea Orlando

Luca Scherani