Beat-Club propone
una coppia (anche nella vita) di musicisti del passato che non conoscevo ma che
vale la pena approfondire.
A vedere una
loro immagine dell’epoca sembrerebbero i protagonisti di una di quelle belle
trasmissioni in bianco e nero di un tempo, quegli spettacoli definiti “Varietà”
che tanto piacevano all’italiano medio a cavallo tra i ’60 e ’70.
In realtà furono due grandi musicisti e lei si può considerare una antesignana della figura di tastierista di organo Hammond.
Vediamo qualche
nota biografica.
Cherry Wainernacque il 2 marzo 1935 in Sudafrica ed è stata una musicista molto conosciuta come membro del Lord Rockingham XI (gruppo
jazz di razza mista e di genere misto assemblato come house band nel
pionieristico spettacolo pop “Oh Boy!”) e come solista all'organo Hammond.
Wainer sposò il batterista Don Storercon il
quale apparve regolarmente come duo durante gli anni Sessanta.
Viene ricordata in
particolare la loro presenza in una serie televisiva tedesca, “Beat! Beat!
Beat” (1967).
Wainer pubblicò diversi album solisti e
singoli, nessuno dei quali entrò però a far parte delle classifiche del Regno Unito.
Lord Rockingham's XI
Lei e suo marito si trasferirono a Las Vegas
nel 1968, dove lavorarono stabilmente nel cabaret.
In seguito, si ritirò dalla musica, ma rimase a
Las Vegas e si impiegò in un negozio di articoli da regalo.
Don Storer è morto nel 2006.
Cherry Wainer è mancata il 14 novembre 2014 a
Las Vegas, all'età di 79 anni.
Il compleanno del frontman dei Red Hot Chili Peppers tra le
ferite dell'infanzia e la ricerca di un equilibrio attraverso la musica
Il compleanno di Anthony
Kiedis, nato il 1° novembre 1962, offre l'occasione per
ripercorrere una storia personale che si allontana radicalmente dai cliché
della rockstar cresciuta in un contesto ordinato. La sua infanzia è stata
segnata da una precoce frammentazione familiare e da un trasferimento a Los
Angeles, a soli dodici anni, per andare a vivere con il padre. Quell'ambiente
californiano degli anni Settanta, immerso nei margini del mondo dello
spettacolo e vissuto a contatto con una prematura maturità, ha rappresentato un
terreno fertile ma fortemente instabile, segnato da situazioni di sradicamento
che avrebbero potuto compromettere qualsiasi prospettiva futura.
La musica, e in particolare l'incontro con i compagni di
liceo a Fairfax con cui avrebbe fondato i Red Hot Chili Peppers, ha
funzionato da elemento di ancoraggio e di riscatto. L'energia primordiale del
funk-rock non è stata soltanto un veicolo espressivo, ma il mezzo attraverso
cui incanalare le inquietudini di un'esistenza complessa. La forza del gruppo è
sempre derivata dalla capacità di trasformare le proprie ferite biografiche in
un flusso sonoro fortemente identitario, dove il ritmo serrato e la coralità
del palco offrivano una via d'uscita al disordine interiore.
Negli anni, il percorso artistico di Kiedis si è evoluto
superando momenti di profonda crisi personale e la perdita di compagni di
viaggio fondamentali, mantenendo tuttavia intatta quell'urgenza espressiva
iniziale. Ripercorrere la sua parabola significa osservare come un vissuto
articolato possa tradursi, attraverso la disciplina della scrittura e la
condivisione della musica su scala globale, in una forma di autentica
resilienza artistica.
Anthony Kiedis celebra oggi un punto di una traiettoria che continua a
rinnovarsi. Mentre le sue passate tempeste personali restano sullo sfondo di
una vita ormai votata alla stabilità e alla cura di sé, i Red Hot Chili Peppers
restano una presenza attiva e vitale sui palchi di tutto il mondo. Il traguardo
di oggi non rappresenta un bilancio definitivo, ma un ulteriore capitolo
aperto: l'auspicio è che la sua energia e la sua scrittura possano continuare a
illuminare il percorso della band e dei suoi ascoltatori ancora a lungo.
Spooky Tooth, i grandi dimenticati
del rock britannico
Con il passare degli anni si accumulano ascolti, dischi,
concerti, libri e ricordi. Si arriva persino a credere di avere una mappa
abbastanza completa del rock degli anni Sessanta e Settanta. Poi,
all'improvviso, riaffiora un nome che sembrava disperso in qualche angolo della
memoria e ci si rende conto che il viaggio non finisce mai. È quello che mi è
successo recentemente con gli Spooky Tooth,
un gruppo che conoscevo, certamente, ma che era rimasto sepolto sotto strati di
ascolti più frequenti e nomi più celebrati.
Del resto, è uno dei paradossi più affascinanti della musica
rock. Accanto ai giganti che occupano stabilmente il centro della scena
esistono decine di band che hanno contribuito a costruire quell'epoca
straordinaria e che, per qualche motivo, finiscono periodicamente in secondo
piano. Gli Spooky Tooth sono tra queste. Eppure, tra la fine degli anni
Sessanta e i primi anni Settanta, furono protagonisti di una stagione creativa
intensa, lasciando una serie di album che ancora oggi conservano fascino,
personalità e una sorprendente freschezza.
Da questa riscoperta nasce il desiderio di tornare a parlare
di loro e di ripercorrere la storia di una delle formazioni più originali e
sottovalutate del rock britannico.
Nati nel 1967 dall'incontro tra alcuni membri degli Art e il
tastierista americano Gary Wright, gli Spooky Tooth portarono fin dall'inizio
un approccio personale alla musica rock. Il nucleo storico della formazione
comprendeva Mike Harrison alla voce e al pianoforte, Gary Wright
alle tastiere e alla voce, Luther Grosvenor alla chitarra, Greg
Ridley al basso e Mike Kellie alla batteria. Cinque musicisti
provenienti da esperienze differenti che trovarono rapidamente un equilibrio
creativo capace di distinguersi all'interno di una scena musicale in continua
evoluzione.
Ciò che rendeva gli Spooky Tooth diversi da molte altre band
contemporanee era soprattutto il dialogo vocale tra Harrison e Wright. La voce
calda e intensa del primo si intrecciava con quella più morbida del secondo
creando un'identità sonora immediatamente riconoscibile. A questo si aggiungeva
una miscela di blues, rock duro, psichedelia, gospel e progressive che sfuggiva
a qualsiasi classificazione rigida.
L'album di debutto It's All About, pubblicato nel 1968
e distribuito negli Stati Uniti con il titolo Tobacco Road, mostrava già
una notevole maturità compositiva. Tuttavia, il vero salto di qualità arrivò
l'anno successivo con Spooky Two, ancora oggi considerato il loro
capolavoro. Brani come Better By You, Better Than Me, Evil Woman
e Waiting For The Wind mettono in evidenza tutta la forza della band,
capace di alternare energia e raffinatezza con una naturalezza impressionante.
Riascoltando oggi quelle registrazioni si scopre un gruppo
che aveva compreso prima di molti altri come il rock potesse essere
contemporaneamente potente e sofisticato. Le tastiere di Wright dialogano
continuamente con la chitarra di Grosvenor, mentre la sezione ritmica
costruisce un tappeto sonoro robusto ma sempre dinamico.
Nel 1970 gli Spooky Tooth diedero vita a uno dei progetti più
audaci della loro carriera pubblicando Ceremony insieme al compositore
francese Pierre Henry, uno dei pionieri della musica elettronica. L'album
divise il pubblico ma rappresentò una testimonianza della curiosità artistica
della band, poco incline a seguire percorsi prevedibili.
Nello stesso anno uscì The Last Puff, disco che segnò
la conclusione della prima fase della loro storia. Dopo una temporanea
separazione il gruppo tornò sulle scene con una nuova incarnazione che produsse
altri lavori di notevole interesse. You Broke My Heart So I Busted Your Jaw
del 1973 viene spesso considerato uno dei migliori album della seconda fase,
seguito nello stesso anno da Witness e nel 1974 da The Mirror.
A questi si aggiungeranno molti anni più tardi Cross
Purpose (1998) e Nomad Poets (2001), testimonianza dell'affetto che
musicisti e appassionati continuarono a nutrire per il nome Spooky Tooth.
Forse il destino della band è stato quello di trovarsi sempre
accanto ai giganti senza mai diventare uno di essi. Erano contemporanei di
Cream, Traffic, Free, Led Zeppelin, Deep Purple e Humble Pie. Condividevano con
queste formazioni talento e ambizione, ma non riuscirono mai a raggiungere lo
stesso livello di popolarità. Eppure, molti musicisti hanno riconosciuto nel
tempo il valore del loro contributo.
La miglior porta d'ingresso per chi desidera scoprirli resta
ancora oggi Spooky Two, un album che conserva intatto il fascino di
un'epoca in cui il rock cercava continuamente nuove direzioni. Da lì si apre un
percorso affascinante tra blues, psichedelia, hard rock e progressive,
illuminato da musicisti che avevano scelto di seguire l'ispirazione senza
preoccuparsi troppo delle mode.
Gli Spooky Tooth rimangono così una delle perle nascoste
della musica britannica. Un gruppo da riscoprire, capace ancora oggi di
sorprendere chi crede di conoscere già tutto il meglio che gli anni Sessanta e
Settanta hanno saputo offrire.
Meddle è il sesto album in studio dei Pink Floyd, pubblicato il 31 ottobre del 1971,
e merita un minimo di analisi, essendo un punto di svolta nella discografia
della band, un ponte tra il loro sound psichedelico iniziale e le
sperimentazioni più mature degli anni a venire.
Il disco rappresenta un passo avanti nella maturazione del
sound dei Pink Floyd, con arrangiamenti più complessi e una maggiore attenzione
ai dettagli sonori, con l'uso di effetti speciali, strumenti inusuali e
paesaggi sonori ambientali. L'atmosfera generale dell'album è onirica,
introspettiva e a tratti malinconica, capace di creare un'esperienza d'ascolto
unica e coinvolgente.
Vediamo le tracce…
Lato A
One of These Days – 5:57
A Pillow of Winds – 5:07
Fearless – 6:05
San Tropez – 3:40
Seamus – 2:15
Lato B
Echoes – 23:31
Formazione
David Gilmour: voce principale, cori, chitarra
elettrica, chitarra acustica, lap steel guitar, effetti sonori, armonica
Richard Wright: organo Hammond e Farfisa,
pianoforte, voce, effetti sonori
Roger Waters: basso elettrico, chitarra acustica,
voce, effetti sonori
Nick Mason: batteria, percussioni, piatti,
effetti vocali, effetti sonori
Accenno superficialmente ai vari tasselli, nella speranza di
stimolare la curiosità o la memoria… cliccare sui titoli blu per ascoltare l'audio.
Echoes: parto dalla fine, la traccia che occupa tutta la seconda facciata, il
pezzo forte dell'album, un'epopea sonora di oltre 23 minuti che si snoda
attraverso atmosfere oniriche, momenti di intensa emotività e sperimentazioni
sonore. È un viaggio introspettivo che invita l'ascoltatore a perdersi nella
musica.
One of These Days è un brano più aggressivo e ritmico, con un basso pulsante e
la celebre frase di Roger Waters. Un contrasto interessante rispetto alla
dolcezza di altri brani.
Pillow of Winds è una delicata ballata con la voce di David Gilmour che si
fa strada su un tappeto di armonie vocali e chitarre acustiche.
Fearless, brano sperimentale, con suoni ambientali e effetti sonori
che creano un'atmosfera misteriosa.
San Tropez, più ritmato e leggero, con un testo ironico che descrive
un'esperienza di vacanza.
Seamus, traccia particolare, un blues, con il cane di Steve Marriott (chitarrista degli
Humble Pie) che ulula come strumento musicale.
Meddle è considerato uno dei capolavori del progressive rock,
un album che ha influenzato generazioni di musicisti, fondamentale nella
discografia dei Pink Floyd, un punto di riferimento per tutti gli appassionati del
genere.
L'album ha segnato l'abbandono definitivo delle
sperimentazioni psichedeliche più estreme degli esordi, aprendo la strada a un
sound che è poi quello che ha caratterizzato il loro periodo più prolifico.
Pur non avendo avuto un successo commerciale immediato come
alcuni album successivi, "Meddle" ha contribuito ad accrescere la
popolarità della band, soprattutto nel Regno Unito.
Con questo lavoro i Pink Floyd trovano
la loro strada, creando un progetto su cui lavorare e spostando la forza
creativa dei singoli verso una direzione chiara. Tutti hanno la possibilità di
brillare di mettersi in mostra e certificare le loro skills, e ciò che ne esce
fuori è, a mio giudizio, un grande album, un must per chiunque apprezzi la
musica di qualità all’interno della variegata famiglia del rock. Ma questo è
molto di più!
Pavlov's Dog, la voce che arrivava da un altro luogo
Confesso che non ascoltavo i Pavlov's
Dogda parecchio tempo. La
scomparsa di David Surkamp mi ha spinto a tornare sui loro dischi e, fin
dalle prime note, mi sono chiesto ancora una volta come sia stato possibile che
una proposta musicale tanto originale e affascinante non abbia mai ricevuto il
riconoscimento che meritava. Riascoltandoli oggi colpisce soprattutto la voce
di Surkamp, unica e immediatamente riconoscibile, capace di trasportare
l'ascoltatore in una dimensione sospesa tra fragilità ed emozione.
Personalmente mi ha sempre dato una sensazione particolare, quasi fosse una
sorta di Roger Chapman dei Family declinato al femminile. Un paragone forse
azzardato, ma che rende l'idea di quella timbrica fuori dagli schemi, teatrale,
emotiva e impossibile da confondere con qualsiasi altra. Una voce che da sola
basterebbe a rendere memorabile una band, ma che nei Pavlov's Dog trovava il
sostegno di una scrittura raffinata e di un sound che ancora oggi conserva
intatto il proprio fascino.
La loro storia è quella di un gruppo che ha raccolto molto
meno di quanto abbia seminato, lasciando però un'impronta profonda nel cuore
degli appassionati di rock progressivo.
Nel grande mosaico del rock progressivo degli anni Settanta
esistono gruppi che hanno conquistato classifiche, copertine e folle oceaniche.
Altri hanno seguito percorsi più appartati, costruendo nel tempo un culto fatto
di passione, fedeltà e continue riscoperte. I Pavlov's Dog appartengono senza
dubbio a questa seconda categoria.
Nati a St. Louis nel 1972, i Pavlov's Dog svilupparono fin
dagli esordi una personalità difficilmente assimilabile a quella di qualsiasi
altro gruppo americano dell'epoca. In una scena dominata da hard rock, southern
rock e cantautorato elettrico, la band guidata da David Surkamp scelse una
strada fatta di violino, mellotron, flauto e atmosfere sospese tra folk,
progressive e romanticismo decadente.
L'elemento che più colpiva all'ascolto era proprio la voce di
Surkamp. Acuta, vibrante, fragile e intensa al tempo stesso, rappresentava il
marchio di fabbrica della formazione. Una voce capace di dividere gli
ascoltatori, ma anche di rendere immediatamente riconoscibile qualsiasi brano
del gruppo. Per molti appassionati è stata proprio questa unicità a trasformare
i Pavlov's Dog in una delle realtà più affascinanti del progressive rock
statunitense.
Il debutto arrivò nel 1975 con Pampered Menial,
album che ancora oggi viene considerato il loro capolavoro. Brani come "Julia",
"Late November" e "Of Once and Future Kings"
mostrarono una scrittura raffinata, capace di alternare momenti delicati e
passaggi più solenni senza mai perdere il proprio carattere emotivo. Dietro
quelle composizioni si percepiva una ricerca espressiva che guardava all'Europa
prog senza rinunciare alle radici americane.
L'anno successivo vide la pubblicazione di At the Soundof the Bell, lavoro impreziosito dalla presenza di musicisti di rilievo
come Andy Mackay e Bill Bruford. Nonostante la qualità artistica, il momento
storico non favorì la band. L'arrivo del punk e il cambiamento dei gusti del
pubblico ridussero progressivamente lo spazio dedicato al rock progressivo.
La prima incarnazione del gruppo si concluse nel 1977 dopo la
registrazione di un terzo album che rimase inedito per molti anni. Sembrava la
fine di una storia durata troppo poco, ma il destino aveva in serbo un'altra
possibilità. Negli anni successivi Surkamp continuò a fare musica e, a partire
dagli anni Novanta, riportò in vita il nome Pavlov's Dog, dando avvio a una
seconda stagione artistica che avrebbe prodotto nuovi album e riportato la band
sui palchi internazionali.
Con il passare del tempo il gruppo è diventato uno dei
simboli più autentici di quel prog americano rimasto spesso nell'ombra dei
grandi nomi britannici. Una formazione che non ha mai rinunciato alla propria
identità e che ha saputo trasformare una storia inizialmente incompiuta in una
lunga avventura musicale.
L'ottobre 2026 ha segnato un momento particolarmente doloroso
per i fan con la scomparsa di David Surkamp, voce, autore e anima creativa
della band. La sua eredità resta però custodita in una discografia che continua
a essere scoperta da nuove generazioni di ascoltatori.
Ascoltare oggi i Pavlov's Dog significa entrare in un
universo dove la tecnica non è mai fine a sè stessa e dove l'emozione guida
ogni scelta artistica. Un luogo musicale fatto di malinconia, eleganza e
passione, nel quale la voce di Surkamp continua a risuonare come un richiamo
lontano, impossibile da confondere con qualsiasi altra.
Un'aula affollata tra storia,
copertine e l'esordio della Premiata Forneria Marconi
La sede Stella Maris, a Savona, ha registrato una
grande affluenza di pubblico per l'inaugurazione del nuovo anno accademico 2026/2027
di UniSavona, per quanto riguarda il corso 57. Il primo dei sette incontri dedicati al rock
progressivo italiano degli anni Settanta si è aperto di fronte a una platea
numerosa ed eterogenea, composta per oltre il sessanta per cento da
partecipanti che non avevano seguito il precedente percorso focalizzato sulle
origini del genere e sulla scena britannica, argomento affrontato un paio di
anni fa. Ciò ha comportato un riepilogo di quanto raccontato in precedenza, e
quindi la prima parte della lezione - quest’anno della durata di 2 ore - si è
concentrata sulla ricostruzione delle coordinate storiche e concettuali del
genere. Per garantire una fruizione equilibrata anche a chi si avvicinava al
tema per la prima volta, la trattazione ha integrato spiegazioni teoriche,
contributi video a carattere divulgativo e ascolti guidati, cercando di creare
un percorso fluido tra il contesto sociale dell'epoca e l'evoluzione
linguistica della musica. In questo quadro si è inserito anche il contributo di
Renata, coautrice insieme allo scrivente di un volume dedicato ai vinili, che ha
illustrato la trasformazione del ruolo visivo e concettuale delle copertine
degli album in quegli anni.
Nella seconda parte dell'incontro, stabilite le premesse
storiografiche e visuali, l'attenzione si è spostata sui protagonisti della
scena nazionale. L'introduzione alla storia e al percorso della Premiata
Forneria Marconi è stata affidata a Fabrizio, anch'egli coautore del
libro e presenze storica dei corsi, avviando così l'analisi del gruppo di
riferimento del prog italiano.
Si proseguirà tra un paio settimane con altri due colossi del prog italiano, Orme
e Banco del Mutuo Soccorso!
Dall'esperienza dell'autore al layout
contemporaneo: quando la forma dell'oggetto stampato diventa sostanza
Pubblico libri dedicati alla musica da ormai quindici anni.
In un settore di nicchia come questo, trovare un editore disposto a stipulare
un contratto senza chiedere contributi economici, al punto da farsi carico di
ogni spesa di produzione, appare già come un piccolo privilegio. In un contesto
simile si impara presto ad accettare le regole del gioco: non si guadagna nulla
dalle vendite e non si mette bocca sulle scelte della redazione. Le proposte
d'impostazione o le idee per le copertine vengono puntualmente bocciate,
lasciando all'autore la sensazione che la veste del volume sia un territorio
estraneo, un contenitore predefinito su cui non è concesso intervenire.
Con il tempo, questa distanza finisce per riflettersi anche
sul ruolo di lettore, portando a una progressiva stanchezza nei confronti delle
pagine stampate. L'illuminazione sul motivo di questo affaticamento è arrivata
sfogliando California Dreamin' di Ezio Guaitamacchi. La sensazione
immediata è stata quella di un meccanismo visivo capace di invogliare alla
lettura, grazie a una conformazione interna pensata per accompagnare lo
sguardo. Foto ben integrate, variazioni cromatiche, finestre di approfondimento
e uno studio attento dei pieni e dei vuoti creano un ritmo narrativo fluido. La
pagina cessa di essere un blocco denso di testo e diventa un percorso dinamico.
Questo episodio mette in luce una questione centrale
dell'editoria contemporanea. Per lungo tempo, specialmente nella saggistica, la
veste grafica interna è stata considerata un elemento secondario, una voce di
spesa da ridurre al minimo. Molte realtà indipendenti o di media grandezza,
condizionate da risorse limitate e da tempi di lavorazione stringenti, tendono
ad adottare griglie d'impaginazione rigide e standardizzate. Il risultato è una
forma uniforme che rischia di penalizzare anche i contenuti più interessanti,
trasformando la lettura in un'esperienza faticosa.
In un panorama in cui i media digitali abituano a fruizioni
rapide e visivamente articolate, il libro cartaceo è chiamato a valorizzare la
propria natura di oggetto fisico. Un volume composto solo da righe consecutive,
privo di respiro e di pause grafiche, fatica a competere con la frammentazione
della nostra attenzione. La scelta di curare il book design con inserti,
immagini e dettagli cromatici non rappresenta una concessione alla
superficialità, ma un preciso strumento tecnico per facilitare la comprensione
e mantenere vivo l'interesse.
Il contrasto tra la grande cura riservata ad alcune
pubblicazioni di ampia diffusione e l'impostazione rigida della micro e piccola
editoria apre una riflessione profonda per chi scrive e per chi pubblica. Se
l'obiettivo finale rimane quello di trasferire idee e storie con efficacia, la
forma visiva non può più essere separata dalla sostanza. La qualità della
gabbia d'impaginazione e del layout interno è, a tutti gli effetti, parte
integrante dell'esperienza di lettura.
Il 28 ottobre del 1977 usciva per Virgin Records “Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols”,
unico album in studio dei Sex Pistols.
L’album è considerato uno dei più influenti e controversi
della storia del rock. Pubblicato in piena era punk, sconvolse l'establishment
musicale e sociale, dando voce a una generazione di giovani arrabbiati e
disillusi.
“Never Mind…” debuttò direttamente al
primo posto della Official Albums Chart, guadagnando in breve tempo il disco
d'oro nel Regno Unito. Nel 2013 è stato certificato doppio disco di platino
dalla British Phonographic Industry. La rivista Rolling Stone nel 2004 lo ha
inserito alla posizione n. 41 nella lista dei 500 migliori album di sempre. Nel
2006 l'album è stato selezionato dalla rivista Time come uno dei 100 migliori
dischi di sempre. Nel 2016 Rolling Stone lo inserisce al terzo posto dei
migliori 40 dischi punk della storia.
Cosa c’è alla base di band e album?
La musica dei Sex Pistols è caratterizzata da una semplicità
quasi brutale. I riff di chitarra sono essenziali, la batteria martella ritmi
incessanti e il basso fornisce una solida base ritmica. La voce di Johnny
Rotten è rabbiosa, graffiante e carica di un'energia che trascina l'ascoltatore
in un vortice di emozioni contrastanti.
I testi delle canzoni sono un vero e proprio attacco
all'establishment, alla monarchia, alla società consumistica e ai valori
borghesi. Brani come "God Save the Queen" e "Anarchy
in the U.K." sono diventati inni per una generazione che si sentiva
esclusa e disillusa.
L'uscita di "Never Mind the Bollocks" scatenò una vera e propria rivoluzione culturale. Il disco ha ispirato la
nascita di numerose band punk in tutto il mondo e ha influenzato generi
musicali come il post-punk, il grunge e l'alternative rock. La copertina
provocatoria e i testi espliciti hanno generato scandalo e polemiche, ma hanno
anche attirato l'attenzione dei media e dei giovani.
A distanza di decenni rimane un disco fresco perché i temi
affrontati dai Sex Pistols sono ancora oggi molto attuali e la loro musica
conserva tutta la sua energia e la sua potenza.
Sintetizzando "Never Mind the Bollocks" è un
album fondamentale per capire la storia del rock e la cultura giovanile degli
anni '70, un disco che ha sfidato le convenzioni, ha dato voce a una
generazione e ha lasciato un segno indelebile nella storia della musica.
Non resta che ascoltarlo (cliccare sul titolo) per avere un’idea precisa di un
movimento che, con la sua entrata in scena, mandava momentaneamente - e
rapidamente - in pensione la musica progressiva.
Era il 1965 quando The Who scrissero
un inno generazionale, “My Generation”.
Per l’esattezza era il 28 ottobre, ben 61 anni fa, quando terminarono le
registrazioni del terzo singolo del gruppo.
Non voglio ripercorrere la storia della band, più volte
presente nei miei spazi in rete, ma evidenziare che Pete Townshend, Roger
Daltrey, Keith Moon e John Entwistle, hanno percorso un lungo
cammino, a dispetto del loro dichiarato, indecente e provocatorio proposito
iniziale.
Keith e John si sono fermati a precedenti tappe temporali, ma
continuano a vivere con noi che li abbiamo sempre e incondizionatamente amati.
Di certo non avrebbero mai potuto pensare che ciò che stavano per far nascere
avrebbe di fatto negato quel pensiero primitivo, perché attraverso la musica, e
che musica, hanno trovato il modo per diventare immortali.
“My Generation” è uno degli inni del movimento
mod. La canzone è caratterizzata da un riff d'introduzione di due note, seguito
da un'alternanza di voce e coro. Fece ovviamente scalpore all'epoca il verso: «I
hope I die before I get old» ("Spero di morire prima di diventare
vecchio").
Come in molte altre tra le prime composizioni del gruppo,
influenzati dalla cultura mod, sono presenti influenze del R&B
statunitense, più esplicitamente nella forma a "domanda e risposta"
dei versi della canzone con Daltrey che canta arrivando a balbettare dalla frustrazione
e la ripetizione ossessiva del coro "Talkin' 'bout my generation".
E il balbettio di Daltrey?
Keith Moon riferì che: «Pete aveva scritto le parole della
canzone su un foglio di carta e lo diede a Roger, che non le aveva mai lette
prima. Così, mentre le leggeva per la prima volta, balbettò. In studio c'era
Kit Lambert, che disse a Roger: "Quando canti continua a balbettare".
Così fu, e il risultato lasciò tutti senza fiato. E pensare che tutto
accadde solo perché Roger quel giorno aveva il raffreddore!».
Rivoluzionario l’assolo di basso elettrico di John Entwistle.
Quante canzoni contenevano assolti di basso elettrico nel
1965? Le altre band, del resto, non avevano John Entwistle. «Stava
diventando il più rivoluzionario bassista del momento» ha scritto Townshend
«e volevo fornirgli un mezzo per esprimere il suo incredibile modo di
suonare». All’epoca, Entwistle usava bassi Danelectro con corde sottili che
tendevano a rompersi ed erano difficili da trovare. Quando si rompevano,
cambiava basso. Nel corso delle varie session durante le quali il pezzo fu
inciso usò tre diversi bassi Danelectro e per la registrazione definitiva un
Fender Jazz.
Non resta che ascoltarla come sottofondo di immagini che riguardano quella generazione!
"Quadrophenia"
dei The Who è un album rock epico e senza
tempo che meriterebbe un'analisi dettagliata. Ma credo che un disegno superficiale - il mio di oggi - unito al completo ascolto, possa essere più utile alla causa, quella che è finalizzata ad avvicinare i neofiti al rock.
Pubblicato nel 1973, l'album
rappresenta uno dei punti più alti nella carriera degli Who e un classico
intramontabile del genere.
Si tratta della seconda opera rock
della band dopo "Tommy", ed è anche l'unico album degli Who
interamente scritto dal solo Pete Townshend.
L'opera è un concept album che
racconta la storia di Jimmy, un giovane mod nella Londra degli anni '60. La
trama esplora le sfide e le frustrazioni che affliggono il ragazzo mentre cerca di
trovare la sua identità in un mondo caotico e spesso ostile. L'album affronta
temi come l'alienazione, la ribellione giovanile, l'amore, l'autodistruzione e
l'accettazione di sé.
Musicalmente, "Quadrophenia"
è un tour de force. Gli Who dimostrano la loro abilità straordinaria nel creare
brani potenti e coinvolgenti, ma ciò che
rende l’album così speciale è l'abilità della band di trasmettere emozioni
attraverso la musica. La voce di Roger Daltrey è piena di passione e intensità,
catturando perfettamente il tormento interiore di Jimmy. I testi di Townshend
sono ricchi di poesia e offrono una narrazione coinvolgente e la sezione
ritmica è uno dei punti di forza del disco.
L'album presenta anche una varietà di
stili musicali, che vanno dal rock duro ed energetico di brani come "The
Real Me" e "5:15" alla delicata ballata "Love
Reign O'er Me". L'uso di strumenti orchestrali e arrangiamenti
complessi aggiunge ulteriore profondità e dimensione all'opera.
Uno dei punti salienti di "Quadrophenia"
è la produzione impeccabile di Kit Lambert e degli Who stessi, capaci di creare un
capolavoro assoluto.
L'album cattura l'anima e lo spirito di un'intera
generazione, offrendo una colonna sonora iconica per l'adolescenza ribelle. La
sua combinazione di musica eccezionale, testi profondi e narrativa coinvolgente
lo rende un album che merita di essere ascoltato e apprezzato ancora oggi.
È stato detto:
“Tutta la grandezza degli Who è
racchiusa qua dentro”
A distanza di qualche anno, nel 1979,
“Quadrophenia” è divenuto un film - diretto da Franc Roddam -, pellicola che ha
contribuito e mettere in risalto una cultura, un modo di vivere, un periodo
importante amplificato dalla musica degli Who.
Tracce
Testi e musiche di Pete Townshend.
Lato A
I Am the Sea
(strumentale) – 2:08
The Real Me – 3:20
Quadrophenia (strumentale) – 6:15
Cut My Hair–
3:46
The Punk and
the Godfather – 5:10
Lato B
I'm One –
2:39
The Dirty
Jobs – 4:30
Helpless
Dancer – 2:32
Is It in my
Head – 3:46
I've Had
Enough – 6:14
Lato C
5:15 – 5:00
Sea and Sand
– 5:01
Drowned –
5:28
Bell Boy –
4:56
Lato D
Doctor Jimmy
– 8:42
The Rock
(strumentale) – 6:37
Love, Reign o'er Me – 5:48
Formazione
Roger Daltrey – voce
Pete Townshend – chitarra,
sintetizzatore, banjo, effetti sonori, voce
John Entwistle – basso, corno, voce
Keith Moon – batteria, percussioni,
voce in Bell Boy
Altri musicisti
Chris Stainton – pianoforte (tracce:
B2, B3, C1, C3)
Il 1° Festival Prog a Quiliano - Prog Rock d'Autunno - ha inaugurato il
suo percorso al Teatro Nuovo di Valleggia, portando sul palco un genere
che ancora mancava all'interno di una programmazione annuale già ricca e
articolata. La nascita della rassegna rappresenta una vera e propria sfida,
guidata dall'amore per una musica di nicchia e scaturita da una naturale comunione
di intenti con i membri del direttivo della struttura, uniti dal desiderio di
mettersi in gioco e offrire qualcosa di nuovo al territorio.
La macchina organizzativa ha richiesto un intenso
lavoro di squadra, articolato in una capillare campagna promozionale sia fisica
sia online e nella scelta di formazioni capaci di rappresentare al meglio lo
spessore della scena. In questa prima giornata, un contributo determinante per
la riuscita dell'evento è arrivato da Eddy Elettroacustica, che ha
garantito una resa del service impeccabile, regalando un risultato sonoro di
assoluta eccellenza.
Prima dell'esibizione, il pubblico ha potuto
assistere a un momento di approfondimento inedito e prezioso. Grazie ai tempi a
disposizione, Mauro Selis ha condotto una conversazione di quindici
minuti direttamente in sala, con i componenti della band scesi dal palco e
seduti di fronte alla prima fila. Questa formula ha permesso di superare la
consueta fretta con cui vengono presentati i progetti discografici, offrendo
una chiave di lettura immediata e intima prima dell'ascolto.
Sul piano visivo e musicale, la serata ha
confermato le attese più alte. L'Ombra della
Seraha portato in scena Segreti nel Nero, un'opera che affonda le
radici nella memoria collettiva degli sceneggiati televisivi degli anni
Settanta, rielaborando quelle atmosfere cupe, esoteriche e misteriose con una
sensibilità contemporanea. Il progetto, nato come costola concettuale e sonora
della band d'origine, la Maschera di Cera, si muove con naturalezza tra
suggestioni cameristiche, psichedeliche e jazz, trasformando ogni brano in un
capitolo di un romanzo sonoro. La proiezione di frammenti visivi originali ha
restituito la dimensione del cine-concerto, in cui il suono dialoga
direttamente con la pellicola e con l'immaginario di un'epoca.
Resta aperta la sfida della partecipazione: se da un lato la
qualità dell'offerta e la cura organizzativa sono state indiscutibili,
dall'altro la risposta del pubblico mostra come la costruzione di un nuovo
pubblico per il progressive richieda tempo e continuità.
Ora lo sguardo si sposta al secondo appuntamento
della rassegna, previsto per il 6 novembre, che vedrà sul palco Paola
Tagliaferroe La Compagnia dell'Es. La serata si dividerà tra la
presentazione del suo progetto personale e una seconda parte interamente
dedicata a un omaggio a Greg Lake, proseguendo il percorso di
approfondimento legato alla grande musica d'autore.
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