Bob Dylan "GIUDA!": Free Trade Hall, Manchester, 17 maggio 1966

“Bob Dylan è stato grande nel rivolgersi ai suoi detrattori.

Quando qualcuno gli ha urlato ‘Giuda!’, si è avvicinato con calma al microfono e ha tranquillamente replicato: sei un bugiardo… "

Oldham EveningChronicle

25 maggio 1966

Bob Dylan And The Hawks

Free Trade Hall, Manchester, 17 maggio 1966

“GIUDA!”

Il più famoso epiteto nella storia della musica venne pronunciato da uno studente ventenne di nome Keith Butler, indignato per la plateale infatuazione di Bob Dylan nei confronti del rock ad alto volume.

Se Butler impiegò trent’anni per assumersi ufficialmente le proprie responsabilità, a Dylan bastarono pochi istanti per sibilare una replica carica di fastidio: “Non ti credo! Sei un bugiardo!”, poi si girò irritato verso il gruppo e gridò: “Suonate forte, cazzo!”. Fu la scintilla da cui scaturì un infuocato finale di concerto sulle note di Like A Rolling Stone, la canzone che, l’estate precedente, aveva svelato al mondo il nuovo Dylan elettrico.

Like A Rolling Stones portò al culmine il dibattito sul “tradimento” dylaniano, scatenato dal sempre più rapido allontanamento del musicista dalle canzoni di protesta di inizio carriera. Già nel 1965 i suoi versi erano legati più al surrealismo che a Woody Guthrie e i semplici arpeggi di chitarra che lo avevano reso celebre erano ormai supportati da un accompagnamento rock. Persino la classica immagine da vagabondo romantico era stata abbandonata in favore di una mise più urbana: cespuglio di capelli arruffati, abiti attillati e occhiali scuri. Sembrava che Dylan non si sentisse più al servizio del Piccolo Uomo o della Grande Idea ma di se stesso e basta.

Il musicista arrivato a Manchester nella primavera del 1966, dall’agosto precedente era accompagnato da un gruppo elettrico (la futura Band) che… suonava rock. La maggior parte del pubblico aveva accettato il cambiamento ma negli ambienti più estremisti la polemica avvampava. I “folkettari”duri e puri erano ancora legati all’idea di Dylan come voce del (sempre più indefinibile) movimento di protesta. Altri lo consideravano il santone che stava trasformando la musica pop in una nuova ed emozionante forma d’arte.

I Beatles, i Rolling Stones, i nuovi arrivati Byrds e tutti coloro che aspiravano alla grandezza in ambito pop erano stati profondamente influenzati - e intimiditi - da quella trasformazione. Bob Dylan rispondeva solo alle sue leggi. Tuttavia anche un iconoclasta come lui capiva quanto fosse importante non alienarsi completamente le simpatie del pubblico degli esordi. Come tutti i concerti britannici della tournèe, infatti, anche quello di Manchester era diviso in due parti ben distinte: una sezione acustica, con in scaletta soprattutto materiale nuovo o comunque recente, seguita da una performance elettrica di otto canzoni tratte dai suoi album folk e drasticamente modificate.

La prima fu accolta dal reverente silenzio che aveva caratterizzato i concerti di un tempo. La poesia di Vision Of Johanna e Desolation Row era lontanissima dalla nitidezza di inni come Blowin’ In The Wind (significativamente assente nelle scalette del 1966), ma si trattava comunque di un Dylan scarno e questo poteva bastare. Coloro che consideravano l’utilizzo del gruppo come un artificio di cattivo gusto pensarono di averla avuta vinta.

L’atmosfera cambiò completamente dopo l’intermezzo. Dylan si ripresentò sul palco imbracciando una Fender Stratocaster e recando ben visibili nella gestualità e nei modi nervosi le ferite emotive dei concerti precedenti, disturbati da fischi di disapprovazione e talora interrotti da uscite di scena prima del tempo. Già alla fine del secondo brano, I Don’t Believe You, trasformata da brillante ballata folk in potente aggressione verbale rock, una parte del pubblico cominciò a diradare i propri applausi. Dylan rispose accennando un motivo folk all’armonica prima di lanciarsi in una rivisitazione radicale di una delle sue prime registrazioni, Baby, Let Me FollowYou Down. Verso la fine del set lo si sentì bisbigliare al microfono un’incomprensibile storiella, quasi a sfidare il pubblico.

Poi arriva il fantasma di Giuda e un concerto già di per sé notevole entrò nella leggenda.

Da “Io C’ERO”, di Mark Paytress

Curiosità:

Esiste in Italia (e magari ce ne saranno altre nel mondo!) una band denominata "Keith Butler & The Judas", un vero e proprio tributo a Bob Dylan proposto da questi cinque musicisti che suonano versioni al fulmicotone del menestrello di Duluth, dai classicissimi degli anni ‘60 fino a gemme oscure da Dylanologi incalliti, ogni volta in versione diversa, come insegna il maestro. Il leader della band è Giancarlo Frigieri, tutti i componenti sono della zona di Modena e Reggio Emilia.

Questa la formazione nel 2017: Giancarlo Frigeri chitarra e voce, Rigo Righetti basso, Lele Borghi batteria, Gianni Campovecchi tastiere.

In ricordo di un gigante del Metal: Ronnie James Dio, sedici anni dopo

 

Oggi, 16 maggio, ricorre il sedicesimo anniversario dalla scomparsa di Ronnie James Dio, una delle voci più iconiche e influenti nella storia dell'heavy metal. La sua eredità musicale continua a risuonare potentemente, influenzando generazioni di musicisti e appassionati in tutto il mondo, a testimonianza di un impatto che trascende il tempo.

Nato Ronald James Padavona, Dio ha iniziato la sua carriera musicale negli anni '50, esplorando diversi generi prima di trovare la sua vera vocazione nel rock. È stato con i Rainbow di Ritchie Blackmore che ha raggiunto la notorietà internazionale, grazie alla sua voce potente, ricca di sfumature e al suo stile lirico distintivo, che evocava mondi fantastici e leggende. La sua collaborazione con i Black Sabbath, subentrando a Ozzy Osbourne, ha segnato un'epoca d'oro per la band. Album capolavoro come "Heaven and Hell" e "Mob Rules" hanno ridefinito il sound del metal, introducendo una nuova profondità e complessità tematica che ha elevato il genere. La sua capacità di fondere testi potenti con melodie travolgenti ha lasciato un'impronta indelebile.

Successivamente, Dio ha fondato la sua band eponima, Dio, pubblicando album seminali come "Holy Diver" e "The Last in Line". Questi lavori non solo hanno consolidato la sua fama, ma hanno anche cementato il suo status di leggenda, grazie a brani che sono diventati veri e propri inni per milioni di fan. La sua carriera è stata costellata di successi, caratterizzati da testi epici, atmosfere fantasy e una presenza scenica magnetica che lo rendeva inconfondibile. Non solo un cantante straordinario, Dio è anche universalmente riconosciuto per aver popolarizzato il "segno delle corna", diventato un simbolo iconico del metal e della sua cultura, un gesto che incarna lo spirito ribelle e potente del genere.

Ronnie James Dio non è stato solo un musicista eccezionale, ma anche un professionista instancabile, noto per la sua integrità artistica e la sua dedizione ai fan. La sua influenza si estende ben oltre le sue performance vocali; ha plasmato il genere, contribuendo a definirne l'immaginario e la narrativa, ispirando innumerevoli band e artisti a seguire le sue orme.

Oggi, mentre ricordiamo questo gigante della musica, riflettiamo sull'impatto duraturo che ha avuto sul panorama musicale. La sua voce inconfondibile e il suo spirito leggendario continuano a vivere attraverso la sua vasta discografia, le innumerevoli band che cita come fonte d'ispirazione e l'ammirazione incondizionata dei suoi fan sparsi in ogni angolo del mondo. La sua assenza è ancora sentita, ma la sua musica è immortale.

“2014 NYC”, il live newyorkese che apre il nuovo ciclo dei King Crimson

 

I King Crimson hanno reso noto che a luglio uscirà un nuovo album dal vivo, 2014 NYC, pubblicato in doppio vinile da 200 grammi e in doppio CD tramite DGM/Panegyric, con data fissata al 10 luglio.

Il materiale proviene dalle quattro serate newyorkesi del settembre 2014, il primo tour della band dopo sei anni e il debutto della formazione con tre batteristi, ormai diventata iconica. Sul palco c’erano Gavin Harrison e Pat Mastelotto, già parte di precedenti incarnazioni del gruppo, insieme a Bill Rieflin, musicista con trascorsi in Ministry e R.E.M.

Le registrazioni utilizzate per 2014 NYC arrivano dai multitraccia dal vivo catturati tra il 18 e il 21 settembre. Il vinile è stato tagliato da Jason Mitchell ai Loud Mastering e stampato su vinile audiophile da 200 grammi. Il booklet include nuove note firmate da Sid Smith, biografo dei King Crimson.

Questa uscita inaugura una serie di pubblicazioni dedicate all’attività live delle varie formazioni attive tra il 2014 e il 2021, tutte previste in doppio vinile 200g e doppio CD. È inoltre annunciata per l’autunno 2026 una doppia uscita in Blu-ray che raccoglierà l’intero tour statunitense del 2014, comprendendo anche questa selezione.

 

Vinyl

Side A

1.   Introductory Soundscape

2.   Larks’ Tongues in Aspic (Part I)

3.   Pictures of a City

Side B

1.   A Scarcity of Miracles

2.   The Letters

3.   The Sailor’s Tale

4.   The Hell Hounds of Krim

Side C

1.   Red

2.   Improv: Hoodoo

3.   The Talking Drum

4.   Larks’ Tongues in Aspic (Part II)

Side D

1.   VROOOM

2.   Coda: Marine 475

3.   The Light of Day

4.   21st Century Schizoid Man

2CD

CD1

1.   Introductory Soundscape

2.   Larks’ Tongues in Aspic (Part I)

3.   Pictures of a City

4.   A Scarcity of Miracles

5.   Banshee Legs Bell Hassle

6.   Level Five

7.   The Letters

8.   The Sailor’s Tale

9.   Interlude

10.                 The ConstruKction of Light

11.                 Red

CD2

1.   One More Red Nightmare

2.   VROOOM

3.   Coda: Marine 475

4.   The Light of Day

5.   The Talking Drum

6.   Larks’ Tongues in Aspic (Part II)

7.   Starless

8.   The Hell Hounds of Krim

9.   Improv: Hoodoo

10.                 21st Century Schizoid Man

Commento all'album "In ogni giorno vissuto", di Eduardo De Felice

 

Eduardo De Felice – In ogni giorno vissuto

 

In ogni giorno vissuto è un album che arriva dopo un lungo percorso e porta con sé la maturità di chi ha attraversato vent’anni di scrittura senza perdere curiosità. Eduardo De Felice costruisce un lavoro che unisce memoria e presente, con una sensibilità che guarda alla canzone d’autore italiana tra la fine dei Settanta e l’inizio degli Ottanta, ma senza imitazioni. Il disco si muove con naturalezza tra atmosfere intime e momenti più ritmici, mantenendo sempre un equilibrio tra eleganza melodica e immediatezza.

Il singolo La soluzione 2.0 introduce bene il respiro del progetto. È un brano che parla di ripartenza e di movimento, un gesto che diventa cura dopo una frattura emotiva. L’album prosegue con una scrittura che alterna introspezione e slancio, sostenuta da una scelta sonora precisa. La registrazione in presa diretta e l’uso di strumenti analogici restituiscono un ascolto caldo e materico, con una dimensione quasi tattile che richiama il vinile, formato centrale nell’immaginario del disco.

Le nove tracce mostrano una varietà che non spezza la coesione. Come stai apre con un pop d’autore dal passo misurato, mentre Amore unilaterale mette a fuoco la fragilità di un sentimento sbilanciato. La title track amplia lo sguardo e diventa una ballad luminosa, costruita sull’idea dell’amore come scoperta quotidiana. Echi di coscienza introduce una tensione più notturna, con un crescendo che accompagna un testo sospeso tra inquietudine e lucidità. Noemi racconta una giovane donna che cerca un modo per proteggersi e allo stesso tempo per aprirsi al mondo, mentre Mio caro professore usa l’ironia per parlare di creatività e sguardi che non sanno vedere. La mia dolce sconfitta riporta a una nostalgia che non si è mai spenta del tutto e Vorrei, vorrei chiude con una ballad ampia, quasi cinematografica, che lascia spazio e respiro.

Il progetto visivo dialoga con la musica in modo naturale. Le fotografie di Aldo De Felice, scattate su diapositive originali degli anni Ottanta, accompagnano il disco con un immaginario coerente fatto di memoria, tempo e vissuto emotivo. Anche la scelta del vinile rafforza questa identità, riportando l’ascolto a una dimensione più fisica e consapevole.

In ogni giorno vissuto è un attraversamento di esperienze, errori, intuizioni e ritorni, raccontati con una scrittura che resta fedele alla propria natura. Un disco pensato per chi ama la canzone d’autore quando sa essere comunicativa e profonda, ricercata ma vicina, capace di parlare al presente senza perdere la sua radice emotiva.

Tracklist

1. Come stai

2.   La soluzione 2.0

3.   Amore unilaterale

4.   In ogni giorno vissuto

5.   Echi di coscienza

6.   Noemi

7.   Mio caro professore

8.   La mia dolce sconfitta

9.   Vorrei, vorrei

         

  

Crediti

Testi e musiche di Eduardo De Felice Echi di coscienza di Eduardo De Felice e Alessandro Gatta

Registrato in presa diretta da Carlo Di Gennaro al Kammermuzak Studio di Soccavo, Napoli

Missato da Giuseppe Innaro Masterizzato da Giovanni Roma presso L’Arte dei Rumori Studio, Marano di Napoli

 

Eduardo De Felice: voce, cori, programming, synth

Roberto Porzio: piano, Rhodes, CP‑80, analog synth

 Alessandro Morlando: chitarra elettrica e acustica

 Vincenzo Lamagna: basso

Salvatore Rainone: batteria

 Michele Signore: mandolino, arrangiamento archi

Paolo Licastro: sax tenore e soprano

Carlo Di Gennaro: percussioni

 

Prodotto e arrangiato da Eduardo De Felice

 Edizioni musicali Suono Libero Music

Foto di Aldo De Felice

Progetto grafico di Eduardo De Felice

Vinile stampato da AMGDISK, Casoria © 2026 

Jack Bruce: l'Indomabile urlo del Basso che ha rimodellato il Rock

 

Jack Bruce: quando il basso divenne voce e leggenda

Oggi, 14 maggio, ricorre l'anniversario della nascita di John Symon Asher Bruce, meglio noto come Jack Bruce, un musicista la cui influenza risuona ancora oggi con la stessa potenza del suo leggendario basso.

Nato nel 1943 a Bishopbriggs, in Scozia, Bruce non fu semplicemente un bassista, ma un innovatore, un improvvisatore di rara genialità e una voce soul che ha lasciato un'impronta indelebile nella storia del rock e del blues.

La sua carriera decollò negli anni '60, un periodo di fervente sperimentazione musicale. Dopo aver militato in formazioni seminali come la Graham Bond Organisation, dove affinò le sue abilità e incontrò futuri compagni di avventura, Bruce raggiunse la consacrazione con i Cream. Insieme a Eric Clapton e Ginger Baker, diede vita a un trio di supereroi musicali la cui alchimia esplosiva ridefinì il concetto di power trio.

Il basso di Bruce non era un mero accompagnamento ritmico, ma un protagonista melodico, un fiume in piena di linee complesse, contrappunti audaci e un suono corposo e distorto che divenne il marchio di fabbrica della band. La sua capacità di improvvisare con la stessa libertà e inventiva di un solista lo elevò al di sopra dei suoi contemporanei, influenzando generazioni di bassisti a venire. Brani iconici come "Sunshine of Your Love", "White Room" e "Crossroads" sono intessuti dalle sue intricate e pulsanti linee di basso, che dialogavano con la chitarra di Clapton e la batteria di Baker in un turbine di energia creativa.

Ma Bruce non fu solo un virtuoso strumentista. La sua voce potente e soul aggiunse un'ulteriore dimensione al suono dei Cream, conferendo profondità emotiva a ballate bluesy e grinta rockeggiante ai loro pezzi più energici. La sua collaborazione con il paroliere Pete Brown diede vita a testi evocativi e spesso criptici che si sposavano perfettamente con la complessità musicale della band.

Dopo la breve ma intensa parabola dei Cream, Bruce intraprese una prolifica carriera solista, esplorando una vasta gamma di generi musicali, dal jazz-fusion al blues, dal rock progressivo alla musica sinfonica. Album come "Songs for a Tailor", "Harmony Row" e "Out of the Storm" testimoniano la sua inesauribile creatività e la sua volontà di spingersi sempre oltre i confini musicali. Collaborò con una miriade di artisti di calibro internazionale, dimostrando la sua versatilità e la sua apertura a nuove sfide sonore.

La sua scomparsa nel 2014 ha lasciato un vuoto incolmabile nel panorama musicale, ma l'eredità di Jack Bruce continua a vivere attraverso la sua vasta discografia e l'impatto che ha avuto su innumerevoli musicisti.

Ricordare la sua nascita oggi è celebrare un artista che ha saputo trasformare uno strumento spesso relegato al ruolo di accompagnamento in una forza espressiva di prim'ordine.

David Byrne, l'infaticabile esploratore del suono, compie gli anni

 

David Byrne, il genio eclettico che ha riscritto le regole del pop

Compie gli anni oggi, 14 maggio, David Byrne, un'occasione che ci ricorda quanto questo artista straordinario abbia plasmato e influenzato il panorama musicale e culturale degli ultimi cinquant'anni. Dalle sonorità avanguardistiche dei Talking Heads alle sue innumerevoli incursioni in mondi diversi come il teatro, il cinema e la scrittura, Byrne è un camaleonte creativo la cui curiosità e intelligenza non smettono mai di ispirare.

Nato a Dumbarton, Scozia, nel 1952, e cresciuto in Nord America, David Byrne è universalmente riconosciuto come il fondatore e frontman dei Talking Heads. Formatisi a New York City a metà degli anni '70, in un'epoca di fervore punk e new wave, i Talking Heads si distinsero subito per un sound unico: un'amalgama di art-punk, funk, world music e pop sperimentale. Brani come "Psycho Killer", "Once in a Lifetime" e "Burning Down the House" non erano semplici canzoni, ma narrazioni complesse, spesso surreali, animate dalla voce inconfondibile di Byrne e dalla sua presenza scenica tanto eccentrica quanto magnetica. L'album Remainin Light (1980), in particolare, è considerato un capolavoro che ha esplorato le poliritmie africane, influenzando generazioni di musicisti.

Ma l'arte di Byrne non si è mai confinata ai limiti di una band. La sua carriera è un'odissea attraverso discipline artistiche diverse. È un compositore di colonne sonore acclamato, con lavori per film come "The Last Emperor" (vincitore di un Oscar) e "Married to the Mob". La sua incursione nel cinema come regista con "True Stories" (1986) ha mostrato la sua visione unica del quotidiano americano, trasformandolo in un musical surreale.

Negli anni '90, Byrne ha lanciato la sua etichetta discografica, Luaka Bop, dedicata alla riscoperta e promozione di musica da tutto il mondo, dimostrando la sua passione per le sonorità globali ben prima che diventassero mainstream. Questa avventura discografica è un esempio della sua incessante ricerca di nuove espressioni sonore e culturali.

La sua carriera solista è stata altrettanto prolifica e variegata, con album che spaziano dal pop al funk, dal rock all'elettronica. Ma è forse il suo impegno con progetti multidisciplinari che definisce meglio la sua natura. Spettacoli teatrali come "Here Lies Love" (un musical su Imelda Marcos) e il più recente e acclamato "American Utopia", portato prima a Broadway e poi immortalato in un film concerto diretto da Spike Lee, dimostrano la sua capacità di fondere musica, performance e riflessione sociale in esperienze immersive e trasformative. "American Utopia" in particolare, con la sua orchestra di musicisti che si muovono liberamente sul palco, è un manifesto di gioia, unità e speranza.

David Byrne non è solo un musicista; è un intellettuale, un artista visivo, uno scrittore (il suo libro "How Music Works" è una lettura illuminante) e un pensatore che ha sempre spinto i confini della creatività. La sua arte è un invito a guardare il mondo da prospettive inaspettate, a trovare il sacro nel quotidiano e a celebrare la connessione umana attraverso il ritmo e la melodia.

Anche se in ritardo, colgo l'occasione per celebrare il suo compleanno e l'incredibile impatto che David Byrne continua ad avere. La sua curiosità insaziabile e la sua originalità rimangono un faro per chiunque cerchi di esplorare nuove frontiere artistiche.

Buon compleanno David Byrne!

Popoff del 13 maggio 1974, conduce Carlo Massarini

Popoff del 13 maggio 1974- conduce Carlo Massarini 

Carlo Massarini propone una puntata di Popoff decisamente rock, con ampia presenza di Rolling Stones, Lou Reed impegnato nei suoi rock degli esordi con i Velvet Underground, Johnny Winter, Jimi Hendrix. Rappresentato anche il jazz, o meglio la fusion, con il successo planetario di Herbie Hancock, un estratto da Headhunters.

In quella serata del 13 maggio 1974 non saranno però stati moltissimi i ragazzi italiani in ascolto di questa musica eccellente. È più probabile che fossero per strada a festeggiare i risultati del referendum su divorzio, il cui esito, con la storica vittoria dei laici, era comunicato proprio in quelle ore.

La puntata non è completa (45') e anche in questo caso la cassetta originale presenta alcuni disturbi, in particolare sulle musiche, ma è ascoltabile senza problemi.

Scaletta: Rolling Stones (Sing It All Together e Citadel da Their Satanic Majesties Request, fine 1967), Rascals (People Got To Be Free), Lou Reed (White Light / White Heat Live), Johnny Winter (Blinded By Love), Herbie Hancock (Chameleon), Stevie Wonder (He's Misstra Know-It-All), Procol Harum (The Idol), Jimi Hendrix (1983 ... A Merman I Should Turn To Be).

CLICCARE PER L'ASCOLTO

 

UniSavona e il rock ’70: un percorso che si è chiuso il 12 maggio, tra musica italiana e comunione di intenti

 

L’ultima giornata del corso sul rock anni Settanta, all’interno del programma di UniSavona, ha avuto l’aria delle chiusure che non chiudono davvero, perché lasciano qualcosa in sospeso, un filo che continua a vivere. Dopo quattordici incontri iniziati a ottobre, dodici “di aula” e due con ospiti - prima Michele, poi il duo Elisa Montaldo e Barbara Rubin - ci si è ritrovati ancora una volta nella Sala Stella Maris, con la stessa curiosità di sempre, ma con un clima diverso, più leggero, quasi festoso.

Per rompere il ghiaccio, o forse per ricordare che la musica è anche gioco, è partito un piccolo test collettivo. Dieci brani, un minuto ciascuno, gruppi formati sul momento, il compito di riconoscere artista e titolo. Un modo semplice per misurare quanto fosse rimasto in testa, ma soprattutto per ridere insieme degli errori, delle intuizioni fulminanti, dei “ce l’ho sulla punta della lingua” che hanno attraversato la sala.

Da lì si è scivolati verso l’Italia, perché era giusto chiudere guardando in casa nostra, pur sapendo che nel campo del puro rock non esistevano all’epoca equivalenti italiani dei Led Zeppelin o dei Deep Purple. È stato un modo per ribadire che la nostra storia segue traiettorie diverse, non meno affascinanti. Si è parlato di Eugenio Finardi, ascoltando una sua intervista del ’79 che conserva ancora oggi una valenza sorprendente. Poi Ivan Graziani, con quella sua capacità di essere rock senza imitare nessuno. La prima Formula 3, con Alberto Radius che piega la canzone italiana verso l’elettricità. I primi New Trolls, accompagnati da un’intervista ad Aldo De Scalzi, fratello di Vittorio, che ha aggiunto un tono affettuoso e familiare al racconto.

Poi l’aria è cambiata di nuovo. Un po’ di festa, un po’ di programmi per il futuro e, infine, il brindisi nel giardino, con cibo e bevande portati da tutti, come si fa nelle comunità vere, quelle che non hanno bisogno di dichiararsi tali. Il sole, le chiacchiere, i saluti che non sembravano saluti. È stato il modo più naturale per chiudere un percorso che, più che un corso, è diventato un luogo.

La soddisfazione finale non è venuta solo dai contenuti, ma dal tempo passato insieme. E forse il senso di tutto sta proprio nelle parole che mi sono arrivate la mattina dopo, e che meritano di essere riportate integralmente:

“Caro Athos, forse alla fine è davvero questo ciò di cui abbiamo più bisogno: ritrovarci insieme, in mezzo a tante persone, con la scusa di ascoltare buona musica. Nella vita ho seguito molti corsi, anche ben fatti, ma spesso più simili a lezioni scolastiche e, alla lunga, non ti lasciano molto. Qui invece resta qualcosa di diverso, più umano.”

E chissà cosa accadrà il prossimo anno!

Un ringraziamento particolare a Giorgio, Giacomo e a Sergio.

È una chiusura che non chiude, appunto. Una promessa più che un commiato.

12 maggio 1981: lo start a Mister Fantasy

“Mister Fantasy - Musica da vedere” è stata una trasmissione televisiva andata in onda su Rai 1 in quattro edizioni, dal 12 maggio 1981 al 17 luglio 1984.

Sorta di rotocalco televisivo dedicato alla musica rock, è stata la prima trasmissione italiana riservata interamente ai videoclip musicali.

Fu ideata da Paolo Giaccio e condotta da Carlo Massarini con la partecipazione di Mario Luzzatto Fegiz.

Oltre a trasmettere in anteprima video musicali provenienti dall'estero, il programma produsse i videoclip di numerosi artisti italiani.

A maggio 2021, sei puntate della prima edizione ed uno “Speciale Franco Battiato” sono state pubblicate sulla piattaforma RaiPlay.

Nei primi anni Ottanta iniziavano a circolare in Italia video musicali per la promozione discografica di artisti stranieri, ma a parte alcuni utilizzi all'interno di trasmissioni dedicate ai giovani non esisteva nessuno spazio nella TV italiana espressamente dedicato a tali prodotti; trasmissioni di varietà, come Domenica in, prevedevano esclusivamente la presenza dell'artista in studio.

Paolo Giaccio ricordava che:

«Dissi a Brando Giordani che utilizzando questi supporti videomusicali si poteva fare un programma dal taglio molto visuale, legato all'immaginazione; raccontammo l'idea al direttore di rete di allora, Emanuele Milano, e il programma fu approvato; Brando Giordani suggerì il sottotitolo “Musica da vedere”.»

Il programma utilizzava uno studio interamente bianco con schermi che rimandavano immagini dei video musicali; anche il conduttore, Carlo Massarini, vestiva interamente di bianco. L'innovativa grafica del programma fu affidata a Mario Convertino. Ogni puntata, della durata di cinquanta minuti, era messa in onda il martedì sera attorno alle 23.

Il titolo del programma fu preso dal brano musicale “Dear Mr. Fantasy” (1967) contenuto nell'album di esordio del gruppo rock britannico Traffic, uno dei gruppi preferiti di Carlo Massarini.

LA PUNTATA N° 6

L'anima eclettica di Steve Winwood: tanti Auguri!

 

La voce che ha attraversato i generi: l'incredibile viaggio sonoro di Steve Winwood, che compie gli anni il 12 maggio

Il nome di Steve Winwood (12-5-48) risuona attraverso i decenni come un marchio di autenticità e talento multiforme. Non un semplice cantante o tastierista, ma un vero e proprio artigiano del suono, Winwood ha intrapreso un viaggio musicale eclettico, spaziando con disinvoltura dal rhythm and blues viscerale al rock psichedelico, dal folk britannico al sofisticato pop-soul degli anni Ottanta. La sua voce, un timbro caldo e potente intriso di un’anima blues profonda, è stata la colonna sonora di generazioni, mentre la sua maestria all’organo Hammond, alla chitarra e al basso ha arricchito innumerevoli paesaggi sonori.

La sua storia inizia in un’epoca d’oro per la musica britannica. Ancora adolescente, Winwood irrompe sulla scena come la voce bianca e l’anima musicale dello Spencer Davis Group. Era il 1963, e la Gran Bretagna era in fermento, cullata dall’onda del British Invasion. Canzoni come "Keep on Running" e l'inconfondibile "Gimme Some Lovin'" portano l'impronta indelebile del giovane Winwood: un talento precoce che sembrava incarnare lo spirito del blues americano trapiantato nel cuore dell'Inghilterra. La sua interpretazione intensa e la sua abilità strumentale, nonostante la giovane età, lo proiettarono immediatamente sotto i riflettori.

The Spencer Davis Group

Ma l'inquietudine creativa di Winwood non poteva essere confinata a un solo genere. Nel 1967, con un coraggio artistico ammirevole, lascia lo Spencer Davis Group per co-fondare i Traffic. Questa nuova avventura segnò una svolta stilistica radicale. I Traffic erano un crogiolo di influenze, mescolando rock, jazz, psichedelia e sonorità folk con una libertà espressiva che li rese unici nel panorama musicale. Album come Mr. Fantasy e Traffic sono pietre miliari di un’epoca, intrisi di atmosfere sognanti, improvvisazioni strumentali sofisticate e testi evocativi. La voce di Winwood si fece più sfumata, capace di navigare con agilità tra le intricate trame sonore create dalla band.

Traffic

Ancora una volta, l'insaziabile sete di esplorazione musicale spinse Winwood verso nuovi orizzonti. Alla fine degli anni Sessanta, diede vita ai Blind Faith, un supergruppo effimero ma leggendario che vedeva la partecipazione di Eric Clapton, Ginger Baker e Rick Grech. Sebbene la loro esistenza sia stata breve, il loro unico album omonimo lasciò un segno indelebile, con brani come "Can't Find My Way Home" che mettevano in risalto la vena melodica e malinconica della voce di Winwood in un contesto rock più diretto.

Blind Faith

Gli anni Settanta videro un ritorno, seppur intermittente, dei Traffic, con album che continuavano a esplorare nuove sfumature sonore. Contemporaneamente, Winwood intraprese una prolifica carriera solista, che lo portò a pubblicare album acclamati dalla critica come Steve Winwood e Arc of a Diver. Questi lavori rivelarono un artista maturo, capace di fondere elementi soul, funk e jazz in un suono personale e riconoscibile.

Ma fu negli anni Ottanta che Steve Winwood conobbe un successo commerciale planetario con album come Back in the High Life e Roll with It. Brani come "Higher Love" e la title track "Roll with It" scalarono le classifiche di tutto il mondo, portando la sua voce inconfondibile e il suo talento compositivo a un pubblico ancora più vasto. Queste canzoni incarnavano uno stile pop sofisticato, intriso di influenze soul e R&B, che dimostrava la sua capacità di evolversi senza perdere la sua anima musicale.

Anche negli anni successivi, Winwood ha continuato a creare musica di alta qualità, esplorando le sue radici blues e soul con una saggezza e una profondità che solo un artista con la sua esperienza può possedere. La sua carriera è una testimonianza di una curiosità musicale insaziabile e di un talento poliedrico che lo ha reso una figura iconica e rispettata nel panorama musicale internazionale.

Steve Winwood non è solo un musicista; è un camaleonte sonoro che ha saputo reinventarsi rimanendo fedele alla sua essenza. La sua voce, la sua abilità strumentale e la sua capacità di attraversare generi con naturalezza lo rendono un artista unico, la cui eredità continua a ispirare musicisti e appassionati di tutto il mondo. La sua musica è un viaggio attraverso le sfumature dell'anima, un’esplorazione continua di suoni e ritmi che testimoniano la vitalità e la ricchezza di un talento senza tempo.