30 maggio 1972: VDGG a Genova... il mio primo concerto

Esattamente 46 anni fa, a sedici anni e un giorno, assistevo al mio primo concerto, quello dei Van Der Graaf Generator preceduti dalla “spalla” Latte e Miele.

Era il pomeriggio del 30 maggio del 1972 e mi trovavo a Genova, al Teatro Alcione.

Ripropongo - ancora una volta - il mio ricordo di quel felice attimo lontano...

A fine post, presento una lunga lista di concerti che la band, e il solo Hammill, tennero in Italia in quell’anno.

Aggiungo anche un prezioso reperto audio, che riporta alla presentazione originale di quel giorno (un grazie a Claudio Milano).

IL RICORDO

All’interno del “Contrappunti” di settembre 2009 trovava spazio il mio ricordo del primo concerto a cui ho assistito da adolescente, quello dei Van der Graaf Generator: era il 1972. Sono riuscito a risalire a una data importante. Importantissima per chi è cresciuto a pane e musica: mi riferisco al primo concerto a cui ho assistito.

Mi sono “formato”, da tutti punti di vista, nei primi anni 70 però … non ero abbastanza grande per possedere una buona autonomia di movimento, quindi quei concerti a cui ho avuto la fortuna di assistere, erano tutti “sudati”.

Ricostruire il primo concerto è cosa emozionante, ma pressoché impossibile, perché sto parlando del 1972 , trentasette anni fa.

Non esistevano le videocamere e l’ultima cosa che poteva venirci in mente era quella di utilizzare ingombranti apparecchi fotografici e quindi… l’archivio è la mia sola memoria.

Leggendo “Codice Zena”, di Riccardo Storti, ho anche scoperto che quel mio iniziale approccio è anche considerato il primo passaggio del prog internazionale da Genova.

Sto parlando dei Van Der Graaf Generator, Teatro Alcione, 30 maggio 1972. Sarebbe stato bello avere coscienza di ciò che stava accadendo, avere l’idea che si stava vivendo in prima persona un pezzettino di storia.

Tutto è relativo, e il termine “pezzettino” si può ingigantire a dismisura, a seconda della prospettiva.

Avevo 16 anni, ed ero impregnato e invaso da quella musica che ascolto ancora oggi.

I veicoli informativi erano per me Ciao 2001 e “Per Voi Giovani”.

Indimenticabile quel pomeriggio in cui ascoltai la recensione radiofonica di Pawn Hearts, un racconto talmente efficace che arrivai al concerto con le idee chiare.

Sino a quel 30 maggio non avevo mai pensato che ciò che ascoltavo sul vinile poteva essere presentato anche in un teatro. Sottolineo il 30 maggio, perché la proposta mi venne fatta all’uscita da scuola , con poche ore davanti per convincere i genitori.

Lo spettacolo iniziava alle 16. Eh sì, pomeriggio e sera a quei tempi!

Non so perché ma ottenni il permesso facilmente: ”... dai mamma, siamo in tanti…”

Con 2000 lire in tasca ( mi pare che l’entrata fosse 1500) mi ritrovai in nutrita compagnia sul treno che da Savona portava a Genova. Ricordo una grande emozione.

Ora è relativamente facile avere contatti e pseudo amicizie con miti musicali, ma in quei giorni lo spazio esistente tra un ascoltatore, e un artista che “girava” su vinile e splendeva su 2001, era abissale.

Dalla stazione Brignole al teatro, forse un paio di chilometri, l’agitazione aumentò e questo stato d’animo mi ritorna al solo pensiero. Ricordo persino che indossavo una maglietta verde, girocollo e … capelli lunghissimi.

Non ho memoria invece dell’ambiente, di quelli che allora venivano definiti “capelloni”, termine negativo per chi lo adoperava, elemento di vanto per chi invece lo subiva.

La pittoresca ”corte dei miracoli”, che tanto avrebbe colpito successivamente un ragazzetto come me, quel giorno fu nascosta dall’essenza, dal significato profondo della partecipazione ad un evento da brividi.

Forse i biglietti non erano numerati, ma le poltrone erano molto comode, niente a che vedere con la vita hippie che stava prendendo forma anche in Italia.

Ma a ben vedere i V.D.G.G. non sono stati per me i primi.

A fare la spalla, si diceva così un tempo, c’erano i Latte e Miele e la prima immagine che ho di quel palco è un batterista giovanissimo, capelli lunghi, occhialini tondi e denti sporgenti. Era Alfio Vitanza, ovviamente.

Ricordo solo di aver pensato all’accostamento con ELP , per effetto di un trio dallo stampo classicheggiante. Poi il palco si oscurò.

Un fascio di luce fu proiettato al centro del palco dove c’era una sedia su cui era seduto Peter Hammill, con la sua chitarra appoggiata alla gamba destra.

Partì l’arpeggio di Lemmings e ancora ora, mentre scrivo, mi sembra di sentirlo.

Non mi sono rimasti altri dettagli di quel pomeriggio, solo le atmosfere rarefatte create dai sax di David Jackson, fusi alla perfezione con le tastiere ( e il basso) di Hugh Banton, e la particolarissima ritmica di Guy Evans.

Impossibile spiegare cosa volesse dire sentire la voce di Hammill in quei giorni, qualcosa di “poco reale” , capace di condurre ad un’involontaria introspezione. Già di per se uno strumento “ globale”.

Se adessomi fosse chiesto quale immagine mi arriva immediatamente, pensando a quel 30 maggio lontano, beh, mi vengono alla mente i colori azzurro e nero, delle stelle, degli omini sospesi nel vuoto… ecco la copertina di un disco in vinile aveva questa capacità, dare la forma e il colore a uno dei momenti significativi della vita.

Esagerazione? Sopravvalutazione di fatti in realtà insignificanti?

Forse, ma sono contento di poterlo in qualche modo raccontare.

Van Der Graaf in Italia nel 1972

08 FEB 72 Italy, Milan, Teatro Massimo (2 shows)

09 FEB 72 Italy, Rome, Piper Club

10 FEB 72 Italy, Turin, College Club

11 FEB 72 Italy, Reggio Emilia, Fifty Fifty Club

12 FEB 72 Italy, Novara (Prato Sesia), The Pipa

13 FEB 72 Italy, Verona (San Martino Buonalbergo), Lem Club (2 shows)

14 FEB 72 Italy, Florence, Space Electronic

15 FEB 72 Italy, Ravenna (Lugo di Romagna), Hit Parade Club (2 shows)

20 MAY 72 Italy, Pesaro, Palasport

21 MAY 72 Italy, Brescia, Travagliato, Super Tivoli (2 shows)

22 MAY 72 Italy, Treviso, Teatro Garibaldi

23 MAY 72 Italy, Alessandria (Sale), Teatro Sociale

24 MAY 72 Italy, Reggio Emilia, Palasport

25 MAY 72 Italy, Ravenna, Teatro Astoria

26 MAY 72 Italy, Rome, Festival Villa Pamphili

27 MAY 72 Italy, Naples, Mostra D'Oltremare, Teatro Mediterraneo (2 shows)

28 MAY 72 Italy, Naples, Mostra D'Oltremare, Teatro Mediterraneo (2 shows)

30 MAY 72 Italy, Genoa, Teatro Alcione (2 shows)

31 MAY 72 Italy, Novara (Suno), Parco Meulia

01 JUN 72 Italy, Siena, Palazzetto Virtus

02 JUN 72 Italy, Viareggio, Piper 2000 (2 shows)

03 JUN 72 Italy, Verona, Lem Club

04 JUN 72 Italy, Venice (Sottomarina), Ciquito Club

29 JUL 72 Italy, Ravenna, Jolly Club (2 shows)

30 JUL 72 Italy, Viserba, Club dell'Estate

(30 JUL 72 Italy, Milano Marittima (2 shows)

31 JUL 72 Italy, Monselice, Lago Delle Rose

01 AUG 72 Italy, Cardano al Campo, Nautilus Club (2 shows)

04 AUG 72 Italy, Viareggio, Piper 2000 (2 shows)

05 AUG 72 Italy, Albenga, Palazzo dello sport (2 shows)

06 AUG 72 Italy, Rimini, La Locanda del Lupo (2 shows)

PETER HAMMILL SOLO

08 DEC 72 Italy, Bologna, Palazzo dello Sport (2 shows)

09 DEC 72 Italy, Finale Emilia, Teatro Sociale

11 DEC 72 Italy, Padova, Teatro Corso (2 shows)

12 DEC 72 Italy, Verona, Teatro Ristori (2 shows)

13 DEC 72 Italy, Ferrara, Teatro Verdi (2 shows)

14 DEC 72 Italy, Latina, Teatro Giacobini (2 shows)

15 DEC 72 Italy, Terracina, Teatro Traiano (2 shows)

16 DEC 72 Italy, Naples, Teatro Mediterraneo (2 shows)

17 DEC 72 Italy, Naples, Teatro Mediterraneo (2 shows)

18 DEC 72 Italy, Piombino, Teatro Metropolitan (2 shows)

19 DEC 72 Italy, Arezzo, Teatro Politeano (2 shows)

20 DEC 72 Italy, Foligno, Teatro Clarici (2 shows)

21 DEC 72 Italy, Prato, Teatro Politeano (2 shows)

22 DEC 72 Italy, Lucca, Teatro Moderno (2 shows)

Rick Wakeman: Empire Pool, Wembley, Londra, 30-31 maggio 1975

Rick Wakeman

Empire Pool, Wembley, Londra, 30-31 maggio 1975

Dopo aver siglato due magniloquenti sinfonie progressive come “The Six Wives of Henry VIII” e “Journey To The Centre Of The Earth”, Rick Wakeman decise che il suo terzo colossal, “Myths And Legendes Of King Arthur And The  Knights Of The Round Table”, avrebbe meritato un allestimento scenico davvero grandioso...

“Il mio management voleva la Royal Albert Hall, ma io volevo Wembley, dove una settimana dopo ci sarebbe stato uno spettacolo sul ghiaccio e quindi non se ne poteva fare nulla. Avevo un diavolo per capello. Mi capitò di incontrare Chris Welch nella redazione di Melody Maker e, chissà perché, gli dissi che avrei fatto “King Arthur” a Wembley e sul ghiaccio! Il giornale ci ricamò sopra e a quel punto non potei più tirarmi indietro. Visto che investivo soldi miei, avevo il controllo totale dell’evento e cercai di ottenere il meglio. I pattinatori arrivarono da ogni parte del mondo, l’amplificazione fu trasportata in aereo dagli Stai Uniti e per la prima volta venne sospesa tramite delle reti. Il cast era enorme: 45 orchestrali, 48 cantanti divisi in due cori, cinquanta pattinatori, cinquanta cavalieri, un gruppo di accompagnamento di sette elementi e non ricordo più che altro. Fu divertente, ma i problemi non mancarono.

“Una serata da vedere per credere. Sul serio.”

Paul Gambaccini, Rolling Stones, 1975

“Una delle due sere, appena salito sul palco, il mio mantello si impigliò in una delle tastiere che venivano sollevate dal suolo e mi ritrovai a penzolare a mezz’aria. Mi toccò uscire di scena in totale imbarazzo e cercando di non scivolare sul ghiaccio. Poi c’era il ghiaccio secco che in una situazione di quelle dimensioni era difficile da gestire. La prima sera la nebbia restò per un pò a livello dei cavalieri, poi cominciò a salire. Nessuno sapeva come spegnere l’apparecchiatura e, verso la fine di “Lady Of The Lake”, la ballerina che interpretava la regina Ginevra scomparve insieme alla parte bassa dell’orchestra e al primo ordine di posti della platea. Era come guardare dal finestrino di un aereo!

“Quella fu la sera delle nuvole. Poi ci fu la sera del cavaliere suicida. Nella battaglia finale 25 cavalieri per parte dovevano sfidarsi a singolar tenzone e cadere morti in mezzo al ghiaccio secco. Ma uno dei cavalieri si ammalò e diede forfait. Pensai che, con tanta gente sul palco, non fosse un problema. Ma, naturalmente, alla fine del pezzo c’era un cavaliere che andava alla ricerca di qualcuno che lo uccidesse. Il direttore di orchestra mi guardava con la faccia disperata, ma il tipo se la cavò bene. Dopo aver vagato per un po' senza sapere che fare ebbe un colpo di genio e si suicidò: spettacolo allo stato puro!”

(Mark Paytress-“Io c’ero”)

Paul McCartney nella Piazza Rossa, 24 Maggio 2003

Paul McCartney, Piazza Rossa, Mosca, 24 maggio 2003

Il Moscov Times ci scherzò sopra, parlando della nuova sigla artistica Lenin-McCartney.

Nel 2003, i due vecchi rivoluzionari, Lenin e Lennon, se n’erano ormai andati ed era scomparsa anche l’Unione Sovietica cantata da McCartney in “Back in the USSR” durante gli anni della guerra fredda .

Vivi e vegeti sembravano invece essere i Beatles, al cui repertorio McCartney attinse ampiamente durante il suo primo concerto in terra russa.

“Da anni volevo suonare in Russia, ma con i comunisti al potere non avevo mai potuto farlo”, spiegò McCartney nell’annunciare il concerto. “Non ci sono mai stato neppure da turista, quindi trovo esaltante la prospettiva di suonare Back in the USSR e tante altre canzoni davanti a gente che credo non veda l’ora di ascoltarle”.

Per quanto non ufficialmente proibiti, nella vecchia Unione Sovietica i dischi dei Beatles erano molto difficili da reperire. Solo nel 1988, quando le relazioni con l’Occidente avevano cominciato a sgretolarsi, McCartney poté pubblicare per il mercato russo Choba B CCCP ( ovvero Back in the USSR), una raccolta di classici del rock and roll.

La passione di McCartney per la Russia e la sua gente venne ricompensata il 24 maggio 2003, quando una folla di ventimila persone si radunò nella Piazza Rossa per una delle ultime date della lunga tournèe mondiale dell’ex Beatle. Grida di “Will love you, Paul”, riempirono l’aria a pochi metri dalle tombe di Lenin e Stalin.

Inutile dire che un simile accostamento fra sacro e profano aveva suscitato qualche polemica.

Prima del concerto McCartney si era recato al Cremlino per un colloquio privato col presidente russo Vladimir Putin, il quale gli aveva confidato che i Beatles erano stati “ un soffio d’aria fresca, una finestra aperta sul mondo”. Poiché Putin non avrebbe potuto essere presente al concerto serale, “Macca” improvvisò una versione di Let It Be, poi spiegò che era bello poter essere in una terra così piena di spiritualità: ” Ho sempre immaginato che la gente di qui avesse un cuore grande. Ora so che è vero”.

Ma McCartney aveva alle spalle una parete piena di grandi schermi su cui scorrevano immagini dell’epoca d’oro dei Beatles. Aprì il concerto sulle note di “Hello Goodbye” e lo chiuse, una trentina di canzoni dopo, con un medley di “Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band” e “The End”.

Suonò anche “Back in the USSR”. Due volte.

(Mark Paytress-"Io c'ero")

"Bill Bruford, autobiografia alla batteria"

Oggi è il compleanno di Bill Bruford, un po’ di tempo fa lo ricordavo così, raccontando qualcosa del suo fantastico book, che consiglio a tutti gli appassionati di musica…

                                                              

“Questo libro non avrà raggiunto il suo scopo se non sarà stato capace di attirare l’attenzione sul lavoro, a tratti brillante, del variegato gruppo di personaggi del quale racconta”.

Queste le parole conclusive del libro “Bill Bruford, autobiografia alla batteria” (Aereostella).

Ne ho sentito parlare la prima volta a Roma, a inizio novembre scorso, quando dal palco della “Prog Exibition” veniva pubblicizzato.

Un libro come tanti, una biografia comune, dove si ripercorre una vita di musica, con vicissitudini familiari, soddisfazioni e incidenti di percorso? Niente di tutto questo.

Eppure ogni autobiografia che si rispetti, da Clapton a Emerson, ha caratteristiche ben precise e nessuno si aspetta qualcosa di diverso!

E poi, cosa potrebbe mai dire un batterista?

Nell’immaginario comune il drummer ha un ruolo secondario perché lo si idealizza sempre come un ottimo esecutore, magari stratosferico, ma che "non ha dovuto studiare perché aveva il ritmo nel sangue", e Keith Moon è solo un esempio. Non è pensabile che chi picchia sui tamburi sappia comporre, o possa essere un leader, o ancora sia in grado di essere immediatamente accostato al nome della sua band.

Phil Collins e Franz Di Cioccio sono eccezioni, come capita in ogni rappresentazione del quotidiano, ma non ci sono molti altri esempi.

Questa che potrebbe essere una mia valutazione personale, e quindi criticabile, è avvalorata dal racconto di Bruford, che rende noto che le barzellette sui batteristi non passano mai di moda: “Com’è che chiami un tizio che va in giro con i musicisti?”.

Il book in questione mi è stato regalato a fine anno (ho forzato la mano scrivendo direttamente a Babbo Natale), ma l’ho terminato da poco. In questi mesi di andamento lento non ho perso occasione per pubblicizzarlo, con tutti e in ogni occasione, per la mia solita voglia di condivisione.

Credo sia in assoluto il miglior libro che abbia mai letto, rimanendo in ambito musicale.

Dopo quarant’anni di onorato servizio Bill Bruford appende le bacchette al chiodo e sente l’esigenza di fare un bilancio, come accade sempre quando si ritiene che sia arrivato il momento di mettere un punto e voltare pagina. Vedremo come.

Nelle mie considerazioni di uomo maturo ho costruito un assioma che può essere accostato alla parola “soddisfazione”, stato d’animo che si realizza e diventa duraturo nel tempo se si riesce a far coincidere lavoro e passione. I miei "amori" sono due, uno di tipo sportivo e l'altro “musicale”, ma nei miei lunghi sogni ad occhi aperti ho sempre scelto il palco, perché on stage ci si può “vivere” per molto più tempo, obliando i limiti fisici che molto presto arriveranno se si decide (e si ha occasione) di vivere facendo attività sportiva. Dopo aver afferrato la crudezza di pensiero di Bruford sul cosa significhi fare il musicista, i miei convincimenti sono crollati.

Una piccola immagine di Bill Bruford.

Esistono otto gruppi britannici, universalmente riconosciuti (a torto o a ragione) come i massimi esponenti della rivoluzione prog di inizio anni ’70 (in ordine sparso): ELP, Gentle Giant, Van der Graaf, Pink Floyd, Jethro Tull, Genesis, YES, King Crimson. Bruford è l’unico ad aver fatto parte di tre di loro, YES, Crimson e Genesis (anche se è stata una breve apparizione), seguito da Greg Lake (Crimson e ELP). E poi Gong, UK e Eartworks.

Eartworks significa jazz, il vero amore di Bruford, il gruppo da lui costituito dopo vent’anni di rock e a cui ha dedicato altri vent’anni, nonostante sia musica da “fare la fame”.

Improponibile il paragone tra due mondi, rock e jazz, tra due stili di vita, tra due tipi di compensi, tra differenti attenzioni da parte di pubblico e ambiente, tra opposti luoghi di esibizione, tra tipologie di tournée.

Tutto questo è ben sviscerato in un libro dal tratto colto e a sprazzi difficile da interpretare.

Un plauso va alla traduttrice, Barbara Bonadeo, che ho cercato invano sul web, sentendo l'obbligo di complimentarmi con lei. Da rimarcare la consulenza per il lessico musicale da parte di Riccardo Storti.

Ma perché mai un uomo “retto” come Bill Bruford decide di smettere?

Relativamente giovane, in buona salute, mai vittima di eccessi, con una famiglia regolare, con la stessa moglie di un tempo lontano, con buone amicizie… perché decidere di dedicarsi solo al riordino degli immensi archivi personali, fatti di migliaia di registrazioni sparse e accantonate nei cassetti più disparati?

Ecco una traccia interessante.

“Un’altra città si risveglia. Vancouver? Taipei? Chicago? Persino prima di colazione ho troppo tempo per ruminare su questo rapporto che si sta guastando. Ultimamente litighiamo io e la mia batteria. Lei è troppo esigente. Credevo fosse inerte, se non ci suonavo sopra. Credevo fossi io a insufflarci dentro la vita e poi a tirargliela fuori, mentre lei se ne stava li immutabile, riconoscente. Lei che è il mio riflesso, e che era stata giovane, vivace, bella, e soprattutto sicura di sé, ora sembra un’ombra di ciò che è stata. Oh, certo, quando usciamo insieme, in mezzo alla gente, tutto sembra andare per il meglio. Siamo la coppia perfetta, io e la mia elegante Starclassic Bubinga. Lei è così affascinate nel suo nero totale con intarsi dorati, tutta in ghingheri. Danziamo per le telecamere con grazia infinita, sotto sguardi ammirati. Ava Gardner e il suo Frank Sinatra. Io suono, e la mia batteria canta dolcemente. Ma sotto le apparenze il nostro rapporto è corrotto fino al midollo. I millecinquecento montrealiani non sospettano niente, insieme abbiamo appena regalato loro uno spettacolo fantastico: rimarrebbero sconvolti nel sapere che, in realtà, la nostra storia d’amore mi sta indebolendo, che non reggo più le sue continue richieste. Qualcuno dovrà cedere”.

Milioni di chilometri percorsi, migliaia di performance di ogni genere, infinite interviste, enormi discussioni, compromessi ad ogni angolo, obblighi superiori ai piaceri, indigestioni di jet lag e tanto altro che nella vita di un comune mortale significano semplicemente stanchezza e voglia di serenità, fattori meno importanti in molti dei periodi della nostra vita, ma determinanti nel momento della saggezza.

Ma il book è molto più completo (e nemmeno troppo sentimentale) di come lo potrei descrivere io.

La struttura è davvero inusuale e Bruford suddivide i vari capitoli partendo da domande che pone a se stesso, del tipo… “Com’è lavorare con Robert Fripp?”, “Perché hai lasciato gli YES?”, “Vedi ancora gli altri”, “Dove prendi il tuo fantastico sound”.

Bruford risponde a delle semplici, disarmanti, domande (con risposte tutt’altro che semplici), evitate con cura per tutta la vita, forse per mancanza di adeguate risposte.

Alla domanda casuale: “Ma tu che lavoro fai?”, e alla ovvia risposta “sono un musicista”, di solito segue: “Sì, ma di giorno cosa fai?”

Dice Bill:” Il music businnes sembra conoscere solo due stereotipi, e cioè il Dio del rock e quello che -una- volta: per un sacco di eccellenti musicisti il limbo è assicurato. Io ho trovato una via di mezzo. Ho lavorato duro in prima linea nell’Industria Dell’Umana Felicità per quarantuno lunghi e più che altro piacevoli anni, e vi assicuro che gran parte del lavoro l’ho fatto di giorno”.

Quattrocento pagine per raccontare la storia della musica secondo un uomo che l’ha vissuta in modo completo, contribuendo a innovarla, soprattutto nella sua principale specialità, quella delle percussioni.

Un musicista rock e jazz, di estrazione borghese, che non ha avuto bisogno di una fase di autodistruzione per trovare un ruolo all’interno del circo della musica, con una vita tutto sommato semplice, ma piena di significati e soddisfazioni. Sarebbe un vero peccato non divulgare al massimo il verbo di Bill Bruford!

Io l’ho fatto, lo sto facendo e lo farò, consigliando il libro a molti musicisti e appassionati di musica, ma anche a genitori “in possesso” di figli aspiranti musicisti.

Il mio collega Alberto, papà di Nicolas, un bravo batterista prossimo alla maturità scientifica, mi ha confidato che, vista la crisi in ogni tipo di settore lavorativo, non disdegnerebbe una carriera musicale per il proprio pargolo. Mentalità molto aperta.

In linea di principio mi sembra una buona cosa quella di perseguire (e lasciar perseguire) un sogno, anche se difficile (ma non impossibile) da realizzare. Però… gli ho consigliato vivamente: ”Bill Bruford, autobiografia alla batteria”, e so che è andato alla sua ricerca nella biblioteca più vicina a casa.

La lettura potrebbe sortire due effetti, uno opposto all’altro, ma penso valga sempre la pensa avere le idee chiare, e poi magari decidere di rischiare. Non sarà certo un libro scritto da un “antico” musicista inglese, che tutto ha visto e tutto ha avuto, ma lontano mille miglia dalla "normalità", a influenzare il giovane Nicolas, ma qualche riflessione sui differenti aspetti della vita del musicista la porterà sicuramente, e in questo senso il book di Bruford ha davvero una marcia in più, quella dell'insegnamento, da accompagnare alla altrettanto importante oggettività degli avvenimenti raccontati.

Alcuni amici romani, hanno intervistato telefonicamente Burford e mi hanno concesso l’utilizzo di uno stralcio della chiacchierata, quello relativo al libro autobiografico.

Intervista per il terzo degli speciali sulla carriera di Bill Bruford andati in onda nel programma radiofonico "Il Sabato di Punto d'Incontro" di TRS Radio.

Giampiero Frattali pone a Bruford domande di Glauco Cartocci e Donald McHeyre.

Ascoltiamo...

Ben Harper & Charlie Musselwhite - “No Mercy In This Land”

Ben Harper & Charlie Musselwhite 
 “No Mercy In This Land”

Articolo già pubblicato nel portale faremusic.it

Il chitarrista e cantante Ben Harper e l'armonicista Charlie Musselwhite si ritrovano e propongono il prosieguo di una formidabile collaborazione che conduce all’album “No Mercy In This Land”, un disco blues che unisce l'eccezionale abilità tecnica di Musselwhite - e la sua enorme conoscenza specifica - con la più moderna sensibilità di Harper; le melodie soul e la melanconica narrazione dell'album legano insieme questi due musicisti e trasportano gli ascoltatori verso il periodo d'oro della musica blues.

L’album è il 15° in studio per Harper e il 37° di Musselwhite… di certo l’esperienza non manca!

Charlie divenne famoso come armonicista blues elettrico negli anni '60 insieme a Howling Wolf e Muddy Waters, ed è spesso considerato uno dei pochi musicisti a possedere il pedigree del musicista blues, status ambito e non facile da ottenere; non ci vuole una particolare preparazione tecnica per essere conquistati dalle sue modulazioni tematiche e dalla sua abilità palese, elementi che emergono chiaramente anche in questa occasione.

Ben Harper non è al contrario catalogabile in un genere preciso, e nel disco giustifica questo mio giudizio proponendo un intrigante mix di tecniche tradizionali e di suoni tendenti al pop e al folk.

“No Mercy In This Land” rappresenta l’immagine di uno spaccato blues con un tocco di modernità. I temi lirici sono tipici del genere: alcolismo, cuori spezzati e spiritualità.

La voce di Harper è a tratti “ruvida” e riporta alla tradizione di cantanti storici, tuttavia, come accade ad esempio in “When Love Is Not Enough” e “Nothing at All”, emerge la versatilità del suo “strumento” che sa essere dolce e regalare accenni di falsetto, andando a fondersi piacevolmente con le melodie di chitarra, mentre la qualità dell'armonica di Musselwhite sottolinea gli stilemi del blues - insieme ad una profondità e consistenza sonora.

Mi soffermo su “Movin 'On”, un brano che fotografa il meglio che questo album ha da offrire, con una progressione blues classica ma sufficientemente coinvolgente e divertente, dove Musselwhite propone un assolo di armonica tecnicamente sbalorditivo.

“No Mercy In This Land” si può collocare in uno spazio compreso tra i classici dischi blues di BB King e le melodie più popolari, un lavoro che può tranquillamente uscire dalla nicchia dei fruitori del genere, perché capace di donare un forte impatto emotivo che può colpire gli amanti della musica, tutti, senza distinzione alcuna.

Album da ascoltare.

Versione digitale deluxe:

1. When I Go

2. Bad Habits

3. Love And Trust

4. The Bottle Wins Again

5. Found The One

6. When Love Is Not Enough

7. Trust You To Dig My Grave

8. No Mercy In This Land

9. Movin' On

10. Nothing At All

11. The Bottle Wins Again (Live Machine Shop)

12.  Trust You To Dig My Grave (Live Machine Shop)

13.  No Mercy In This Land (Live Machine Shop)

Fabio Zuffanti: presentazione del libro "Battiato..." a La Feltrinelli Point di Savona

Fabio Zuffanti

BATTIATO

LA VOCE DEL PADRONE

1945-1982: nascita, ascesa e consacrazione del fenomeno

Arcana edizioni 

Parte da La Feltrinelli Point di Savona il ciclo di presentazioni del libro “BATTIATO: LA VOCE DEL PADRONE”, scritto da Fabio Zuffanti.

Conosco da molto tempo l’autore e quindi non sono rimasto sorpreso più di tanto dalla scelta del “protagonista” del book, il musicista siciliano che Fabio, da sempre, considera un punto di riferimento personale, un esempio da seguire per creatività e qualità di idee.

Occorre dire che il lavoro sintetizzato nelle oltre 300 pagine piene - cioè prive di documentazione fotografica - è enorme, perché allo sforzo creativo personale se ne aggiunge uno altrettanto importante, quello documentale, con una ricerca capillare delle informazioni oggettive e il coinvolgimento di parti terze.

Lo spazio temporale analizzato descrive il periodo che va dal 1945 a 1982, cioè dalla nascita musicale sino alla consacrazione, coincidente con l’uscita dell’album “LA VOCE DEL PADRONE”.

Le fasi di vita di Franco Battiato propongono cambiamenti importanti, radicali, e probabilmente chi bazzica la musica in modo marginale - e le ultime generazioni - non potrà immaginare un giovane artista in erba che sciorina canzonette senza pretese, passando abbastanza rapidamente ad una fase sperimentale di difficile comprensione per il pubblico dell’epoca e di improbabile fruizione: sono i tempi di album seminali, come “Fetus”, “Pollution”, “Sulle Corde di Aries”, divenuti successivamente pilastri della sua discografia e valutati correttamente con il passare del tempo.

Zuffanti ci accompagna nell’opera di decodifica di aspetti e circostanze mai venute a galla, situazione a cui ha probabilmente contribuito l’alone protettivo, condito di misticismo e rispetto, che da sempre accompagna la figura di Battiato.

Il profilo che prende corpo evidenzia una certa vena provocatoria - musicale e comportamentale - un tempo cercata e costruita a tavolino, ma l’insofferenza rispetto alle situazioni istituzionali fa emergere un disagio spontaneo ed un atteggiamento mutevole a seconda dell’interlocutore e dell’ambiente circostante. Tutto questo è ancora palpabile nei suoi recenti interventi.

Il suo percorso è tutto un crescendo, e i riconoscimenti e la stima di chi conta arriveranno copiosi, come quelli di Frank Zappa, che gli apre le porte che delimitano i confini nazionali, o quelli del guru della “contemporanea”, Stockhausen, che si rivelerà fondamentale per alcune scelte future.

E nella nuova vita di Battiato nasce la voglia di provare a concentrare la qualità in pochi minuti, accantonando l’estrema tecnologia per inventare un pop nobile che vede la luce con il disco spartiacque “L’era del cinghiale bianco” e prosegue con “Patriots” e “La voce del padrone”.

Del periodo di riferimento Zuffanti ci racconta dettagli di vita succosi che permettono di scoprire incontri determinanti, caratterizzanti della vita dell’artista.

Tutto questo percorso è presentato in modo esaustivo e piacevole, in bilico tra aspetti tecnici e la narrazione, con il recupero di aneddoti che aiutano nella creazione di un’idea realistica che supera l’elemento storico musicale e riesce a fornire un’immagine dell’uomo Battiato, da sempre misterioso e inavvicinabile ai più.

Forse un racconto così poteva essere solo il frutto del lavoro di un artista, Zuffanti, in grado di arrivare alla sostanza per effetto, anche, di un bagaglio musicale personale molto ampio, che unito ad amore e stima immensa porta alla sintesi ottimale di una prima tranche di vita.

Il libro termina con una dichiarazione di intenti, “continua”, e aspettiamo quindi una nuova porzione di storia.

Ecco uno stralcio della presentazione realizzato da Mauro Selis.

Annie Barbazza e Max Repetti – "MOONCHILD"

Annie Barbazza e Max Repetti  MOONCHILD

Un viaggio profondo nella musica e nella poesia di Greg Lake

Il 28 novembre del 2012, a Piacenza, ebbi l’occasione di conoscere personalmente Greg Lake e la moglie Regina, dopo averlo visto sul palco con ELP da adolescente. Parlare con lui, brevemente - ma a distanza di due giorni avrei avuto maggiori possibilità in quel di Zoagli grazie a Paola Tagliaferro - rappresenta uno dei momenti gratificanti della mia vita, e sono certo che qualche mio coetaneo potrà capirmi al volo. Quel giorno conobbi anche Max Marchini con cui, un paio di anni dopo a Genova, ricordo di aver concordato una domanda per Greg legata alla Manticore Italia, nome magico per gli appassionati del prog, ma quasi inimmaginabile da veder riproposto a distanza di molti anni. Sempre a Piacenza vidi per la prima volta Annie Barbazza sul palco con Lake, Aldo Tagliapetra e Bernardo Lanzetti, per un “Luky Man” indimenticabile. 

Avevo già sentito parlare di lei da Lanzetti che l'aveva descritta "una talentuosa diciannovenne", ma faticavo nell’immaginare un palco che metteva sullo stesso piano la storia della musica con la giovinezza e l’ovvia inesperienza, e ricordo che il mio commento scritto dedicato all’evento proponeva la seguente chiosa: “…con l’aggiunta sul palco di una giovane artista...”.

Questa premessa era doverosa perché il fil rouge tra Annie e Lake si è consolidato nel tempo, tanto da resistere anche dopo la prematura dipartita dell’ex King Crimson ed ELP, e la Manticore è una realtà che produce e propone musica di qualità, in un periodo difficile, certamente lontano dai fasti dei seventies.

Ma qual era la nuova filosofia di Greg Lake, bilancio di una vita dedicata alla musica?

Dice Max Marchini: “Ricordo che Greg divenne un sostenitore del nuovo concetto "meno è più”, e spesso ci ha ricordato che "la semplicità è la massima sofisticazione".

Questo amore e gratitudine nei confronti del grande vocalist - e molto altro! - si sintetizza nel progetto “Moonchild”, un omaggio alla musica e alla poesia di Greg realizzato in modo minimalista, puro, basico, lontano dagli orpelli suggeriti dalla tecnologia e dai suoni elettrificati.

Protagonista un duo, quello composto dalla cantante e polistrumentista Annie Barbazza e dal pianista e arrangiatore Max Rapetti.

Disse Lake dopo aver sentito la registrazione del tributo: “Annie e Max hanno registrato un omaggio meraviglioso e  toccante alla musica che ho realizzato nella mia vita. Gli arrangiamenti di Max sono assolutamente superbi, un tocco magico che si unisce alla voce di Annie, allo stesso tempo bella e coraggiosa; è stata per me un'esperienza emozionante sentirli proporre le mie canzoni con tale passione e qualità”.

Racconta Annie in una recente intervista a Mat2020: “Sarebbe dovuto essere un album di Lake, ed è diventato il mio primo vero album, prodotto da Greg e Max Marchini”.

Una rapida occhiata alla tracklist riconduce ad un repertorio che brilla di luce propria, trasversale e capace di superare qualsiasi connotazione di nicchia, in bilico tra il  proto-prog dei KC e il neo classico di ELP.

Ma occorre resettare la memoria e il feeling provato in giorni antichi, cercando di considerare i brani come nuovi, perché la loro rivisitazione in chiave acustica non rappresenta la mera proposizione di un differente punto di vista musicale - fatto di per sé insito in qualsiasi tributo -, ma la ricerca dell’essenza della musica e del valore aggiunto proveniente da liriche perfette.

L’ascolto di “Take A Pebble” o “C’est La Vie” - prendendo due tracce a caso - provoca forti emozioni, che derivano da ingredienti primari eccezionali corroborati da una voce “completa” e dal tocco pianistico sorprendente, un team minimale che non va alla ricerca della platealità sonora ma propone l’essenza, il cuore dei brani e la tendenza personale - almeno in questo caso - al sussurro, all’autocontrollo, al rispetto del mito.

Troppo facile parlare di talento… il mondo ne è pieno, ma la rivisitazione al contempo asettica - intesa come rispetto del copione -  e contaminata - e mi riferisco alla capacità di creare brani totalmente nuovi - rende “Moonchild” un album pregiato e da condividere.

Il mentore Greg, da lassù, proverà grande soddisfazione!

Immagini di repertorio

Tracklist

01. In The Court of the Crimson King - 21st Century

Schizoid Man

02. Trilogy - The Endless Enigma part II

03. Moonchild

04. The Stones Of Years - Take A Pebble

05. C’est La Vie

06. Battlefield including Epitaph

07. Karn Evil 9 1st impression, part 2

08. Memories Of An Officer And A Gentleman

09. In The Wake Of Poseidon

10. Lucky Man

11. The Sage / The Great Gates Of Kiev

Produced by Greg Lake and Max Marchini

music arranged by Max Repetti

Project coordination: Regina Lake

Recorded by Alberto Callegari @ Elfo Studios

© 2018 Manticore Records Ltd.

Release Date: 18 april 2018

Turn of the Century

Scrivevo un pò di tempo fa...

Girovagando su youtube ho scoperto una versione al piano di un capolavoro targato "YES", "Turn of the Century".

La mano è di tal Michael Kuhlmann, artista forse famoso, ma a me sconosciuto.

Mi è piaciuta moltissimo, e riproporla nella doppia versione, YES e Kuhlmann, mi fornisce l'occasione per ricordare un gruppo immenso, una canzone senza tempo e oltre ogni etichetta, e dei musicisti impareggiabili.

Mi lascia uno strano sapore il rifacimento di un brano prog per la delizia di un maturo e attento pubblico, in un contesto serioso e classico. 

E' indubbio che molti artisti, nati musicalmente parlando a cavallo tra gli anni '60 e '70, avevano davvero qualcosa in più, un mix di idee e coraggio, e uno straordinario talento!

YES-Turn of the Century

Michael Kuhlmann-Turn of the Century