“In realtà si tratta solo di uno specchio
che metto di fronte a un pubblico per riflettere il lato più oscuro della
natura umana”
Alice Cooper a Roy
Carr, Music Scene, 1972.
Andato in scena per la prima volta a New York il 1
dicembre 1971, “Killer” di AliceCooper era uno scioccante
esempio di teatro rock che, secondo il cantante, “era figlio della televisione,
del cinema e dell’America“. Con il singolo “School’s Out”
in procinto di sbancare le classifiche britanniche, lo spaventoso spettacolo
horror, con tanto di boa constrictor vivo, ghigliottina portatile e bambole
decapitate, andò in scena a Londra guadagnandosi i titoli a tutta pagina dei
quotidiani. Fra i presenti in sala quella sera c’era anche la giovane e
accesissima fan Simone Stenfors.
“Ero la più grande fan di Alice Cooper sulla
faccia della terra. Tutto in lui era originale. Era un film dell’orrore, non la
solita cosetta carina. Come Captain Beefhart e Frank
Zappa, si trattava di musica per fuori di testa. Più o meno all’epoca del
concerto, il gruppo suonò a “Top Of The Pops” e il pubblico era pieno di
sosia di Alice Cooper e di ragazzine che urlavano in prima fila. Provai
fastidio perché quello era il mio gruppo e mi disturbava che fossero diventati
così famosi. Avevamo due posti molto indietro , ma io e la mia amica
convincemmo due tipi a venderci i loro che erano all’incirca in decima fila.
Quando il gruppo di spalla, i Roxy Music, finì di suonare, erano
arrivati anche tutti i miei amici e mi ritrovai ai bordi della passerella,
seduta in braccio a un ragazzo. Così, quando Alice si sedette lì a cantare ci
trovammo alla stessa altezza. E quando cantò “Dead Babies” strappando i
vestiti alla bambola i suoi occhi guardavano diritti nei miei.
“Non so dire se facesse paura o meno. Ero una
ragazzina molto presa da quel tipo di cose. All’epoca uno spettacolo simile no
si era mai visto. C’era il serpente per “It MyBody”, il
patibolo per “Killer” e tante capsule piene di sangue. Si diceva che
Alice stesso avesse rischiato di finire decapitato. Credo fossero voci messe in
giro ad arte, ma noi del pubblico avevamo tutti tra i 15 e i 18 anni per cui
restammo parecchio impressionati.
“Quando Alice, quasi alla fine, cantò “School’s
Out”, lanciò gladioli al pubblico e me ne mise uno in mano. Arrivata a
casa lo sistemai con la massima cura in un bicchiere pieno d’acqua. Mia madre
lo buttò via: non aveva capito quanto importante fosse per me!”
“Crest of a Knave” è considerato dai seguaci dei Jethro Tull come l’album della rinascita, arrivato a tre anni dal
precedente “Under Wraps”, culmine
dell’innamoramento elettronico di Ian Anderson, influenzato dalla presenza del
compositore Peter-John Vettese.
È un “punto e a capo”
che passa attraverso una diversa line up, che vede oltre al sacro vate Ian - è
lui che nell’occasione si occupa della parte tastieristica - e all’immancabile
Martin Barre alla chitarra, Dave Pegg al basso e il doppio drummer, con
l’esperto “fairportiano” Gerry Conway pronto ad alternarsi con il giovane
americano Doane Perry, futura colonna portante dei Tull per il ventennio a
seguire. Da segnalare la presenza di Ric Sanders al violino nel lungo “Budapest”, il brano più amato da
Anderson. In realtà lo stacco rispetto al passato lascia alcuni strascichi di rigidità
tecnologica - “Steel Monkey” e “Dogs In The Midwinter” -, ma è indubbio
il cambio di direzione, o meglio, un ritorno al suono caratteristico della
band, dove l’elemento acustico prevale in ogni contesto. Il brano di maggior
visibilità è “Said She Was a Dancer”, aiutato
da un video che leva ogni dubbio sul vocalist: è Ian Anderson e non Mark
Knopfler!
Se “Raising Steam” profuma ancora di corso
precedente, l’equilibrio - e il nuovo orizzonte - si ristabilisce con la
bellissima “Farm on the Freeway”, la
dinamica “Jump Start”, la
drammaticità atmosferica di “Mountain Men”
e la compassata e affascinante “The
Waking Edge”. Le liriche di Anderson sono lo specchio delle riflessioni
derivanti dal suo momentaneo allontanamento dalla scena, immerso nel lavoro “industriale”,
giorni in cui è stato più facile, forse, pensare alle diversità sociali e agli
aspetti ambientali del mondo contemporaneo.
Una curiosità, nel 1989 il disco vinse
sorprendentemente il Grammy Award per il miglior prodotto hard rock/heavy metal
davanti a nomi più autorevoli nel genere: i fans dei Metallica non gradirono la
scelta!
Se la musica prog ha
chiuso presto i battenti dell’alta visibilità, non si può dire che gli YES, tra
i massimi esponenti del genere, abbiano avuto soste creative: The Ladderè il 6° album in studio degli anni ’90, e rappresenta
un forte aggancio con il passato, un superamento di certe armonie pop che,
negli ultimi tempi, avevano garantito la sopravvivenza. Parlando di YES occorre
sempre citare la line up, vista la tendenza alla dinamicità: oltre agli ovvi
Jon Anderson - che firma tutti i testi -, Chris Squire, Steve Howe e Alan White,
troviamo Billy Sherwood alle chitarre e Igor Khoroshev alle tastiere.
L’iniziale “Homeworld” vale da sola il prezzo
dell’album: colonna sonora di un videogame, è tra i brani più citati -dai fan-
e coverizzati- dai musicisti. Tracce come “Finally
“e “New Language” propongono un
rock intriso dalla classicità del russo Igor, mentre si ritorna alle ballad
tanto amate da Anderson con “It Will Be a
Good Day” e “Nine Voices”; tipico
gioco vocale per “To Be Alive” e
struggente la trama di “If only you knew”,
dedicata da Jon alla moglie. Convince meno la fuga nella world music - “Lightning Strikes” e “Can I? “- e il reggae di “The Messenger”. “Face To Face” è un altro pilastro che verrà riproposto dal vivo con
buona frequenza.
Tutti i brani sono
firmati dalla band, che si riunì presso gli Armoury Studios di Vancouver, in
Canada, affidando la produzione a Bruce Fairbairn, Sound Engineer indipendente
di fama internazionale. Purtroppo si arrivò a un epilogo drammatico che segnò
la lavorazione, perché proprio nella fase finale Fairbairn venne a mancare,
giovanissimo.
Copertina affidata
alla sapiente mano di Roger Dean che realizza uno dei suoi capolavori.
Un grande album per
gli YES, che ci hanno abituato nel tempo all’alternanza tra perfezione e
sufficienza. E’ anche l’occasione per vedere all’opera, da “titolare”, Igor Khoroshev,
un talento naturale di cui si perderà traccia dopo “House of Yes”, dell’anno successivo.
Buon
Vecchio Charlieè un gruppo
Progressive Rock nato a Roma nel 1970, che ebbe una vita breve - un paio di
anni -, periodo che permise un’attività che, nel tempo, diede vita ad un bell’album,
omonimo.
La band lo incise nel 1972 per una
piccola etichetta discografica indipendente, la veneziana “Suono”, ma non venne
mai rilasciato, finché nel 1990 la Melos lo pubblicò come CD, seguita dalla
Akarma che lo proporrà anche come LP nel 1999, con l'aggiunta di due brani.
Il titolo è “Buon Vecchio Charlie”, e contiene tre dei brani
registrati durante il 1971.
L’album, con questa conformazione, fu
distribuito anche in Giappone.
Qualche nota sul disco:
Brani
Venite giù al fiume – 12:09 (Luigi
Calabrò)
Evviva la contea di Lane – 6:35
(Richard Benson)
All'uomo che raccoglie i cartoni –
15:00 (Luigi Calabrò)
I. Prima stanza
II. All'uomo che raccoglie i cartoni
III. Terza stanza
IV. Beffa
V. Ripresa
Tracce bonus
nella riedizione del 1999
Rosa – 4:33 (Beppe Palomba) –
originariamente interpretata da Beppe Palomba
Il guardiano della valle – 2:39 (Beppe
Palomba) – originariamente interpretata da Beppe Palomba
Formazione
Richard Benson – voce solista,
chitarra a 12 corde
Luigi Calabrò – chitarra acustica,
chitarra elettrica, voce
Le sonorità del gruppo, appoggiate da
una grande capacità tecnica, affondavano nel jazz/fusion e progressive/rock, e
la loro eredità discografica appare davvero significativa.
L’elemento più in vista era il
chitarrista e cantante Richard Benson, che raggiungerà una buona
notorietà entrando nello staff della trasmissione radiofonica “Per voi
giovani” - avviata qualche anno prima da Renzo Arbore -, e
successivamente diventerà
figura storica delle emittenti private
romane, passando poi per differenti esperienze tra il metal e il trash.
In un articolo di “Ciao 2001” (n.41,
13 ottobre) dedicato alla nuova redazione di PVG, viene semplicemente descritto come “un
giovane beat inglese”, ma qualche piccola ricerca in rete
potrà evidenziare la sua storia bizzarra ed esagerata, fatta di eccessi e fatti
tutti da verificare.
Herman's Hermitsè
stato un gruppo musicale inglese in auge negli anni Sessanta.
Specializzata nella
musica beat, nel pop e nel rock and roll, la band si era formata a Manchester
nel 1964.
Nel 1965 il singolo Mrs.
Brown, You've Got a Lovely Daughter raggiunge la prima posizione nella
Billboard Hot 100 per tre settimane, e in Canada il singolo I'm Henry VIII,
I Am, riporta il gruppo in prima posizione nella Billboard Hot 100.
Hanno fatto parte
della cosiddetta British Invasion e si sciolsero una prima volta nel 1967, per
tornare a suonare insieme nel 1970. Soltanto un anno dopo si sciolsero
definitivamente.
Il loro più grande
singolo di successo è stato il brano I'm Into Something Good (scritta da
Gerry Goffin e Carole King) che nel 1964 raggiunse la prima posizione nelle
classifiche di vendita in Gran Bretagna. Ottenne molto successo anche in altri
paesi fu inserito nella colonna sonora del film Una pallottola spuntata.
Il cantante Peter
Noone (Herman) è stato un grande amico di John Lennon, dei Beatles.
Formazione
originale:
Peter Noone
(1947, voci, chitarra, tastiera)
Karl Green
(1947, voci, basso)
Keith
Hopwood (1946, voci, chitarra)
Derek
Leckenby (1945-1994, voci, chitarra)
Barry
Whitwam (1946, batteria)
Discografia:
Herman's Hermits (1965)
When the Boys Meet the Girls (Original Soundtrack)
(1965)
È da poco
uscito “Frontiere/Confini”, terzo
album di La Nevicata dell’85, quaranta
minuti di musica suddivisa su dieci tracce.
La band nasce
dodici anni fa e il cuore pulsante rimane nel tempo lo stesso, perché idee e
proposizione arrivano dal duo formato da Ivan Cortesi (parole, voce e
chitarre) e Andrea Ardigò (voce, batteria e pad).
A fine articolo
presento una sintetica biografia del gruppo.
È quest’ultimo
un progetto dove il forte messaggio viene amplificato a dismisura da sonorità
che faccio fatica ad etichettare, ammesso che sia importante farlo.
Un suono
minimalista alimentato da sperimentazione ed effetti, una mescolanza di
distorsioni sonore che per semplicità inserisco nell’ambito della psichedelia
rock, con richiami all’ambient ma a base “metallica”, mentre la voce resta in
bilico tra il modus cantato e il parlato.
L’impatto porta
ad una atmosfera distopica, anche se la denuncia dei contenuti lirici fornisce
un’immagine positiva, una riflessione sui significati dei termini “frontiera/confine”
quanto mai necessaria nell’attuale periodo di vita.
La frontiera,
solitamente concepita come striscia di territorio a ridosso del confine - e
ufficialmente riconosciuta -, viene qui intesa come un luogo immaginario, un
posto da scoprire per conoscere - sé stessi e gli altri - e migliorare.
Tratto
dal brano “Frontiera”:
hai
occupato uno spazio
hai
definito il confine
lo
hai chiamato per nome
in
una mappa interiore
tracciata
nella carne e
Intrecciata
nel tuo palmo
ora
strappa le erbe
le
radici e pianta le tue
tu
sarai forte
Resisterai
nelle alluvioni e alle siccità
Ti
curerai
conterrai
i tuoi orizzonti e
ti
spingerai oltre
Perché
sarai FRONTIERA e
ti
eleggerai ad un mondo nuovo
Il concetto di “confine”
presuppone la volontarietà, un’azione che porta a marcare il territorio, regalandogli
un’identità nel momento in cui lo si separa dal resto, con l’idea di
proteggerlo ma di esaltare al contempo le differenze, a volte per egoismo,
altre per paura, quasi mai in buona fede.
L’esortazione
insita del racconto è quella di abbracciare ed affrontare con coraggio il
cambiamento, andare metaforicamente “oltre”, accantonare luoghi comuni e
pregiudizi, perseguendo l’idea allettante che ciò che non conosciamo può
riservare enormi sorprese positive, muovendo dalla zona di conforto verso il
non conosciuto, andando incontro a quella larghissima fascia di anime
caratterizzate dall’invisibilità.
Difficile
arrivare ad un ascolto completo e soddisfacente senza un minimo di preparazione
e il booklet di accompagnamento, addizionato dei testi, sarà un buon ausilio
per lo svolgimento brano dopo brano.
Un disco che ho apprezzato dopo il primo giro di giostra.
A titolo
esemplificativo aggiungo l’ascolto di “Mediterraneo”.
Tracklist:
01.
7 Messaggeri
02.
Frontiera
03.
Maglio
04.
Solco
05.
Recinto
06.
Rialto
07.
Roggia
08.
Oltre
09.
Mediterraneo
10.
Feroce
Ivan
Cortesi: parole, voce, chitarre
Andrea
Ardigò: voce, batteria, pad
Su
cinque dei dieci brani, Osvaldo Arioldi Schwartz (Officine Schwartz).
Registrazioni,
mix e mastering
a
cura di Daniele Cocca.
“Frontiere/Confini”
è stato registrato
fra
settembre e ottobre 2020
Artwork:
La
Nevicata dell'85
Foto:
Ivan
Cortesi
Un
po’ di storia…
La Nevicata
Dell'85, nata nel 2009 come progetto a due composto da Ivan Cortesi e Andrea
Ardigò, diventa rapidamente trio grazie all'ingresso in formazione di Davide
Catoggio (basso e chitarra).
Il primo album,
omonimo, viene pubblicato nel 2011 per Fumaio Records, mentre “Secolo”, il
secondo disco, vede la luce due anni più tardi, grazie alla collaborazione tra
Fumaio Records e DreaminGorilla Records.
Il momento di
successo è intenso ma breve: nonostante i buoni riscontri da parte della
critica e l'intensa attività live, la band entrerà rapidamente in un lungo
periodo di silenzio.
Sette anni
passano in silenzio, ma La Nevicata Dell'85, nuovamente progetto a due sole
teste, continua a lavorare sottotraccia, focalizzando l'attenzione su pezzi
sempre più asciutti e d'impatto.
Il risultato di
questo cambio di direzione è “Frontiere/Confini”, album del ritorno, in cui il
suono, decisamente più pesante e grezzo, ben si combina con il cantato/parlato
e con le tematiche affrontate.
Prendo in prestito questo articolo apparso su "Ciao 2001", n. 41 del 13 ottobre
1971, per ricordare una delle poche trasmissioni che informavano noi
adolescenti, affamati di musica, ad inizio anni 70, "Per voi
giovani".
Nel filmato a seguire, del 1973, la
voce di Carlo Massarini è coadiuvata da un sottofondo di qualità, Gentle Giant e Yes.
Aria
di ringiovanimento alla trasmissione radiofonica "Per
voi giovani": la popolare rubrica di musica leggera e
dibattiti dedicata ai giovani ascoltatori ha cambiato volto e si presenta al
loro giudizio piena di importanti innovazioni destinate a renderla più
interessante e più rispondente alle loro esigenze sempre più numerose. Molta
strada è stata fatta e molte cose sono cambiate da quando Renzo Arbore ricevette
l'incarico di tenere a battesimo la trasmissione. Soprattutto, quello che è
andato maggiormente evolvendosi è il desiderio dei giovani, il loro bisogno di
essere resi più partecipi di tutto ciò che li circonda. Parlare della musica
leggera e di alcuni problemi di tutti i giorni può esser fatto diversamente e
con toni meno cattedratici di quelli usati negli altri programmi: questo, in
sintesi, il ragionamento da cui si è partiti a viale Mazzini ed attraverso il
quale si sono, via via, dipanate le successive edizioni della rubrica. Ma
rivolgersi ad un pubblico come quello di "Per voi giovani" richiede
anche e soprattutto una semplicità di linguaggio che solo i giovani possiedono
in misura spontanea; da qui la decisione di affidare ad alcuni di essi il
compito di rivolgersi ai loro coetanei dai microfoni di via Asiago. La
decisione, probabilmente non mancò di sollecitare polemiche alla Rai, polemiche
che divennero addirittura furiose allorché questi neo-presentatori
"sgarrarono". Come ricorderete, nel novembre scorso, l'intera
redazione di "Per voi giovani" fu posta sotto accusa poiché, dissero,
i microfoni compilavano un vero e proprio "bollettino di guerra" con
la scusa di informare sulla situazione delle scuole italiane occupate dagli
studenti. Dopo numerose censure ed imposizioni "dall'alto", i
collaboratori della trasmissione si dimisero in blocco con l'intento di far
cessare il clima di terrore che si era venuto ad instaurare, ma non poterono
evitare che Paolo Giaccio, con la scusa ufficiale dei "motivi di
servizio", fosse mandato in castigo in Inghilterra per un certo periodo di
tempo. Questi sono comunque episodi appartenenti al passato e che viale Mazzini
cerca probabilmente di farsi perdonare donando alla trasmissione una nuova e
più organica struttura che, siamo certi, non dovrebbe dispiacere egli
affezionati del programma.
Ma
vediamo insieme in cosa consistono, in pratica, le innovazioni di cui stiamo
parlando: innanzi tutto le "voci"; allo scopo di eliminare quei toni
"professionali" che per forza maggiore anche un dilettante viene ad
assumere inconsapevolmente dopo un certo periodo di tempo, si è pensato di
inserire nuovi personaggi, nuove "voci" nella trasmissione. Ai due
vecchi presentatori Paolo Giaccio e Mario Fegiz sarà
lasciato l'incarico di curare una rubrica il primo, e di dirigere una redazione
a Milano il secondo. Il programma risulterà suddiviso in rubriche, ciascuna
affidata ad una persona, riguardanti gli argomenti più interessanti legati
all'attualità ed al mondo musicale. Queste rubriche saranno chiamate
"spazi" - ed anzi Spazio-Giovani doveva esser il nuovo titolo della
trasmissione, ma poi non se ne è più fatto nulla - e saranno in numero di
sette. Eccole di seguito:
POP-CLUB:
è senza dubbio destinato a ricoprire l'angolo più interessante per gli
appassionati della pop music; curato da Carlo Massarini, lo
"spazio" si ripromette di guadagnare il tempo perduto dalla radio in
fatto di pop negli ultimi cinque anni. In sostanza, poiché la trasmittente
italiana ha cominciato con sensibile ritardo ad interessarsi di questo
importantissimo filone musicale, si cercherò di sopperire a questa carenza
portando a conoscenza del pubblico i long playing di questo periodo scelti fra
quelli dei Cream, dei Traffic, dei Procol Harum prima maniera, di Joe Cocker,
ecc.
LA
POSTA: va da sé che non poteva essere soppresso questo
angolino di dialogo diretto con gli ascoltatori. Questa volta vi provvederà la
giovane Mariù Safier che provvederà anche a presentare
alcuni brevi brani ritmati dalla melodia particolarmente facile e distensiva.
SPAZIO-ROCCHI:
prende il nome dal suo curatore, Claudio Rocchi. Claudio è un
cantautore milanese di vent'anni ottimo conoscitore della produzione
internazionale del folk e del pop. Suo compito sarà quello di scegliere e
proporre agli ascoltatori brani dal repertorio folk e country americano ed
inglese.
SERVIZIO
PARLATO: riguarderà argomenti tra i più diversi ma tutti di
grande interesse ed attualità. Si occuperà di tempo libero, delle nuove
esperienze didattiche di alcune scuole del Nord commentate dagli stessi
studenti, delle comunicazioni di massa, del mondo del lavoro e delle difficoltà
di inserimento in esso da parte dei giovani, di consumi e merceologia, di
incontri e ritratti di ascoltatori. Allo "spazio" collaborerà da
Milano Mario Luzzatto Fegiz.
CANZONI
ITALIANE: la rubrica è curata da Paolo Giaccio ed ha l'intento
di rivalutare, nel piano della trattazione, questo settore precedentemente un
po' trascurato. Proporrà brani che godono di una certa validità autonoma
(Battisti, Mina, De André, Formula 3 e altri) non senza precludersi però la
possibilità di polemizzare con questo o quel cantante o complesso.
SEGNALAZIONE
LIBRO O SPETTACOLO: curato ancora da Mariù Safier, questo
"spazio" si propone di tornare in chiave di recensione su alcuni
fatti di attualità legati a qualche libro o spettacolo.
NOVITA'
33 GIRI: se ne occupa un giovane beat inglese Richard Benson,
che presenterà di volta in volta un nuovo 33 giri legato all'immediata
attualità del pop.
Queste,
dunque, le novità che trovano la loro ragion d'essere in una più impegnata
ricerca del contatto con l'ascoltatore. Ad esso, quindi, il giudizio
definitivo.
Il titolo e il nome dell’autore/conduttore
del progetto forniscono buone indicazioni a chiunque sia avvezzo all’ascolto
della musica, senza fare grandi distinzioni tra esperti e occasionali: sarà facile immaginare un contenuto a base di sarcasmo e una certa concentrazione regionale, o forse
cittadina, perché le scuole di pensiero e le “correnti” esistono e le attitudini
locali si sono trasformante, nel tempo, peculiarità distintive.
Nelle note ufficiali Flavio Oreglioesorta
ad allontanare la nostalgia, perché le linee guida non risiedono nella voglia
di aggrapparsi al passato rivivendo in qualche modo la giovinezza ormai alle spalle: lo
spirito e lo sguardo sono rivolti al futuro.
Non me ne vorrà l’autore se mi
soffermo sul subbuglio dei ricordi che, brano dopo brano, mi hanno pervaso
mente e cuore.
Milano e il cabaret, comicità e
musica, ritrovi esclusivi e stelle luminose che prendono il via splendendo poi
per sempre. Anni lontani, Trenta, Sessanta, Settanta…
Non era la mia musica, non era il mio
mondo, eppure… le sonorità ti entrano dentro, i motivi trainanti diventano
tormentoni, le scenette e i loro protagonisti si trasformano in immagini culto da
venerare.
E mentre gli anni passano, si scioglie
la rigidità giovanile, si incrementa l’onestà intellettuale e non si fa fatica
a riconoscere che, oltre all’amato rock, esiste una musica che è diventata DNA,
anche se non si è nati, come nel mio caso, a Milano, e nemmeno in Lombardia.
L’ascolto di “Oltre Pop” mi ha davvero toccato e, accanto
alla bellezza intrinseca di ogni singolo atto, ho vissuto un’avventura
itinerante, un viaggio nel tempo che mi ha riportato, ahimè, ad un mondo in
bianco e nero che inesorabilmente ritorna, sollecitato da trame sonore
assassine, che ci ricordano che la Musica è l’unità di misura del tempo che scorre.
Ma mettiamo da parte questa mia
attitudine al ricordo nostalgico e proviamo a delineare un progetto molto
partecipato che… rappresenta il secondo step di “Anima Popolare”, un work in
progress coltivato sin dal 2017 con gli Staffora Bluzer.
Lunga la lista delle persone
coinvolte, tutte visibili nell’immagine di fine articolo - così come titoli e
autori - ma appare doverosa una citazione, quella rivolta a Roberto Brivio,
mancato recentemente a causa del covid e a cui l’album è idealmente dedicato.
Flavio Oreglio ci tiene a evidenziare
che non siamo al cospetto di un “tributo”, ma ad una rilettura di un repertorio
che ripropone la tradizione milanese, partendo dagli inizi dello scorso secolo, sino al crepuscolo dei Settanta.
Trattasi quindi un’opera di studio e
di ricerca che mette in mostra una liason tra cabaret e canzone d’autore, tra
comicità e coraggio propositivo.
Un altro forte ingrediente è estrapolato
da un mondo che contiene uno dei forti amori di Oreglio - aspetto forse meno
conosciuto -, quello per la musica progressiva, e per chi è abituato ad una sua
veste televisiva precisa, risulterà una sorpresa trovarlo, ad esempio, nel fan club dei Jethro
Tull.
Ma andiamo con ordine e proviamo a snocciolare
i circa cinquantaquattro minuti di musica suddivisi in quattordici episodi.
Apre il disco “La canzone
intelligente”, ricordata soprattutto per le performance televisive settantiane
di Cochi e Renato.
Un nuovo volto per un indiscusso
tormentone, con una intro molto “popular” a cui segue un modus più fedele alle
origini che prevede, anche, la voce di Cochi Ponzoni; ma l’armonica del
bluesman Fabio Treves ridisegna i contorni di una delle canzoni più iconiche
scritte dal duo milanese e da Jannacci.
Con “Il Riccardo”
(Gaber-Simonetta), la contaminazione diventa più evidente, perché accanto al nocciolo
conosciuto - tra lirica e suoni - si inserisce l’ariosità delle trame prog, per
merito in primis del “Maestro” Lucio “Violino” Fabbri, che spruzza profumo di
PFM (in questo caso quella abbinata al nome di De Andrè). Tra gli ospiti l’autorevole Ricky
Gianco.
Non ricordavo invece “Ma poi”,
di Walter Valdi, artista, autore di pièces teatrali e musicali in dialetto
milanese.
Una chicca con una base jazzata che mantiene
un certo rigore antico e fedeltà verso il prototipo, riportandoci alle originali interpretazioni del mai dimenticato Fred Buscaglione. Poco importante il fatto che non fosse lombardo!
E che dire di “El purtava i
scarp del tennis” di Jannacci?
Lungo parlato introduttivo dal sapore
didascalico, una perfetta apertura che, attraverso il dialogo tra Oreglio ed
Enrico Intra, indica il percorso che, utilizzando il ricordo del Derby Club,
ripropone un brano storico ma con l’abito jazz, con una esilerante “traduzione simultanea” dal dialetto milanese.
Meraviglioso sarebbe un ascolto live!
Tra i guests Germano Lanzoni e Luca
Bonaffini.
Dalla coppia “Jannacci-Valdi” nasce “Faceva
il palo”, brano proposto con certa coralità, tra jazz e dixie, che ci
riporta alla New Orleans degli anni Venti.
Maestosità orchestrale che crea
atmosfera e allegria.
Ospite Paolo Tomelleri.
“El me gat”, di Ivan
Della Mea, è una delle più famose canzoni della mala in dialetto milanese e
vede la partecipazione del già citato Brivio, indimenticato membro de I Gufi.
Altro cambio di passo, con una
spiccata commistione tra folk e prog che reinventa, musicalmente parlando,
una canzone scritta negli anni Sessanta.
“Se l’è un cojon”, di
Brassens/Svampa/Amodei, è definita da Oreglio tendente ad una “filosofia minimalista”,
quella capace di regalare storia/giudizio/sentenza in un attimo di ermetismo
puro.
Godibile senza tanti commenti!
“Sorrisi e lacrime” vede
l’intervento dell’autore, Umberto Faini, che, stimolato da Oreglio, racconta la
genesi della canzone e l’importanza di un titolo, rappresentativo del sentiero
della vita.
Sullo sfondo il Derby, locale in cui le
lacrime diventavano, probabilmente, conseguenze dei sorrisi… le occasioni non
mancavano di certo.
Il dialogo diventa siparietto e
preludio di una versione un po’ ska, con una forte atmosfera gioiosa e da
balera che sollecita fortemente la memoria.
“El biscella” (D’Anzi-Bracchi)
trova ancora l’ausilio di Faini ed è strettamente legata alla tradizione
popolare, sia attraverso il folklore musicale che per le perle di saggezza che
ne riempiono il tratto.
“La povera Rosetta”
riporta all’antica milanesità e, ancora una volta alla malavita locale. Brano
scritto ad inizio ‘900, narra la triste e reale vicenda di una giovane
prostituta morta a diciotto anni.
Arrangiamento meraviglioso per una
canzone la cui essenza resta pura, nonostante l’iniezione di novità, capace comunque di mantenere la seriosità richiesta dal contesto.
Arriva ancora dalla tradizione
popolare “El magnan”, pregno di nobili ospiti (Treves, Brivio,
Alberto Patrucco e David Riondino), il disegno di una figura scomparsa, quella del
riparatore di pentole in rame, a contatto costante con le casalinghe dell'epoca e col rischio
di pagare spiacevoli conseguenze per le sue “divagazioni”.
Canzone antica che prende corpo e
vitalità attraverso arrangiamenti curati nei dettagli, e occorre pensare che trame
come queste potevano nascere dal minimalismo legato a chitarra/voce - o piano e
voce - e l'evoluzione proposta da Oreglio impreziosisce senza smarrire lo spirito iniziale.
Proprio “El magnan” avrebbe
dovuto essere l’inizio di una collaborazione tra gli artisti succitati e
Oreglio, tendente a riproporre “I Gufi”, ma la dipartita di Brivio ha
ovviamente arrestato il progetto.
Con “La radio” arriviamo
a metà dei seventies, una bandiera della mia generazione creata da Eugenio
Finardi e Lucio Fabbri.
Pezzo sufficientemente modificato, con
un corale alpino nella intro e una sostituzione del violino originale con la
fisarmonica.
Comunque lo si proponga un must, per
contenuto innovativo - almeno all’epoca - e variazioni sonore.
“Stranamore” è un brano del
’78 di Roberto Vecchioni, che partecipa anche a questa nuova stesura,
raccontandoci che sono tanti i tipi di amore - e i modi di amare - e anche
comportamenti incomprensibili ai più possono essere a loro volta una forma di
amore.
Non mi è dato di conoscere la motivazione
della scelta delle varie tessere del puzzle ma questo penultimo atto dell’album
appare molto attuale e particolarmente adatto al contenitore ideato da Flavio
Oreglio.
A conclusione “Non c'è Milano”
(Covri-Canciani) che include la poesia di Alberto Fortis “Il sorriso del
Duomo” da lui declamata.
La celebrazione di una metropoli del
mondo proposta nell’essenza, nella semplicità, nei luoghi comuni, sbruffona,
nobile, popolare, in fondo bonacciona nonostante l’enorme - e per questo a
volte pericolosa - autostima.
Un disegno, un fumetto, un quadretto
bucolico e poetico che rappresenta il miglior epilogo ad un disco emozionante.
Quando la musica finisce viene da
immaginare cosa sarebbe vivere l’ascolto di “Milano Oltre Pop” nel
locale giusto, con la gente adeguata, magari in una periferia dove il Derby possa
essere clonato, mentre Jannacci, Gaber e Brivio, dall’alto, con fare critico, osservano attenti e
chiosano che, probabilmente, loro avrebbero fatto diversamente, non meglio, non
peggio, ma in altro modo.
A me è piaciuto questo - di modo - l’ho
assaporato goccia a goccia, leggendo e rivivendo ogni singola storia.
Ho speso poche parole per Oreglio e la
band, privilegiando il progetto in toto, o forse dando per scontato che le competenze
in gioco siano altissime.
L’immagine di Flavio Oreglio è
probabilmente legata alla comicità televisiva, quella per cui è diventato
famoso e molti sanno del suo passato da biologo; skills varie, dunque, ma il
ruolo da musicista è preminente e pervade la sua vita sin dagli inizi e “Oltre
Pop” ne è una piena dimostrazione.
The
Flower Pot Men, noto anche come The Flower Pot Men and Their Garden, è stato un gruppo musicale
inglese formatosi nel 1967, in occasione dell'incisione del singolo Let's Go
to San Francisco (hit sia nella Top 20 inglese che nelle classifiche
musicali continentali), e caratterizzato dall'utilizzo di armonie a quattro
voci.
I suoi componenti
iniziali erano Tony Burrows, Neil Landon e Robin Shaw, provenienti dal trio
vocale The Ivy League attivo dal 1964, ed il cantante Pete Nelson, accompagnati
da Ged Peck alla chitarra, Carlo Little alla batteria e, per un breve periodo,
da Nick Simper al basso e Jon Lord all'organo Hammond, entrambi poi confluiti
nei Deep Purple.
Con l'abbandono di
Lord e Simper nel 1968, e di Landon nel 1969, i tre cantanti rimasti aggiunsero
nuovi musicisti al gruppo e cambiarono il loro nome in White Plains, ottenendo
un discreto successo nel 1970 con la hit My Baby Loves Lovin'. Poco
dopo, i Flower Pot Men si sciolsero. Anche loro hanno lasciato un traccia...
