domenica 31 maggio 2020

30 maggio 1972: VDGG a Genova... il mio primo concerto

VdGG-fotografia fornita da Oliviero Lacagnina, tastierista dei Latte e Miele

Esattamente 48 anni fa, a sedici anni e un giorno, assistevo al mio primo concerto, quello dei Van Der Graaf Generator, preceduti dalla “spalla” Latte e Miele.

Era il pomeriggio del 30 maggio del 1972 e mi trovavo a Genova, al Teatro Alcione.
Ripropongo - ancora una volta - il mio ricordo di quel felice attimo lontano...
A fine post, presento una lunga lista di concerti che la band, e il solo Hammill, tennero in Italia in quell’anno.
Aggiungo anche un prezioso reperto audio, che riporta alla presentazione originale di quel giorno (un grazie a Claudio Milano).


IL RICORDO
(2010)

Sono riuscito a risalire a una data importante. Importantissima per chi è cresciuto a pane e musica: mi riferisco al primo concerto a cui ho assistito.
Mi sono “formato”, da tutti punti di vista, nei primi anni '70 però… non ero abbastanza grande per possedere una buona autonomia di movimento, e tutti i concerti a cui ho avuto la fortuna di assistere erano realmente “sudati”.

Ricostruire il primo concerto è cosa emozionante, ma pressoché impossibile, perché sto parlando del 1972 , trentotto anni fa.
Non esistevano le videocamere e l’ultima cosa che poteva venirci in mente era quella di utilizzare ingombranti apparecchi fotografici e quindi… l’archivio è la mia sola memoria.

Leggendo “Codice Zena”, di Riccardo Storti, ho anche scoperto che quel mio iniziale approccio è anche considerato il primo passaggio del prog internazionale da Genova.
Sto parlando dei Van Der Graaf Generator, Teatro Alcione, 30 maggio 1972. 
Sarebbe stato bello avere coscienza di ciò che stava accadendo, avere l’idea che si stava vivendo in prima persona un pezzettino di storia.
Tutto è relativo, e il termine “pezzettino” si può ingigantire a dismisura, a seconda del punto di vista.

Avevo 16 anni, ed ero impregnato e invaso da quella musica che ascolto ancora oggi.
I veicoli informativi erano per me Ciao 2001 e “Per Voi Giovani”.
Indimenticabile quel pomeriggio in cui ascoltai la recensione radiofonica di Pawn Hearts, un racconto talmente efficace che arrivai al concerto con le idee già chiare su cosa dovessi aspettarmi.
Sino a quel 30 maggio non avevo mai pensato che ciò che ascoltavo sul vinile poteva trasformarsi in un concerto.
Sottolineo il 30 maggio, perché la proposta mi venne fatta all’uscita da scuola, con poche ore davanti per convincere i genitori.
Lo spettacolo iniziava alle 16. Eh sì, pomeriggio e sera a quei tempi!
Non so perché ma ottenni il permesso facilmente: ”... dai mamma, siamo in tanti…”
Con 2000 lire in tasca (mi pare che l’entrata fosse 1500) mi ritrovai in nutrita compagnia sul treno che da Savona portava a Genova. Ricordo una grande emozione.
Ora è relativamente facile avere contatti e pseudo amicizie con miti musicali, ma in quei giorni lo spazio esistente tra un ascoltatore e un artista che “girava” su vinile e splendeva su Ciao 2001 era abissale.

Dalla stazione Brignole al teatro, forse un paio di chilometri, l’agitazione aumentò e questo stato d’animo mi ritorna al solo pensiero di quel giorno. Ricordo persino che indossavo una maglietta verde, girocollo e… capelli lunghissimi.
Non ho memoria invece dell’ambiente, di quelli che allora venivano definiti “capelloni”, termine negativo per chi lo adoperava, elemento di vanto per chi invece lo subiva.

La pittoresca ”corte dei miracoli”, che tanto avrebbe colpito successivamente un ragazzetto come me, quel giorno fu nascosta dall’essenza, dal significato profondo della partecipazione ad un evento da brividi.
Forse i biglietti non erano numerati, ma le poltrone erano molto comode, niente a che vedere con la vita hippie che stava prendendo forma anche in Italia.
Ma a ben vedere i V.D.G.G. non sono stati per me i primi.
A fare la spalla - si diceva così un tempo - c’erano i Latte e Miele, e la prima immagine che ho di quel palco è un batterista giovanissimo, capelli lunghi, occhialini tondi e denti sporgenti. Era Alfio Vitanza, ovviamente.


Latte e Miele-fotografia fornita da Oliviero Lacagnina, tastierista dei Latte e Miele

Ricordo solo di aver pensato all’accostamento con ELP, per effetto di un trio dallo stampo classicheggiante. Poi il teatro si oscurò.
Un fascio di luce fu proiettato al centro del palco dove c’era una sedia su cui era seduto Peter Hammill con la sua chitarra appoggiata alla gamba destra.
Partì l’arpeggio di "Lemmings" e ancora ora, mentre scrivo, mi sembra di sentirlo.
Non mi sono rimasti altri dettagli di quel pomeriggio, solo le atmosfere rarefatte create dai sax di David Jackson, fuse alla perfezione con le tastiere (e il basso) di Hugh Banton, e la particolarissima ritmica di Guy Evans.
Impossibile spiegare cosa volesse dire sentire la voce di Hammill in quei giorni, qualcosa di irreale, capace di condurre ad un’involontaria introspezione. Già di per sé uno strumento globale.

E se ora mi fosse chiesto quale immagine idealizzo immediatamente, pensando a quel 30 maggio lontano, beh, mi vengono alla mente i colori azzurro e nero, delle stelle, degli omini sospesi nel vuoto… ecco la copertina di un disco in vinile aveva questa capacità, dare la forma e il colore a uno dei momenti significativi della vita.
Esagerazione? Sopravvalutazione di fatti in realtà insignificanti?
Forse, ma sono contento di poterlo in qualche modo raccontare.


Il 5 agosto dello stesso anno assistetti ad una nuova performance dei Van der Graaf Generator, questa volta al Palazzetto dello Sport di Albenga, nell’entroterra savonese: un altro grande evento che, oltre alla musica, mi permise di vivere alcuni momenti per me significativi precedenti all’evento, in particolare l'osservazione di una partitella di calcio della band e dei tecnici al seguito.

È stata anche l’occasione in cui “scontrai” David Jackson e la mano rimase intrisa del suo sudore legato al post-concerto, e quando in tempi recenti ho ricordato l'aneddoto a David abbiamo riso insieme delle manie di un sedicenne pieno di amore per la musica!


Van Der Graaf in Italia nel 1972 


08 FEB 72 Italy, Milan, Teatro Massimo (2 shows)
09 FEB 72 Italy, Rome, Piper Club
10 FEB 72 Italy, Turin, College Club
11 FEB 72 Italy, Reggio Emilia, Fifty Fifty Club
12 FEB 72 Italy, Novara (Prato Sesia), The Pipa
13 FEB 72 Italy, Verona (San Martino Buonalbergo), Lem Club (2 shows)
14 FEB 72 Italy, Florence, Space Electronic
15 FEB 72 Italy, Ravenna (Lugo di Romagna), Hit Parade Club (2 shows)

20 MAY 72 Italy, Pesaro, Palasport
21 MAY 72 Italy, Brescia, Travagliato, Super Tivoli (2 shows)
22 MAY 72 Italy, Treviso, Teatro Garibaldi
23 MAY 72 Italy, Alessandria (Sale), Teatro Sociale
24 MAY 72 Italy, Reggio Emilia, Palasport
25 MAY 72 Italy, Ravenna, Teatro Astoria
26 MAY 72 Italy, Rome, Festival Villa Pamphili
27 MAY 72 Italy, Naples, Mostra D'Oltremare, Teatro Mediterraneo (2 shows)
28 MAY 72 Italy, Naples, Mostra D'Oltremare, Teatro Mediterraneo (2 shows)
30 MAY 72 Italy, Genoa, Teatro Alcione (2 shows)
31 MAY 72 Italy, Novara (Suno), Parco Meulia

01 JUN 72 Italy, Siena, Palazzetto Virtus
02 JUN 72 Italy, Viareggio, Piper 2000 (2 shows)
03 JUN 72 Italy, Verona, Lem Club
04 JUN 72 Italy, Venice (Sottomarina), Ciquito Club


29 JUL 72 Italy, Ravenna, Jolly Club (2 shows)
30 JUL 72 Italy, Viserba, Club dell'Estate
(30 JUL 72 Italy, Milano Marittima (2 shows)
31 JUL 72 Italy, Monselice, Lago Delle Rose

01 AUG 72 Italy, Cardano al Campo, Nautilus Club (2 shows)
04 AUG 72 Italy, Viareggio, Piper 2000 (2 shows)
05 AUG 72 Italy, Albenga, Palazzo dello Sport (2 shows)
06 AUG 72 Italy, Rimini, La Locanda del Lupo (2 shows) 

PETER HAMMILL SOLO

08 DEC 72 Italy, Bologna, Palazzo dello Sport (2 shows)
09 DEC 72 Italy, Finale Emilia, Teatro Sociale
11 DEC 72 Italy, Padova, Teatro Corso (2 shows)
12 DEC 72 Italy, Verona, Teatro Ristori (2 shows)
13 DEC 72 Italy, Ferrara, Teatro Verdi (2 shows)
14 DEC 72 Italy, Latina, Teatro Giacobini (2 shows)
15 DEC 72 Italy, Terracina, Teatro Traiano (2 shows)
16 DEC 72 Italy, Naples, Teatro Mediterraneo (2 shows)
17 DEC 72 Italy, Naples, Teatro Mediterraneo (2 shows)
18 DEC 72 Italy, Piombino, Teatro Metropolitan (2 shows)
19 DEC 72 Italy, Arezzo, Teatro Politeano (2 shows)
20 DEC 72 Italy, Foligno, Teatro Clarici (2 shows)
21 DEC 72 Italy, Prato, Teatro Politeano (2 shows)
22 DEC 72 Italy, Lucca, Teatro Moderno (2 shows)

sabato 30 maggio 2020

Mott the Hoople


Riesumo un vecchio post per ricordare i Mott the Hopple...

Fondati dal chitarrista Mick Ralphs, i Mott the Hoople furono inizialmente una band hard-rock blueseggiante, ma la voce di Ian Hunter (una chiara imitazione di Bob Dylan) fece la differenza rispetto alla media del genere.



Mott the Hoople” (Atlantic, 1969) ispirato da ” Blonde On Blonde” di Bob Dylan, contiene la loro solenne “Rock and Roll Queen” e la lamentosa “Sweet Angeline” di Hunter.

La band transitò poi verso uno stile più blando, con una serie di album mediocri: “Mad Shadows” (1970), “Wildlife” ( 1971), ed il più hard-rock di tutti, “Brain Capers” ( 1972).
Il glam rocker David Bowie lì salvò offrendo loro “All The Young Dudes” (1972). 
Mott” (1973) conteneva “The Ballad Of Mott The Hoople”, il trascinante “All The Way From Memphis”, “Honaloochie Boogie” e un inno proto-punk, “Violence”.

Ben presto Hunter lanciò la sua carriera solista con un libro, Diary Of A Rock Star; Ralphs lasciò il gruppo per formare i Bad Company, mentre una nuova formazione, con Luther Grosvenor alla chitarra e il tastierista Morgan Fisher, registrò “The Hoople” (1974).
Gli ultimi album dei Mott The Hoople furono “Drive On” (1975) e “Shouting And Pointing” (1976).


Spostatosi a New York, e assoldato Mick Ronson alla chitarra, Hunter riscosse molto più successo rispetto al gruppo con “ Ian Hunter” (1975).
“Overnight Angel”s (1977) fu il suo ultimo decadente album ma, in termini di valore artistico, “You're Never Alone With A Schizophrenic” (1979) fu il vero affare di successo.
Le pose da ribelle diedero ad Hunter le attenzioni della generazione punk. “Shades” (1979) è una retrospezione a Ian Hunter e “Welcome To The Club” (1980) è un album dal vivo.
Hunter e Ronson continuarono a cooperare con “Short Back N Sides” (1981), “All Of The Good Ones Are Taken” (1983), “Y U I Orta” (1989).

Ronson morì di cancro nel 1993. La morte del partner aiutò sorprendentemente Hunter a creare uno dei suoi migliori album da solista, “Dirty Laundry” (Norsk, 1995).
Il tastierista Morgan Fisher continuò a creare uno dei tipi di musica più avventurosa sul pianeta con “Hybrid Kid”s e “Claws” (1980), due album eccentrici che predatarono gli anni ‘90, e “Miniatures” (1980), un lavoro per 50 esecutori (tra cui Lol Coxhill, Fred Frith, Robert Wyatt, Robert Fripp, Pete Seeger, etc), a ciascuno dei quali venne assegnato solo un minuto.

Band significativa!

venerdì 29 maggio 2020

Nel ricordo di Jeff Buckley


Il 29 maggio del 1997, a Memphis, perdeva la vita, a soli 31 anni, Jeff Buckley, figlio del già famoso Tim, e musicista da un probabile futuro luminoso.
Lo ricordo ripresentando un post di un po’ di tempo fa.

Volendo parlare di una famiglia di musicisti sarebbe corretto iniziare dal capostipite, dal più vecchio, da chi ha aperto la strada.
Non posso farlo, in questo caso, perché attraverso la musica del figlio ho scoperto quella del padre.
Mi riferisco ai Buckley, Jeff il figlio e Tim il padre.

Sono arrivato a Jeff leggendo un’intervista al chitarrista Steve Vai, che diceva, più o meno: L’ultima volta che mi sono emozionato per un disco è stato quando ho ascoltato ”Grace”, di Jeff Buckley".

Incuriosito ho cercato “Grace” e… ne sono rimasto incantato.
Da Jeff a Tim, il passo a ritroso è stato il frutto della curiosità alimentata da un libro che narra la vita di un padre e di un figlio che non si conosceranno mai.
Jeff Buckley stava per diventare un mito con un solo disco," Grace", destinato a rimanere uno dei capolavori degli anni '90, quando una morte assurda lo portò via. Ma tutta la sua vita è segnata da un destino negativo.

Jeffrey Scott Moorhead nasce il 17 novembre 1966, a Orange County, da Mary Guibert e da Tim Buckley. Suo padre, uno dei più grandi cantanti e compositori della storia del rock, iniziava proprio in quel periodo la sua carriera, incidendo il primo disco e separandosi, dopo poche settimane, dal piccolo Jeff e da sua madre.
Tim morì per overdose all'età di 28 anni, entrando nella leggenda della musica americana e trascinando suo malgrado il figlio, che vide per la prima volta poche settimane prima di morire, inconsapevole di un destino altrettanto avverso che si prospettava anche per Jeff.
A 17 anni Jeff forma il suo primo gruppo, gli Shinehead, a Los Angeles.

Nel 1990 ritorna a New York e con l'amico Gary Lucas costituisce i Gods & Amp; Monsters. Ma i dissidi interni portano il progetto ben presto al fallimento.
Jeff Buckley inizia allora una carriera solista suonando nel circuito del Greenwich Village e rendendosi noto soprattutto per la partecipazione al concerto tributo in onore del padre, di cui interpreta “Once I Was” (da “Goodbye and Hello”).
Le sue prime esibizioni avvengono in un piccolo club dell'East Village di New York chiamato Sin-E'. Nel 1993, dopo alcuni anni di gavetta, Jeff ha la possibilità, tramite la Columbia, di registrare il suo primo disco, inciso dal vivo, proprio nel "suo" club.

" Live at Sin-E'", contiene solo quattro pezzi, due dei quali sono cover, una di Edith Piaf e l'altra di Van Morrison, e due suoi pezzi, "Mojo Pin" ed "Eternal Life".
Per promuovere il disco Jeff e la sua band partono per una tournée nel Nord America e in Europa.
Visto il discreto successo, la sua casa discografica avvia una campagna promozionale per il suo primo disco completo "Grace", pubblicato negli Usa nell'agosto del 1994.
Nell’album si rivela tutto il talento di Jeff: la sua voce invocante sembra prendere coraggio per strada, finendo in un crescendo, intenso e doloroso. I testi - veri tormenti dell'anima e del profondo - pescano nel repertorio del padre Tim, ma anche di Bob Dylan, Leonard Cohen e Van Morrison.

Il lavoro contiene dieci tracce: tre composte da Jeff, due in collaborazione con l'amico Gary Lucas, una con Michael Tighe e una con Mick Grondahl e Matt Johnson, più tre cover, tra le quali, da brivido, la meravigliosa "Halleluja" di Cohen.
Nell'album, Jeff Buckley suona chitarra, harmonium, organo e dulcimer, accompagnato da Mick Grondahl al basso, Matt Johnson alla batteria e percussioni, Michael Tighe e l'amico Gary Lucas alle chitarre.

"Grace" risulta davvero un'opera carica di grazia, eseguita da un gruppo di tutto rispetto, con pezzi che esaltano le doti vocali di Jeff (in particolare le altre due cover, "Liliac Wine", "Corpus Christi Carol") tali da raggiungere una struggente intensità.
Il canto di Buckley parte piano, modulando le inflessioni nello stile dei folk-singer, ma finisce sempre in un crescendo drammatico e “mistico”, lambendo blues e gospel. Uno stile ad effetto, che lascia senza fiato in ballate come “Lover”, “Ethernal Life” e “Dream Borother”, oltre che nella struggente title track.

Musicalmente, sono il tintinnio della chitarra di Gary Lucas e i soffici sottofondi delle tastiere di Buckley a esaltare il senso di religiosità dei brani (metà dei quali sono di ispirazione liturgica). Arrangiamenti eleganti, a volte sinfonici, in bilico tra folk e rock, pop e soul, si combinano bene con l’esile trama delle melodie.
Nel 1997 viene avviato il progetto per la realizzazione del nuovo disco "My sweetheart the drunk", che uscirà postumo, in una veste piuttosto grezza e visibilmente incompleta, con il titolo di "Sketches" .

La notte del 29 maggio l'artista si reca con un amico a Mud Island Harbor (Tennessee), dove decide di fare una nuotata nel Mississippi e si getta nel fiume completamente vestito.
Qualche minuto più tardi, forse travolto dall’ondata di una nave, sparisce tra le acque.
La polizia interviene immediatamente, ma senza risultati.
Il suo corpo viene ritrovato il 4 giugno, vicino alla rinomata Beale Street Area.
Aveva solo 30 anni. Le indagini stabiliranno che il musicista non era sotto l’effetto né di droghe né di alcol.
Nel 2000, la Columbia, dietro la supervisione di Michael Tighe e della madre di Jeff, pubblica "Mistery White Boy", una raccolta dal vivo, e "Live in Chicago" (su dvd e vhs), concerto del 1995, registrato al Cabaret Metro di Chicago.
Nel 2001, esce invece "Live à l'Olimpya", ritratto del giovane Jeff nella sua Parigi, contenente brani del primo disco e qualche cover.

Emerso dal circuito folkie e bohemien newyorkese, Jeff Buckley si è dimostrato musicista di razza nonché musa ispiratrice di molti artisti rock, anche in epoca recente. Seppur meno geniale del padre, ha saputo in qualche modo tramandarne lo spirito fragile e disperato, rivelandosi uno dei “personaggi” di culto del decennio Novanta.

martedì 26 maggio 2020

Delirium al ProgLiguria del 21 gennaio 2012



Ancora un video inedito relativo a quanto avvenuto sabato 21 gennaio 2012 al Centro Fieristico di Spezia Expo, luogo in cui è andata in scena una kermesse musicale realizzata a scopo benefico per aiutare concretamente gli alluvionati colpiti dal tragico evento del 25 ottobre 2011 nel Levante ligure, in particolare nella zona di Spezia.

Una manifestazione legata alla musica progressiva, dal momento che il livello organizzativo parlava quella lingua. Il nome scelto non poteva andare troppo lontano dalla musica proposta: ProgLiguria.

Un po' di dettagli - e ricordi - si possono ricavare da questo articolo dell’epoca:



Tante band, tra storia e novità, e una maratona che permise di realizzare 12 ore di musica non stop.


Ecco gli articoli - e i video - già proposti:











Oggi propongo un video inedito relativo all’esibizione dei Delirium, band storica genovese che, nell’occasione, presentò un paio di ospiti piemontesi di area “Jethro Tull”, Franco Taulino (voce e flauto) e il chitarrista Marcello Chiaraluce.



Il resto del gruppo vedeva in quel momento Ettore Vigo alle tastiere, Pino Di Santo alla batteria, Martin Grice ai fiati, Fabio Chighini al basso e Roberto Solinas alla chitarra.

Ascoltiamo/vediamo un paio di brani…



lunedì 25 maggio 2020

The Merseybeats


The Merseybeats emersero  dalla scena "Merseybeat" di Liverpool nei primi anni Sessanta, suonando al Cavern Club insieme ai Beatles, Gerry e i Pacemaker, e altri artisti simili.

La formazione attuale è formata da Tony Crane (membro fondatore) voce solista e chitarra solista, Billy Kinsley (membro fondatore) voce solista e chitarra ritmica, Bob Packham (unito nel 1974) cori e basso, e Lou Rosenthal (unito nel 2000) alla batteria.


Un po' di storia…

Originariamente chiamata The Mavericks, la band fu formata da Tony Crane e Billy Kinsley alla fine del 1960. Divennero The Pacifics nel settembre 1961, e furono rinominati Mersey Beats nel febbraio 1962 da Bob Wooler. Nell'aprile del 1962 divennero i The Merseybeats, con l’unione di Crane e Kinsley al chitarrista Aaron Williams e al batterista John Banks.

Firmarono un contratto discografico con la Fontana Records e ottennero il loro primo singolo di successo nel 1963 con “It's Love That Really Counts”, seguito nel 1964 da un disco che vendette milioni di copie, "I Think of You", che gli permise di ottenere il loro primo disco d'oro. Subirono una battuta d'arresto nel febbraio 1964 quando Kinsley lasciò per fondare una sua propria band, i Kinsleys. Fu temporaneamente sostituito da Bob Garner (e permanentemente da Johnny Gustafson, precedentemente dei Big Three. 


Con Gustafson arrivarono altri due successi importanti, "Don't Turn Around" e "Wishin' and Hopin' ". Ulteriori registrazioni di successo includevano “Last Night”, “Don't Let it Happen to Us”, “I Love You”, “Yes I Do”, “I Stand Accused”, “Mr. Moonlight”, “Really Mystified” e “The Fortune Teller”. Kinsley tornò nel gruppo alla fine del 1964.

The Merseybeats presenziarono regolarmente al Liverpool's Cavern Club, e affermarono di essere apparsi lì con i Beatles in molte occasioni, più di qualsiasi altra band di quell'epoca. Ebbero successo anche all'estero, in tour in Germania e negli Stati Uniti nel 1964, e ebbero il loro The Merseybeats Show sulla televisione italiana.

The Mersey
Quando il loro successo iniziale diminuì, la band si sciolse e nel 1966 Crane e Kinsley formarono un duo vocale chiamato The Merseys. Ebbero un grande successo con il loro primo singolo, una cover di "Sorrow" dei McCoys che raggiunse la quarta posizione nella UK Singles Chart. L'introduzione del disco includeva una linea di basso suonata da Jack Bruce. Una parte di questa canzone, "con i tuoi lunghi capelli biondi e gli occhi di blu", è inclusa in “It's All Too Much”, dei Beatles, pubblicato nel 1969 come parte dell'album della colonna sonora di “Yellow Submarine”.
Il duo si sciolse nel 1968, con Crane e Kinsley entrambi presenti in un certo numero di altre band.


Tony Crane e i Merseybeats
Durante gli anni Settanta Crane continuò a fare tour e ad esibirsi dal vivo nei panni di Tony Crane and the Merseybeats, con varie line-up.

Liverpool Express
I Liverpool Express (conosciuti anche come L.E.X.), si formarono nel 1975. Sono conosciuti soprattutto per aver cantato diverse canzoni di successo, come “You Are My Love” (che Paul McCartney ha dichiarato una delle sue canzoni preferite), “Every Man Must Have A Dream”, “Hold Tight”, “Dreamin'”, “Don't Stop The Music” e “Smile”.

I nuovi The Merseybeats
Il membro fondatore dei Merseybeats, John Banks, morì il 20 aprile 1988, all'età di 44 anni.
Tuttavia, Kinsley e Crane riformarono i Merseybeats nel 1993, e dopo aver festeggiato 45 anni nell'industria musicale nel 2006, hanno continuato a girare ed esibirsi nel circuito degli anni Sessanta, e nei luoghi del Regno Unito e di tutta Europa.


Per non dimenticare!



Membri attuali



Tony Crane – lead guitars, lead vocals (1961–present)
Billy Kinsley – rhythm guitars (previously bass), lead vocals (1961–1964, 1964–1974, 1993–2011, 2011–present)
Bob Packham – bass, backing vocals (1974–present)
Lou Rosenthal – drums (2000–present)

Del passato

David Elias – rhythm guitar, backing vocals (1961–1962)
Frank Sloane – drums (1961–1962)
Aaron Williams – rhythm guitars, backing vocals (1962–1966)
John Banks – drums (1962–1966)
Bob Garner – bass guitar, lead vocals (1964)
Johnny Gustafson – bass, lead vocals (1964)
Kenny Mundaye – drums (1965–1966, 1969–1974; a member of "The Fruit Eating Bears" during the time of "The Merseys")
Allan Cosgrove – drums (1974–2000)
Colin Drummond – keyboards, violin (1986–1993)
Dave Goldberg – keyboards (1993–2000, 2009–2011)
Adrian Crane – keyboards (2000–2009)
Chris Finley – keyboards (2011)
Toni Baker – keyboards (2011)
Alan Lovell – rhythm guitars, lead vocals (2011)
Rocking Johnny John Houghton – Lead guitars, backing vocals (1979-1981)


sabato 23 maggio 2020

Norman Greenbaum e “Spirit in the Sky”


Norman Greenbaum, nato il 20 novembre 1942, è un cantautore statunitense.
È conosciuto soprattutto per aver scritto e interpretato la canzone “Spirit in the Sky”, riproposta nel 1986 anche dal gruppo Doctor & the Medics.

Greenbaum nacque a Malden, Massachusetts, e crebbe in una famiglia ebrea ortodossa frequentando la scuola ebraica alla Congregazione Beth Israel.
Il suo interesse iniziale per la musica iniziò con il blues del sud e con la musica folk che è stata popolare tra la fine degli anni '50 e l'inizio degli anni '60.
A quei tempi si esibì con varie band al liceo e successivamente studiò musica alla Boston University per due anni. Al college si propose in caffetterie locali, ma alla fine si trasferì a Los Angeles, nel 1965.

Il simbolo di Greenbaum è, come già sottolineato, la canzone “Spirit in the Sky”, pubblicata dalla Reprise Records nel 1969. Vendette due milioni di copie nel 1969 e nel 1970, e ricevette un disco d'oro dalla RIAA. Successivamente è stata utilizzata in molti film, pubblicità e spettacoli televisivi.

Greenbaum disse di aver trovato l’ispirazione dopo aver visto cantanti country cantare una canzone in televisione. In un'intervista Greenbaum ha dichiarato che i film western sono stati la vera ispirazione per "Spirit in the Sky".

Anche se Greenbaum è generalmente considerato come un cantante da una sola hit, molti dei suoi dischi successivi si sono posizionati in cima alle classifiche, tra cui “Canned Ham” nel 1970, che ha raggiunto la posizione numero 46 nella classifica pop di Billboard. Nel 1966, come leader e compositore del Dr. West's Medicine Show and Junk Band, registrò "The Eggplant That Ate Chicago".

Ma "Spirit in the sky " resta insuperabile!


Album

Spirit in the Sky (1969)
Norman Greenbaum with Dr. West's Medicine Show and Junk Band (1969)
Back Home Again (1970)
Petaluma (1972





venerdì 22 maggio 2020

La Corte dei Miracoli, band savonese dei primi anni '70


Nella fotoMario Alessi al basso, Alessandro Della Rocca di schiena alla chitarra, a destra la testa di Michele Carlone e Flavio Scogna dietro alle percussioni. (Festival Pop di Altare 1973)

Anche la mia città, Savona, ha dato il suo buon contributo alla causa al rock progressive.
Parlo di anni lontani, ma essendo musica fatta di impegno, qualità, tecnica e fantasia, non è stata dimenticata. Di fatto siamo davanti alla riscoperta di quel genere, e anche le ultime leve, quelle che vivono attivamente le loro passioni, quelle che non si accontentano di ciò che viene imposto dai media e sono alla costante ricerca della novità (anche musica antica può essere sinonimo di “nuovo”), ascoltano e propongono ciò che sembrava una moda passeggera, ma che evidentemente era molto di più. 

Ho vissuto con molta passione musicale la mia adolescenza, e ho avuto la fortuna di vedere da vicino i protagonisti della scena internazionale dell'epoca, ma anche quelli di casa nostra e, come accennavo inizialmente, anche Savona è stata testimone della nascita di “attori” importanti: Joe Vescovi e i Trip sono un esempio, ma non l’unico.

La Corte dei Miracoli”, band molto conosciuta, non ebbe lunga vita, ma era tipico di quei giorni.
A fine post è segnalata la loro discografia.
Io li ascoltai un paio di volte, ed ero particolarmente affascinato dal batterista, Flavio Scogna, per almeno due motivi… era mio coetaneo (e questo mi autorizzava a pensare che anche io avrei potuto essere un musicista come lui), e poi suonava lo strumento che ho sempre amato, segretamente.

La strada di Flavio Scogna ha subito un’impennata incredibile, e a distanza di anni l’ho ritrovato Compositore e Direttore d’Orchestra di fama internazionale:
L’incontro casuale ha messo in moto l’effetto domino che caratterizza le mie ricerche in rete, ma ho trovato davvero poco sul gruppo, e le notizie che ho reperito mi sono sembrate vaghe e a volte contraddittorie.
Questo è bastato per accendere la mia curiosità e ora tento di fornire un piccolo quadro della situazione, utilizzando una delle fonti più autorevoli possibili, Mauro Scogna, fratello di Flavio, autore dei testi e ideatore della CDM. E’ lui che mi ha fornito le seguenti informazioni:

"La prima uscita ufficiale risale al Festival Pop di Altare, luglio 1973, nella seguente originaria formazione:

Mario Alessi basso e voce solista
Alessandro della Rocca chitarra
Michele Carlone tastiere
Flavio Scogna batteria e percussioni

I brani eseguiti in quella prima occasione furono gli stessi (con diversi arrangiamenti) dei brani contenuti nell'unico Lp, "Corte dei Miracoli" (Grog). Gli autori erano Flavio Scogna per le musiche, Mauro Scogna per i testi e il gruppo intero curò gli arrangiamenti.


Per inciso, il nome del gruppo fu inventato da Flavio che successivamente, nel 1976, quando lasciò la band, ne vietò l'uso alla formazione rimasta, che poi si sciolse, e che riprese vita con altro nome.

Il cd "Dimensione Onirica", pubblicato (da Alessio Feltri ) nel 1992, è il frutto di registrazioni su cassetta realizzate nella sala prove sala di Mario Alessi, ad Albisola, con la prima formazione.


Un paio di anni dopo l’esibizione di Altare, si aggregò al gruppo il tastierista Alessio Feltri e la line up assunse il seguente sviluppo:

Mario Alessi :basso e voce
Alessandro della Rocca: chitarra
Michele Carlone: tastiere
Flavio Scogna: batteria
Alessio Feltri: tastiere

In seguito uscirono dal gruppo Alessi, Della Rocca e Carlone, e la nuova line up diventò:

Gabriele (Lele) Siri al basso
Graziano Zippo alla voce
Riccardo Zegna al pianoforte
Flavio Scogna alle percussioni
Alessio Feltri alle tastiere

Con questa formazione fu inciso l'unico disco ufficiale, "Corte dei Miracoli" dove, come si legge all'interno della copertina, risultano autori delle musiche Flavio Scogna e Alessio Feltri, con i testi di Mauro Scogna.

Dopo pochi mesi, con la partenza di Scogna (ormai impossibilitato nel proseguire su questa strada a causa del gravoso corso di studi presso il Conservatorio “N.Paganini” di Genova), La Corte dei Miracoli concluse il suo ciclo".

Questa la discografia.

Corte dei Miracoli
Grog (GRL 04)
1976
copertina apribile
AMS/BTF (AMS 26LP)
2010
ristampa dell'album del 1976 - copertina apribile
CD
Dimensione onirica
Mellow (MMP 104)
1992
registrato nel 1973-74
Live at Lux
Mellow (MMP 138)
1993
registrazioni live del 1976
Corte dei Miracoli
Vinyl Magic (VM 040)
1994
ristampa dell'album del 1976


PARTECIPAZIONI A RACCOLTE DI ARTISTI VARI
Progressive voyage
(con Plinto, Lontano da qui, Xaito, Il silenzio di cristallo)
Mellow (MMP 164)
1993
CD compilation contenente anche Quella Vecchia Locanda, Il Giro Strano, Dietro Noi Deserto, Zauber ed altri

E con ciò speriamo di aver fatto un po’ di chiarezza.

Immagini di quei giorni...