Steve Hackett-“The Night Siren”

Steve Hackett ritorna al lavoro discografico e l’audience italiana ha la possibilità di assorbirlo quasi in tempo reale, visto il mini tour iniziato ad una settimana dal rilascio dell’album “The Night Siren”.

Sono stato tra i fortunati presenti ad una delle sue performance, momenti in cui al necessario repertorio Genesis si unito il volto presente e futuro di Hackett.

Commentare un album significa realizzare una cartolina del tutto personale, influenzata da mille fattori, e credo sia estremamente difficile mantenere l’obiettività: un bel disco - o meno bello - rispetto a che cosa?

Ho cercato l’isolamento dal mio DNA musicale - i Genesis hanno intriso di gioia musicale la mia vita, dai seventies ad oggi - e al terzo ascolto ho trovato in pieno la musica che… mi fa stare bene.

Undici brani, poco meno di un’ora di musica, con l’idea del massimo coinvolgimento realizzativo, perché la costituzione del gruppo di lavoro nutrito è parte del progetto, del significato di questo concept album.

Ho chiesto a tal proposito allo stesso Hackett che, come sempre, ha gentilmente risposto: “In questo particolare stato di difficoltà generale è bene coinvolgere il più possibile musicisti, cantanti e artisti, e raccogliere le influenze che arrivano da tutto il mondo. Questo album è focalizzato sull’unità  dei popoli e la compassione umana,  ed è un appello per la pace nel mondo in questo momento di divisione, dove regna il nazionalismo e l'ignoranza”.

Ed è questo l’intento, arrivato direttamente dalla fonte.

Il team di musicisti che ha partecipato a “The Night Siren” è composto da una ventina di persone, tutta la sua band per i live - tranne il fido bassista Nick Beggs - a cui si aggiungono nomi importanti - come il drummer Nick D’Virgilio, e alcuni affetti - il fratello John che lo affianca anche a livello compositivo, e la moglie Jo, anch’essa presente come vocalist e autrice in un brano.

Credo sia utile sottolineare come Steve Hackett sia unico nel suo perseguire un cammino che non è fatto di nostalgia - quella che obiettivamente colpisce chi si avvicina ai suoi concerti, sempre sold out -, ma trova piena soddisfazione nella sperimentazione e nella ricerca di una via personale, che non può rinnegare il nobile passato ma che prova al contrario ad integrarlo.

E in questo senso la musica progressiva di cui Steve è alfiere appare il contenitore ideale, un luogo dove esiste completa libertà espressiva, dove il Rock si sposa alla World Music e si apre alla completa contaminazione, che pesca nelle diverse etnie e nella tradizione.

“The Night Siren” è un po’ questo, un viaggio tra mondi lontani rappresentati, anche, da particolarissimi strumenti - oud, charango, sitar, tar, cajon, flageolet, quena, duduk, uilleann pipes, didgeridoo - che amplificano il tragitto realizzato tra differenti continenti, e provano ad unire un mondo oggi più che mai imperfetto e bisognoso di valori universali e condivisi.

Steve Hackett prova a dare il suo contributo fattivo con la musica, la sua personalissima musica, e sciorina tratti ritmici e sonori che presentano ampi e differenti scenari, più volte mutevoli all’interno del brano stesso.

Si apre con l’ipnotismo di “Behind the smoke” - video ufficiale a seguire - per proseguire con la wecoastiana “Martian sea”; “Fifty Miles from the North Pole” è il brano più lungo e disegna scenari apocalittici su cui interviene pesantemente la chitarra di Hackett; “El Nino”, scritta a quattro mani con il geniale tastierista Roger King, è la perfetta colonna sonora per un film d’azione, mentre “Other side of the wall” mette in evidenza la delicatezza acustica del maestro Steve, che sciorina una perla sufficientemente genesisiana per quanto riguarda il suo side più delicato; con “Anything but love” lo start decisamente spagnoleggiante volge verso un pop di qualità e di sicura presa immediata; “Inca terra” - impreziosita dalla parte vocale affidata a Nad Sylvan - riprende la necessità di perlustrare terre lontane e inesplorate, mentre l’arrivo di “In another life” coincide con la sosta in atmosfere facenti parte di zone ben conosciute all’autore, tipiche della tradizione britannica;  “In the skeleton gallery”, attribuita ai fratelli Hackett, si divide tra la canzone facilmente fruibile e la fuga verso zone di rock, fusion e jazz; “West to east” conclude il messaggio lirico ed è una sorta di ballad che regala l’immagine della conclusione di un viaggio a cui appare difficile attribuire un giudizio imparziale; la conclusiva e onirica “The gift” è strumentale ed è l’unica in cui Hackett non appare come autore - accreditati Leslie-Miriam Bennet e Benedict Fenner, che ne sono anche interpreti.

Elegante e di sicura presa l’artwork, con un’immagine di copertina che appare come elemento introduttivo al concetto basico racchiuso nel disco.

Un lavoro globale a mio giudizio notevole, che racchiude uno spirito antico che appare sempre vivido e che si sposa alla perfezione con nuove istanze musicali.

Steve Hackett ha proposto pillole del nuovo album nei suoi concerti italiani e, al di là della mia testimonianza relativa al concerto torinese, è lo stesso Steve che mi racconta: “La reazione al nuovo album è stata grande e le persone hanno dato dimostrazione di alto gradimento”.

Volto alto per “The Night Siren”.

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TRACKLIST

1.Behind the smoke

2.Martian sea

3.Fifty miles from the north pole

4.El Nino

5.Other side of the wall

6.Anything but love

7.Inca terra

8.In another life

9.In the skeleton gallery

10.West to east

11.The gift

PARTECIPANTI

Steve Hackett – chitarra elettrica e acustica, oud, charango, sitar, armonica, voce

Kobi Farhi – voce in "West to East"

Mira Award – voce in "West to East"

Nick D’Virgilio – batteria in "Martian Sea"

Malik Mansurov – tar in "Behind the Smoke"

Gunnlaugur Briem (accreditato come "Gulli Briem") – batteria cajon, percussioni

Roger King – tastiere, programmatori (except in "The Gift")

Benedict Fenner – tastieres, programmatori in "The Gift"

Leslie-Miriam Bennett – tastier in "The Gift"

Nad Sylvan – voce in "Inca Terra"

Jo Hackett – voce in "West to East"

Gary O'Toole – batteria in "Fifty Miles from the North Pole", "El Niño", e "West to East"

Rob Townsend –sax baritono e soprano, flauto, flageolet, quena, duduk, clarinetto basso

Amanda Lehmann – voce

Christine Townsend – violino, viola

Dick Driver – basso doppio manico

Troy Donockley- uiellan pipes in "In Another Life"

John Hackett – flauto in "Martian Sea" e "West to East"

Ferenc Kovács – tromba in "Fifty Miles from the North Pole"

Sara Kovács – didgeridoo in "Fifty Miles from the North Pole"

Come il rock mi ha cambiato la vita, di Agostino Rebaudengo

Van der Graaf Generator, 30 maggio 1972-Fotografia di Oliviero Lacagnina che aprì il concerto con i Latte & Miele

E’ inevitabile che per un sessantenne musicofilo la nostalgia per un mondo un po’ appannato sia uno stato con cui convivere. I ricordi sonori si miscelano ad esperienze di vita perché… la musica è memoria, ed è cosa usuale ascoltare un particolare brano e ritrovare fresca l’immagine dell’estrema giovinezza, non in senso generico, bensì nei particolari, che proprio grazie alla musica ritornano a galla prepotentemente.

E’ di pochi giorni fa un mio incontro fortunato con antichi compagni di scuola, ma non quelli delle superiori, conosciuti in tempi relativamente maturi; mi riferisco addirittura alla scuole elementari: reunion di poche anime, ma è già molto.

Di cosa parleremo dopo cinquant’anni? La musica viene in nostro aiuto e ci accorgiamo come momenti passati insieme nell’adolescenza costituiscano ancora un forte legame, e l’imbarazzo ipotizzato si scioglie immediatamente come neve al sole:  la porta socchiusa con timore è ormai aperta e nei giorni a seguire viene alimentato un contatto nato casualmente, dopo un incontro al supermercato.

Eh sì, perchè  a cena, mentre io passo le mie esperienze, altre ne arrivano di ritorno, e mi ritrovo tra le mani, nei giorni a seguire, una corrispondenza che ha preso forma tra un mio coetaneo ed una ex collega più giovane, da quanto capisco musicalmente attiva negli anni ’80.

Ho estrapolato una piccola parte dello scritto utilizzando un titolo molto potente, quello che Agostino Rebaudengo ha fornito alle sue mail.

E’ Agostino il proprietario di questo articolo, un ex ragazzo con cui condivisi momenti lontanissimi ma folgoranti negli anni ’70: King Crimson, VdGG, Genesis, Deep Purple, ELP, Soft Machine, Nucleus e chissà quanti altri.

Ne emerge un quadretto preciso che mette in rilievo la fortuna che abbiamo avuto, in relazione ad un fermento musicale unico, e mi pare bella la testimonianza sotto forma di corrispondenza tra ammalati di musica, separati forse da un gap temporale, ma uniti dalla passione.

Come il rock mi ha cambiato la vita

 I bei tempi andati! Ma sarà così?

18 marzo 2016

E' da un mucchio di tempo che me lo chiedo.

Il mio primo LP l'ho acquistato a tredici anni, Near the beginning, dei Vanilla Fudge, 3.200 lire. Allora dovevi stare molto attento a fare una spesa del genere, perchè in un anno al massimo te ne potevi permettere una decina, quindi se sbagliavi acquisto e il disco non ti piaceva era una bella fregatura. Le uniche fonti di informazione erano la trasmissione radio Per voi giovani e il mensile Ciao 2001, poco più di zero rispetto al fermento musicale inglese e americano. Per molti dischi contava il passaparola con gli amici. Se ritenevi un amico affidabile era probabile che il disco consigliato fosse buono, almeno per i tuoi gusti.

Dall'altra parte, i musicisti. Fare un disco era molto impegnativo perchè le case discografiche puntavano solo sui cavalli che ritenevano vincenti, salvo poi prendere talvolta solenni cantonate (agli esordi la Decca rifiutò i Beatles che furono poi scritturati dalla EMI). Però nelle case discografiche si fecero avanti molti giovani funzionari e produttori perchè quelli che si occupavano di classica e jazz non ci capivano niente di rock. E così si spalancarono le porte a tutti i musicisti creativi di quegli anni.

Noi sessantenni non abbiamo fatto niente: ci capitavano addosso Led Zeppelin, Deep Purple, Emerson (R.I.P.), C S N & Y, Yes senza che neanche ce ne accorgessimo.

Però l'ascolto era un'altra cosa: mettevi su il vinile, da solo o in compagnia, e te lo ascoltavi tutto, studiando la copertina, scambiando pareri (potevi commentare un assolo! Oggi chi è che fa assoli su MTV?). Poi c'erano i ballabili - ma quella è un'altra storia - dove entravano anche le ragazze, di solito non molto appassionate di rockaccio.

Credo che il digitale abbia "ucciso" la musica così come la intendevo prima dell'avvento del CD, MP3, atreaming, ecc.

Ho letto un saggio che tratta anche di questo tema: Retromania (musica, cultura pop e la nostra ossessione per il passato), di Simon Reynolds. Se ti interessa te lo presto, ma ti avverto, è un libro molto tecnico perchè dà per scontate molte conoscenze storico-musicali. Comunque i concetti generali sono facilmente fruibili.

Ho scritto queste righe ascoltando in cuffia i video della pagina YouTube dei King Crimson… una band che nella vita ho visto due volte, nei seventies e oggi… Due volte nella vita i King Crimson non è male. Mi accontento così.

21 febbraio 2016

Nel 1974 in Gran Bretagna i Genesis erano un gruppo come tanti, senza particolare successo. Ma in Italia erano già un mito. Si può dire che sono stati gli italiani a rendere famosi i Genesis, perlomeno nel loro periodo progressive che è l'unico che mi interessa.

Ricordo la giornata del 3 febbraio 1974 (chissà che freddo! Allora usavano i maxicappotti o gli eskimo che non tenevano caldo per niente). Io e un mio compagno di scuola abbiamo prendemmo il treno per Torino dove i Genesis suonavano al Palasport. Ricordo una gran ressa all'ingresso e dopo noi due appollaiati su delle transenne da dove abbiamo seguito l'intero concerto. Gabriel faceva già ampio uso dei suoi travestimenti (la volpe, il vecchio...). Come bis hanno eseguito The Knife, dall'LP Trespass con il mio amico che saltava sulle transenne a rischio di un crollo generale. Non ricordo il ritorno.

L'AUDIO DELL'INTERO CONCERTO

Ecco un elenco di quello che mi ricordo degli anni '70.

No Ticket anni '70 (la sequenza è "come viene viene")

-Il primo concerto della mia vita è stato al teatro Alcione di Genova con gli Audience, inglesi. Eravamo attaccati alle casse con le orecchie: mi hanno fischiato per i due giorni successivi! Al liceo l'avrò raccontato dieci volte. Esaltante.

-Van Der Graaf Generator, Teatro Alcione, che hanno demolito nel 2010. Grandissimi!

-Van Der Graaf Generator, Palazzetto dello Sport di Albenga. Prima del concerto Peter Hammill, il cantante, giocava a scacchi tra il pubblico con chi lo sfidava. Era fortissimo, stracciava tutti in pochi minuti.

-Gentle Giant Teatro Alcione.

-Emerson Lake and Palmer, Palasport di Genova.

-Nucleus, Teatro Alcione. Ricordo che al ritorno, in stazione a Genova sono stato intervistato da due "giornalisti" di Re Nudo che raccoglievano impressioni per una recensione del concerto.

-Soft Machine, Teatro Alcione.

-Premiata Forneria Marconi, Teatro Alcione. Noi ci esaltavamo per Impressioni di settembre, le ragazze per Mauro Pagani (in effetti allora bello come un dio greco): Mauro! Mauro! Gridavano, un po' come con i Beatles...

-Osanna, Cinema Astor, Savona. A sentirli c'era anche Joe Vescovi dei Trip, così i savonesi che lo conoscevano, per fare i fighi, lo salutavano con "Hey Joe!".

-Roxy Music, discoteca Le Cupole Cavallermaggiore. Portavano in tour il loro primo disco. Eravamo seduti intorno a tavolini rotondi con consumazione. Loro suonavano a pochi metri da noi sulla pista della discoteca, senza palco, quindi al nostro livello. Ricordo Brian Eno con un piccolo sintetizzatore e un boa di "struzzo" rosa intorno al collo...

-Peter Hammill solo, Discoteca Le Cupole Cavallermaggiore (noioso).

-David Bromberg, da qualche parte a Genova

-Bruce Cockburn, da qualche parte a Genova

-Jorma Kaukonen solo, da qualche parte a Genova

-Big Fat Mama Blues Band, più volte in giro per la Liguria

-Treves Blues Band, più volte in giro per la Liguria

-Qui siamo al limite. Ho fatto il militare a Saluzzo tra il '79 e l'80. Ho sentito i Nomadi all'aperto in una piazza di Saluzzo, ma non ricordo se era ancora il '79.

Continua…

Il concerto dei King Crimson citato risale al 12 novembre 1973. Questo a seguire è l’audio di quanto accadde il giorno dopo a Roma:

SEMIRAMIS - "Dedicato a Frazz": l'ascolto dell'album completo

Utilizzo una vecchia recensione di Ciao 2001, scritta da Enzo Caffarelli, per raccontare qualcosa dei Semiramis, gruppo in cui all'epoca militava un certo Michele Zarillo, diventato poi cantante di successo commerciale.

SEMIRAMIS

Dedicato a Frazz - Trident (1973)

A dispetto dell'unica esibizione dal vivo cui mi è stato possibile assistere, i Semiramis si presentano con un disco che dovrebbe facilmente imporli all'attenzione del nostro pubblico.

Il quintetto, guidato dai fratelli Michele (chitarre e canto) e Maurizio Zarrillo (tastiere) si porta dietro ancora il retaggio tipico dei gruppi italiani, specie il difficile inserimento della voce e dei testi nelle musiche (ma perché cantano ancora tutti come Nico Di Palo?), uniti alla fatale immaturità degli esordi.

Ma la musica dei Semiramis è vivace e per certi versi originale: i testi sono buoni, le carenze di ritmica e di fusione quasi assenti, e semmai mascherate dalla ricchezza di corde e tastiere, legate e sovrapposte con molto gusto e padronanza di mezzi. Una ricchezza espressiva, che a parte il sint e l'Eminent facente veci del mellotron, è sottolineata dal vibrafono, affidato al batterista Paolo Faenza, ed alle campane, le famigerate "tubular bells" del bassista Marcello Reddavide, e dalla presenza di un altro ragazzo, Giampiero Artegiani, che affiancano ora l'uno ora l'altro leader alla chitarra acustica, alle dodici corde o al sint.

Le chitarre amplificate, tranne qualche scoria di hard rock, non sono fuori posto nel clima generale delle composizioni e delle esecuzioni, piuttosto eterogenee, I brani migliori: "La bottega del rigattiere", "Uno zoo di vetro" (con un esplicito richiamo a Mike Oldfield), e "Per una strada affollata", dai delicati intermezzi acustici (anche i Genesis hanno insegnato parecchio).

Bello il disegno interno della copertina di Gordon Faggetter, l'ex batterista di Patty Pravo, oggi designer di successo: Gordon la sa lunga sulla pittura metafisica e sul surrealismo, ed il suo quadro ricorda "In the wake of Poseidon" dei King Crimson.

Enzo Caffarelli

Biografia

I Semiramis sono un gruppo italiano di rock progressivo, provenienti da Roma.

Formatisi nel 1970, il gruppo arriva alla sua prima incisione nel 1973, incisione che resterà anche l’unica della loro carriera.

La prima formazione (che ancora non aveva un nome vero e proprio) comprendeva Maurizio Zarrillo alle tastiere, Marcello Reddavide al basso, Memmo Pulvano alla batteria e Maurizio Macos alla voce, tutti quindicenni. Due anni dopo il cantante abbandona il gruppo e viene sostituito da Michele Zarillo, fratello di Maurizio, che ricopre anche il ruolo di chitarrista.

Sceltisi il nome Semiramis, dalla famosa regina di Babilonia, il gruppo svolge una buona attività live e nel 1973 si appresta ad incidere il primo album. Pulvano è però costretto a lasciare il gruppo, non riuscendo più a conciliare gli impegni musicali con quelli del suo vero lavoro (era l’unico ad avere un posto fisso), e chiude la sua carriera di musicista.

Il suo posto viene preso da Paolo Faenza e viene aggiunto anche un altro tastierista Giampiero Artegiani. Con questa formazione viene dunque realizzato Dedicato a Frazz, in puro stile progressivo con influenze mediterranee come d’altronde succede a quasi tutti i gruppi italiani.

A tratti non perfettamente curato e con la voce di Zarrillo ancora grezza e poco incisiva, l’album è comunque considerato nel suo genere tra i migliori prodotti dell’epoca.

L’anno dopo i Semiramis preparano il loro nuovo disco, ma come successe a molti altri gruppi di quei tempi, l’album non uscì mai ed il gruppo si sciolse. Gli unici a restare nell’ambiente sono Artegiani, autore di alcuni dischi pop, e Michele Zarrillo, che diventerà cantante melodico di un certo successo negli anni ‘80 e che vanta diverse partecipazioni al Festival di Sanremo.

Su iniziativa di Paolo Faenza, dopo circa 44 anni dall'uscita di Dedicato a Frazz, i Semiramis sono tornati sulla scena con una nuova formazione che vede, oltre a Paolo Faenza, Maurizio Zarrillo e Giampiero Artegiani, i veterani della Band, anche Ivo Mileto (basso), Rino Amato (tastiere), Antonio Trapani (chitarra elettrica) e la voce di Vito Ardito.

Dal 2016 hanno ripreso il via per una nuova serie di concerti in Italia e all'estero, con la possibile realizzazione di un nuovo album.

Discografia:

1973 - Dedicato a Frazz

Line up:

Maurizio Zarrillo - tastiere

Michele Zarrillo - voce, chitarra

Marcello Reddavide - basso

Paolo Faenza - batteria

Giampiero Artegiani - tastiere

Barock Project-"Detachment"

I Barock Project arrivano al loro sesto album - il quinto in studio - il cui titolo è Detachment.

Punto di riferimento nel panorama prog italiano e molto seguiti all’estero, possono contare su di una vera linea di confine, l’album “Skyline” uscito nel 2015, che ha determinato un cambio di passo legato alla maturità acquisita e ad una svolta manageriale rilevante. Il risultato è evidenziato da un’intensa attività discografica, fatta del live “VIVO”, del 2016, e di questo nuovissimo atto, rilasciato da pochi giorni.

E’ per me complicato mantenere il distacco richiesto ad un commento musicale, perché la musica dei BP mi provoca uno strano effetto, già provato in passato per altri artisti, quel fenomeno irrazionale per cui potrei comprare ogni loro lavoro a scatola chiusa, certo che la stragrande maggioranza delle tracce mi darebbe piena soddisfazione. Così è accaduto anche con Detachment, un concentrato della mia musica da sogno, sintesi di miei amori antichi e tocchi personali, quelli che sono racchiusi nelle creazioni di Luca Zabbini, il leader della band, ora anche voce solista oltre che tastierista. A lui ho chiesto qualche dettaglio sul disco, e a seguire si può leggere il suo pensiero.

E’ lo stesso Zabbini che specifica il significato del “distacco”, facendo riferimento a situazioni caratteristiche di ogni anima che si muove su questa terra, ma ho percepito come questa sorta di ricalcolo dei valori abbia a che fare con una nuova presa di coscienza, che inevitabilmente si riversa sulla musica: “… distacco non significa che non si dovrebbe possedere nulla, ma che nulla dovrebbe possedere te…”.

Detachment appare come un cambio di direzione, la necessità di comporre e proporre senza sentire il peso dell’obbligo di appartenenza ad una categoria, pensando più a sé stessi, certi che la gratificazione personale rappresenti un metodo infallibile per soddisfare il pubblico e chi in generale segue la qualità ritmica e sonora. E il risultato mi pare grandioso.

Anche in questo troviamo un ospite che partecipa fattivamente, e la sua presenza non appare come semplice cameo, dal momento che Peter Jones, cantante e polistrumentista inglese, scrive le liriche di tre tracce - Happy to see you, Broken e Alone - due delle quali da lui magistralmente interpretate.

Qualcuno direbbe tanta roba, che in questo caso significa anche quantità, dal momento che i tredici brani si dipanano su circa settantacinque minuti di musica sopraffina.

Luca Zabbini è geniale, e possiede incredibili skills personali che si intersecano con un background culturale che arriva direttamente dai seventies, un sound forte anche di una potente sezione ritmica - Eric Ombelli alla batteria e Francesco Caliendo al basso - e di una egregia chitarra - Marco Mazzuoccolo; il risultato è che appare possibile percorrere il sentiero di Detachment inebriati dal profumo di Tull, YES e ELP, perché ogni tanto se ne rilascia inconsciamente un velo, essendo DNA puro.

Ne scaturiscono momenti incredibili, tra il classico rock sinfonico e l’intimismo acustico cesellato da voci caratterizzanti.

Il brano che propongo a seguire è Happy to see you, e mi pare possa essere rappresentativo di un album godibile da ogni punto di vista, probabilmente più trasversale rispetto a quelli realizzati nel passato, certamente una chicca per gli amanti del genere.

Dovrei usare termini superlativi per un disco il cui ascolto mi porta al coinvolgimento fisico, scatenando emozioni fortissime e viaggi temporali senza precise coordinate. 
Aspetto di assistere ad un live dei BP - prima o poi capiterà! - e poi mi lascerò andare completamente…

Un lavoro discografico che consiglio caldamente!

L’INTERVISTA

La vostra storia musicale sta diventando ricca e anche voi… maturate! E’ però indubbio che il nuovo corso vi abbia dato entusiasmo e prolificità, in questo caso intesa come produzione discografica: come si spiega questa intensificazione, che tanto fa gioire i vostri fan, da “Skyline” a “Detachment”, passando per il doppio live “Vivo”?

E' la semplice voglia di fare musica, dettata anche dal corso degli eventi di ognuno di noi e dai gusti musicali che cambiano nel tempo.

Che tipo di soddisfazioni vi ha fornito “Skyline”? Possiamo fare un bilancio a due anni dalla sua uscita?

Credo che “Skyline” sia stato un buon disco, sotto più punti di vista.
Per scrivere i brani ci lavorai circa tre anni, anche se ne scartai comunque molti chiudendoli in un cassetto. Indubbiamente ci ha dato soddisfazioni, ma avremmo preferito proporlo live un pò di più.

E siamo arrivati al rilascio di pochi giorni fa, “Detachment”: puoi dare significato al titolo?

“Detachment” tratta sostanzialmente le fasi più importanti del distacco, quello emotivo ma anche quello fisico. Quel distacco che può essere dovuto all'abbandono di un luogo o da un oggetto a noi caro e che inizialmente ci fa tanto soffrire, per poi farci riflettere, imparando ad affrontarlo.

Che tipo di contenuto proponete, musicale e lirico?

Dal punto di vista musicale è sicuramente un disco più diretto ed essenziale rispetto ai precedenti, una scelta personale che ho attuato per una ragione comunicativa che forse è più rivolta a me stesso. Per i testi mi sono avvalso della collaborazione di Antonio De Sarno (come in “Skyline”), Giorgio Franceschetti e Peter Jones, il tutto con l'aiuto e la supervisione di Octavia Brown.

Nel precedente episodio emergeva la collaborazione di due personaggi di spicco, per aspetti diversi ma naturalmente convergenti, Vittorio De Scalzi e Paul Whitehead: chi vi ha accompagnato in questo nuovo capitolo?

Peter Jones, cantante e polistrumentista inglese che ha lavorato anche con i Camel.

Come nasce la vostra collaborazione con lui?

Il lavoro con Peter è stato semplice ed immediato. Gli abbiamo proposto di scriverci tre testi, due dei quali abbiamo pensato di farglieli cantare. Gli ho affidato quelli che per me ritenevo più emozionali e Peter ha colto e interpretato perfettamente il messaggio originale della mia musica.

Nell’intervista di un paio di anni fa escludesti la possibilità di un cambio alla line up, ma mi pare che qualcosa sia avvenuto: me ne parli?

Purtroppo a volte ci si ritrova a dover affrontare degli impegni e dei doveri nella vita, dunque a fare delle scelte perchè, come tutti ben sappiamo, la musica non ti dà delle garanzie. Figuriamoci quella Prog! Pancaldi ha fatto la scelta di virare completamente verso un altro lavoro, mentre Ombelli e Mazzuoccolo sono stati convocati a suonare in nave da crociera per un lungo periodo. Dunque hanno fatto questa scelta e io avevo il dovere di rispettarla. Non potevo però annullare le date dei concerti che avevo confermato da tempo, dunque ho dovuto tenere ancora una volta delle audizioni per trovare altri musicisti che mi aiutassero a completare il mio compito.

Come pubblicizzerete l’album?

Quando ho scritto questo disco avevo in mente di rivolgermi ad una fetta di pubblico più vasta rispetto a quello medio del progressive. La mia intenzione è sicuramente quella di pubblicizzare alcuni brani in versione radio-edit attraverso le radio rock e i canali del web, anche con un paio di videoclip.

Barock Project:

Luca Zabbini – piano, tastiere, chitarra acustica  e voce solista

Eric Ombelli – batteria

Marco Mazzuoccolo – chitarra elettrica

Francesco Caliendo - basso

Peter Jones - Voce solista su "Broken" ed "Alone"

         DETACHMENT tracklist:

·         1. Driving Rain 1:03

·         2. Promises 5:05

·         3. Happy to see you 7:37

·         4. One day 7:23

·         5. Secret therapy 5:37

·         6. Broken (ft. Peter Jones) 9:10

·         7. Old Ghosts 4:07

·         8. Alone (ft. Peter Jones) 3:14

·         9. Rescue Me 4:55

·         10. Twenty years 6:06

·         11. Waiting 5:43

·         12. A New tomorrow 7:39

·         13. Spies 7:23

Info:

 Barock Project:

www.barockproject.net

Barock Project Facebook:

www.facebook.com/barockproject 

Steve Hackett a Torino: resoconto del concerto del 29 marzo, Teatro Colosseo di Torino

Steve Hackett arriva a Torino il 29 marzo, Teatro Colosseo, e il sold out è scontato.

La musica dei Genesis continua ad entusiasmare gli uomini antichi e i loro figli, magari anche i nipoti, e una sommaria indagine visual anagrafica del pubblico presente conforta il mio pensiero.

Per chi volesse godere di quelle atmosfere magiche in modo diretto le brave tribute band non mancano, ensemble capaci di riportare indietro di mezzo secolo le lancette dell’orologio con proposte fedelissime rispetto alle origini, ma per il marchio di fabbrica esiste ormai una sola possibilità, quella di ascoltare e vedere Hackett con la sua consolidata band.

Un concerto del genere non lo si può giudicare spaccandolo in due, ovvero analizzando la musica targata Genesis - cospicua parte di serata, quella per cui era lì la massa -, e la discografia solista del chitarrista, trame meno conosciute, alcune appena rilasciate, atmosfere a cui occorre prendere le misure.

Mi ritengo fortunato nell’aver provato veri brividi all’arrivo del cantato “Play me my song” (The Musical Box) - anche se la voce di Nad Sylvan è lontana dalla timbrica di Gabriel -, e credo che certi dettagli, da soli, diano significato alla presenza in una sera di mezza settimana, magari a 150 chilometri da casa.

La band si propone con Roger King alla tastiere, Gary O’Toole alle percussioni e voce, Rob Townsend ai fiati e percussioni, Nick Beggs al basso e il già citato Nad Sylvan alla voce, che entrerà in gioco in ritardo rispetto al resto della band.

Hackett giustifica il nome del tour - Steve Hackett Genesis Revisited with Classic Hackett 2017 -miscelando le carte, come è visibile dalla scaletta a seguire, trovata in rete:

Setlist 

Every Day

El Nino

The Steppes

In The Skeleton Gallery

Behind The Smoke

Serpentine Song

Rise Again

Shadow Of The Hierophant

Eleventh Earl Of Mar

One For The Vine

Horizons

Blood On The Rooftops

... In The Quiet Earth

Afterglow

Dance On A Volcano

Inside And Out

Firth Of Fifth

The Musical Box

Il bis

Slogans

Los Endos

Se è vero che il side Genesis è quello che più mi ha  entusiasmato, è altrettanto vero che ho trovato interessanti gli atti del solo Steve, con la ricerca di una strada nuova, distaccata dal brand con cui Hackett è marchiato a fuoco; la qualità di chi lo circonda incide notevolmente, con una sezione ritmica potente ed elegante - impazzisco per l’impugnatura di O’Toole, poco usata dai batteristi rock -, con diverse concessioni allo spettacolo, soprattutto di Beggs. Molto incisivo il gioco musicale di Townsend che riesce a caratterizzare parti precise del set, mentre concede poco alla platea un musicista fantastico come King, uno che preferisce la concentrazione alla dinamicità da palco. Sylvan ha una voce particolarmente adatta al genere e non tenta di scimmiottare i suoi predecessori: i suoi duetti col drummer mi sono apparsi riusciti.

Steve è sempre Steve, molto più spigliato di un tempo, più propenso al contatto col pubblico e al dialogo con sfumature in italiano. La sua abilità di chitarrista e la sua verve creativa sembrano ancora evolvere, e va sottolineato che la sua azione non è solo rivolta ad una mera riproposizione del passato, ma tende verso nuovi percorsi e obiettivi, passando per i live infiniti e per nuovi album, nel tempo in cui i grandi del passato hanno pressoché cancellato la presenza discografica, almeno dal punto di vista degli inediti.

Ho provato a registrare parte di ciò che ho visto, anche se la notevole distanza ha condizionato la registrazione, ma il ricordo resta…

E quando arriva l’immancabile Firth Of Fifth mi ritorna in mente un giorno preciso della mia adolescenza, ancora a Torino, serata in cui i Genesis proposero Selling England By The Poud: un momento da lacrime… di felicità!