Dalle fortificazioni sonore all'alba rinascimentale:
ecco gli Imaginaerium
È affascinante come a volte una nuova opera possa
fungere da vero e proprio portale verso un passato artistico altrettanto
significativo. Il mio recente coinvolgimento avvenuto con l’album
Siege - ecco il link per leggere la mia recensione - mi ha ha lasciato un segno profondo, spingendolo a
cercare le radici sonore di questa formazione. E così, navigando a ritroso nel
loro percorso discografico, ho incontrato il maestoso The Rise of Medici, un'opera che, ad
un'attenta disamina, rivela pienamente le premesse di quella magnificenza che ho
poi ritrovato nel loro ultimo capitolo. Si è trattato per me di un'immersione
in un'epopea sonora che, pur essendo già familiare, si è rivelata ogni volta
più stratificata e avvincente.
Pubblicato il 17 ottobre 2022, The Rise of
Medici degli Imaginaerium
non è semplicemente un album, ma un affresco sonoro in chiave progressive rock,
intessuto con la stoffa della storia. Il concept qui è ambizioso e finemente
cesellato: narra l'ascesa inarrestabile della famiglia Medici a Firenze nel
Quattrocento, concentrandosi in particolare sulla figura di Cosimo il Vecchio e
la sua consorte, Contessina de' Bardi. Non è solo una rievocazione storica, ma
una vera e propria cronaca emotiva, dove la musica si fa voce e interprete
delle trame di potere, degli intrighi e della visione che hanno plasmato una
delle dinastie più influenti del Rinascimento.
Il collettivo Imaginaerium, guidato da figure di spicco del
calibro di Clive Nolan (mente pulsante dietro i Pendragon e gli Arena), Eric
Bouillette (già noto per Nine Skies e Solace Supplice) e l'espressiva
vocalist Laura Piazzai, dimostra qui una sintonia compositiva e
interpretativa davvero rara. L'album è un crogiolo di talenti, dove le
influenze di ciascuno si fondono senza annullarsi, creando un'amalgama
distintiva e potente.
Fin dalle prime battute, l'ascoltatore viene proiettato in un
universo sonoro denso e variegato. La natura sinfonica è palpabile, con
arrangiamenti che spaziano da momenti di grandezza orchestrale a passaggi più
intimi e introspettivi. Le tastiere di Nolan dipingono scenari maestosi,
creando atmosfere che richiamano tanto la solennità delle cattedrali quanto la
vivacità delle piazze fiorentine. Le tessiture chitarristiche di Bouillette
sono al contempo taglienti e melodiche, capaci di sostenere la narrazione con
riff energici o arpeggi delicati.
Ma è forse la performance vocale di Laura Piazzai a conferire
all'opera la sua anima più profonda. La sua voce è uno strumento versatile e
potentissimo, capace di incarnare la determinazione di Contessina, l'ambizione
di Cosimo, e la tensione che permeava l'ambiente politico e sociale. Ogni
sfumatura, ogni accento vocale contribuisce a elevare il racconto, rendendolo
non solo un ascolto musicale, ma una vera e propria esperienza narrativa. Non
si tratta di una semplice esecuzione, ma di una vera e propria interpretazione
che conferisce pathos e credibilità ai personaggi e agli eventi.
The Rise of Medici si distingue per la sua coesione
interna. Ogni brano non è un'isola a sé stante, ma un capitolo indispensabile
di una storia più ampia. Le transizioni sono fluide, le tematiche musicali
ricorrenti (i "leitmotiv") contribuiscono a rafforzare il senso di
unità dell'opera. La produzione è pulita e bilanciata, permettendo a ogni
strumento di respirare e contribuire al disegno complessivo senza
sovraccaricare il soundscape.
L'album è un esempio brillante di come il progressive rock
possa essere utilizzato per raccontare storie complesse, attingendo alla storia
e reinterpretandola attraverso un linguaggio musicale contemporaneo, eppure
permeato di un respiro classico. Non è un lavoro che si esaurisce con un unico
ascolto; al contrario, ogni nuova riproduzione rivela dettagli nascosti, nuove
sfumature emotive o sottili intrecci musicali che arricchiscono l'esperienza
complessiva. È un disco che richiede attenzione, ma che ripaga ampiamente
l'investimento.
In definitiva, se Siege mi ha catturato con la sua
potenza e il suo spessore, The Rise of Medici mi ha svelato
le radici di quella maestria, mostrandoti come gli Imaginaerium abbiano già da
tempo intrapreso un percorso di eccellenza narrativa e compositiva.
Un viaggio all'indietro che conferma la loro statura nel
panorama del rock progressivo attuale.
The last
period of Paola Tagliaferro's
professional career was marked by a deep artistic and human bond with the late
Greg Lake, continued with his wife Regina and culminated with his entry into
the historic Manticore Records, the only Italian artist to be part of it. But
Paola never stops and today proposes a new project, parallel, in two languages,
Italian and English.
It is
necessary to underline that...
OWL
Records released on all digital platforms "Il Suono Delle Sfere" on
May 18th, a glass master CD distributed by BTF
Paola
Tagliaferro and La Compagnia dell'Es present us
with a work that goes beyond the boundaries of the musical genre, proposing
with Il Suono delle Sfere / The Sound of the
Spheres, a real progressive rock odyssey. The album, released on
May 18th on all digital platforms by OWL Records (with a glass master CD
distributed by BTF and from May 30th also by Black Widow Records), is not a
simple listening, but a deep and contemplative experience, made even more
accessible by its evocative edition in two languages (Italian / English).
The beating
heart of the album is a cosmic concept that has its roots in a research that is
as spiritual as it is scientific. Paola Tagliaferro reveals an inspiration
drawn from the studies of Rudolf Steiner and his anthroposophical vision of the
post-mortem soul's journey through the spiritual worlds associated with the
planets. This esoteric dimension blends strikingly with the fascination with
science, particularly the phenomenon of nuclear fusion that powers our solar
system. The result is a sound tale that takes us from the Earth to the Moon and
the planets, each evoked not only by its name, but also by the characteristics
of the ancient Romans and Greeks with whom they were associated. Mercury the
messenger, Venus goddess of love, Mars god of war: each deity finds a resonance
in the lyrics and musical atmospheres of their respective songs, creating a
fascinating intertwining of mythology, astronomy and spirituality.
The common
thread that runs through the entire work is the symbol of the Ankh, the
ancient Egyptian key to eternal life. This powerful hieroglyph, which is said
to have inspired even the flip-flops, here takes on the meaning of the immortal
path of the soul. It is the "Golden Key" that allows astral travel
into the infinite void, an evocative image that music translates into cosmic
rhythms and vibrant energies. The underlying message is clear and powerfully
evocative: do not be afraid of death, because the soul is eternal. Life,
explains Paola Tagliaferro, is a "school" to evolve with awareness, a
path of improvement that, if undertaken with love, respect and compassion, can
lead to continuous spiritual growth.
The
realization of this ambitious sound universe is the result of an exceptional
creative synergy. The original music is the result of the collaboration between
Paola Tagliaferro and Pier Gonella, whose understanding has been
consolidated in many previous projects. Paola, with her background ranging from
fusion to the progressive rock of Greg Lake and King Crimson, joins Pier, who
comes from rock metal and has extensive experience in composition. This fusion
of styles results in instinctive and innovative sounds, with singing melodies
and solos that bring to life impactful soundscapes.
The Compagnia
dell'Es presents itself in a line-up that Paola Tagliaferro defines as
"crazy": Luca Scherani on piano and keyboards, a true lover of
prog rock with an incredible mastery of the instrument, as well as drummer Andrea
Orlando. Both, in addition to being excellent musicians, have been able to
arrange their parts with skill and creativity, helping to create a cohesive and
enveloping sound under the artistic production of Tagliaferro and Gonella.
Their "strong, positive and kind personality" has evidently fostered
a fluid and productive creative dynamic.
The album
also boasts valuable lyrical contributions: the lyrics of "Marte"
were composed by Claudio Pozzani, poet, writer and president of the
Genoa Poetry Festival, while "Plutone" bears the signature of José
Pulido, Venezuelan poet, writer and journalist. These collaborations
further enrich the depth of the content.
A distinctive
and impactful element is the album cover, the result of the collaboration
between Paola Tagliaferro and the very young contemporary artist Fiamma
Diletta Cremonese. Struck by Fiamma's ability to represent the spirituality
of matter, Paola entrusted her with the task of visualizing the "astral
journey" of the album. Starting from a photograph of Paola herself, Fiamma
was able to bring out an ethereal and powerful vision: the light of the astral
body that is projected towards the celestial spheres with the key of Ankh. A
representation that perfectly captures the mystical and transcendent essence of
the project.
"The
Sound of the Spheres" is an invitation to open new visions and to overcome
the fear of obstacles and death, reminding us that "matter is only
stardust, the divine is our vital flame, the spiritual energy from which
everything is born". Expectations are high, and the hope is to be able to
make this "sound journey" known during live concerts.
This new
recording chapter allows Paola Tagliaferro to explore her vein as a
singer-songwriter and her spiritual quest, while maintaining her role as
interpreter of Greg Lake's classics for MANTICORE RECORDS.
So let's get
ready for a musical journey that transcends earthly boundaries, which will lead
us into the deep heart of the "Sound of the Spheres", a work that
promises to enchant and make you think, leaving a lasting imprint on the soul
of those who listen to it.
My listening
journey started from the Italian side and then explored the English one, but I
must admit that indicating a precedence would be superfluous. From whatever
point the listener embarks on this sonic odyssey, the result is a coherent and
deeply rewarding experience.
"The
Sound of the Spheres" offers an undoubtedly pleasant listening for
everyone, but it proves to be a real treasure trove of reflection for those who
think that music is a powerful vehicle for introspection and a path to a higher
awareness.
Dalle pagine al palco: come il
"Major Tom" di Bob Lobrano ha incantato Savona e Genova
La scorsa settimana si è rivelata un crocevia di arte, musica
e letteratura, culminata nella presentazione del romanzo "Cenere alla cenere - La caduta e l’ascesa di Major Tom"
di Roberto “Bob” Lobrano e nel suggestivo
spettacolo musicale "Ashes to Ashes - White
Duke Show". Un duplice evento che ha offerto al pubblico
un’immersione profonda nell'universo poliedrico di Lobrano, un artista capace
di conciliare diverse anime creative, che, almeno in questo momento, risultano intrinsecamente
legate alla figura iconica di David Bowie.
La presentazione alla libreria Ubik: un
romanzo che prende vita
Giovedì 15 maggio, la Libreria Ubik di Savona ha ospitato l’incontro
con l’autore. La presentazione del romanzo, edito da Del Faro, ha offerto
l’occasione per esplorare le sfumature di un'opera che, fin dalle prime pagine,
rende impossibile non avere negli occhi il volto e il "conosciuto" di
David Bowie. Lobrano, che si definisce giustamente un "creativo
multidisciplinare", ha saputo illustrare come le sue diverse esperienze
professionali – dal mondo del gelato alla consulenza, dalla scrittura alla
musica – si siano conciliate nella creazione di un romanzo rock-fantascientifico
come "Cenere alla Cenere".
Il libro è un viaggio tra realtà e allucinazione, che segue
la caduta e l'ascesa del Maggiore Thomas Newall. Durante una missione segreta
sulla Luna, Tom entra in contatto con un’entità aliena, un evento che segna
indelebilmente la sua mente e il suo corpo. Costretto al silenzio e alla
reinvenzione di sé per sopravvivere e dare un senso alle sue visioni, Tom
assume diverse identità, in una disperata ricerca di decifrare il messaggio
cosmico che lo perseguita. La narrazione, che intreccia fantascienza, thriller
e introspezione psicologica, è un'ode alla metamorfosi e alla ricerca
dell'identità, temi cari allo stesso Bowie.
Un aspetto che, credo, sarà particolarmente apprezzato dai
lettori è l'integrazione della musica: ogni capitolo è accompagnato dal
suggerimento di un brano di Bowie, creando una colonna sonora ideale che
amplifica l'esperienza narrativa.
La presentazione alla Ubik non è stata solo una discussione
letteraria, ma un vero e proprio anticipo dello spettacolo, con Lobrano che,
coadiuvato da Fulvio Bacchiocchi alla tastiera, ha eseguito un paio di brani,
coinvolgendo i presenti.
"Ashes to Ashes - White Duke
Show": oltre il tributo, un'esperienza immersiva al Teatro Govi
Il culmine di questa settimana a tema è stato il concerto del
17 maggio al Teatro Govi di Genova. Lo spettacolo "Ashes to
Ashes - White Duke Show" ha dimostrato di essere molto più di un
tributo ad un artista. Si è trattato di un autentico evento culturale
immersivo, un "concept show narrativo e musicale" che ha trasportato
il pubblico in un viaggio attraverso la vita e le molteplici personalità di
David Robert Jones.
Sul palco, Bob Lobrano ha
utilizzato costumi iconici alla Bowie, ripercorrendo le tappe fondamentali di
una carriera artistica durata 47 anni.
La parte iniziale dello show è stata strettamente legata al
romanzo, portando in scena la storia di Major Tom e le sue trasformazioni. Ma, alla
fine della storia, quando le "spoglie" del protagonista del romanzo
sono state tolte, è arrivato un medley composto da altri brani celebri di
Bowie, in un percorso musicale che ha toccato il cuore dei fan e ha stimolato
la dinamicità.
Proiezioni di immagini e video hanno arricchito l'esperienza
visiva, coinvolgendo il pubblico non solo come spettatore, ma anche come attore
nell'interpretare una delle tante "personalità" del Duca Bianco. La lunga
durata del concerto ha permesso di apprezzare appieno la complessità e la cura
di ogni dettaglio.
Non avevo ancora avuto modo di conoscere Bob Lobrano, e
quindi mi baso sulla lettura del romanzo a cui hanno fatto seguito i due eventi
citati, culminati col successo del concerto al Govi, a dimostrazione di come la
visione artistica di Lobrano sia capace di trasmettere passione e profondità.
La sua capacità di unire la musica alla letteratura, creando un ponte tra il
mondo del romanzo e quello dello spettacolo dal vivo, ha aperto un nuovo
capitolo nella sua già ricca carriera artistica, lasciando presagire un futuro
di progetti editoriali e culturali che continueranno a ispirare e valorizzare
tradizione, innovazione e creatività.
Ma si può raggiungere tutto questo in versione solitaria?
Ovviamente no, senza team non si fa nulla di duraturo e
concreto e sottolineo dunque la band, consolidata, composta da molti elementi
che conoscevo e che elenco a seguire:
Francesca Gancitano alla voce e percussioni
Simone
Perata al basso
Fulvio
Bacchiocchi alle tastiere
Fabrizio
Calzolari alla chitarra elettrica
Umberto
Spitale alla batteria
Guest:
Paolo
Bertolissi al sax
E ora non
resta che fruire di un medley di serata…
L'ultimo periodo della carriera professionale di Paola Tagliaferroè
stato segnato da un profondo legame artistico e umano con il compianto Greg
Lake, proseguito con la moglie Regina e culminato con il suo ingresso nella
storica Manticore Records, unica artista italiana a farne parte. Ma Paola non
si ferma mai e propone oggi un nuovo progetto, parallelo, nella doppia lingua,
italiano e inglese.
A fine commento propongo una esaustiva intervista che
presenta le linee fondanti del nuovo lavoro… tanto per non perdere nemmeno un
dettaglio!
Necessario sottolineare che…
OWL Records ha pubblicato su tutte le
piattaforme digitali “Il Suono Delle Sfere” il 18 maggio, CD glass master
distribuito da BTF
Paola Tagliaferro e La Compagnia dell'Esci presentano un'opera che travalica
i confini del genere musicale, proponendo con Il
Suono delle Sfere / The Sound of the Spheres, una vera e propria
odissea progressive rock. L’album, uscito il 18 maggio su tutte le piattaforme
digitali per OWL Records (con CD glass master distribuito da BTF e dal 30
maggio anche da Black Widow Records), non è un semplice ascolto, ma
un'esperienza profonda e contemplativa, resa ancora più accessibile dalla sua
suggestiva edizione in doppia lingua (italiano/inglese).
Il cuore pulsante dell'album è un concept cosmico che affonda
le radici in una ricerca tanto spirituale quanto scientifica. Paola Tagliaferro
rivela un'ispirazione attinta dagli studi di Rudolf Steiner e dalla sua visione
antroposofica del viaggio dell'anima post-mortem attraverso i mondi spirituali
associati ai pianeti. Questa dimensione esoterica si fonde sorprendentemente
con la fascinazione per la scienza, in particolare con il fenomeno della
fusione nucleare che alimenta il nostro sistema solare. Il risultato è un
racconto sonoro che ci accompagna dalla Terra alla Luna e ai pianeti, ciascuno
evocato non solo dal suo nome, ma anche dalle caratteristiche degli antichi
romani e greci a cui sono stati associati. Mercurio messaggero, Venere dea
dell'amore, Marte dio della guerra: ogni divinità trova una risonanza nei testi
e nelle atmosfere musicali dei rispettivi brani, creando un affascinante
intreccio tra mitologia, astronomia e spiritualità.
Il fil rouge che attraversa l'intera opera è il simbolo dell'Ankh,
l'antica chiave egiziana della vita eterna. Questo potente geroglifico, che si
narra abbia ispirato persino i sandali infradito, assume qui il significato di
percorso immortale dell'anima. È la "Chiave d'Oro" che permette il
viaggio astrale nel vuoto infinito, un'immagine suggestiva che la musica
traduce in ritmi cosmici ed energie vibranti. Il messaggio di fondo è chiaro e
potentemente evocativo: non avere paura della morte, perché l'anima è eterna.
La vita, spiega Paola Tagliaferro, è una "scuola" per evolvere con
consapevolezza, un cammino di miglioramento che, se intrapreso con amore,
rispetto e compassione, può portare a una crescita spirituale continua.
La realizzazione di questo ambizioso universo sonoro è frutto
di una sinergia creativa eccezionale. Le musiche originali nascono dalla
collaborazione tra Paola Tagliaferro e Pier Gonella, la cui
intesa si è consolidata in tanti progetti precedenti. Paola, con il suo
background che spazia dalla fusion al rock progressivo di Greg Lake e King
Crimson, si unisce a Pier, proveniente dal rock metal e con una vasta
esperienza nella composizione. Questa fusione di stili si traduce in sonorità
istintive e innovative, con melodie cantate e assoli che danno vita a paesaggi
sonori di grande impatto.
La Compagnia dell'Es si presenta in una formazione che Paola
Tagliaferro definisce "pazzesca": Luca Scherani al piano e
alle tastiere, un vero cultore del prog rock con una padronanza incredibile
dello strumento, così come il batterista Andrea Orlando. Entrambi, oltre
ad essere eccellenti musicisti, hanno saputo arrangiare le proprie parti con
maestria e creatività, contribuendo a creare un suono coeso e avvolgente sotto
la produzione artistica di Tagliaferro e Gonella. La loro "personalità
forte, positiva e gentile" ha evidentemente favorito una dinamica creativa
fluida e produttiva.
L'album vanta inoltre contributi lirici di pregio: il testo
di "Marte" è stato composto da Claudio Pozzani, poeta,
scrittore e presidente del Festival di Poesia di Genova, mentre
"Plutone" porta la firma di José Pulido, poeta, scrittore e
giornalista venezuelano. Queste collaborazioni arricchiscono ulteriormente la
profondità dei contenuti.
Un elemento distintivo e di grande impatto è la copertina
dell'album, risultato della collaborazione tra Paola Tagliaferro e la
giovanissima artista contemporanea Fiamma Diletta Cremonese. Colpita
dalla capacità di Fiamma di rappresentare la spiritualità della materia, Paola
le ha affidato il compito di visualizzare il "viaggio astrale"
dell'album. Partendo da una fotografia di Paola stessa, Fiamma ha saputo far
emergere una visione eterea e potente: la luce del corpo astrale che si
proietta verso le sfere celesti con la chiave di Ankh. Una rappresentazione che
cattura perfettamente l'essenza mistica e trascendente del progetto.
"Il Suono delle Sfere / The Sound of the Spheres" è
un invito ad aprire nuove visioni e a superare la paura degli ostacoli e della
morte, ricordandoci che "la materia è solo polvere di stelle, il divino è
la nostra fiamma vitale, l'energia spirituale da cui tutto nasce". Le
aspettative sono alte, e la speranza è quella di poter far conoscere questo
"viaggio sonoro" nel corso di concerti live.
Questo nuovo capitolo discografico permette a Paola
Tagliaferro di esplorare la sua vena di cantautrice e la sua ricerca
spirituale, pur mantenendo il suo ruolo di interprete dei classici di Greg Lake
per MANTICORE RECORDS.
Prepariamoci dunque ad un viaggio musicale che trascende i
confini terrestri, che ci condurrà nel cuore profondo del "Suono delle
Sfere", un'opera che promette di incantare e far riflettere, lasciando
un'impronta duratura nell'anima di chi l'ascolta.
Il mio viaggio di ascolto è iniziato dal versante italiano
per poi esplorare quello inglese, ma devo ammettere che indicare una precedenza
sarebbe superfluo. Da qualsiasi punto si imbarchi l'ascoltatore in
quest'odissea sonora, il risultato è un'esperienza coerente e profondamente
gratificante.
"Il Suono delle Sfere" offre un ascolto
indubbiamente piacevole per tutti, ma si rivela un vero e proprio tesoro di
riflessione per chi pensa che la musica sia un potente veicolo di introspezione
e un sentiero verso una consapevolezza più elevata.
Il Suono delle Sfere / The Sound of the Spheres" è
descritto come una "Odissea Progressive Rock". Cosa ha ispirato
questo concept di viaggio cosmico e come si traduce musicalmente in termini di
sonorità e struttura dei brani?
L’album è stato ispirato dal desiderio di andare oltre la
visione della terra, oltre la materia… ricerca e studio. Rudolf Steiner,
filosofo e fondatore dell’antroposofia, ha presentato nei suoi libri una
visione cosmica della vita dopo la morte. Secondo Steiner, l’anima umana
intraprende un viaggio attraverso vari mondi spirituali associati ai pianeti
come Marte e al satellite Luna, soste per prendere consapevolezza del nostro
Karma e prepararci ad una nuova incarnazione. Il ciclo eterno di evoluzione spirituale.
Questi studi mi affascinano e mi appartengono, per me è tutto così naturale. Ovviamente c’è stato anche uno studio scientifico, perché è
affascinate sapere che il nostro pianeta e tutti i pianeti del nostro sistema
solare ruotano attorno al sole sostenuti, nel vuoto, da molti secoli, dalla
fusione nucleare all’interno del sole, dove l’idrogeno viene trasformato in
elio rilasciando enormi quantità di energia.
In termini di sonorità si traduce in istinto e creatività mio
e di Pier Gonella, che abbiamo registrato le tracce con melodie cantate e
assoli. Provvisoriamente abbiamo usato keyboards e batterie digitali, poi Luca
Scherani e Andrea Orlando, le hanno adornate con i loro strumenti e il loro
talento.
La composizione dell’album è iniziata dai testi miei, ad
eccezione di “Marte”, composto dal poeta, scrittore e presidente del Festival
di Poesia di Genova da 30 anni, l’amico Claudio Pozzani, e di “Plutone”,
scritta dall’amico Josè Pulido, poeta, scrittore e giornalista venezuelano.
L'album è disponibile in una suggestiva edizione in doppia
lingua. Come è nata l'idea di questa particolare versione e quali sfide o
opportunità ha presentato il processo di traduzione dei testi?
Gli ultimi miei due album, “Paola Tagliaferro sings Greg
Lake” e “For The Love Of Greg Lake”, con MANTICORE RECORDS, mi hanno avvicinato
in modo più curato alla lingua inglese e ad un pubblico più internazionale. Amo l’idioma italiano e continuerò a cantare nella mia lingua
natia, ma i miei testi parlano di temi profondi, e se ci sono persone
interessate a sentire e a capire in nazioni diverse dalla nostra, cerco di
comunicare anche con loro. Senza nessuna presunzione di perfezione.
Molti testi li ho scritti prima in inglese e poi in italiano,
comunque non è semplice tradurre le canzoni rispettando i contenuti e
mantenendo una sonorità comune. Ho provato e lavorato molto anche su questo,
con la supervisione di una giovane insegnante di madrelingua inglese con cui
discutevo ore sulla sostituzione di ogni singola parola.
ANKH, l'antica chiave egiziana, è il simbolo ispiratore
dell'album. Potresti approfondirne il significato evidenziando il legame con i
temi esplorati nei testi e nella musica?
Ankh la chiave della vita eterna, il viaggio Immortale
dell’Anima. È possibile vederla in molti geroglifici nelle mani di Dei e
Faraoni. Era un importante simbolo nella civiltà dell’Antico Egitto e
si narra che proprio dalla sua forma di croce con un cappio al posto della
parte superiore siano nati i sandali infradito.
Il viaggio tra le Sfere del nostro sistema solare è un
viaggio astrale dell’anima. Ogni pianeta emette delle frequenze e ha un suo magnetismo
che può influire sugli esseri umani e sul nostro pianeta Terra. Il nostro
viaggio astrale nel vuoto infinito è iniziato dalla terra indossando i sandali
con La Chiave D’Oro- Ankh- e poi tutto ha preso forma e suono.
Ogni pianeta del sistema solare è evocato con i nomi degli
antichi dei. Come avete scelto le divinità associate a ciascun pianeta e in che
modo le loro caratteristiche mitologiche si riflettono nella musica e nei testi
dei rispettivi brani?
I Pianeti del nostro sistema solare hanno preso
nell’antichità il nome degli Dei Romani ad eccezione della Terra (Gaia) e Urano
che sono stati associati a due divinità greche. I Romani e Greci e altre
antiche civiltà, osservavano i movimenti dei corpi celesti ed erano affascinati
dal loro comportamento. Questi corpi venivano visti come “stelle erranti”
rispetto alle stelle fisse e in base alle caratteristiche visibili dei pianeti
venivano attribuiti i nomi degli Dei con le stesse caratteristiche.
Mercurio che si muove rapido è il nome del messaggero degli
Dei, con i piedi alati.
Venere che brilla intensamente è il nome della dea dell’amore
e della bellezza.
Marte con il suo colore rosso è il nome del dio della guerra.
E così via…
Ovviamente questo era anche un bisogno culturale di
razionalizzare il cielo, e forse di trovare delle connessioni di frequenze con
il creato. Conosciamo molto poco del mondo spirituale dell’Energia” Divina” che
ha creato tutto ciò che “esiste “nell’UNIVERSO.
Nelle tue note oggettive si cita l’incoraggiamento verso una
visione che va oltre i confini dell'esistenza terrena. Qual è il messaggio
principale che speri di trasmettere agli ascoltatori attraverso questo
"viaggio sonoro"?
È un viaggio sonoro che apre nuove visioni e che incoraggia a
non avere paura degli ostacoli che la vita ci presenta e soprattutto a non
avere paura della morte, perché l’Anima è eterna, lo Spirito divino che è in
noi è Luce Eterna, la vita è scuola per insegnarci ad evolvere conconsapevolezza, i Maestri illuminati ci
indicano le strade, ma basterebbe osservare una sola Legge che si basa sull’
Amore, il Rispetto e la Compassione… non è facile, ma vita dopo vita, se ci
impegniamo, possiamo migliorare il nostro livello.
Le musiche sono nate dalla sinergia creativa tra te e Pier
Gonella. Come si è sviluppato questo processo compositivo a quattro mani? Quali
sono i punti di forza di questa collaborazione?
Io arrivo da esperienze di musica fusion, avanguardia e
improvisazioni spontanee e rock progresssive di Greg Lake, ELP e King Crimson.
Nel 2018 ho scritto “Fabulae”, un altro viaggio spirituale
evolutivo attraverso la ricerca del suono primordiale e le favole.
Pier arriva dalla composizione di molti album Rock Metal con
tre gruppi diversi e negli ultimi anni ha creato migliaia di basi di generi
diversi per studenti online. Comunque abbiamo iniziato a collaborare insieme
nel 2015 con l’album “Fabulae”, e poi abbiamo collaborato anche per “Paola
Tagliaferro sings Greg Lake” e “For the Love of Greg Lake”.
Proprio dopo l’esperienza di questi due ultimi album con i
classici di Rock Progressive ci siamo sentiti pronti per fondere i nostri
talenti e le nostre esperienze. Alla base c’è amicizia e rispetto reciproco dei
nostri talenti.
Avete collaborato con Claudio Pozzani per "MARTE" e
José Pulido per "PLUTONE". Come sono nate queste collaborazioni e
cosa hanno apportato i loro contributi specifici ai rispettivi brani?
È stato un grande onore ricevere il testo di “Marte” scritto
da Claudio Pozzani e il testo di “Plutone” scritto da Josè Pulido, apprezzo
moltissimo entrambi come persone e come poeti, scrittori, giornalisti e
organizzatori. Sono due persone incredibili che danno moltissimo al mondo
dell’arte e della cultura.
La copertina è frutto della collaborazione con la
giovanissima artista Fiamma Diletta Cremonese. Cosa ti ha colpito
particolarmente delle sue opere e come è nata l'idea di questa rappresentazione
eterea del corpo astrale?
Fiamma Diletta cremonese è una giovanissima artista
contemporanea, le sue opere mi hanno sempre colpito perché riesce a
rappresentare la spiritualità della materia. “Il Suono Delle Sfere” è un
viaggio astrale, non fisico, e Fiamma è riuscita a rappresentare con la sua
elaborazione il corpo astrale
Potresti raccontarci di più sul processo creativo che ha
portato Fiamma a realizzare l'immagine di copertina partendo da una tua
fotografia? Qual è il significato che attribuite a questa particolare
rappresentazione?
Io ho creato la foto del mio corpo fisico lanciato verso la
Fonte di Luce Divina da cui tutto nasce, Fiamma ha fatto uscire dalla materia
la mia Luce Astrale che è partita per Il Viaggio Infinito con la chiave di Ankh
tra IL SUONO DELLE SFERE.
È la prima volta che realizzi un progetto discografico con
questa formazione, ovvero con Luca Scherani alle tastiere e Andrea Orlando alla
batteria, oltre ovviamente Pier Gonella: qual è l’attuale dinamica creativa
all'interno del gruppo, tenuto conto che tutti i musicisti citati hanno un
solido background musicale specifico?
Ogni musicista ha arrangiato le parti assegnate ai loro
strumenti con esperienza, maestria e creatività.
La Compagnia Dell’ Es ha cambiato diverse formazioni con i
diversi progetti, ma questa ultima è veramente pazzesca: Pier Gonella eccellente chitarrista e ottimo bassista, Luca Scherani cultore della musica Rock Prog ha una
padronanza delle tastiere e Keybords incredibile, Andrea Orlando è un’eccezionale batterista. Tutti e tre sono anche compositori eccellenti, ma la qualità
più preziosa che li accomuna è la loro personalità forte, positiva e gentile.
Sono tre grandi musicisti e tre persone stupende.
Quali sono le vostre aspettative per l'uscita di "Il
Suono delle Sfere / The Sound of the Spheres"? Ci sono progetti per
presentare l'album dal vivo? Aggiungo, come si inserisce questo tuo/vostro
lavoro rispetto ai tuoi progetti con la MANTICORE?
Certo saremmo tutti e quattro felici di poter portare “Il
Suono Delle Sfere” in concerti Live, speriamo di poterlo fare presto.
Per accordo con MANTICORE RECORDS io rimango interprete dei
pezzi scritti dal grandissimo GREG LAKE, ma sono libera di pubblicare la mia
musica nuova spirituale e di ricerca come cantautrice con OWL RECORDS o altre
etichette.
THE SOUND OF THE SPHERES/IL SUONO DELLE SFERE è una
produzione
Ho avuto modo di imbattermi in una nuova realtà nel panorama
musicale, che emerge dalle sfumature più intense e propone un'interessante
fusione di generi e atmosfere. Si tratta del quartetto The Dark Shades,
di cui fa parte Barbara D'Alessio, batterista, che afferma: "Non
siamo facilmente etichettabili come genere", rivelando la natura
eclettica della band che, pur prediligendo le atmosfere oscure, si nutre di
contaminazioni che spaziano dal rock alla musica classica, dal jazz e
oltre.
Il loro nuovo
singolo, "Avishai", è un sentito omaggio all'omonimo e
talentuoso musicista israeliano, dimostrando una profondità e una passione che
promettono di catturare l'attenzione.
Il brano è strumentale e si muove tra dark, classica e prog,
un crocevia di generi che sfida le facili etichette.
L'ascolto rivela una predilezione per i tempi dispari di
Barbara, che conferiscono al brano una tessitura ritmica complessa e
avvincente. La melodia portante della chitarra elettrica, mi ha riportato alla
mente una vecchia traccia anni ’70 degli olandesi Focus (Happy Nightmare-Mescaline)”, ma trattasidi un'impressione fugace e circoscritta a quel
particolare passaggio melodico (che probabilmente nessuno, giustamente, coglierà!), poiché il genere complessivo dei The Dark Shades, con le sue
influenze jazz fusion e le atmosfere più cupe, si discosta nettamente da una etichettatura ortodossa.
Con "Avishai", i The Dark Shades dimostrano una
notevole abilità nel creare un suono distintivo, combinando elementi diversi in
una proposta intrigante e di carattere.
Riepiloghiamo...
La scena musicale ligure e italiana è ricca di artisti di
grande calibro che, con la loro passione e dedizione, hanno contribuito a
plasmare diversi generi musicali. Tra questi incontriamo oggi la citata batterista Barbara
D'Alessio, il pianista e compositore Domenico Berta, il bassista Luciano
"Lucido" Susto e il chitarrista Paolo Ballardini. Le loro
carriere, costellate di importanti collaborazioni e progetti innovativi,
offrono uno spaccato del talento e della versatilità che caratterizzano il
panorama musicale contemporaneo.
Scopriamo un sunto della loro vita artistica.
Barbara D'Alessio, tra jazz, rock e collaborazioni
d'eccellenza
Con una formazione di prim'ordine con maestri come Ellade
Bandini e Christian Meyer, Barbara D'Alessio si è affermata come una
delle batteriste più apprezzate in Italia. La sua versatilità l'ha portata a
esibirsi in tour di alto profilo al fianco di artisti come Massimo Ranieri, Irene
Zucchero Fornaciari e Mariangela Melato. La sua presenza è stata notevole in
eventi di settore come "La Notte delle batterie" e vari festival
dedicati alla batteria, oltre a partecipare a programmi televisivi nazionali.
Nel mondo del jazz, Barbara ha collaborato con nomi illustri
come Scott Hamilton e Pippo Matino, partecipando a numerosi festival. La sua
discografia include il suo primo CD solista, "A Dark Soul" (2021), un
intrigante mix di jazz, rock e prog, e la partecipazione a progetti come "Scream"
con il Power Trio (Domenico Berta e Luciano Susto) e "Le Muse play
Morricone". La sua creatività si estende anche alla produzione audio/video
di brani originali e alle recenti uscite digitali come il singolo "I KNOW"
(2024).
Domenico Berta: tra classica, rock e cantautorato
Domenico Berta, pianista, compositore e arrangiatore, è un musicista di
profonda esperienza e raffinatezza. La sua formazione al Conservatorio Nicolo
Paganini di Genova gli ha fornito una solida base nella musica classica e nella
composizione. La sua personalità creativa e la padronanza delle tecniche
artistiche lo hanno reso un collaboratore ricercato in svariati generi
musicali, dal classico al rock/dark, passando per il cantautorato.
Tra le sue collaborazioni più significative spiccano quelle
con il Maestro Manlio D'Angelantonio e il Maestro Giuseppe Bisio. È un elemento
chiave del B.A.D. Trio con Barbara D'Alessio e Luciano Susto, con cui ha inciso
il CD "Scream". Berta ha inoltre contribuito a progetti teatrali come
"Lacattivastrada" con Aldo Ascolese e Cristina Sarti, e ha suonato al
fianco di leggende come Amedeo Minghi (al Memorial Tenco), Francesco Guccini e Aldo
Ascolese, dimostrando la sua capacità di adattarsi a contesti artistici diversi
e di alto livello.
Luciano "Lucido" Susto: tra jazz, tango e collaborazioni
sconfinate
Luciano "Lucido" Susto, bassista, compositore e
arrangiatore, vanta una carriera estesa e ricca di esperienze, consolidata dal
diploma al Centro Professione Musica di Milano. La sua abilità tecnica e la sua
versatilità lo hanno portato a collaborare con un'impressionante lista di
artisti e progetti, spaziando dal jazz al rock, dal pop al tango.
Dal 1996, Susto ha avuto un sodalizio artistico duraturo con
il chitarrista Armando Corsi, esibendosi in tour nazionali e internazionali e
partecipando a importanti trasmissioni RAI e al Premio Tenco. Ha fatto parte
della "The Great Naco Orchestra" e ha dato vita a progetti solisti e
duo come "Boom-La" e "Susto-Soranzio", quest'ultimo
dedicato ad arrangiamenti di arie d'opera e canzoni d'autore. La sua presenza è
fondamentale nel Bad Trio (Barbara D'Alessio, Domenico Berta) e nel movimento
"Intersezionismo Speculare", a testimonianza della sua continua
ricerca e sperimentazione musicale. Dal 2007, Luciano insegna, trasmettendo la
sua vasta esperienza alle nuove generazioni.
Paolo Ballardini: tra musical e star internazionali
Con due decenni di esperienza, Paolo Ballardini si
distingue come un chitarrista e musicista di sessione di rara versatilità. La
sua carriera lo ha visto calcare palchi di fama mondiale, esibendosi con
artisti italiani e internazionali del calibro di Renato Zero, Fiorella Mannoia,
Gianna Nannini, Nile Rodgers, Christopher Cross e Gloria Gaynor. La sua
presenza è stata costante nelle produzioni televisive RAI e come chitarrista
solista in acclamati musical internazionali come "Mamma Mia!" e
"Chicago".
Ballardini ha anche partecipato a tournée internazionali,
come quella in Canada con Fausto Leali e Marcella Bella, e il tour europeo
dell'opera rock "Excalibur". Oltre alle esibizioni, Paolo è un
compositore prolifico con il suo progetto BALLARD, collaborando con artisti
internazionali come Derek Sherinian. Il suo stile, che fonde sonorità
funky/blues con tecniche shred in stile fusion, è un equilibrio perfetto tra
abilità tecnica e profondità espressiva, rendendolo un chitarrista coinvolgente
e ammirato.
Insieme, Barbara D'Alessio, Domenico Berta, Luciano Susto e
Paolo Ballardini rappresentano un esempio brillante del talento e della
professionalità nel panorama musicale, continuando a ispirare e a innovare con
le loro diverse e ricche carriere.
