Plurima Mundi-“Percorsi”

Plurima Mundi-“Percorsi”

E' passato davvero tanto tempo dal rilascio del primo atto dei Plurima Mundi, ma questo secondo episodio musicale, Percorsi, è una chicca che  riconcilia con il mondo della musica in un momento di crisi generale significativa, e lo spazio temporale che unisce Atto I - l’album dell’esordio - all’attualità, ha permesso di elaborare esperienze e riflessioni sonore che rendono il presente lavoro davvero piacevole: mi sono emozionato ascoltandolo, e tutto questo sfugge a ogni tipo di razionalità.

Plurima Mundi significa essenzialmente Massimiliano Monopoli, perché è lui il driver di un autobus sempre in movimento, che ad ogni fermata favorisce l’andirivieni dei passeggeri, che a volte ritornano, e spesso lasciano il posto a nuovi sodali, consci della direzione impostata e con piena fiducia in chi gestisce il percorso. Ed è proprio Monopoli che, a seguire, dà luce ai rivoli del suo brillante progetto, rispondendo alla mie domande.

Sono quattro le tracce proposte - con bonus track finale che riporta la versione “single” di uno dei brani, L… Tu per sempre - suddivisi su circa quaranta minuti di musica magica.

Esordio strumentale - la lunga Eurasia, quasi undici minuti - che colpisce duro per effetto di un impatto avvolgente, con il violino in primo piano e frequenti “cambi atmosferici”, sostenuti da una sezione ritmica di primo piano e una buona attenzione per l’aspetto melodico.

Nei passi successivi - E mi Vedrai... per te, L. ... Tu per Sempre, Male Interiore - entra in scena la preziosa voce di Grazia Maremonti, e arrivano i significati, i messaggi legati ai contenuti racchiusi nel binomio spazio/tempo, un contenitore capace di intrappolare momenti che, grazie alla musica, possono essere condivisi e divenire pubblici, didascalici o meramente da godere in tutta semplicità.

Ruolo importante quello di Maria Giuseppina Pagnotta, scrittrice, che ha prodotto liriche che perfettamente si sposano alle composizioni di Monopoli.

Gli amori finiti, le persone che non ci sono più, i dolori che si accumulano e si portano dentro, i disagi del quotidiano… tutto questo è disegnato dalla musica dei Plurima Mundi, sonorità adatte a differenti situazioni, e proprio per questo collocabili nella area progressiva, anche se cercare un’etichetta precisa non è poi così importante. Ma la completa libertà espressiva e l’interazione strumentale - poco consona alle rigide regole - fa sì che si possa parlare di un ottimo prodotto di “Prog Italiano”…  e la speranza è che l’attività dei Plurima Mundi prosegua con una buona frequenza, per la felicità di chi è stato toccato dalla loro gioia musicale.

L’INTERVISTA A MASSIMILIANO MONOPOLI

Sono passati molti anni, mi pare sette, da quando commentai il vostro album d’esordio: cosa è accaduto in tutto questo tempo e perché uno spazio temporale così grande tra i due lavori?

In questo tempo  sono accadute varie vicende personali e cambiamenti nella vita che, da una parte hanno  fatto volare gli anni, mentre dall’altra hanno dato spunto al nuovo lavoro dal titolo “Percorsi”, distribuito dalla BTF, che si basa proprio sul percorso  effettuato durante questo periodo lontano a livello discografico seppur, in crescita  per quanto concerne l’attività live.

La formazione nel frattempo è cambiata…

Come dissi anni fa in più occasioni questo, più che essere un gruppo, è un progetto. In questi anni ci sono stati avvicendamenti e ritorni nella formazione, e la cosa bella è che siamo rimasti in ottimi rapporti con tutti gli ex elementi, che ho anche  ringraziato nei credits del CD. L’attuale formazione, che vede me (Massimiliano Monopoli) al violino elettrico, Massimo Bozza al basso, Grazia Maremonti alla voce, Silvio Silvestre alla chitarra, Lorenzo Semeraro al piano elettrico e Gianmarco Franchini alla batteria, ha da qualche anno una certa stabilità, ma non è escluso che, in un immediato futuro, possa esserci qualche ritorno di chi  negli anni scorsi ha contribuito  umanamente e musicalmente alla continuazione di questo progetto.

Il nuovo disco si intitola “Percorsi”: me ne parli?

Come ho scritto, “Percorsi”, è un lavoro che si basa su ciò che è accaduto in questi anni. Mi è piaciuto fare un viaggio non tanto immaginario all’interno della mente umana con l’iniziale “Eurasia”, brano strumentale, che “espone” le nostre radici  musicali contaminate con ciò che sentiamo in giro ed anche da ciò che si vede e si vive  giornalmente nella società. Il secondo  brano “… Per Te”, è un doveroso ricordo di una persona  speciale che non c’è più, il cui distacco è stato doloroso anche se, verso la fine, c’è una specie di promessa  e speranza di rivedersi nell’altra dimensione, con amore e serenità. Il terzo Brano “L…” è il racconto di un grande amore finito in modo strano ed inatteso, dura più di otto minuti ma è stato concepito e completato in soli tre giorni. L’ultimo, “Male Interiore”,  è una specie di riflessione finale che, sviluppandosi, lascia  lo spazio a varie interpretazioni non definitive. La bonus track è la versione single di “L” , iniziato come un piccolo scherzo ma che, riascoltandolo, è la parte essenziale oltre che del brano, direi, dell’intero CD. Quello che mi piace ricordare è la bella e spontanea collaborazione con la scrittrice Maria Giuseppina Pagnotta, con cui si è subito entrati in sinergia. Le musiche che ho composto  sono state magnificamente narrate con i suoi testi che, se ben ascoltati, facilitano a capire l’intero lavoro.

Come si ricollega al lavoro precedente?

Questo è un lavoro  che volevo si discostasse dal precedente per vari motivi. Non ci si può ripetere e creare delle idee musicali che si possono ben sviluppare, non è facile seppur affascinante. Sicuramente si sente un marchio di fabbrica riconoscibile nel sound. Il mio violino elettrico, il basso di Massimo Bozza e la voce di Grazia Maremonti sono la continuità sonora di ciò che fu il primo lavoro, ma la costruzione e gli arrangiamenti dei brani, secondo me, hanno un’impronta diversa, con meno rimandi al prog, con una tessitura armonica un po’ più fluida, mantenendo una certa melodicità. Dopo un primo ascolto qualcuno ha detto e scritto che è musica non etichettabile in cui si trovano vari stili ed, anche, sonorità da musiche da film. Beh questo era un po’ il mio obiettivo… andare avanti… speriamo di esserci riusciti!

Lo avete già presentato dal vivo? Sono previste date nell’immediato?

L’estate scorsa lo abbiamo testato interamente dal vivo, proprio per constatare l’impatto  e la reazione di chi è venuto ad ascoltarci. Tutto ciò ci ha dato  la tranquillità di poterlo incidere in un giorno, tranne la voce che è stata messa dopo per ovvi motivi tecnici di registrazione. Sì, sono previste date a cominciare dalla prossima primavera. Chi segue la nostra pagina Facebook  viene sempre informato in real time, un po’ come è accaduto per le varie fasi di realizzazione del CD.

Come giudichi lo stato del prog in questo particolare momento e quello della musica italiana in generale?

Non mi piace la parola  giudicare, al massimo posso esprimere un mio personale parere. Sinceramente non seguo molto la scena prog perché la reputo un po’ troppo ripetitiva negli schemi che si rifanno, stilisticamente, ai grandi del passato. Ci sono tanti gruppi tecnicamente validi e di alto livello. Quello che manca è l’aspetto melodico che secondo me è, invece, molto importante per potere realizzare qualcosa di fresco ed immediato, che possa sposarsi bene con  quello ritmico che dà la spinta al tutto. Senza una buona melodia anche i più grandi musicisti, alla lunga, possono diventare noiosi. La musica italiana? La definirei in “prognosi riservata” in attesa dell’auspicato risveglio dall’agonia dei falsi miti creati dai talent televisivi,  che danno spazio all’immagine ed al riciclare minestre sin troppo riscaldate. C’è poca creatività e, parere personale, forse “qualcuno”  vuole che vada cosi.

Hai già idea di quale potrebbe essere il futuro prossimo di Plurima Mundi?

Una cosa è certa. Non passeranno sette anni per il prossimo lavoro. Vorrei realizzarlo  entro due anni per concludere la mia idea iniziale di volere incidere tre lavori in dieci anni. Spero di farcela ma, a parte i numeri, sarà la creatività a fare capire quanto e quando potrà essere realizzato. Produrre un CD giusto per farsi vedere sul mercato non serve a nulla. Se, invece, il contenuto sarà all’altezza, ci sentiremo, moderatamente, presto!

Tracklist

1. Eurasia

2. E mi Vedrai... per te

3. L. ... tu per Sempre
4. Male Interiore (La Mia Età)

5. L. ... tu per Sempre (Single Version) (Bonus Track)

Line-up

- Massimiliano Monopoli / violin
- Grazia Maremonti / lead vocals
- Massimo Bozza / bass guitar
- Silvio Silvestre / electric guitar
- Gianmarco Franchini / drums & percussion

- Lorenzo Semeraro / piano

PRESENCE-“MASTERS AND FOLLOWING”

PRESENCE-“MASTERS AND FOLLOWING”

Black Widow

E’ stato rilasciato nell’ottobre scorso, a distanza di otto anni dal precedente “Evil Rose”, Masters And Following, nuovo album dei Presence. 

Il doppio CD, con una seconda parte live, rappresenta un’ottima occasione per chi conoscesse in modo superficiale il lavoro di questa band, essendo la somma di brani inediti e di spezzoni di precedenti concerti, dai quali si può trarre una sintesi della loro filosofia musicale.

La band è consolidata e vede in rilievo la frontwoman Sophya Baccini alla voce, Enrico Iglio alle tastiere e percussioni e  Sergio Casamassima alle chitarre.

Ho rivolto a Sophya alcune domande che riporto a seguire assieme al pensiero dell’artista, e ciò permette di afferrare qualche dettaglio oggettivo e di fare il punto sull’attuale situazione del gruppo.

Conosco la frenetica attività della cantante napoletana, che immagino sia affiancata – come intensità – da quella dei suoi compagni di viaggio, e questo pensa possa spiegare una discografia ridotta quantitativamente, se messa in relazione ai 27 anni di vita, ma i Presence si sono ormai ritagliati un ruolo importante in un settore particolare della musica, anche oltre i confini nazionali.

Masters And Following è quindi diviso in due parti ben distinte.

Nel primo CD troviamo la nuova fase “studio”, con tracce inedite e la proposizione di tre cover rivisitate secondo lo “stile Presence”: la mitica “The house of the hill” degli Audience, “Freeweheel burning”dei Judas Priest e “This town ain’t big enough for the both of us” degli Sparks.

La scelta di questi brani fornisce l’immagine attuale e precisa della band, da sempre ammantata da atmosfere dark e metalliche, ma affascinata dalla musica progressiva, quella più moderna e meno innamorata del “rimirarsi allo specchio”. E sì che ce ne sarebbe di materia per crogiolarsi dietro ad enormi skilss, vista la perizia tecnica, l’esperienza e il gusto di questi tre artisti ma, nonostante la presenza della forte personalità musicale di una delle vocalist più importanti nel circuito, ciò che emerge è l’amalgama, la miscela di competenze che produce tracce coinvolgenti.

Il tema proposto è una sorta di parallelismo tra epoche storiche differenti, con la sottolineatura della pochezza culturale in cui stiamo vivendo, momenti socialmente drammatici che si riversano su ogni rappresentazione del quotidiano e in tutte le varie sfaccettature racchiuse nella grande famiglia a cui generalmente attribuiamo il nome “ARTE”.

Sono 13 i brani del CD n.1, un viaggio sonoro e di atmosfera che non lascerà insoddisfatti gli amanti del rock a tinte scure. L’assimilazione completa necessita di ascolti ripetuti e approfonditi, e a quel punto diventerà chiaro come un prodotto esteticamente centrato possa essere anche di facile ascolto e accessibile ad un pubblico meno specifico del solito.

L’artwork, di cui parla la Baccini nel corso dell’intervista, contribuisce a confezionare il perfetto abbinamento musica-immagini-significati, oltre ad assumere un forte valore simbolico rispetto al messaggio dichiarato.

Il secondo CD è quello della rappresentazione di ciò che è stato, e permette di eseguire un’opera di comparazione rispetto al presente.

Come accennavo trattasi di un live, dove le 8 tracce iniziali – tra cui “Un dì quando le veneri”, tratto da “La traviata” di Verdi – sono la sintesi significativa di un lavoro iniziato lustri fa, a cui si aggiungono 6 episodi realizzati con orchestra.

La qualità non è eccelsa, ma la tecnologia dà modo di sopperire a pecche dovute alla registrazione, e il documento sonoro derivante diventa importante e complementare alla sezione iniziale: anche questo doppio volto, che si chiarisce nel corso dell’ascolto dei due CD, permette di creare un bilancio e di verificare un’evoluzione che è propria di ogni musicista.

Una sottolineatura per le capacità vocali e interpretative della Baccini messe a disposizione della musica, ambito in cui Sophya può giocare qualsiasi tipo di ruolo, dal classico al rock, dalla tradizione alla sperimentazione.

Un disco che non deluderà…

L’INTERVISTA

E’ da poco uscito per BWR l’album dei Presence “Masters and Following”: riesci a raccontarne i contenuti lirici e quelli prettamente musicali?

L'intenzione iniziale era quella di celebrare i 25 anni di attività con un album che comprendesse gli aspetti principali di tutto il nostro percorso. Musicalmente è l'album più completo che abbiamo mai realizzato. Abbiamo cercato di creare un parallelismo con i tempi storici in cui ci troviamo e la musica, intesa anche come arte figurata. Questo è anche l'aspetto che si trova nei testi, una riflessione approfondita sulla deriva e l'inconsistenza delle società attuali, forse provocata anche dall'urgenza dell'immediato.

Trattasi di un doppio CD che presenta una cospicua  parte live e una sezione orchestrale: una esplosione dopo una discreta “latitanza”…

Sicuramente per realizzare 'Masters and following'abbiamo impiegato molto tempo, in fase di scrittura prima e realizzazione poi... comunque ci sono state molte collaborazioni sia in studio che live, che hanno un pò dilatato i tempi.

A proposito, i tuoi impegni sono molteplici ma… che cosa rappresenta per te il progetto “Presence”?

I Presence sono il mio orgoglio, la mia palestra, la mia scuola, la mia prima espressione vocale nell’ambito del rock. Senza i Presence, e tutto il lavoro certosino di ricerca che abbiamo fatto insieme, non sarebbe mai esistita Sophya Baccini, non avrei mai avuto il coraggio di incidere un lavoro solista prima, “Aradìa”, e di formare i Sophya Baccini’s Aradia poi, registrando “Big Red Dragon”, con tutta la galleria di ospiti che vi hanno partecipato: Sonja Kristina, Christian Decamps, Lino Vairetti e lo stesso Enrico Iglio tra gli altri, per i quali ho scritto tutti brani originali cercando di rispettare la loro personalità. Non è stato facile ma, ripeto, avevo ormai le spalle forti dopo quasi 25 anni di militanza in una band così particolare, e musicalmente “esigente”.

Mi parli della tua squadra al lavoro, guests compresi?

Con i Presence in studio tendiamo a fare quasi tutto noi tre. Naturalmente ci sono musicisti che collaborano con noi, essenzialmente la sezione ritmica, così come nei concerti.

Nell’album sono presenti tre covers: con che criterio sono state scelte per essere funzionali al progetto?

Anche qui la lettura dei testi, in modo personale a volte, ha influenzato la scelta. Comunque sono alcuni dei gruppi che meglio hanno rappresentato le fasi di cambiamento che la musica, come la società, ha attraversato negli ultimi decenni.

Mi parli dell’artwork, decisamente azzeccato e sintesi del genere musicale che proponete?

La cover rispecchia quello che è il significato generale dell'album... la villa antica e fatiscente, che mostra il passato splendore potrebbe essere una rappresentazione dell'arte allo stato attuale, non tanto come qualità, ma come collocazione anche anacronistica del suo significato reale nel contesto dei tempi attuali, è stata magnificamente interpretata, secondo me, da Maru Maratesta che è l’autrice del disegno.

Come definiresti a parole la vostra musica?

In passato ci sono state molte definizioni al nostro sound, come 'prog metal dark' oppure 'heavy progressive', o ancora'art rock', ma a noi piace pensare ai Presence come una rock band.

Avete pianificato date live o incontri di presentazione del disco?

Stiamo pianificando alcuni concerti per la primavera inoltrata e anche una presentazione per la stampa al Palazzo delle Arti di Napoli. Inoltre dovrebbe uscire, entro l'anno, la ristampa rimasterizzata dei nostri primi due lavori, 'The Shadowing' e 'Makumba', in un unico full lenght CD; sono cose un tantino lunghe da organizzare, ma ci siamo quasi..

In questo mondo così decimato da azioni che si nascondono dietro a ideologie e religioni, che ruolo può avere la musica… quale contributo reale può dare l’arte in senso generale?

L'arte dovrebbe aiutare ad avvicinare le persone agli aspetti 'alti' della vita, alle riflessioni più profonde... purtroppo è facile strumentalizzare un quadro o una canzone facendone perdere il significato originale, rendendolo così solo un 'mezzo' per attestare questa o quella logica... forse è nelle sfere più recondite dell'anima che le arti potrebbero portare a qualche riflessione concreta, ma molto probabilmente dipende dallo spazio che l'arte stessa saprà ritagliarsi nell'incoerenza sociale e nell'improvvisazione generale di cui siamo testimoni.

Cosa c’è dietro l’angolo per Sophya Baccini… cosa per i Presence?

Ho appena saputo che con i Sophya Baccini’s Aradia parteciperò al Veruno 2days of prog+1 Festival, il 3 settembre 2017. Avremo come special guest Christian Decamps degli Ange, che si esibirà per la prima volta in Italia.

Faremo anche altri concerti con questa band, a partire dal prossimo aprile.

Con I Presence sono in programma presentazioni del nuovo album e concerti in primavera/estate, e, come ti ho già detto, la ristampa dei primi nostri due album.

TRACK-LIST

CD 1

MASTERS AND FOLLOWING

DELIVER

NOW

INTERLUDE

THE HOUSE ON THE HILL (Audience cover song)

FREEWEHEEL BURNING (Judas Priest cover song)

SPACE SHIP GHOST

THIS TOWN AIN’T BIG ENOUGH FOR THE BOTH OF US (Sparks cover song)

PRELUDE

SYMMETRY

COLLISION COURSE

ON THE EASTERN SIDE

THE REVEALING

CD 2 (LIVE)

SCARLET

THE SLEEPER AWAKES

LIGHTENING

THE DARK

EYEMASTER

JUST BEFORE THE RAIN

THE BLEEDING

UN DI’ QUANDO LE VENERI

Orchestral:

OVERTURE

HELLISH

J’ACCUSE

MAKUMBA

SUPERSTICIOUS

THE KING COULD DIE ISSUELESS

Sophya Baccini: Vocals

Enrico Iglio: Keyboards, percussions

Sergio Casamassima: Guitars

Guests:

Sergio Quagliarella: Drums

Mino Berlano: Bass

Amos Amaranti: il lato prog dei Nomadi

Ho sempre seguito i Nomadi… avevo i pantaloni corti e “Noi non ci saremo” faceva già parte del mio iniziale bagaglio musicale: avevo 8 anni.

A quell’età ricordo di aver passato qualche giorno vacanziero a Novellara, la tana del lupo.

Col passare del tempo i miei orizzonti si sono ampliati, ma i Nomadi, così come molti altri gruppi dell’era beat, mi hanno accompagnato con tutte le loro puntate discografiche significative.

Ma mi ero perso qualcosa, che ho ritrovato casualmente in questi giorni grazie alla segnalazione di un amico: il lato prog dei Nomadi, una serie di jam che mi sembrano testimonianze significative.

Curiosando ho scoperto che le registrazioni antiche, rimaste nascoste in chissà quale cassetto per lustri, sono emerse grazie a Amos Amaranti, chitarrista del gruppo per nove mesi, cultore del genere.

Sono reperti “ruspanti”, con un audio precario, ma che probabilmente potrebbero trovare spazio in qualche vinile per appassionati della musica progressiva.

Sono poi rimasto di sasso nell’ascoltare “Lookin’ For Someone”, brano dei primi Genesis, con la voce di Augusto Daolio ed una parte strumentale importante.

Propongo l’audio a fine articolo.

Ma chi è Amos Amaranti?

Di lui ho trovato queste note in rete.

Giovanissimo, ha fatto parte del gruppo dei Nomadi nel 1972, in primavera per un periodo di nove mesi partecipando al "Disco per l'estate" a Saint-Vincent dove fu lanciato il brano Io Vagabondo, senza tuttavia collaborare con la band alla registrazione del singolo. Durante quel periodo partecipa invece all'incisione di altri due brani, Vola ed Eterno. Dopo l'uscita dal gruppo ha continuato a collaborare con i Nomadi prendendo parte alla registrazione del brano Quanti anni ho nel 1973. Ha poi proseguito la sua esperienza musicale con concerti e collaborazioni con altri gruppi.

L’ho intercettato e ha accettato di rispondere a qualche domanda…

L’INTERVISTA

Ho ascoltato la prima canzone dei Nomadi a 8 anni, nel 1964, e nel tempo li ho più o meno seguiti, anche sei i miei amori sono maggiormente legati alla musica progressiva.

E’ stata per me una grande sorpresa trovare le vecchie registrazioni prog da te caricate su youtube: mi racconti a quando risalgono, e il contesto in cui sono nate?

Risalgono alla primavera del ‘72, quando Corrado Bacchelli, il primo produttore dei Nomadi, mi chiese se volevo far parte del gruppo. Il contesto in cui nacquero era relativo ad un album che avremmo dovuto fare appunto con i provini che ho caricato in rete, registrati con un microfono  panoramico in mezzo alla sala prove con un Revox, infatti le parti non si distinguono bene. L'album però non vide mai la luce.

Eri solo tu l’amante del genere o la passione era condivisa anche con gli altri membri?

No, anche Augusto era interessato a Chris  Farlowe, il cantante dei Colosseum, molto probabilmente a causa delle analogie che c'erano col il suo timbro e la potenza  di voce.

Qual è stata la tua storia all’interno della band? Immagino ci saranno state visioni diverse!

La mia storia all'interno della band nacque appunto nella primavera del ‘72 a causa dell’uscita del chitarrista Franco Midili.

Ho trovato con sorpresa una genesisiana “Lookin’ For Someone”: erano i Genesis il vostro punto di riferimento prog o c’erano altri gruppi?

Mah… dei Genesis abbiamo rifatto / riarrangiato  il brano  “Lookin’ For Someone” inserendo momenti diversi ed anche più rockeggianti, infatti ci sono degli spazi ad hoc per degli assoli. Io però in quel periodo ascoltavo gli Yes, che era la mia band preferita.

Come si inseriva la voce di Augusto in un contenitore più articolato e più dedicato ai percorsi strumentali?

Si inseriva egregiamente!

Dove avevi messo tutto il materiale? Erano bobine nascoste in qualche soffitta?

 Sì, avevo ed ho ancora le bobine

In che rapporti sei rimasto con i Nomadi restanti?

Vedo un pò tutti, anche se raramente, a parte Chris che abita a Modena.

Che cosa hai fatto, musicalmente parlando, da quegli anni ai giorni nostri?

Ho suonato con diversi gruppi affiancando un lavoro diverso.

Qual è la tua attuale attività?

Lavoro presso l'Azienda di trasporti di Modena.

Hai qualche rimorso o rimpianto rispetto alla tua storia di vita?

 Mah, direi di no.

Lookin' for someone

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Luciano Boero: “Prati di lucciole per sempre”

Sono ormai abituato, piacevolmente, alle escursioni letterarie di Luciano Boero, cofondatore della Locanda delle Fate ma, evidentemente, i suoi talenti superano quello per cui era conosciuto ai più.

Ho letto i suoi libri - almeno quelli di cui sono a conoscenza - e posso dire che so ormai molto di lui, della sua famiglia, delle sue vicende, dell’evoluzione di un’epoca in un contesto geografico che mi è chiaro e “vicino” - il Piemonte e confini -, così come mi è consona la scelta musicale di una vita, un genere che per comodità sintetizzo col termine “Prog”.

Parlando di progressione, devo dire che dalla mia prima lettura - “La mia chitarra suona il rock”, quattro anni fa -, passando per “Soldato da otto soldi”, del 2015, Luciano ha preso confidenza con la penna virtuale, affinando la sua scrittura che ora appare matura, piacevole e seriosa, capace di nascondere, e successivamente estrapolare al momento giusto, concetti giganteschi, che pesano, anche se detti con il sorriso sulle labbra.

Luciano Boero, con questo “Prati di lucciole per sempre”, chiude un cerchio, e lo fa utilizzando una parte precisa della sua vita, gli ultimi quarantacinque anni, quelli che hanno visto la nascita, lo sviluppo, l’accantonamento e il rifiorire di un progetto incredibile, quello legato alla prog band Locanda delle Fate. E le vicende personali trovano punti di riferimento e legame nei particolari attimi di esistenza, un continuo rincorrersi di eventi puntellati da rimembranze sonore.

E’ un romanzo… che cosa, meglio della vita vissuta, potrebbe fornire gli elementi appropriati?

E’ una storia… fatta di amicizia solida e di grandi soddisfazioni professionali, con un elemento preponderante, la passione, che dovrebbe essere didattica pura per i nostri giovani, che potrebbero trarre insegnamento dall’impegno/entusiasmo messo da Boero & friends su di un’impervia via verso la realizzazione di un progetto ambizioso, dove le sole skills sarebbero risultate insufficienti per raggiungere la meta.

La Locanda delle Fate, dal punto di vista meramente musicale, non aveva niente da invidiare alle band coeve più famose, e il motivo principale che impedì loro il grande successo commerciale nei seventies - quello che ti consegnava alla storia - è legato al leggero ritardo temporale rispetto ad altri gruppi. Sembra impossibile da spiegare, ma è successo a molti, e in alcuni casi il “disco nel cassetto” è uscito solo a distanza di lustri: se si proponeva musica originale e di qualità, legata alle linee guida romantiche in voga all'epoca in ambito rock, lo si poteva fare entro il ’75, prima che cantautori impegnati e la “Disco” frivola saturassero il mercato. E così un album come “Forse le lucciole non si amano più”, uscito nel 1977, non poté avere grande successo di vendite, quello richiesto dalle etichette discografiche: anche in quei giorni antichi la parola “businnes” imperava, seppur mascherata da altri sostantivi.

Ma che soddisfazione presentarlo in RAI! Ragazzi talentuosi della provincia che dimostravano di avercela fatta, arrivando allo stadio più elevato, quello che contava ieri, quello che conta oggi.

A volte i sogni si avverano, ed è di un grande sogno che Luciano scrive, un obiettivo separato dall’evolversi della linea temporale, se è vero che la Locanda è tuttora in attività.

Non so se esistono contenitori di vita paragonabili a quello della musica, dove il passare del tempo può fornire delle seconde chance potenti, che oltrepassano quindi ciò che è stato.

Il tempo scorre inesorabile, e l’esperto, il “non più giovane”, trova davanti barriere insormontabili, in qualsiasi rappresentazione del quotidiano, ma la storia raccontata dall’autore testimonia che esistono possibilità di rivincita, e riprendersi uno spazio perso, che spetta di diritto, è a volte possibile.

Le vicende della Locanda sembrano arrestarsi ad un certo punto, momenti in cui la realtà si erge davanti come muro invalicabile, e le scelte diventano obbligate: una famiglia da creare e coccolare, un lavoro da migliorare, una carriera da perseguire. Ma le passioni, quelle vere, non si affievoliscono mai, ed ecco che il nuovo millennio regala soddisfazioni enormi e inaspettate, con i successi Giapponesi - dove la Locanda è considerata band stellare -, messicani, europei e, of course, italiani.

E’ anche l’occasione per ripercorrere quasi mezzo secolo di fasi musicali salienti presentate da altra prospettiva, quella solitamente ad appannaggio degli addetti ai lavori, e lo svolgersi del racconto permette di entrare nei dettagli, nei meandri più reconditi, per carpire aspetti tecnici e sottolineare relazioni umane che a volte entrano in conflitto, ma trovano sempre un punto di incontro, se l’amicizia viene considerata il valore più importante, il collante che cementa per sempre. Senza tale “corrispondenza di amorosi sensi” - sì, e di amore che si parla, per la musica e per chi aiuta a crearla con unità di intenti - non sarebbero spiegabili le fatiche protratte nel tempo a cui si sottopongono Luciano, Oscar, Alberto, Leo, Michele, Giorgio, Ezio, tanto per citare la line up di “Forse le lucciole…”, e trovarli ancora oggi sul campo fornisce il senso della famiglia allargata, pronta a condividere gioie e dolori, con intemperanze e ripensamenti, perché “le teste” in una casa sono spesso di diverso pensiero, come è giusto che sia.

Tra le pagine si leggono i nomi di figure mitiche della musica, e come sempre accade l’effetto domino porta a ripescare cose ormai dimenticate, accanto a fatti recentissimi, e le ere si mischiano, condite da aneddoti e citazioni.

Resta un sottofondo dolceamaro, la sottolineatura di un cerchio che inevitabilmente si chiude… si chiuderà per tutti noi, troppo presto, qualunque sia il momento che qualcuno ha scelto in nostra vece.

Scrive Luciano Boero nell’ultima pagina: “Nonostante un oceano di acqua sia passato sotto i ponti, la mente va ancora alla cantina di Corso Savona. Non era certamente la brama di denaro o di successo a tenerci incollati agli strumenti fino a notte fonda. Cos’era allora se non la voglia di dar corpo ai nostri sogni?”.

Sogni perseguiti, sogni realizzati… e arriva il tempo della serenità.

La reunion degli anni ’90 culmina con un album che avevo sottovalutato, ripescato proprio a seguito della lettura. Il nome è “Homo homini lupus”, e fu accolto con meno entusiasmo del precedente, forse perché in logica deviazione rispetto al riferimento di “Forse le lucciole…”. In realtà presenta sonorità più adatte ai tempi, ma, per chi ama incanalare tutto in etichette precostituite, lo si può considerare a tutti gli effetti un disco di neo prog. Riascoltandolo, sono rimasto fortemente colpito da un brano, “La fine”, di cui parlerò in altro articolo nei prossimi giorni. Credo sia il più rappresentativo della parabola che più o meno volontariamente Boero ha tracciato nel suo libro, e la metafora da lui inventata - è suo il testo - ci racconta in pochi versi una realtà che diventa sempre più nitida mano a mano che i giorni scorrono rapidi. La musica di Ezio Vevey e gli arrangiamenti della band forniscono al brano un sapore aulico, carico di spleen, e tutto questo lascia il segno.

La Locanda delle Fate ha annunciato il tour di addio per il 2017: forse ci sarà un’altra reunion nel 2027, chi può dirlo! Ma se così non fosse resterà comunque la loro musica, e grazie a Boero anche una storia abbinata ad essa. 

Credo che Luciano abbia scritto soprattutto per sé stesso, per metter a posto la punteggiatura della sua vita, per non lasciare nulla di incompiuto, ma tutto questo dispendio di energie potrebbe diventare un ausilio per chi verrà dopo di noi, perché la storia va studiata, aiuta a capire e ad agire per il meglio, e La Locanda delle Fate è STORIA!

Un libro che consiglio caldamente, a chi ama la musica e a chi è interessato ai “banali segreti” della vita. E in tutto questo l’elemento anagrafico perde ogni valore…

52 anni fa nasceva il Piper Club di Roma

Il 17 febbraio 1965 apriva il Piper di Roma, il primo locale alternativo in Italia, dove in molti si sono esibiti, dai gruppi del beat ai grandi del rock… Genesis, Pink Floyd, Frank Zappa, Banco...

Un po’ di storia tratta dal SITO UFFICIALE...

1965 – 1969 Il Piper Club fu fondato da Alberigo Crocetta e da Giancarlo Bornigia. Situato a Roma in Via Tagliamento, inaugurato 17 febbraio 1965, è destinato a diventare l'icona di tutta una generazione e un vero e proprio fenomeno di costume. L'ambiente originale era decorato con opere d'arte, tra cui due dipinti di Andy Warhol, alcuni di Schifano e opere di Piero Manzoni e di Mario Cintoli. All'esordio suonarono nel locale i migliori artisti della beat generation italiana tra i quali i The Rokes, i Rokketti, l'Equipe 84 e Le Pecore Nere, presto affiancati da Fred Bongusto, Dik Dik, Renato Zero, Romina Power, Gabriella Ferri e Rita Pavone. Su tutti, però, vanno ricordate Patty Pravo - la ragazza del Piper - e Caterina Caselli.

Il Piper emerse subito come punto focale della bella vita romana, raccogliendo frequentazioni dal mondo dello spettacolo e dell'arte, oltre che da personaggi della scena mondana. La linea artistica si ispirava al mondo del beat inglese, da cui copiò anche l'idea dell'opera beat, ovvero ad un uso innovativo di luci stroboscopiche colorate accoppiate ai suoni e allo stile dettato dalla moda della minigonna.

Dopo il successo del cast iniziale, entrarono nel gruppo anche Mal, Mimi Bertè (successivamente Mia Martini), Loredana Bertè, Renato Zero e Mita Medici. Vi si esibivano i più conosciuti complessi di musica Beat e cantanti di musica leggera nazionali ed internazionali in voga in quegli anni, esibendo nomi del calibro dei Procol Harum,i Birds, Rocky Roberts e dei giovanissimi Pink Floyd ( il 18 e il 19 aprile 1968). Sulla pedana del Piper, il 23 maggio 1968, suonò anche un chitarrista entrato poi nella mitologia del Rock, Jimi Hendrix. La musica italiana era invece rappresentata da New Trolls, Le Orme, Mino Reitano e Pooh.

Nel 1968 dal Piper partì un'iniziativa simile a quelle in voga negli anni sessanta, i cantagiri canori: nella fattispecie, il CantaPiper.

1970 – 1979 Sono gli anni dell’austerity, della crisi economica, della lotta politica e del terrorismo. Sono anni difficili per il nostro paese, ma il Piper Club continuò a sviluppare il proprio progetto artistico. Nei primi anni settanta una modifica della linea artistica portò all'esordio di Formula Tre, Lucio Battisti, Ricchi e Poveri, Mia Martini e all'esibizione di Genesis, David Bowie, Sly and the family Stone, Lionel Hampton e Duke Ellington.

1980 – 1989 Famoso l'episodio alla fine degli anni 80 in cui il cantante dei Nirvana, Kurt Cobain, durante il concerto al Piper per la promozione del'album “Bleach”, stanco per il viaggio, per il cibo non gradito e per il suono degli amplificatori, in pieno concerto uscì letteralmente fuori di matto. Cominciò a spaccare la chitarra e salì su una trave minacciando di buttarsi di sotto. Ci volle l'intervento di Jonathan Poeman e Bruce Pavitt della Sub Pop per far calmare la situazione.

Gli anni '80 sono stati indimenticabili anche per l’ascesa dello storico direttore del locale, Mr. Franz, che con le sue mille idee trasformò ogni serata in un evento speciale e unico. Rivoluzionò la vita del locale spingendolo verso quella che oggi è definita discoteca. Le frequentazioni di quei tempi erano quelle più importanti. La cosiddetta "Roma Bene" ricorda ancora oggi i mitici venerdì sera del Piper. Le feste erano all’insegna del toro meccanico, dei pattini, della neve e tante altre ancora. Il Mister, per avvicinare i giovani ai problemi di quei tempi, portò nel locale personaggi importantissimi, tra cui l'Onorevole Giulio Andreotti e il Prof. Ferdinando Aiuti.

Gli anni '80 sono stati anche gli anni della nascita della musica “house dance” e del "rap"; molti i dj che hanno suonato nello storico locale, tra cui Peter e Paul Micioni, Corrado Rizza, Stefano De Nicola, Marco Trani, Jovanotti e tanti altri ancora.

1990 – 1999 Sono gli anni della nascita della musica "tecno" e di quella "elettronica". Il Piper oramai trasformato nella discoteca n. 1 d'Italia porta in consolle i principali dj della scena italiana e internazionali. Per esempio: Coccoluto, Fargetta, Linus, Albertino ect... Questi sono anche gli anni dei "pomeriggi" e delle "mattinee". Il sabato e la domenica pomeriggio centinaia di ragazzi provenienti da tutti i quartieri di Roma frequentano il locale per ascoltare buona musica e magari trovare l'anima gemella.

2000 – 2009 Dopo tanto tempo tornano nel 2006 i concerti al Piper Club. Il primo è stato quello dei "Babyshambles" di Pete Doherty. E’ stato un successo strepitoso di cui se ne è parlato in tutto il globo. Il ritorno alla musica dal vivo è fortemente voluto da uno dei figli di Giancarlo Bornigia. Nel 2007 si sono esibiti artisti del calibro di Niccolo Fabi, Gianluca Grignani, Cat Power, Brazilian Girls, Paola & Chiara, Editors, Tiromancino, Giuliano Palma & Blue Beaters. Inoltre il locale ha ospitato alcuni degli eventi più importanti della capitale tra cui le "Hilfiger Session" che hanno avuto come ospiti Mario Biondi, Corveleno, Lara Martelli e tanti altri. Concerti di successo si sono esguiti nel 2008 tra cui la canadese Feist, gli inglesi The Fratellis, Mietta e James Taylor Quartet. Nel 2009 è stata infine prodotta la rassegna musicale "Piper in Rock", manifestazione con la quale si è dato spazio a tanti giovani artisti della scena indie-rock romana.