The Samurai Of Prog- "Lost And Found": Interview with Steve Unruh

Interview with Steve Unruh in the occasion of the release of the album "Lost and Found" by The Samurai Of Prog

About one year ago, we concluded an exchange of emails in which you told me about something you were working on, the “Lost and Found” that is now reality; could you tell us how you went on creating it? How did you manage to revitalise the old tracks?

We used the old recordings for learning and reference. We studied them. But when it came time to make our arrangements and recordings, we started from scratch. Stefan and Tom laid the groundwork, upon which everything else was built. New click tracks, new everything. I considered making a medley of the original recordings, to show what the recordings sounded like and to give the flavor of the original performances. It would have been revealing and fascinating. But upon hearing how the new recordings flow together, a medley of existing recordings wouldn't have made sense in the flow of this album.

Similar operations are usually made by labels thinking they are dealing with some "cult record". But in your case, this is not business: it's love for some music that didn't manage to earn the consideration it deserved when it was first released. Why did you choose to do it?

It was Marco's idea. To be honest, originally I had reservations. I wanted to focus on "new" music. But then I heard these compositions, and I realized how great they could be, and how much we could make them "our own". Along the way, we've had so much fun with the original band members, exchanging phone calls and emails, learning about life in the original bands, seeing the interesting paths the original members have taken over the past 40 years... this project took on a life of its own, and I'm so glad I got overruled by Marco and Kimmo, because as events have unfolded over the past couple of years, this project has become one of my favorite works - both in the music we made, and the stories we exchanged during its making.

The guestlist in this record is richer than it was in your previous work. What can you tell me about them?

Yeah, that guest list is pretty impressive, isn't it! The roster is comprised of friends we've made over the years, plus new friends we made because they were associated with the bands Pavlov's Dog, Lift, Odyssey, Cathedral, and Quill. I think each new TSoP release ups the ante, in some way, and we're gaining in momentum and reputation. It's a big honor to get our first choice for guest musicians so much of the time. Some of these guys are quite busy, you may know, so it's an honor that they joined us - and turned in such hard-working stellar performances. Nobody "phoned it in", for sure!

I find “The Demise” particularly striking. Can you explain us what that suite means?

That should be the subject of an entire interview with Ken Deloria and Keith Christian! I'll leave it at that. That rabbit hole is too deep to jump into here.

This is a very rich double CD, but I imagine you've had to make a selection. Did you exclude tracks that weren't possible to retrieve?

We selected our favorite pieces - the ones we thought had a combination of the strongest composition and tended most toward "Samurai-zation". We aren't interested in being a cover band anymore. I'd say that personally, I've learned some lessons since our first two albums in that regard. We chose pieces that allowed us to express our collective personality the most. So there were a few perfectly good tunes we declined, simply because we couldn't find "ourselves" in them.

You worked once more with the (very recognisable) Ed Unitsky; can you tell us about your artistic relationship with him?

Ed is a real artist, has a strong artistic vision, and a hard work ethic. We love having him as our artist, and we all feel his work on The Imperial Hotel and Lost and Found entertains the eye and elevates the listener's experience. Actually, it seems like the music even sounds better when you're looking at Ed's artwork! Ed works like an opinionated member of the band - just as we're the specialists in the audio department, he's the specialist in the visual department. If he gets a strong idea in his mind, he'll fight for it... and we usually realize, later, that Ed was right!

The artwork draws directly from musical and lyrical themes. We explain to Ed what we're trying to convey musically, and we send him song lyrics. Ed and his wonderful longtime consultant Olga study that carefully, and Ed creates the artwork bearing the themes and lyrics in mind.

Are there any news concerning possible live shows?

As much fun as that would be, there are no plans at this time. There are too many people living in too many distant parts of the world. Also, the music is incredibly hard, and it would take loads of practice with everybody in the same room to get it right. We're all perfectionists, and we won't do it unless we can do it properly. But we definitely won't say "never"! It could happen one day.

 What's next? An album of new TSOP music or something like a “Lost and Found” Two?

An album of new TSoP music is next. Guest composers (some returning from The Imperial Hotel) have begun work already, and for a couple of tunes that are the farthest along, Marco and Kimmo have already started recording parts.

One last question... a thought for Stefan Renström.

As you may know, Stefan tragically died shortly after completing work on Lost and Found. That was hard. Stefan loved living, and he was loved by his family, and he was admired by us. We fully expected to keep working with Stefan, because "the stubborn Swede", as he called himself, was a super-talent. His work shines on Lost and Found. Although it's sad and frustrating that we lost our musical brother way too soon, at least he got to wave goodbye with a massive and amazing set of arrangements and performances.

http://www.thesamuraiofprog.com/

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Nathan e Fungus a Il Cancello del Cinabro: il resoconto

Nathan e Fungus a fine concerto

Sabato 9 aprile dedicato alla musica prog - e dintorni - in un luogo di incrocio tra i vari generi musicali, un club genovese dedito alla proposizione della musica di qualità: Il Cancello del Cinabro.

Di scena un paio di band, i “casalinghi” Fungus e i savonesi Nathan.

Alle 21,30, alla presenza di un pubblico attento, iniziano i Fungus, gruppo che avevo avuto modo di ascoltare al FIM 2014 e di cui conosco il terzo e, al momento ultimo album, “The Face of Evil”, rilasciato nel 2013.

L’attuale formazione prevede, accanto al fondatore Zerothehero/Carlo Barreca - basso,  flauto e tromba - Dorian Deminstrel - vocalist a chitarra acustica -, Cajo - batteria -, Mercante di Sogni - sintetizzatore e tastiere - e Alefuzz Caorsi alla chitarra elettrica.

Largo uso di nickname che accompagna lo spirito della band, propositrice di un sound non certo usuale.

Sono sette i brani che propongono i Fungus, un set incentrato principalmente sull’ultimo album, fatta eccezione per “Eternal Mind” - a seguire nel video - e “The Sealed Room” - composta da chi ci ha lasciato con largo anticipo e a cui è dedicato il brano, e forse molto di più, il cofondatore Alejandro J. Blissett /Alessandro Vernetti.

Per chi fosse interessato al mio pensiero relativo all’album, e ad un’esaustiva intervista con il gruppo, sarà sufficiente un clic al seguente link…

 http://athosenrile.blogspot.it/2013/09/fungus-face-of-evil.html

… il gioco di domande e risposte inquadra perfettamente ciò che si palesa sul palco, una musica a cui è possibile dare una definizione, che si discosta dall’ortodossia prog ma allo stesso tempo ci rientra in pieno, vista l’assoluta libertà espressiva. E anche l’aspetto scenico contribuisce a rendere piacevole lo spettacolo, anche se il palco “da club” del Cinabro  - con l’aggravante di due ensemble presenti, con i loro strumenti - non permette grande movimento, e quindi anche il Theremin in dotazione - strumento certamente affascinante e usato da pochissime band - non ha trovato spazio.

Ma il cuore viene fuori, un sound che mi riporta sempre verso una certa “acidità” musicale tipica della costa ovest americana a cavallo tra gli anni ’60 e ’70, con l’intromissione di certa follia canterburyana, quella discendente dal signor Allen.

Dorian Deminstrel incarna in modo perfetto il frontman conseguente, l’unico possibile per rappresentare la filosofia musicale dei Fungus, vocalist quasi posseduto da quella musica che sul palco si diffonde con equilibrio, ma che lascia spazio alla fuoriuscita di schegge impazzite, con l’imprevisto in agguato ad ogni angolo.

I loro concerti? Esperienza quasi mistica…

La set list:

-Share Your Suicide Part III

-Eternal Mind

-The Face Of Evil

-The Great Deceit

-Rain

-The Sun

-The Sealed Room

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Dopo una breve sosta tecnica è la volta dei Nathan.

E’ un momento importante per il gruppo savonese, che dopo anni di gavetta fatta soprattutto di tributi, rigorosamente in ambito prog, propongono il loro primo album di inediti che ha visto la luce pochi giorni fa, il 1° aprile, ed è il frutto di una lunghissima elaborazione.

Il risultato è un concept album - realizzato con AMS - che propone una metafora della vita quanto mai attuale, drammatica ma permeata di speranza.

Ma la loro esibizione era una totale incognita: prima proposizione live dell’album, formazione diversa dal solito e mancanza di un paio di elementi presenti sul disco, gli “ospiti” Marco Milano al pianoforte e Davide Rivera al flauto.

Lo zoccolo duro è presente, rinforzato da un giovane chitarrista, Daniele Ferro, già con Il Cerchio D’oro e impegnato in altro importante progetto parallelo, quello dei Dagma Sogna.

Accanto al fondatore Bruno Lugaro - solitamente al basso, ma in questo caso solo vocalist -, autore delle liriche di “Nebulosa” - è questo il nome del disco -, Piergiorgio Abba, tastierista e creatore della parte musicale, Fabio Sanfilippo, drummer da sempre nei Nathan, Monica Giovannini alla voce, Mauro Brunzu al basso e il già citato chitarrista elettrico Daniele Ferro.

Un‘incognita dicevo, ma l’esibizione fa ben sperare, perché se è chiaro che un lavoro così complesso non può trovare immediata corrispondenza sul palco, l’impatto è stato a mio giudizio superiore alle attese. I meccanismi vanno oliati, gli equilibri necessitano sempre di una messa a punto, e il rodaggio richiede per tutti un certo numero di live.

“Nebulosa” è andata in scena in toto e ho trovato certi passaggi emozionanti, trame in cui ho ritrovato i miei amori musicali che ho in comune con la band che, occorre sottolineare, ha lunga esperienza alle spalle.

Un bel prog sinfonico che credo abbia divertito il pubblico di appassionati e che verrà riproposto il 24 aprile al Raindogs House di Savona.

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Big One a Torino, Teatro Colosseo: era il 4 aprile

Il lunedì è un  giorno bizzarro per proporre un concerto rock, in qualunque sottofamiglia o genere lo si voglia inserire.

Eppure… i Big One riescono sempre a sovvertire la logica della partecipazione, un problema che attanaglia band grandi e piccole in qualsiasi punto del paese.

E così, in una serata che presentava i segnali del concreto “pericolo” di bassa audience, per di più aggravato da una pioggia copiosa e incessante, la band veronese ha testato il suo seguito in una condizione di obiettiva difficoltà, e il risultato è stato, ancora una volta, un successo.

Per chi non li conoscesse aggiungo in coda una breve biografia catturata da un loro spazio online, ma ciò che propongono, il The European Pink Floyd Show, non ha bisogno di molte spiegazioni dal punto di vista del contenuto: la proposizione dell’universo Pink Floyd, non solo attraverso la musica, ma con l’utilizzo di scenografie spettacolari che riportano al magnetico mondo floydiano.

Era il terzo concerto a cui partecipavo, il primo con una nuova formazione, ma l’impressione dall’esterno è quella che la squadra sia arrivata ad un punto di coesione e complicità tale che ogni nuovo innesto possa essere accolto senza scossoni e metabolizzato in fretta. E’ il caso del nuovo bassista - e vocalist -, Luigi Tabarini, se non sbaglio alla sua seconda apparizione col gruppo, che dimostra immediata integrazione, anche se mi è sembrata palese la volontà di assumere un comportamento musicale contenuto, come solitamente fanno le persone corrette quando si ritrovano ad agire in un ambiente nuovo. 

Ciò che però non può mai mancare quando si decide di percorre questa strada è il chitarrista giusto, e non è raro parlare con tribute band dei Pink Floyd che dichiarano di essere diventate tali solo dopo aver trovato un emulo di Gilmour. Leonardo De Muzio è probabilmente il miglior italiano in questo ruolo, e attorno a lui ruota il mondo Big One.

A completare il team i due tastieristi Claudio Pigarelli e Stefano Righetti, il drummer Stefano Raimondi, le due coriste Debora Farina ed Elisa Cipriani (ma come si evince dal video a seguire dotate di voce da primo vocalist) e il sassofonista Marco Scotti, spesso presente on stage anche come chitarrista acustico, ed è questo il risultato della ridistribuzione dei compiti legati alla nuova line up.

Grande pubblico quindi - forse non tra i più caldi possibili - capace di sottolineare con entusiasmo alcuni momenti della performance, suddivisa su due tempi, con una  lunghissima set list formata da 24 brani, che ho fotografata prima dell’inizio del concerto.

L’attuale assetto manageriale ha previsto cambiamenti tecnici che profumano di professionalità, con la creazione di un pull di esperti che seguono costantemente la band, dedicandosi agli aspetti sonori e a quelli visual, e in questo ambito Gian Paolo Ferrari si può considerare l’uomo in più della band.

Inizio di concerto che, nonostante la premessa, presenta qualche problema tecnico - ben presto superato -, così come gli aspetti vocali necessitano di una fase di rodaggio, ma il diesel Big One trova rapidamente il regime e lo manterrà sino alla fine, quel terzo bis, Run Like Hell, che non ero ancora riuscito ad ascoltare dal vivo, e che amo particolarmente per gli aspetti chitarristici e ritmici.

Il primo tempo da brivido termina con One of These Days, che sottolineo perché è quello il momento in cui due pig posti ai lati del palco si gonfiano e prendono forma, riportando a consolidate e conosciute storie dal passato glorioso: il pubblico si esalta, colto forse di sorpresa, perché in mancanza di pressione i due anonimi gonfiabili non davano alcun segno del possibile volo.

Dopo una breve sosta si riprende con un altro tratto mozzafiato, con proiezioni video che si mischiano a luci che riportano ad un mondo psichedelico di cui sento nostalgia, almeno per quanto riguarda l’essenza musicale.

Le parti solistiche - alla chitarra e alla steel guitar - infiammano il pubblico, ma è il risultato di insieme che fornisce l’attuale dimensione di questo straordinario ensemble musicale, un puzzle formato da pezzi umani pregiati che realizzano il miglior disegno possibile.

Si chiude alla grande con tre bis stratosferici - Wish you where here, Confortably Numb e Run Like Hell - che non speravo di riuscire a vedere per intero, ma il fatto di proporli in sequenza continua, come fossero un unico bis, ha presto cancellato i miei timori.

Ma sono certo che il video a seguire potrà dare l’idea dell’atmosfera di serata, molto più dei miei pensieri.

Nel foyer del Teatro Colosseo era presente l’associazione The Lunatics, il club dei collezionisti dei Pink Floyd, che ha presentato memorabilia e pezzi storici della band e per chi volesse saperne di più questo è il riferimento online: 

SITO THE LUNATICS

Grande serata di musica, ma quando ci sono di mezzo i Big One non ci si può certo sorprendere!

Bio

"Il gruppo musicale BIG ONE - The European Pink Floyd Show, nella sua attuale formazione nasce a Verona, in Italia nel 2005 .

La band ha raggiunto la notorietà grazie alla realizzazione di una serie di spettacoli tematici sull'universo floydiano riscuotendo ovunque un grandissimo successo. Il loro spettacolo, The European Pink Floyd Show è stato inserito nei cartelloni dei più importanti festival musicali nazionali ed esteri, in particolare in Olanda e Belgio.

I Big One sono stati definiti dalla stampa italiana e dalla critica musicale internazionale più autorevole, "la migliore Tribute Band Europea per l’esecuzione della musica dei Pink Floyd", in particolare per le versioni Live dei più celebri concerti della band inglese.

La Band ha come obiettivo la riproduzione più fedele possibile delle sonorità e degli arrangiamenti dei Pink Floyd, utilizzando una strumentazione vintage. Inoltre il progetto si avvale di una struttura tecnica (audio, luci e video) molto qualificata, per cui lo show risulta perfettamente in armonia con l'immaginario dei Pink Floyd.

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E' uscito "Nebulosa”, l’album dei Nathan: L'intervista alla band.

E' uscito il 1 aprile per AMS “Nebulosa”, l’album dei Nathan

Bruno Lugaro e Piergiorgio Abba, raccontano come sono arrivati alla realizzazione del  disco… 

Potete sintetizzare il percorso musicale dei Nathan, utile per chi non conosce la vostra storia?

BL: Arriviamo da lontano! L’anno prossimo è il ventennale del gruppo. I Nathan sono nati infatti nell’autunno del 1997 come tribute band dei Genesis. Fabio (Sanfilippo), Mauro (Brunzu) ed io siamo i membri originari. Nel 2000 alla formazione si aggiunge Marco Milano, pianista e direttore d’orchestra. Nel 2005 realizziamo un disco tributo ai Genesis, “The path is clear”, con brani dal 1972 al 1980. Un lavoro di cui andiamo orgogliosi. L’attività live è sempre intensa. Presentiamo, fra l’altro, in versione integrale, “The Lamb Lies On Broadway”. E con le Orchestre sinfoniche di Savona e Alessandria riproponiamo in chiave classica il repertorio dei  Genesis. Nel 2007 arriva la svolta, con l’ingresso nella band di un vecchio amico, Piergiorgio Abba, tastierista e apprezzato compositore di musica prog. A quel punto cominciamo a lavorare al primo disco con materiale originale. La line up cambia ancora: esce Milano (dopo aver fornito un importante contributo compositivo) ed entra il talento Daniele Ferro alle chitarre. E nasce “Nebulosa”.

PA: ricordo – era l'autunno del 2007 -  quando fui contattato da Bruno per collaborare alla stesura delle idee per questo primo lavoro originale: fu per me davvero il momento giusto, visto il diradarsi degli impegni con la mia band di allora, i Projecto. L'idea di realizzare un lavoro personale di musica progressive era davvero attraente, ed era forte anche la curiosità di lavorare con Bruno, con il quale abbiamo condiviso l'epoca d'oro del progressive (metà degli anni ‘70), quando c'era veramente un grosso fermento culturale e particolare attenzione a questo tipo di musica (basta guardare le classifiche di vendita di allora). Non sapevamo a priori come le esperienze musicali personali, separate dagli anni ‘80, avessero cambiato il nostro approccio originale; perciò la sfida si dimostrava molto interessante.

Dopo anni di musica passata a proporre il prog dei “miti seventies” vi cimentate ora con un vostro album di inediti, che arriva dopo sei anni di lavoro: a cosa è dovuta la lunga gestazione?

BL: Abbiamo preso in mano e abbandonato molte volte il lavoro perché cimentarci con il repertorio dei Genesis, poi dei Pink Floyd, e nell’ultimo anno dei Supertramp, ci divertiva molto. Ma il motivo principale è un altro. Due anni fa avevamo già tutte le parti composte; mancava un apporto delle chitarre e non trovavamo il musicista capace di dare un’impronta con il suo suono. L'arrivo di Daniele è stato un caso fortunato. In quel preciso momento abbiamo capito che avevamo trovato la persona giusta per finire Nebulosa.

PA: In realtà avevamo già inciso in studio qualche parte di chitarra, senza riuscire però ad amalgamare il tutto; conoscevo Daniele grazie ad un'altra collaborazione e, dopo aver ascoltato i pre-missaggi, non ha avuto dubbi ad offrire la propria disponibilità a suonare e registrare le chitarre.

”Nebulosa” è un concept album: potete descrivere il contenuto dal punto di vista dei messaggi?

PA: Avevamo discusso con Bruno l'ipotesi di costruire una storia, ma in realtà lui ci stava già lavorando, me ne anticipò alcune parti ed io ne rimasi convinto.

BL: La reazione positiva di Pier, mi convinse che ero sulla strada giusta.

Stiamo uccidendo il nostro pianeta con le guerre e con le violenze sull’ambiente. Io ho immaginato cosa saremo tra trecento anni. Probabilmente un popolo alla ricerca della risorsa più preziosa: l’acqua. Ci muoveremo in un mondo fatto di deserti e rovine cercando ancora uno spazio vivibile. Saremo nomadi. Non crederemo più in Dio ma idealizzeremo altre figure, come una nebulosa che diventerà la nostra “stella polare”. Come vedi ci sono richiami alle sacre scritture, all’esodo biblico. Ogni traccia è una tappa del viaggio. Qui, però, il popolo non segue il messaggio di una divinità, ma un simbolo silenzioso e lontano anni luce.

Le sonorità del disco sono tipicamente prog: come si è evoluta nel tempo la line up e qual è la fotografia attuale?

BL: Nel 1997 siamo partiti io (voce e basso), Flavio Esposito (tastiere), Mauro Brunzu (chitarre) e Fabio Sanfilippo (batteria). Tre anni dopo è arrivato a darci manforte Marco Milano (tastiere), pianista eccellente e direttore d’orchestra. Con lui ho composto le prime melodie di Nebulosa. Nel 2007 Flavio ha lasciato il gruppo perché non gli interessava il discorso di lavorare su materiale nostro,  ed è arrivato Piergiorgio, una macchina da guerra. Seguito da Daniele. Senza di loro oggi non ci sarebbe Nebulosa. Attualmente la line up è dunque composta da Pier alle tastiere, Fabio alla batteria, Mauro al basso, Daniele alle chitarre, Monica Giovannini ai cori ed io che mi dedico solo alla voce.

PA: Sono davvero contento che le sonorità risultino tipicamente prog: è stato un interessante lavoro di ricerca di suoni, specialmente delle tastiere. La preoccupazione era che, pur prendendo come riferimento gli anni ‘70, non risultassero “copie” moderne di quei suoni. Abbiamo ceduto anche alla tentazione di inserire alcune parti di flauto, suonate dal maestro Davide Rivera che ha dato un ottimo contributo. Il sound delle chitarre merita un discorso a parte, perchè è decisamente più contemporaneo, visto che Daniele ha un background musicale diverso dal nostro.

Quali sono state le maggiori difficoltà nella costruzione dei brani, molto articolati e complessi?

PA: Alcuni brani sono stati scritti di getto (ricordo ad esempio, A ferro e fuoco, La coltre viola e anche L'attesa, ritoccati marginalmente rispetto alla stesura originale). Nelle prime versioni alcune parti cantate erano più ridotte, ma il lavoro di Bruno alla melodie è stato importante per arricchire, e forse rendere più immediato, tutto il materiale strumentale già prodotto. Completamente strumentali sono rimasti due brani brevi, La notte prima e Nel profondo (l'ultimo aggiunto per motivi di narrazione). Comandavo il vento (rappresentativo il fatto che nelle bozze primitive era indicato con “Apocalisse” di genesisiana memoria) ha, invece, una parte cantata molto breve ma intensa, giocata sulla difficile accentazione dell'arpeggio principale. Altri brani hanno invece richiesto un lavoro più approfondito, soprattutto in fase di scelta della struttura e dell'arrangiamento: un esempio è la traccia di apertura, che durava 4 minuti, è stata compressa in poco più di 1: ci è sembrata una scelta più adatta per focalizzare l'attenzione dell'ascoltatore sul tema portante del disco, un arpeggio di pianoforte in 9/8 che potete appunto sentire nel primo brano e ripreso un altro paio di volte durante la storia. Un'altra particolarità è stata nella scrittura dei finali dei brani, per i quali, volendo trasportare l'ascoltatore al brano successivo senza interruzione (l'idea del viaggio),  abbiamo pensato dei cambi di tonalità opportuni. Gli arrangiamenti, specialmente di tastiere, sono stati semplificati rispetto alle idee iniziali, per rendere più diretto l'ascolto.

L’album uscirà con etichetta AMS: come descrivereste l’impatto con Matthias Sheller e il suo entourage

BL: L’impatto è stato ottimo, molto professionale. Era quello che cercavamo, anche se devo dire che abbiamo avuto un ottimo feedback anche dalla Lizard e dalla Black Widow. Con Sheller abbiamo trovato un accordo nel giro di pochi giorni.

PA: potremmo rispondere all'unisono: anch'io sono convinto della professionalità della AMS, soprattutto confrontandola con le personali esperienze con i Projecto, con i quali la pubblicazione dei due lavori ha avuto una gestazione non cosi lineare.

Mi parlate un po’ dell’artwork, elemento importantissimo in questi casi?

BL: Un album concept aveva bisogno di un libretto adeguato. Raccontiamo una storia, dunque, a nostro avviso è importante che l’ascoltatore possa seguirla passo passo, a partire naturalmente dai testi. Quanto alla copertina siamo partiti banalmente dall’immagine di una nebulosa, nel caso specifico la nebulosa della Farfalla che a me piace particolarmente anche perché dà l’idea di un bacio cosmico. Penso sia stato ottimo, per altro, il lavoro del grafico della Ams.

PA: Avevamo già pensato un libretto, di cui abbiamo ancora le bozze, che tutto sommato poteva funzionare, ma l'attuale e definitiva versione dà una sensazione di maggiore pulizia e professionalità.

Avete già in programma qualche presentazione e live promulgativi?

BL: Sì, il 9 aprile presentiamo per la prima volta l'album a Genova, al Cancello del Cinabro. Il 22 siamo alla libreria Ubik di Savona per una conferenza stampa e due giorni dopo, il 24 aprile, Live al Raindogs di Savona, la nostra città.

PA: Nella versione live racconteremo per intero la storia  con piccoli riadattamenti rispetto al lavoro in studio.

Vorrei tornare indietro, ricordando un paio di vostri concerti nel prestigioso Teatro Chiabrera, l’esibizione con l’Orchestra Sinfonica di Savona e la collaborazione con Richard Sinclair: che cosa vi hanno lasciato le due esperienze?

BL: E' stato un privilegio suonare con Richard. Per me, poi, la realizzazione di un sogno. Ha accettato di suonare la chitarra anziché il suo strumento, per consentire a me di suonare il basso. Aver eseguito con lui per intero la suite Nine Feet Underground, resta forse la più grande soddisfazione della nostra carriera musicale. Ma suonare con Richard è anche faticoso. Ha i suoi tempi, i suoi modi, tende a stravolgere i pezzi. Difficile stare dietro al suo genio un po' sregolato. Al Teatro Chiabrera, con l'orchestra sinfonica di Savona è stata un'esperienza indimenticabile, ma quanti problemi a dialogare con un ensemble!

PA: Suonare con Richard è stato davvero emozionante: ricordo nitidamente la tensione sul palco quando, all'inizio del concerto abbiamo attaccato Winter Wine: cantava Sinclair, era proprio lì, non ci potevo credere! Ci tengo a citare un paio di brani del concerto a cui sono particolarmente affezionato, Signed Curtain dei Matching Mole di Robert Wyatt, che Richard si è prestato ad interpretare molto bene alla voce, e la mia preferita dei Caravan, In The Land Of Grey And Pink.

Immagino che la soddisfazione legata alla realizzazione di un disco proprio sia già un grande premio, ma… guardiamo oltre, che cosa vi aspettate da “Nebulosa”?

BL/PA: Questi dischi non vengono realizzati per diventare ricchi, ma per stabilire un contatto con persone appassionate di musica prog, magari anche al di là dei confini nazionali. Ecco, per noi sapere che Nebulosa possa essere ascoltato da un giapponese o da un sudamericano, è una cosa esaltante. E comunque, in tutta franchezza, essere arrivati fin qui è per noi già motivo di soddisfazione. Siamo molto “carichi” e abbiamo già pronte 7-8 tracce per un nuovo album.

Storie di musica... storie di vita, di Gianni Leone

Conobbi Neon Leon la sera del 17 maggio 1975. Era la mia prima volta a New York. Mentre recuperavo i bagagli dal taxi che dall'aeroporto mi aveva portato davanti all'ingresso del Chelsea Hotel al 222 della 23esima fra la settima e l'ottava, mi si presentò lui, vestito in pelle e con un'enorme parrucca stile afro a strisce di colori arcobaleno fluorescenti: "Welcome to Chelsea Hotel! Come to see me later", e mi diede il numero della sua stanza. Una volta sistemati i bagagli, andai a bussare alla sua porta. Così cominciò la nostra amicizia. Raccontare le cose incredibili, imprevedibili e sconvolgenti che succedevano ogni momento al Chelsea -i cui clienti erano o erano stati artisti e personaggi di ogni tipo, come Mark Twain, Dylan Thomas, William S. Burroughs, Arthur Miller, Tennesse William, Simone de Bouvoir, Jean-Paul Sartre, Charles Bukowski, Stanley Kubrik, Dennis Hopper, The Grateful Dead, Tom Waits, Patti Smith, The Ramones, John Cale, Leonard Cohen, Edith Piaf, Bob Dylan, Alice Cooper, Janis Joplin, Jimi Hendrix- è impossibile: avrei bisogno di settimane, per cui sorvolo del tutto e rimando magari al prossimo racconto. Dopo poche sere mi ritrovai al Matrix, dove, intorno al nucleo fisso composto da me al piano elettrico e all’organo, da Syl Sylvain dei New York Dolls e Neon Leon alle chitarre, ruotavano tanti altri musicisti di questa o quella band e insieme davamo vita ad infuocate, travolgenti, torrenziali jam sessions. Tutti avevano parole di grande elogio per quel giovanissimo artista italiano, piombato nella bolgia del Chelsea e subito diventato “uno del gruppo”. Poi ci trasferivamo all' Ashley's o a Le Jardin, dove incontravamo Johnny Thunders e altri. Per me era molto liberatorio tuffarmi in quell’atmosfera di selvaggio e scarno rock and roll, dopo un giorno chiuso in studio a lavorare su un tipo di musica più complessa e rigorosa (stavo registrando il mio primo album da solista, "LeoNero - Vero"). Oppure andavamo al Max's Kansas City o al CBGB, templi del rock/punk/new wave newyorkesi. Praticamente "TUTTI" hanno suonato o sono nati lì: da Patti Smith ai Talking Heads, da Alice Cooper ai Blondie (Debbie Harry era stata cameriera al Max's), da Lou Reed e i Velvet Underground ai Ramones, da Iggy Pop agli Aerosmith, da Bruce Springsteen ai Dead Boys, da Wayne County (poi diventato Jayne County dopo il cambiamento di sesso) agli stessi New York Dolls e Neon Leon.

Dopo una notte passata girando di locale in locale, quando ormai di “lucido” non era rimasto altro che i tessuti dei nostri abiti, ci ritrovavamo all’alba, esausti, in Central Park, tutti stretti a bordo di una Limousine con autista presa a nolo, a riascoltare in un irreale silenzio la cassetta della nostra jam session della sera precedente. Talvolta si univa a noi anche David Le Sage, già fonico di Todd Rundgren, che in quei giorni stava registrando “Vero” con me. Apro una triste parentesi. Ormai sia il Max's che il CBGB non esitono più. L'ultima volta che sono stato al CBGB risale al 30 giugno del 2000. Dal 2008 al suo posto c'è una boutique. Un'epoca gloriosa e irripetibile è stata cancellata per sempre.

Tornai al Chelsea nel '78 e Leon era ancora lì, in quanto aveva scelto di abitarci stabilmente. Riprendemmo a uscire e a suonare insieme. In quei giorni i Rolling Stones erano a N.Y. per una serie di concerti al Madison Square Garden... Leon era loro amico, per cui talvolta incontravamo Billy Preston ed altri, ubriachi fradici, nei vari locali che frequentavamo anche noi. Poi io lasciai N.Y. e ci perdemmo di vista per alcuni anni.

Ci rincontrammo a Stoccolma in un locale, lo "Studion", la notte dell'11 settembre 1984. Mi raccontò, fra l'altro, di aver registrato una cover di "Heart of Stone" degli Stones e che addirittura Mick Jagger in persona gli aveva fatto i coretti nel finale. Io quella sera ero con Lino Ajello del Balletto, e così scoprimmo che anche loro due si conoscevano in quanto Leon, dopo essersi trasferito a Stoccolma, aveva frequentato lo studio di Lino, l'Humlan, punto di riferimento della scena musicale svedese, dove io stesso avevo registrato molti brani miei e per altri artisti. Il mondo talvolta sembra davvero così piccolo!... Nel maggio del 1985, però, lo studio e l'intero edificio che lo ospitava furono demoliti per costruire un grande centro commerciale. Io e Leon ci perdemmo di vista ancora una volta.

Nel 2005 ebbi da un amico comune italiano la sua e-mail. Gli scrissi. Lui mi rispose subito. Era in Germania. Ci scambiammo foto -facendoci reciproci complimenti per la forma fisica- e ci raccontammo un po' di cose che ci erano accadute negli ultimi vent'anni.

Giugno 2009: Leon è a Roma. Passo a prenderlo in albergo e lo porto a casa. E' in compagnia di una giovane discografica finlandese, Tuula. Ore e ore a raccontarci di tutto. Gli ho mostrato due suoi regali che ancora conservo dai tempi del Chelsea: una quadretto dipinto a olio e una spilla raffigurante un teschio alato, che lui ha voluto immortalare assieme a noi in una della tante foto che abbiamo scattato. Mi ha regalato alcuni suoi CD: uno, interessantissimo, intitolato "Ex Stone", con brani dei Rolling Stones suonati dagli stessi Stones ma in versioni e formazioni inedite (in alcuni brani c'è perfino Brian Jones!), fra i quali appare anche la sua rilettura di "Heart of Stone" con Jagger ai cori, di cui ho già detto; poi la prima prova di stampa di un altro, intitolato -guarda un po'!- "Chelsea Hotel", ricco di brani di puro rock-blues molto autobiografici. Io, oltre a pupazzi a batteria coloratissimi e rumorosissimi, una bambolina per riti woodoo e una riproduzione della Lupa di Roma con tanto di Romolo e Remo accoccolati, gli ho regalato il DVD del Balletto di Bronzo. Gli ho chiesto, anzi intimato di farmi al più presto una copia delle nostre leggendarie jam sessions newyorkesi. Vedremo...

Veniamo alla vicenda di Sid Vicious e Nancy Spungen, raccontatami da Leon nei dettagli, ma che qui sintetizzerò. La mattina del 2 ottobre del 1978 fu trovato il cadavere della Spungen accoltellata nella sua stanza al Chelsea, la numero 100. Aveva vent'anni. Si autoaccusò il suo ragazzo, Sid, ormai ex bassista dei Sex Pistols. Leon, che era loro vicino di stanza (stava alla 119, la stessa della foto in cui siamo ritratti io e lui davanti ad alcuni suoi quadri appesi alla parete), fu martellato di interrogatori e interviste poiché era stato l'ultimo a vederli. Infatti Sid e Nancy erano stati la sera prima in camera di Leon e quest'ultimo aveva cucinato per loro del chicken burgundy (pollo al vino Borgogna). La seratina, però, si trasformò ben presto in serataccia poiché Sid, fuori di sé e già strafatto di barbiturici e di un micidiale analgesico per malati terminali di cancro, andò in escandescenze minacciando di tagliarsi la gola con un coltellaccio. Nancy perciò lasciò la stanza di Leon e della bassista Cathy O' Rourke e riportò Sid, ormai ridotto a zombi, nella loro camera. Leon e Cathy lasciarono il Chelsea per tornarvi alcune ore dopo. Intanto Nancy contattava alcuni spacciatori di zona per procurarsi delle pasticche di un'altra micidiale sostanza. Quella notte, a più riprese, entrarono nella camera numero 100 vari loschi personaggi... Dopo l'omicidio, per il solo fatto che Leon era stato l'ultimo a vederli, la stampa e la polizia si accanirono su di lui, nonostante che Sid si fosse immediatamente autoaccusato dell'assassinio. Non che lo credessero responsabile del fattaccio, ma immaginarono, erroneamente, che lui sapesse qualcosa di più. Cominciarono ad arrivare alla camera 119 telefonate di insulti e minacce di morte dirette a Leon. Lui iniziò ad avere seriamente paura. Per almeno due anni non riuscì nemmeno a salire su un palco per il terrore di poter essere preso di mira da un qualche fanatico esaltato. Non ci dimentichiamo cosa successe a John Lennon nel dicembre del 1980 proprio a New York, sotto casa, il Dakota Building... Col tempo le telefonate di minacce di morte non accennavano a diminuire, per cui la polizia, appurata finalmente la sua completa estraneità ai fatti, gli consigliò caldamente, se voleva rimanere vivo, di lasciare New York poiché non poteva più garantirgli l'incolumità. I Rolling Stones lo aiutarono, dandogli un bel po' di dollari per permettergli di lasciare gli States. Nei primi Anni '80 lui si trasferì in Scandinavia e cominciò a farsi chiamare "King Lion" (discutibile, lo ammetto...). Allora, ecco perché nell'84 lo avevo ritrovato a Stoccolma!.. In quel periodo passò dalle stelle alle stalle più volte: da opening ai concerti degli Stones e di Prince a musicista di strada in Danimarca. Leon mi ha inoltre rivelato che al mattino, dalla camera di Sid e Nancy, erano spariti ben 60.000 dollari di cui nessuno ha mai parlato... Potrebbe essere stato questo il movente dell'omicidio, compiuto da uno dei loschi personaggi mai identificati che avevano frequentato la camera quella notte, o potrebbero essere stati addirittura rubati dai primi poliziotti che arrivarono al Chelsea... Lui dice di avere ormai la certezza, dopo anni, che l'autore dell'omicidio non fu Sid, troppo confuso e fisicamente debilitato, ma un altra persona di cui rivelerà l'identità solo fra una ventina d'anni. Sid fu arrestato e messo in prigione. Continuò a dichiararsi colpevole. Tentò varie volte il suicidio, senza riuscirci. Finchè il 2 febbraio del 1979, ci riuscì. Io lasciai il Chelsea proprio pochi giorni prima della morte della Spungen, verso la fine di settembre del '78. Dopo un breve soggiorno a Milano per realizzare un servizio fotografico per la copertina del mio 45 gg. "Fremo", andai a trovare degli amici a Zurigo, dove appresi della morte di Nancy. Era, appunto, il 2 ottobre del 1978. Chissà perché non telefonai a Leon per chiedergli cos'era successo..... Eppure ci pensai.

Il Chelsea Hotel ha cambiato gestione. I nuovi proprietari hanno intenzione di strappargli anche l'anima trasformarlo in un hotel di lusso per turisti qualunque, purché danarosissimi. Che tristezza.

Leon si è definitivamente stabilito in Germania, dove vive in una casetta isolata nel bosco accanto a un laghetto con due cigni. In questi giorni è a Turku, in Finlandia. Mi ha inviato delle sue nuove foto. Poi farà un salto a Copenhagen. Ad agosto tornerà a Roma.

Gianni Leone

DanyRusso-"Reprise"

DANYRUSSO

Il coraggio delle idee

Conosco solo ora DanyRusso, pesarese, poliedrico, profondo conoscitore di tecniche e strumenti, autarchico - forse per necessità? -, probabilmente eccessivamente nascosto sino ad oggi. Già, dove si era rintanato un talento simile?

L’album che propone, “Reprise”, è difficilmente collocabile, e questo è a mio giudizio un pregio.

Circa cinquanta minuti di musica per presentare un mondo, quello che unisce nuove composizioni ad antiche creazioni, tutte proposte in lingua inglese, e le dodici tracce  risultano spiazzanti, perché le variazioni al percorso sono repentine e spesso inaspettate.

Il mood generale è sufficientemente cupo per disegnare il malessere… e chi non lo conosce!?

Mi riferisco ad atmosfere, odori privi di filtro, che riportano sempre allo spleen, alla meditazione tendente allo stato di tristezza.

C’è molto British Pop, evidente amore di Daniele, ma il suo colore vocale mi riporta ad un punto preciso, quello di Richard Ashcroft, che con i Verve mi provocava le stesse reazioni.

Ma vista la premessa non ci si si può limitare ad una singola sensazione.

Occorre dire che DanyRusso si avvale di un paio di collaborazioni che lasciano il segno, quella di Roberto Spagnolo, presente al sax nel bellissimo “The cure”, e quella di Valentina Piccione, vocalist in un paio di brani, che nella sua entrata nella traccia “Trinity” tocca le stesse corde che seppe stimolare Clare Torry, quando inventò l’impensabile in “The Great Gig in the Sky”: affascinante!

Tutto l’album resta in equilibrio tra stati differenti, con la ballad che si alterna al modus psichedelico pinkfloydiano, con Sid Barret che decide di dialogare con i fratelli Gallagher, senza la necessità di arrivare ad alcun compromesso, perché il sound che ne deriva, udite udite, non è la copia di niente di conosciuto, non nei termini tradizionali almeno.

Certe trame struggenti possono solo essere figlie del disagio interiore, quello che spesso proviamo nel quotidiano, e che magari riversiamo in un pezzo di carta o in una tela, o che magari ci limitiamo a interiorizzare, per paura del giudizio altrui.

DanyRusso si lascia andare, crea, modella, ritrova storie abbandonate e le arricchisce di nuove esperienze; il risultato è, almeno oggi, “Reprise”, un disco sudato, carico di significati, che trasmette però sensazioni di sintesi, semplificate, come solo la musica, quella di qualità riesce a regalare: poche note, semplici accordi, sonorità soffuse e la magia si compie.

Una bella scoperta… un disco da condividere.

INTERVISTA

Non conoscevo la tua musica: chi è DanyRusso? Che tipo di percorso, esperienze e cultura musicale hai alle spalle?

Come tanti, ho fatto tantissime serate in zona e/o comunque a qualche km da dove vivo, ma vivendo in una cittadina che poco permette non ho mai avuto sbocchi particolari.

Inoltre, ho avuto la "sfortuna" in passato, di incontrare persone che hanno parlato molto ma concluso poco, ecco perché solo oggi, essendomi mosso in prima persona, si può sentire di me.

Chi sono? Un musicista che poi si è appassionato allo studio di registrazione volendone conoscere i particolari, e così è successo che faccio le mie cose da me.

Quali sono i tuoi musicisti di riferimento, quelli che hanno condizionato il tuo modo di essere artista?

Beh, sono cresciuto coi Beatles che ascoltava mio padre, poi come ogni chitarrista, dopo aver sentito i Led Zeppelin si sono ampliate le vedute, per arrivare ad ascoltare altre band come Yes, Deep Purple, Uriah Heep e altri che comunque hanno fatto della loro musica, la storia del rock.

E’ uscito il tuo debutto discografico, “Reprise”: qual è il contenuto dal punto di vista delle liriche? Esiste concettualità espressiva?

Guarda, i brani sono nati così, alcune volte prendendo semplicemente la chitarra in mano, e in alcune occasioni invece, mi son venute le melodie nel dormiveglia, Sun King su tutte. In base a come suonava il brano, alle sonorità e all'idea che mi veniva arrangiando, mi veniva il testo. 

Parlando invece di della globalità della proposta, come definiresti l’album e… come descriveresti in generale la tua musica?

L'album di fatto ha rispecchiato moltissimo lo stato psicofisico in cui mi trovavo, un momento difficile, soprattutto perché non ero contentissimo di ciò che mi girava intorno e come. Come definisco la mia musica? Vera, sentita, senza artifici, che tratta anche di temi comuni a tanti. Insomma, credo sia musica creata da un musicista vero, che poi possa piacere o meno, come sempre è soggettivo, ma come dico spesso, io cerco di fare del mio meglio, se poi arriva alla gente, è un traguardo vero.

Come ti sei mosso per la realizzazione di “Reprise”? E’ un prodotto che riassume momenti del tuo passato o trattasi di nuova ispirazione?

Una mattina mi sono svegliato e mi son detto: sai che c'è, che quasi quasi faccio un album, e da lì ho iniziato a scrivere. Mi andava davvero, mi andava di suonare strumenti veri, con arrangiamenti veri, cori veri senza l'uso di macchine (vedi harmonizer), ed è per questo che l'ho chiamato “Reprise”, perché ho cercato il più possibile di farlo come si faceva quando si realizzava musica vera.

Nell'album ci sono tre brani (Nowheregirl - The Way I'm livin' - Leaving for planet) che appartengono al passato, The way I'm livin' l'ho addirittura scritta 25 anni fa, e le ho riarrangiate per questo album.

Le altre invece sono state scritte proprio per Reprise.

Chi ha collaborato alla stesura dell’album?

Nessuno, eravamo solo io e Dany.

Che cosa significa per DanyRusso la performance live?

Beh il live è la massima espressione per un musicista, la cosa più bella è il contatto col pubblico e vedere se si riesce a trasmettere ciò che si ha dentro.

Il pubblico è la vita per chi fa musica.

”Reprise” è qualcosa che pubblicizzerai, anche, con concerti dedicati?

Mi piacerebbe moltissimo, ma sappiamo anche bene che in Italia cantare in inglese è quasi un tabù, ovvio, a meno che tu non venga da oltre confine o che tu abbia partecipato a reality show dedicati. Non nascondo che pubblicizzare il mio lavoro in Italia, poco mi interessa.

Mi dai un tuo giudizio sullo stato della musica italiana?

Pessimo!!!

La musica italiana è "comandata" da reality show, dove poi, parliamoci chiaro, nel 99% dei casi, i vincitori fanno un album e spariscono. Sanremo, anziché dare spazio ai nuovi arrivati, ripropone sempre le solite facce che credo abbiano ben poco da dire ancora, e/o comunque sono legate ai retaggi del tempo. Le radio, i network, comandano chi, cosa e come mandare in onda e chi no.

Se ad un deejay non sta bene, non si fa, eppure ricordo che non era così.

Che cosa vedi nel tuo futuro prossimo musicale?

Altri album. Infatti il prossimo, "It's me" è quasi terminato. Poi ne farò ancora.

Perché no, ho così tanto da dire che forse prima o poi qualcuno si fermerà ad ascoltare come si deve, e...

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TRACKLIST

1. That's what I mean

2. The way I'm livin'

3. Nowheregirl

4. The witch

5. The witch and the troll

6. The troll

7. And my..

8. The cure

9. Leaving for planet

10. Trinity

11. Sun King

12. Rising sun

LINEUP

DanyRusso Guitars – Bass – Keyboards – Vocal – Backing vocals and computer programming

ValentinRoberto Spagnolo Saxophone on “The cure”a Piccione Vocals on “Leaving for planet” and “Trinity”