Prevista per ottobre l’uscita di “Yessingles”, la raccolta dei singoli degli YES

 

Yessingles, una raccolta dei singoli della leggenda del prog, uscirà in vinile a ottobre

Una nuova compilation degli Yes, Yessingles, con versioni singole di alcuni dei più grandi successi della band, sarà pubblicata su vinile 140g attraverso Rhino Records il 6 ottobre.

Una versione promozionale di And You And I (Part One), precedentemente non disponibile in formato digitale, è stata rilasciata ai servizi di streaming.

Anche se difficilmente definitivo, il nuovo set contiene la maggior parte dei singoli della band, da Your Move del 1971 (che raggiunse il numero 32 nelle classifiche australiane) fino a Leave It del 1983, che raggiunse il numero 24 nelle classifiche statunitensi quell'anno.

Ignora totalmente tutti i singoli pubblicati dai primi due album della band - Sweetness e Looking Around dall'album di debutto della band del 1969 e Sweet Dreams e la title track da “Time And A Word” del 1970.

Forse più inspiegabili sono le omissioni di It Can Happen da “90125” e uno qualsiasi dei singoli dell'album “Big Generator” del 1987, vale a dire Love Will Find A Way e Rhythm Of Love.

“Big Generator” fu l'ultimo album della band per l'etichetta Atco (una sussidiaria del gruppo Atlantic), dopo di che la band pubblicò “Union” su Arista nel 1991 e poi “Talk” nel 1994, quindi tutte le successive pubblicazioni di singoli sarebbero state probabilmente incluse.

Dopo “Talk”, ogni album degli Yes, da “Keys To Ascension” a “Magnification”, è stato pubblicato dall'etichetta Eagle, con “Fly From Here” del 2011 e “Heaven & Earth on the Frontiers” del 2014 e le uscite più recenti “The Quest” (2021) e “Mirror To The Sky” (2023) che sono state pubblicate sull'etichetta InsideOut.

Yessingles sarà disponibile come versione speciale in vinile splatter presso i rivenditori locali e in una versione standard in vinile nero, entrambe su vinile da 140 g.

Yes: Yessingles 

Side One

1. Your Move – Single Version

2. Starship Trooper: Life Seeker – Single Version

3. Roundabout – Single Edit

4. America – Single Edit

5. And You And I (Part One) – Promo Radio Edit

6. Soon – Single Edit

 

Side Two

1. Sound Chaser – Single Edit

2. Wonderous Stories – Single Version

3. Don’t Kill The Whale – Single Version

4. Into The Lens – Single Version

5. Owner Of A Lonely Heart – Single Version

6. Leave It – Single Remix

The Songs Of Nick Drake - Toronto, November 18th, 2012

Il grande compositore Nick Drake è stato ricordato negli ultimi anni con uno spettacolo tributo itinerante chiamato "The Songs of Nick Drake".

 

Ricordiamo oggi The Songs Of Nick Drake - Toronto, November 18th, 2012, un concerto tributo al compianto cantautore britannico Nick Drake.

Lo spettacolo presentava una formazione di musicisti che eseguivano le canzoni di Drake, con la partecipazione di un quartetto d'archi che proponeva gli arrangiamenti di Robert Kirby, da lui adottati per gli album di Drake.

Il concerto registrò il tutto esaurito e ricevette recensioni positive dalla critica. Il "Toronto Star" lo definì "un bellissimo e commovente tributo a un grande artista", mentre "Exclaim!" affermò che la manifestazione rappresenta "un must per i fan di Nick Drake".

L’evento è stato registrato e pubblicato in DVD e CD nel 2013 ed è un prezioso documento che omaggia un artista molto amato, una registrazione che piacerà ai fan di Nick Drake, vecchi e futuri, sempre più numerosi.

Gli arrangiamenti visti nel video spaziano da sezioni di archi complete a numeri rock diretti a interpretazioni acustiche ridotte.

Il documento si può considerare uno spettacolo vario con molti cantanti, ma il filo conduttore è rappresentato dalle canzoni di Nick Drake.

Consigliatissimo!

 

LA SET LIST

1. Luke Jackson: Introduction (00:00)

2. Kurt Swinghammer: River Man (01:47)

3. Oh Susanna: Place To Be (06:46)

4. Kevin Kane: Free Ride (11:46)

5. Luke Jackson: Parasite (16:04)

6. David Matheson: At The Chime Of A City Clock (21:12)

7. Don Kerr & Ron Sexsmith: Time Has Told Me (25:55)

8. David Celia: Hazey Jane II (31:29)

9. Brent Jackson: Things Behind The Sun (35:29)

9. Sahra Featherstone: Clothes Of Sand (39:12)

10. Mike Evin: Black Eyed Dog (44:49)

11. Kurt Swinghammer: Three Hours (50:14)

12. Oh Susanna: One Of These Things First (56:24)

13. Ron Sexsmith: Day Is Done (1:01:10)

14. Kevin Kane: Northern Sky (1:04:01)

15. David Celia: From The Morning (1:07:29)

16. Oh Susanna: Fly (1:12:21)

17. Andrea Kovats: Sunday (1:16:16)

18. Kurt Swinghammer & Kathryn Rose: Poor Boy (1:19:51)

19. Kevin Kane: Voice From The Mountain (1:25:37)

 

Ecco un elenco dei musicisti che si sono esibiti al concerto:

 

LA BAND

Don Kerr – batteria

Jason Mercer – basso

Kurt Swinghammer – chitarra

David Matheson – piano

L’ORCHESTRA

Alex Cheung – violino

Sahra Featherstone – violino

Matt Coleman – violino

Johann Lotter – viola

Norman Hathaway – viola

Wendy Solomon – violoncello

CON:

Todd Porter – sassofono su “At The Chime Of A City Clock”, “Hazey Jane II” e “Poor Boy”

Brian Walters – tromba su “Hazey Jane II”

La ripartenza di Greg Lake dopo la scissione degli ELP

 

Greg Lake ebbe a dire dopo la scissione degli ELP:

 

"Mi sono scrollato di dosso i consigli e mi sono buttato a capofitto nella sperimentazione di diverse idee musicali. Ma non è stata la mia migliore mossa di sempre!"

In seguito, descrisse il suo deludente album di debutto solista come "su chi non sono, piuttosto che su chi sono".

Dopo lo scioglimento di Emerson, Lake e Palmer nel 1978, Greg Lake intraprese una carriera solista che durò solo due album. Nel 2011 (cinque anni prima della sua morte) ha guardato indietro ad una parte frustrante di una carriera altrimenti illustre.

Quando si è trascorsa la parte migliore di un decennio con una delle più grandi band del mondo, proporsi da solo può essere scoraggiante, anche se sei affermato come artista importante. Ma questa era la situazione di Greg Lake quando gli ELP si sciolsero nel 1978.

A quel tempo, le azioni del trio erano crollate e Lake considerò seriamente cosa fare dopo. "C'erano due cose che potevo fare. Proporre il mio album o semplicemente sedermi e non fare nulla. E quest'ultima era un'opzione seria. Ad essere onesti, la mia più grande preoccupazione era come andare avanti musicalmente parlando. In realtà non avevo una direzione in mente, ma guardavo in tutte le direzioni. Ora, mi guardo indietro e penso che la mia migliore mossa della carriera sarebbe stata quella di rimanere fedele a quello che stavo facendo negli ELP, e prima ancora con i King Crimson. In altre parole, rimanere nell'area del rock progressivo. Alcune persone hanno provato a dirmelo, ma io mi sono scrollato di dosso i loro consigli e, al contrario, mi sono buttato a capofitto nella sperimentazione di diverse idee musicali: non è stata la mia mossa migliore di sempre".

Inizialmente, Lake andò a Los Angeles e registrò con i Toto, ma queste sessioni furono per lo più scartate. Alla fine, trovò la persona giusta per galvanizzarlo, l'ex chitarrista dei Thin Lizzy Gary Moore.

"Gary e io andavamo molto d'accordo. Era un chitarrista incredibile e non credo abbia mai avuto il credito che meritava rispetto a quello che poteva fare. Il problema è che la gente vedeva Gary come un blues man o un musicista heavy metal. Dava il suo meglio, però, quando scavava nelle sue radici celtiche. Come me, Gary non ha mai optato per una direzione musicale, ma era un grande musicista con cui era piacevole lasciarsi andare”.

L'album omonimo risultante, pubblicato nel 1981, era una sorta di patchwork di stili e musicalità. Un'intera batteria di musicisti di alto livello lavorò con Lake - tra cui Steve Lukather dei Toto, Jeff Porcaro e David Hungate - ma ciò che ne venne fuori mancava di coesione.

"Non ero affatto concentrato. Con il senno di poi, forse avrei dovuto prendermi molto più tempo, raccogliere i miei pensieri e solo allora andare in studio. Ma mi afffrettai, e qui è in parte perché l'etichetta discografica [Chrysalis] e il mio management mi spinsero a fare qualcosa a tutti i costi. Insomma, volevano che l'album uscisse il più velocemente possibile.

Lo registrai un po’ ovunque. Prima a Los Angeles, poi tornai in Inghilterra e ristrutturai un mulino che avevo comprato, trasformandolo in uno studio, e feci alcune cose lì. Quindi, quello che si capta dall'album è un senso di frustrazione. Lo ascolto ora, e so come avrei potuto evitare di farlo sembrare così irregolare".

Una cosa di cui Lake è orgoglioso è che nell’album appare una canzone co-scritta con Bob Dylan. Beh, appare un credito su “Love You Too Much”, anche se non l'ha scritta direttamente con Dylan. "Chiesi a un mio amico, che era il tour manager di Dylan, se avesse qualche canzone inedita che avrei potuto usare nell'album. Dylan mi mandò “Love You Too Much”. L'aveva completata solo parzialmente, ma mi suggerì di fare il resto come volevo. Per me fu un grande onore. Sono sempre stato un suo grande fan, ed è stata quella una delle rare volte in cui ha permesso a un uomo di avere un credito di co-scrittura al suo fianco. Mi piaceva raccontare alla gente come ci sedevamo e scrivevamo insieme. Ma in realtà sono stronzate. Non ci siamo mai incontrati!".

L'album andò male, arrivando solo al numero 62 nelle classifiche del Regno Unito e degli Stati Uniti, e vendette circa 150.000 copie in tutto. Un crollo drammatico rispetto ai giorni di vendita multimilionaria di ELP. Lake, però, incolpò fermamente l'etichetta discografica. "Mi ingaggiarono pensando che fossi per loro garanzia di “facile denaro”. Pensavano di avere tra le mani un artista che avrebbe venduto oltre un milione di copie, ma chiunque capisca il modo in cui funziona la musica rock saprà che solo perché sei stato in una grande band non significa che sarai grande anche come artista solista. Anzi, è vero il contrario.

Le aspettative erano così alte che fecero pochissimo marketing, e quando videro che l'album non ebbe successo, persero interesse. Non ero affatto insoddisfatto perché per me questo avrebbe dovuto essere l'inizio di un processo di costruzione graduale, ma ciò non è mai accaduto.

Ora lo ascolto non come un album completo, ma come una cronaca del viaggio musicale che stavo facendo in quel momento. C'è molta confusione, e ho fatto un grosso errore nel non attenermi alla musica che mi aveva influenzato nel corso degli anni. Pensavo di poter provare altre cose e mi sbagliavo. Quindi l'album d’esordio di Greg Lake parla in realtà di chi non sono, piuttosto che di chi sono".

Dopo la pubblicazione, Lake mise insieme per il tour una band di valore, con Moore, il tastierista Tommy Eyre, il bassista Tristian Margetts e il batterista Ted McKenna (Lake era il cantante / chitarrista del progetto).

"Una volta messa in piedi la band tutto cominciò ad avere un senso. Riuscivo a concentrarmi e le canzoni cominciarono a ritrovarsi da sole. Spesso penso che avrei dovuto prima mettere insieme questa band, andare in tour e lavorare correttamente sulle canzoni, e poi registrarle. Ma sono stato coinvolto dalla fretta di altri, che hanno visto la luce dei dollari!”.

Con la giusta band di supporto Lake si sentì più a suo agio per il successivo album solista, “Manoeuvres”, del 1983. Non c'erano canzoni rimaste dalle sessioni per il suo primo album solista; quindi, dovette mettere tutto insieme partendo da zero. Ma ciò che Lake fece fu coinvolgere la band nel processo di scrittura, in particolare Moore. "Queste erano persone che avevano guadagnato la mia fiducia nel corso dei viaggi fatti assieme. A quel punto mi sentivo come se fossi tornato in una band, ed ero a mio agio in quella situazione. Gary e io eravamo cresciuti molto vicini, musicalmente, sapeva cosa stavo cercando, e mi sono appoggiato un bel po' a lui per sistemare le canzoni. Nel complesso, penso che abbiamo avuto più ragione che torto in quel disco".

Tuttavia, c'è una canzone che Lake rimpiange di aver incluso, vale a dire “Famous Last Words”. "Ero sotto pressione perché Chrysalis stava cercando un singolo di successo. Continuavano a chiedermi di dare loro qualcosa come “Lucky Man”, che era stato una grande hit per ELP. Pensavano che potessi sedermi e scrivere un'altra canzone del genere senza nemmeno battere ciglio. Idioti! Si può dire che “Famous Last Words” non è qualcosa di cui eravamo felici, e non è stato nemmeno vicino ad essere un successo".

Stranamente, mentre “Manouevres” ha venduto male, e non ha nemmeno eguagliato ciò che era stato raggiunto col disco di debutto, probabilmente ha resistito meglio nel tempo. Il fatto che Lake avesse una vera e propria band gli diede molta più concentrazione. Quando lo si riascolta si può effettivamente sentire l'inizio di qualcosa che avrebbe potuto avere una vera longevità, se solo tutti gli altri avessero creduto in quello che stava succedendo.

"Avevo ancora problemi con la direzione musicale, ma si stava procedendo, seppur lentamente", disse Lake. "Il vero problema arrivò dall'etichetta e dal management che persero interesse dopo due flop consecutivi. Se solo avessi resistito alla pressione e impiegato molto più tempo durante il debutto, allora le cose sarebbero potute andare diversamente. Come si è scoperto, però, quando mi sono sistemato, non avevo davvero una carriera solista di cui parlare".

Come molti artisti di alto profilo, Lake improvvisamente sentì che il lato negativo nell’essere un artista solista superava di gran lunga qualsiasi aspetto positivo. Mentre essere responsabile del proprio destino aveva i suoi ovvi vantaggi, di contro non aveva nessun posto dove “nascondersi”, sopportando da solo la pressione finanziaria.

"Ero abituato a stare in una band, King Crimson ed ELP, dove si condividevano le cose. Ma ora ero il capo di me stesso. All'inizio è stato fantastico non dover chiedere il permesso a nessun altro prima di decidere le cose. E poi ti rendi conto che non è così semplice. Stai pagando per tutto e affronti le conseguenze di decisioni sbagliate senza nessun altro a cui appoggiarti. Sarebbe stato fantastico per il mio ego avere la Greg Lake Band, ma poi avrei dovuto fare il conto con un gruppo di persone assunte che non erano certo lì per dare una mano nei momenti difficili."

Nel 1983, Lake abbandonò le sue ambizioni soliste per non tornare mai più su quei passi. Ammette di aver pensato occasionalmente di fare un altro album da solo, trovando sempre una scusa per non riattivare quei piani. "Ho trascorso gli ultimi 25 anni o giù di lì lavorando in diverse collaborazioni, con Keith, Geoff Downes [il progetto abortito “Ride The Tiger”] e anche ELP. Ho resuscitato la Greg Lake Band per un tour [nel 2005], e si parlava di andare oltre, ma ho ricevuto poco incoraggiamento a farlo".

Questa di Greg Lake è l’immagine di un uomo che ha avuto un enorme successo in gruppo, ma che appare particolarmente insoddisfatto come artista solista. Un uomo che prospera nelle situazioni in cui è un leader, ma non troppo a suo agio se tutto il peso è sulle sue spalle.

 "Ho imparato una cosa: è meglio trattare con musicisti alla pari piuttosto che essere un unico e solitario direttore d’orchestra!".

 

ARTICOLO ORIGINALE

 

I King Crimson annunciano la celebrazione del 50° anniversario di “Larks Tongues In Aspic”

 

La nuova ristampa di “Larks Tongues In Aspic” contiene nuovi remix di Steven Wilson del 2023 e uscirà a ottobre

 

I King Crimson hanno annunciato che pubblicheranno una nuova edizione di “Larks Tongues In Aspic” per celebrare il 50° anniversario del loro quinto album in studio, rilasciato in origine nel 1973; la pubblicazione avverrà attraverso Panegyric Records il 13 ottobre.

La nuova ristampa arriva in un set di due Blu-ray e due CD, e in edizione in vinile a due LP. Il set Blu-ray e CD contiene nuovissimi mix 2023 in Dolby Atmos, DTS-HD MA 5.1 Surround Sound e Hi-Res Stereo di Steven Wilson, nuovi Elemental Mixes di David Singleton, le registrazioni complete di ogni sessione registrata per l'album (tutto questo materiale è stato mixato dalle esibizioni originali ed è presentato su disco per la prima volta in Hi-Res 24/96 stereo),  Mix stereo Hi-Res dei master stereo originali e del documentario audio di David Singleton sulla registrazione dell'album “Keep That One, Nick” precedentemente incluso nel cofanetto del 2012. Queste sono le uniche inclusioni ad essere state emesse in precedenza.

I CD includono il mix stereo del 2023 e strumentali dell'album e i mix e le bobine master selezionate. La nuova ristampa si presenta come un'edizione con copertina apribile 2 x contenente i singoli dischi più libretto con note di copertina del biografo dei King Crimson e scrittore Prog Sid Smith, confezionato in un cofanetto rigido.

IMMAGINI DI REPERTORIO

L'edizione vnyl contiene due LP da 200g con i nuovi mix di Steven Wilson e David Singleton.

“Larks Tongues In Aspic” presentava una formazione incredibile dei King Crimson che comprendeva Bill Bruford alla batteria, il compianto John Wetton al basso, il percussionista e batterista Jamie Muir e il violinista David Cross insieme al pilastro Fripp, che è stato spinto a dichiarare: "Questa band è più King Crimson di quanto non sia mai stata. Tutti gli ideali e le aspirazioni originali sono lì: amore rispetto e idee compatibili. È una band magica!"

Fu l'unico album dei King Crimson con Jamie Muir, e un anno dopo l'uscita dell'album - dopo altri due album, “Starless And Bible Black” e “Red” (entrambi pubblicati nel 1974) - Fripp sciolse la band.

      IMMAGINI DI REPERTORIO

King Crimson: Larks Tongues In Aspic 50th Anniversary tracklist

Blu-ray I - NTSC, All Zones (ABC), playable on all BD players & drives Dolby Atmos, DTS-HD MA 5.1 & LPCM Stereo 24/96, all previously unreleased: 

Larks' Tongues in Aspic - 2023 mixes. Dolby Atmos, DTS HD-MA 5.1 Surround, LPCM 24.96 Stereo 

Elemental Mixes (24/96 Stereo) 

Instrumental Mixes (24/96 Stereo) 

Blu-ray II - NTSC, All Zones (ABC), playable on all BD players & drives Dolby Atmos, DTS-HD MA 5.1 & LPCM Stereo 24/96, all previously unreleased except * 

Original Masters (24/96 Stereo) * 30th Anniversary Master 

The Session Reels 

1. "Keep That One, Nick" * 

Complete Recording Sessions (24/96 Stereo) January 16th, 1973 

Larks’ I - Takes 1 to 10

Larks’ I - Takes 12 to 18 & 20 to 22

Larks’ II - Take 1

Book Of Saturday - Take 1

Book Of Saturday - Take 1 Overdubs & 2nd Main Vocal Take 

January 17th, 1973 

Larks’ I - Edit 2 Takes 1 to 11

Larks’ I - Edit 2 Take 12 & Overdubs

Larks’ I - 4/4 Section Remake Takes 1 to 4

Larks’ I - 4/4 Section Remake Takes 5 to 9 & 11 to 17 Larks’ I - 2nd Edit Takes 1 to 6

Larks’ I - 2nd Edit Take 1 with Overdubs 

January 18th, 1973 

Larks’ I - Bill Drum Check Larks’ I - Jamie Drum Check Larks’ II - Takes 1 & 2 

January 19th, 1973 

Larks’ I - 7/8 Section Remake Takes 1 to 5 Larks’ I - 4/4 Section Remake Takes 1 to 9 

January 20th, 1973 

Larks’ I - 4/4 Section 2nd Remake Takes 10 to 20 

January 21st, 1973 

Larks’ I - 4/4 Section 2nd Remake Takes 21 to 26 

January 23rd, 1973 

Easy Money - Takes 1 to 9

Easy Money - Takes 10 & 11 Jamie Various Atmosphere Takes Jamie More Atmosphere Takes 

January 24th, 1973 

Easy Money - Remake Takes 1 to 6 Easy Money - Remake Takes 7 to 9 Intermezzo Takes 1 to 6 

Intermezzo Takes 7 to 16 Intermezzo Takes 19 to 25 

January 25th, 1973 

The Talking Drum - Takes 1 to 3

The Talking Drum - Take 3 (Complete) Larks’ I - 2nd Edit Takes 1 to 5

Larks’ I - Final Edit Remake Non Takes 

January 26th, 1973 

Exiles - Takes 1 to 3

Exiles - Takes 5 & 6

Exiles - Master Reel Take 4 Backing

Exiles - Master Reel Take 4 Overdubs 1 Exiles - Master Reel Take 4 Overdubs 2 Exiles - Master Reel Take 4 Vocal Overdubs 

January 30th, 1973 

The Talking Drum - Remake Takes 1 to 6

Larks’ I - Master Bass Drums Percussion 4/4 section Larks’ I - Master Bass Drums Percussion 7/8 section Larks’ I - Master Guitar 4/4 Section Pass 1

Larks’ I - Master Guitar 4/4 Section Pass 2

Larks’ I - Master Guitar 4/4 Section Pass 3

Larks’ I - Master Guitar and Violin 7/8 Section

Larks’ I - Master Intermezzo Part 1

Larks’ I - Master Intermezzo Part 1 Overdubs

Larks’ I - Master Intermezzo Part 2

Larks’ I - Master Introduction David & Jamie

Larks’ I - Master Introduction Overdubs

Larks’ I - Master Last Section Newspaper Readings

Larks’ I - Master Lead Guitar Overdubs

Larks’ I - Master Opening Bass, Drums, Guitar, Percussion Larks’ I - Master Opening Violin and Guitar

Larks’ I - Master Last Section Violin And Guitar 

January 31st, 1973 

Easy Money - Master Ambient Overdubs to the End Easy Money - Master Backing Track to the End Easy Money - Master Intro Backing Track

Easy Money - Master Intro Jamie Overdubs 

Easy Money - Master Intro Vocal Overdubs Easy Money - Master Vocal Overdubs to the End The Talking Drum - Master Reel Backing Track The Talking Drum - Master Reel Overdubs Larks’ II - Master Reel Backing Track

Larks’ II - Master Reel Overdubs

Larks’ II - Master Reel Violin Solos

 

CD 2 

February 1st, 1973 

Book Of Saturday - Takes 1 to 3 & 5 to 10

Book Of Saturday - Master Reel Bass Pass 1, Guitar, Violin

Book Of Saturday - Master Reel Guide Vocals, Guitar, Violin Overdubs Book Of Saturday - Master Reel Bass Pass 2, Vocals with Vocal Overdubs 

CDs: All material newly mixed/released

 

CD 1 

Larks' Tongues in Aspic (2023 Mix and Instrumentals) 

Larks' Tongues in Aspic (Elemental Mixes and Selected Master Reels)

David Gilmour e The Orb: “Metalllic Spheres in Colour” uscirà a settembre

 

La collaborazione di David Gilmour del 2010 con The Orb, “Metallic Spheres”, è stata rivisitata e remixata come Metallic Spheres In Colour e sarà pubblicata da Sony Music il 29 settembre.

Ecco un estratto dal Movimento 1 …

"L'idea di “Metallic Spheres In Color” nasce dal fatto che Alex Paterson (fondatore di The Orb) avrebbe potuto fare di più sulla prima versione e non ne ha avuto l'opportunità perché all'epoca avevamo una filosofia musicale simile a quando la colonna sonora di “Blade Runner” incontra “Wish You Were Here", spiega Youth, che ha lavorato all'originale e ha remixato la nuova versione. "Quindi, gli ho chiesto di remixarlo e di renderlo un classico di Orb, e nel farlo, è quasi come fosse nato un album completamente diverso".

L'album originale nacque quando Gilmour registrò il brano di Graham Nash Chicago/We Can Change The World, originariamente di Crosby, Stills, Nash & Young, in aiuto dell'hacker britannico Gary McKinnon, che stava affrontando l'estradizione negli Stati Uniti. Gli Orb, che erano anche sostenitori di McKinnon, remixarono il brano e chiesero a Gilmour di contribuire con ulteriori parti di chitarra nello studio di Youth, The Dreaming Cave, nel sud di Londra.

"Abbiamo trascorso una giornata con David in studio con la sua chitarra, lui ha iniziato a suonare ed è diventato questo brano di 25 minuti", disse Youth nel 2010. "Dopo che Dave se ne andò, pensai che in quella jam c’erano così tanti colpi di scena che avremmo potuto allungarla, inserire alcune cose e trasformarla in un album di 50 minuti, ed è quello che ho fatto!"

Metallic Spheres è stata una delle prime major release ad essere pubblicata in una versione del suono surround chiamata 3D60 Audio.

Ecco il nuovo artwork di Metallic Spheres In Colour... 

L'album sarà disponibile in vinile, CD e in digitale come 360RA e Dolby Atmos.

 

The Orb & David Gilmour: Metallic Spheres In Colour

1. Seamless Solar Spheres Of Affection Mix

2. Seamlessly Martian Spheres Of Reflection Mix

Annunciato il programma di ristampe della progressive rock band norvegese White Willow

 

In ristampa da novembre i primi sei album dei prog rockers norvegesi a partire da “Ignis Fatuus”

 

I prog rocker norvegesi White Willow vedranno i loro primi sei (su sette) album ristampati attraverso la Karisma Records, a partire dall'album di debutto della band del 1996, “Ignis Fatuus”, che verrà rilascaito il 3 novembre.

La nuova ristampa è stata rimasterizzata dal pilastro Jacob Holm-Lupo (Solstein, Donner, The Opium Cartel), e presenta la copertina classica originale…

Holm-Lupo formò i White Willow nel 1992 con il tastierista Jan Tariq Rahman. Ignis Fatuus ha continuato a vendere dopo la sua tiratura iniziale di 5000 copie, stabilendo la band come una forza emergente nella scena prog di riqualificazione degli anni '90.

La formazione della band ha fluttuato nel corso degli anni, con il solo Holm-Lupo come unico membro originale rimasto, anche se il tastierista Lars Fredrik Frøislie (Wobbler) è stato un pilastro a partire dal 2001.

Dopo il debutto, i restanti album della band - Ex Tenebris (1998), Sacrament (2000), Storm Season (2004), Signal To Noise (2006) e Terminal Twilight (2011) - saranno ristampati. Al momento non si fa menzione del fatto che Future Hopes, del 2016, sarà ristampato in un secondo momento.

Kansas Regrets da “Terminal Twilight” del 2011, con Tim Bowness come voce ospite…

White Willow: Ignis Fatuus (cliccare sul titolo per ascoltare)

1. Snowfall

2. Lord of Night

3. Song

4. Ingenting

5. The Withering of the Boughs

6. Lines on an Autumnal Evening

7. Now in these Fairy Lands

8. Piletreet

9. Till He Arrives

10. Cryptomenysis

11. Sighs

12. John Dee’s Lament

"Viaggiavamo sulla Cadillac di Clark Gable, rinnovata da Rolls Royce. Avevamo dentro una TV e due bar, solo per la band": i segreti dell'eccesso di Rick Wakeman

I grandiosi spettacoli dal vivo dell'icona della tastiera illuminarono gli anni '70, ma dietro lo sfarzo e la maestosità c'erano a volte recensioni negative, attacchi di cuore e, quasi, la rovina economica

 

La musica degli Yes è sempre stata materiale “ambizioso”, ma gli obiettivi dell'ex tastierista Rick Wakeman sono andati ancora più in là.

Negli anni '70 iniziò ad offrire spettacoli dal vivo massicci e complessi, basati sui suoi epici concept album, anche se farlo significava rischiare la sua casa, la sua salute e la sua reputazione. Nel 2012 lui e i suoi colleghi hanno guardato indietro a un decennio di eccessi, e Wakeman ha insistito sul fatto che non aveva rimpianti, spiegando: "Non ho mai creduto nelle persone che cambiano poco, e ancora non lo faccio".

Chiedete a Rick Wakeman se c'è qualche ragione psicologica di fondo per l'opulenza, la grandiosità, il puro spettacolo dei suoi famigerati spettacoli dal vivo, e lui offrirà un'alzata di spalle.

"Mi piace il termine grandioso applicato ai miei spettacoli. Ho amato l'idea di raccontare storie con la musica da quando avevo circa otto anni, quando mio padre mi fece conoscere Peter And The Wolf di Prokofiev, ma nel corso degli an, andando ai concerti, mi sono annoiato. La musica magari era fantastica, ma sono giunto alla conclusione che un concerto dovrebbe essere un intrattenimento polivalente".

Ci sono stati molti altri artisti che hanno fatto il possibile: Pink Floyd e The Wall; David Bowie e The Glass Spider, AC/DC e Rosie. Tuttavia, quando si tratta dell'assalto multisensoriale di occhi, orecchie e cervelli, nulla si avvicina alle epopee di Wakeman. "Papà non fa le cose a metà", concorda il figlio Adam Wakeman, con una nota di affetto nella sua voce.

La verità è che Wakeman fa le cose per multipli: che si tratti di mogli, cavalieri, ballerini sul ghiaccio, dinosauri, cameraman o ragazzi del coro. Per questo direttore del prog rock, il formato standard del settore - quattro tizi in jeans che si propongono su un palco spoglio - è un anatema. "Quanto sarebbe noioso?" sorride.

Anche negli anni degli Yes c'erano accenni di grandiosità, con un Wakeman incappucciato che presiedeva il suo paddock di sintetizzatori. Ma nel 1973 la sua carriera solista è partita con The Six Wives Of Henry VIII. Con una mossa senza precedenti da parte di una rock star britannica, Wakeman chiese di eseguire Henry nella sua casa spirituale dell’Hampton Court Palace, e la cosa fu debitamente rifiutata ("l'idea di tenere un concerto rock lì equivaleva a tradimento", osserva). Per un visionario meno tenace, la cosa avrebbe potuto terminare lì. Wakeman, tuttavia, era solo all'inizio.

Guardando indietro, l'unica cosa piccola di Journey To The Centre Of The Earth del 1974 riguarda gli inizi del progetto. La band per il secondo album solista di Wakeman si era incontrata in circostanze infauste, in un boozer nel Buckinghamshire dove un gruppo di session men proponeva jam la domenica sera. "Rick si presentò una sera nella sua Rolls bianca e disse: 'Posso sedermi?'", ricorda il bassista Roger Newell. "È così che è iniziato tutto".

Il grande ingresso di Wakeman era un segno eloquente della direzione in cui Journey era diretto. Con un'orchestra completa, un coro e un narratore parte integrante della musica, la registrazione si spostò alla Royal Festival Hall, per due concerti, il 18 gennaio 1974, dove folle di 3.000 persone guardarono la visione musicale di Wakeman della London Symphony Orchestra e dell'English Chamber Choir. Anche allora, il finanziamento dello spettacolo richiedeva a Wakeman di impegnare le sue auto e ipotecare nuovamente la sua casa, un tema che presto diventerà familiare.

"Ricordo che Rick entrò nel nostro camerino alla Royal Festival Hall", dice Newell. "Era ovviamente nervoso, perché questo era il suo primo progetto completamente sotto la sua responsabilità.

"Salimmo sul palco", continua Newell, "e tra il pubblico c’era Steve Howe, John Lennon e Yoko Ono, Ringo, McCartney con Linda, alcuni politici, Peter Sellers con Britt Ekland, e Dio sa chi altro. Fu allora che tutti pensammo che allora doveva essere davvero una cosa seria! Fu a quel punto che rimanemmo davvero colpiti!”

"Mi resi conto allora che mi piaceva suonare con i grandi e con budget elevati", ricorda James. "Tutti abbiamo dovuto seguire Rick nei suoi sogni".

La Royal Festival Hall diede a Wakeman un assaggio del potenziale, e da lì, Journey attraversò il pianeta: un vortice di logistica e lussi che procurarono emorragia di denaro. "Non mi ha reso affatto stressato", insiste Wakeman. "All'epoca, andavi in tour per 'pubblicizzare' la tua musica e vedere dischi. Ho sempre saputo che con Journey come tour avrei perso soldi, ma ho anche creduto che avrebbe aiutato a vendere gli album, cosa che ha fatto, e senza dubbio ha venduto molto più di quanto avrebbe fatto se non avessi fatto tour".

"Journey è stato registrato con un'orchestra e un coro, quindi è quello con cui sono andato in tour. Non ho mai creduto nelle persone che cambiano poco, e ancora non lo faccio".

Questo vale anche per la band. "Per il tour di “Journey” viaggiavamo nella Cadillac di Clark Gable", dice Newell, "che era stata trasformata da Rolls Royce. Avevamo una TV e due bar, solo per la band. Ovunque andassimo, venivamo sempre prelevati da casa e guidati da autisti. Quando andammo negli Stati Uniti, la band viaggiò sul proprio aereo, e così fece l’orchestra. La maggior parte di loro erano demoni della cocaina, completamente pazzi!"

Il tour di Journey raggiunse il top con uno spettacolo al Crystal Palace Bowl nel luglio 1974, completo di dinosauri gonfiabili, e il gran finale di Wakeman che collassa sui suoi sintetizzatori, subendo il primo dei suoi attacchi di cuore. Sembrava giunto il momento di una pausa, forse? Niente affatto!

L’anno successivo, il 1975, arrivò “The Myths And Legends Of King Arthur And The Knights Of The Round Table”.

La band aveva assimilato il materiale di Arthur nel corso dei concerti, ma nel maggio 1975 Wakeman era ansioso di presentare un concerto specifico in Gran Bretagna, su larga scala, tanto da soddisfare il promoter Harvey Goldsmith. La direzione di Wakeman spinse per la Royal Albert Hall; il tastierista insistette per tre notti alla Wembley Arena. C'era solo un piccolo dettaglio.

"Il ghiaccio fu un incidente", ammette Wakeman, "perché il momento in cui avevo scelto di fare gli spettacoli di Arthur era poco prima che gli Ice Follies giocassero a Wembley, e la pista di pattinaggio era a posto. Dissi che non sarebbe stato un problema".

"Quindi si era creata questa strana situazione", ricorda Newell, “e ne scaturì che Arthur doveva essere messo in scena sul ghiaccio”. A quel punto Rick fu d’accordo e alla fine quegli spettacoli furono molto divertenti."

Anche la label A & M era sorprendentemente modello “laissez-faire”, senza dubbio perché Wakeman aveva utilizzato i suoi soldi.

"Non credo che a loro importasse molto, finché vendevo dischi e loro facevo loro soldi potevo fare ciò che volevo", dice. "Molte delle persone che hanno lavorato in A&M hanno amato quello che ho fatto e sono state di grande supporto. Il mio commercialista pensava che fossi completamente pazzo, e la direzione scosse la testa in più di un'occasione. Ma c'erano così tante possibilità eccitanti allora, e le ho afferrate con entrambe le mani. All'epoca non mi veniva detto cosa fare dalle case discografiche e dal management. Avevi la libertà di fare quello che volevi, e così ho fatto".

Wakeman e la sua band di sei elementi erano solo un ingranaggio in questo evento spettacolare. "Se ben ricordo", calcola, "c'erano circa 72 membri nell'orchestra, 64 nell'English Chamber Choir e 16 nel coro basso. Ricordo più di 60 pattinatori su ghiaccio e un equipaggio di 50 persone. Avevo un coreografo straordinario che lavorava con i pattinatori, che venivano da tutto il mondo. Ho imparato molto rapidamente che era come un gigantesco puzzle che metteva insieme queste stravaganze, e il segreto era coinvolgere le persone giuste, che potevano visualizzare l'articolo finito nello stesso modo in cui potevi farlo tu. "

"Arthur era proprio questo spettacolo pazzesco", sorride Adam, "con un sacco di gente vestita da cavalli, e cavalieri, e roba del genere. Negli anni '70, mettere su uno spettacolo e farlo sul ghiaccio non era pratico e non era davvero fattibile, ma non era questo il punto. Il fatto era che lui voleva farlo e così è stato".

"La cosa più divertente", continua Newell, "è che Rick disse: 'Guarda, ci saranno un sacco di ragazze che pattineranno mentre suoniamo: cosa dovrebbero indossare?' Certo, siamo ragazzi giovani, quindi diciamo "calze e bretelle". Ed è quello che indossarono per uno dei numeri!

Nonostante un incidente, avvenuto quando il mantello di Rick rimase intrappolato in un synth che veniva alzato ("Sono stato lasciato appeso a mezz'aria!"), Wakeman ammette di essere rimasto sorpreso dal fatto che uno spettacolo così complesso abbia funzionato, per non parlare del fatto che gli piacessero le date di Wembley. La sua band ha il suo punto di vista: "Absolute fucking chaos!" dice James riferito alla prima notte. "C'erano due elementi che lo rendevano difficile. In primo luogo, abbiamo dovuto condensare la durata del concerto. Poi abbiamo avuto un'azienda televisiva francese che voleva una luce pura, bianca e brillante. Abbiamo usato tutti un completo white-out. Tutti i nostri volti erano sbiancati e non riuscivamo a vedere nulla. Ho visto scorci occasionali di ballerini di ghiaccio che si schiantavano l'uno contro l'altro. Per questo aspetto abbiamo avuto una dura critica da parte della stampa.

“Il suono rimbalzava”, osserva Newell, "cosa che non augurerei a nessuno. Grazie a Dio c’erano i monitor, perché senza quelli sarebbe stato un problema. Ma la cosa che ricordo di più degli spettacoli è il fatto che usarono molto ghiaccio secco, e poiché era così maledettamente freddo lì dentro, si alzò. C'è un pezzo del video in cui non puoi vedermi affatto. Sono racchiuso in una nuvola!"

Le recensioni erano miste. "Non mi ha mai preoccupato quello che pensavano i media", riflette Wakeman. "È sempre bello ricevere buone recensioni, ma alla fine è solo l'opinione personale di qualcuno. Il pubblico sembrava divertirsi tanto quanto me, e questo è tutto ciò che conta. I critici scrissero che “Arthur” mostra la mia "grande follia, però se lo ricordano ancora. Mi piacerebbe avere un paio di sterline per tutti coloro che hanno affermato di essere stati in uno di questi tre spettacoli. Un totale di 27.000 hanno visto i tre spettacoli... ma credo che ci siano circa 127.000 che affermano di aver partecipato".

Abbastanza vero: gli spettacoli di Wembley fecero il tutto esaurito, ma non fu sufficiente per realizzare un profitto. I racconti sulla successiva bancarotta di Wakeman sono esagerati, ma solo… leggermente. "Alla fine della fiera", insiste, "Arthur ha realizzato un profitto se si raggruppa tutto nello stesso piatto. Finanziariamente, tutto ciò che faccio mi mette in pericolo. Investo quello che ho guadagnato dal progetto precedente in quello successivo, e così via, fino a quando purtroppo accade l'inevitabile e perdi, e poi sei di nuovo al punto di partenza, questa è la vita".

"Va bene, quindi Arthur ha perso soldi", dice Adam, "ma la gente non pensa al fatto che stava vendendo molti dischi in quel momento, il che sovvenzionò la realizzazione dello spettacolo. Per lui, allora, non si trattava di fare soldi, si trattava di fare le cose che voleva fare e rendere ogni spettacolo più coraggioso del precedente".

Eppure, erano gli anni '70. Dopo Arthur, si potrebbe supporre che la lezione sia stata appresa, ma la voglia di grandiosità di Wakeman non si è mai arrestata.

Andiamo avanti veloce al 2009 e finalmente arriva la notizia che Wakeman aveva ottenuto di suonare ad Hampton Court due spettacoli di “The Six Wives Of Henry VIII”, nella sua interezza, quel maggio. Quell’Hampton Court che 36 anni prima lo aveva respinto.

"Il problema più grande in origine era convincere chi di dovere ad utilizzare l’Hampton Court, spiega Adam, seconda tastiera in entrambi gli spettacoli. "C'è stato questo continuo avanti e indietro, per anni, e alla fine accettarono. Quindi questo è stato il primo ostacolo, credo, per lui. Per quanto riguarda il lato logistico, tutte quelle parti pratiche della messa in scena di uno spettacolo sono fattibili; si tratta solo di mettere insieme i soldi, trovare le persone giuste e assicurarsi che ci sia qualcuno di cui ti puoi fidare con la messa in scena, l'illuminazione, tutte quelle cose tecniche."

Ma non potevano controllare la stretta creditizia. "È stato un momento difficile per realizzare uno spettacolo del genere", ammette Wakeman. "La recessione stava mordendo duramente, e se non fosse stato per il fatto che era l'anniversario di Henry, avremmo sicuramente rimandato fino a quando il clima non fosse stato migliore. Ma a volte sono i tempi che comandano".

Come negli anni '70, la mentalità da scolaro in un negozio di dolci prese il sopravvento, e Wakeman iniziò a progettare personale per un concerto che comprendeva 95 musicisti (non ultimo l'English Chamber Choir e l'Orchestra Europa di Scott Ellaway), otto cameramen, la troupe di trombettisti di fanfara Seraphim, innumerevoli ragazzi dietro le quinte e la narrazione sfacciata di Brian Blessed. "Ho avuto modo di vederlo tornare a com'era", spiega Adam, "uno spettacolo davvero grande. È sempre stato il suo sogno rifare un evento come quelli degli anni '70, ed è stata una cosa davvero bella vederlo realizzato... Non voglio parlare di un ritorno alla gloria, ma certamente qualcosa che significava più di uno spettacolo standard in un teatro”.

Anche così, lo spettacolo di Wakeman era pieno di potenziali incidenti. "Ad ogni evento ci sono sempre disastri dell'undicesima ora", dice Adam. "E uno dei problemi è che Rick è una persona piuttosto precisa, e quando le cose fatte non sono giuste sfugge il controllo totale da parte di chi ha la responsabilità maggiore.

In realtà abbiamo fatto il testo finale con l'orchestra e l'intera produzione solo il pomeriggio del primo spettacolo", aggiunge. "Il palco aveva una grande scalinata che portava Rick fino a un grande organo a canne. Salì i gradini e questi si spostarono in mezzo al palco. Erano pesantissimi e quando li spinsero indietro rotolarono sui cavi di alimentazione e sui cavi audio che arrivavano alle sue tastiere. Così, quando Rick si alzò e andò a suonare “Jane Seymour” non uscì alcun suono. Venne da me e mi disse: 'Se succede stasera, dovrai suonare tu Jane Seymour'”.

Gli spettacoli furono trionfali. "Ero davvero in alto, su un montante, a circa 10 piedi sopra papà", ricorda Adam, "quindi avevo la vista migliore guardando in basso e potevo vedere tutto. È stato geniale e il posto fantastico. Se quello spettacolo fosse stato all'O2 o da qualche parte, sarebbe stato comunque bello, ma penso che tutti abbiano goduto il luogo scelto. Evento speciale per entrambi i giorni.”

“Ho sempre amato Six Wives, sin da bambino, e ho suonato alcune delle canzoni con mio padre nel corso degli anni in cui siamo andati in tour insieme. Ma la cosa che mi è davvero piaciuta di quello show è che abbiamo suonato l'album come previsto. Quindi quello è stato un vero momento speciale per me, poter suonare l'album nella sua interezza, come è stato scritto, o il più vicino possibile all’originale".

Un successo di critica, un'esperienza di legame padre-figlio, una grande serata, ma forse più di tutto questo, Henry at Hampton Court è stato un ritorno simbolico alla maestosità dal vivo per Wakeman, in un momento in cui la grandiosità era un concetto estraneo all’interno di una scena musicale appassita. "È un vero peccato", sospira Wakeman, vivere un’epoca in cui una mezz'ora di set al Camden Barfly costituisce un concerto rock. Ma i grandi spettacoli sono ancora lì per essere fatti".

"So che una delle cose che frustra mio padre come artista e come musicista", riprende Adam, "è che le persone, al giorno d’oggi, suonano cose troppo sicure, e lo fanno ormai da tanto tempo. È un completo capovolgimento di ruolo rispetto a come erano le cose negli anni '70, con persone che ora vanno in tour solo per mantenere un reddito, in modo da poter sopperire alla mancanza di vendita dei loro dischi."

La domanda per Wakeman è: come ci si evolve da qui? Dopo tutto, il sogno di Hampton Court si è realizzato, il suo conto in banca è tornato in equilibrio, l'industria è irriconoscibile... Abbiamo visto l'ultima delle sue meravigliose stravaganze?

"Si cerca sempre di provare qualcosa di nuovo", conclude Wakeman, "ed è sempre difficile, ma il riassunto sta nella voglia di una continua sfida.

Gli spettacoli continueranno ad arrivare fino a quando l'ultimo chiodo nel coperchio della bara non sarà stato battuto!"

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