Le band folk e folk rock sono responsabili di alcune delle musiche più progressive mai realizzate. Non solo, ma hanno influenzato il mondo del rock come lo conosciamo noi.
È una scienza imprecisa cercare di definire la musica per categoria e genere. Gli artisti si scagliano contro di essa, i critici si sforzano di inchiodarla nei termini più semplici, nelle definizioni più comode e nelle frasi ad effetto. Ma, in definitiva, è utile cercare di spiegare il legame che artisti apparentemente diversi possono condividere. Quindi, che tipo di folk è questo genere che chiamiamo folk progressivo?
Bene, esattamente questo: gruppi folk e artisti che hanno osato espandere i propri orizzonti rispetto al formato tradizionale. Nel profondo, la musica folk urla tradizione. Le canzoni folk vengono tramandate di generazione in generazione. Sono canzoni cantate nei pub e nei salotti di tutto il mondo. In quanto tale, la vera musica folk è un importante strumento storico.
Un contestatore al Manchester Free Trade Hall il 17 maggio 1966 chiamò Bob Dylan "Giuda" per aver osato espandere le sue radici folk, abbandonare la sua acustica malconcia e prendere e collegare una chitarra elettrica, ma in verità il folk è spesso stato tra le forme di musica più progressiste. Doveva esserlo, semplicemente per sopravvivere così a lungo. La musica ha dovuto cambiare con i tempi.
Ai tempi in cui non c'erano le chitarre, la musica folk veniva cantata a cappella di default. Poi a volte veniva cantata a cappella di proposito. Poi, quando la tecnologia ci ha portato chitarre, mandolini, pianoforti, chitarre elettriche, sitar, mellotron e migliaia di altri strumenti, la musica folk poteva essere suonata su qualsiasi cosa.
Gli artisti folk sono al centro delle forme di musica rock. Ammettiamolo, senza folk e blues non ci sarebbe il rock'n'roll. Senza l'innovativo lavoro di chitarra di Bert Jansch dei Pentangle o l'intrigante modo di suonare di Roy Harper, i Led Zeppelin avrebbero probabilmente avuto un suono molto diverso. Se Rick Wakeman non avesse iniziato la sua odissea musicale con gli Strawbs e non avesse abbracciato la loro natura progressiva, sicuramente gli Yes sarebbero stati una bestia dal suono completamente diverso.
Probabilmente la rock band più influente e grande del mondo avrebbe potuto svilupparsi in un modo totalmente diverso se non si fosse incrociata con un folk progressivo. Se Donovan non avesse ampliato le sue prime inclinazioni folk e non si fosse seduto a suonare la chitarra con John Lennon e George Harrison, i Beatles, forse, non avrebbero suonato come la band che conosciamo oggi.
I folk progressisti non avevano (e non hanno ancora) paura di
sperimentare, sia vocalmente, sia nei testi, sia in termini di arrangiamento,
usando musicisti extra, orchestre o semplicemente armeggiando con le loro
chitarre che suonano così incredibilmente aliene. Usare violini e chitarre elettriche,
sitar e zucche, voci all'unisono e linee di chitarra brucianti è la normalità
per i nostri amici progressisti, e dobbiamo esserne loro grati.
Pentangle, da Londra
Formazione classica: Terry Cox (batteria e voce), Bert Jansch (chitarra e voce), Jacqui McShee (voce), John Renbourn (chitarra e voce), Danny Thompson (contrabbasso).
Supergruppo folk? Beh, se mai ne è esistito uno, allora è sicuramente quello dei Pentangle. Due luminari del folk revival degli anni '60 si sono uniti per creare una gloriosa cacofonia di rumore folk progressivo: i chitarristi Bert Jansch e John Renbourn si sono uniti all'inizio del 1968 con la voce cristallina di Jacqui McShee, il contrabbassista Danny Thompson e il batterista Terry Cox. La sezione ritmica proveniva entrambi da un background jazz/blues che avrebbe avuto una profonda influenza sul sound della nuova band.
Jansch (una grande influenza su Jimmy Page dei Led Zep) e Renbourn avevano stili di chitarra diversi che si scontravano delicatamente, bruciavano e sottolineavano la voce slanciata di McShee. I ritmi jazzati che Thompson e Cox portarono alla band fornirono una leggerezza al folk rock prevalentemente acustico dei Pentangle.
Avendo i mezzi per realizzare che il rock e il folk non devono necessariamente escludersi a vicenda, la band arruolò il produttore Shel Talmy (che aveva lavorato sia con The Who che con The Kinks) per dare forma al loro sound. Mixarono con successo canzoni folk tradizionali come “Let No Man Steal Your Thyme” con standard jazz di artisti del calibro di Charlie Mingus.
I Pentangle hanno avuto un notevole successo mainstream: il loro terzo album “Basket Of Light” è entrato nella Top Five nel Regno Unito ed è rimasto nella classifica degli album per oltre sei mesi. La loro influenza rimane profonda e, infine, quest'anno la band è stata riconosciuta per i suoi risultati e la formazione originale si è riunita per i BBC Radio 2 Folk Awards, dove hanno ricevuto un Lifetime Achievement Gong. E ovviamente hanno anche suonato.
Consigliato: The Pentangle (Castle, 1968)
The Strawbs, da Londra
Formazione classica: Dave Cousins (chitarra e voce), John Ford (basso e voce), Richard Hudson (batteria e percussioni), Rick Wakeman (tastiere),Tony Hooper (chitarra)
Sia Rick Wakeman degli Yes che Sandy Denny dei Fairport Convention hanno trascorso del tempo con gli Strawbs prima di avventurarsi nel loro futuro progressivo. L'album di debutto degli Strawbs è riuscito a cavalcare i confini tra folk e prog rock più tradizionale con canzoni come “Oh How She Changed” e “The Battle”.
Ma la band non riuscì a mantenere questo ritmo con la loro seconda uscita “Dragonfly” nel 1970, e il membro fondatore Dave Cousins coinvolse Rick Wakeman. Questa collaborazione fu un successo e gli Strawbs pubblicarono un autentico album crossover folk rock/prog rock chiamato “Just A Collection Of Antiques And Curios”.
Registrato dal vivo alla Queen Elizabeth Hall di Londra nel luglio 1970, il disco ha visto la band estendersi e include un'esaltante performance di Wakeman su “Temperament For A Mind”. Se non altro, questo è stato il disco che ha segnato in modo succinto la transizione degli Strawbs dai folk al rock progressivo più tradizionale. “Bursting At the Seams” del 1973 ha finalmente prodotto alla band un singolo di successo in “Part Of The Union”, ma ormai i loro inizi folk stavano svanendo.
Consigliato: Bursting At The Seams
(A&M, 1973)
The Incredible String Band, da
Glasgow
Formazione classica: Robin Williamson (violino), Mike Heron (chitarra), Licorice McKechnie (voce e piatti a dita), Clive Palmer (banjo)
Non si penserebbe necessariamente che Glasgow sia il luogo da cui il folk progressivo ha tratto le sue influenze indiane e africane, ma The Incredible String Band ha preso il suo marchio infuocato di folk celtico e lo ha mescolato con alcuni sapori molto internazionali. Il chitarrista Mike Heron e il suo compagno di crimine violinista Robin Williamson sono riusciti senza sforzo a fondere sfumature indiane e africane nella loro musica.
Le cose arrivarono davvero al culmine dopo che Williamson trascorse un po' di tempo in Marocco, dando vita al completo, impossibilmente eclettico “The 5000 Spirits Or The Layers Of The Onion” nel 1967 (che vedeva anche Danny Thompson dei Pentangle al basso). Molti critici lo citano come un disco psichedelico, ma se questo non è il titolo di un album prog, non sappiamo cosa lo sia.
Nonostante le sue canzoni disparate, insolite e, francamente, folli (con testi su ricci canterini e riferimenti casuali agli alberi di Natale), la comunità folk lo adorava. “The Hangman's Beautiful Daughter” seguì nel 1968, e fu altrettanto psichedelico.
Consigliato: The Hangman’s Beautiful Daughter (Warners, 1968
Roy Harper, da Manchester.
Il contributo di Roy Harper al folk progressivo non può essere sottovalutato. Cresciuto nella scena folk londinese della metà degli anni '60, Harper si è tenuto alla larga dall'interpretazione degli standard folk e si è concentrato sul suo materiale fin dall'inizio. I suoi primi album consistevano nel suo eccentrico lirismo poetico sostenuto dal suo intrigante modo di suonare la chitarra acustica.
Cercando sempre di spingere i confini del folk tradizionale, Harper era creativo con la sua esplorazione sonora: un primo album (“Flat Baroque And Berserk“) lo vedeva suonare la sua chitarra acustica attraverso un pedale wah-wah nel brano "Hell's Angels". Mentre Hendrix ci aveva fatto conoscere il wah-wah su una chitarra elettrica, ascoltare l'effetto su uno strumento più tradizionale era sorprendentemente diverso.
Harper aveva sempre ampliato il formato della canzone e il
suo quinto album distintivo galvanizzò questo talento. Con solo quattro
canzoni, “Stormcock” era un'opera sbalorditiva, che spaziava liricamente dalla
religione che criticava (“The Same Old Rock”, una canzone che presenta un cameo
furtivo di Jimmy Page mascherato da S. Flavius Mercurius) a “Me And My Woman”,
un tributo epico alle donne della sua vita, sottolineato da un grande
arrangiamento orchestrale. Tanto di cappello a (Roy) Harper, davvero.
Consigliato: Stormcock (Harvest,
1971)
John Martyn, dal Surrey (Regno Unito)
Chitarrista e cantante fenomenale, John Martyn ha cambiato il suo
stile di folk progressivo nel corso della sua lunga e brillante carriera.
Rifuggendo il folk tradizionale, Martyn incluse molti elementi sia del blues che del jazz nei suoi primi lavori. Ciò fu ulteriormente esaltato dai suoi trucchi con la chitarra. Senza paura di sperimentare, Martyn fece passare la sua chitarra acustica attraverso molti pedali di effetti, dalla distorsione (tradizionalmente usata con uno strumento elettrico) al flanger e al phase-shifter, trasformandone il suono in qualcosa di alieno e unico.
Per molti, il modo di suonare di Martyn è sinonimo di
Echoplex, un'unità che aggiunge un eco/ritardo al suono della chitarra,
rendendolo distintivo e ultraterreno. Questo processo è stato utilizzato per
ottenere un effetto raffinato sulla traccia “I'd Rather Be The Devil”
nell'album “Solid Air di Martyn” del 1973, la cui traccia del titolo era un
omaggio all'amico di John e collega folk prog Nick Drake.
Nel corso della sua carriera, Martyn ha abbracciato tutti gli stili musicali nel suo modo di suonare idiosincratico. Ha persino lavorato con il flautista/sassofonista jazz Harold McNair per il suo secondo album, "The Tumbler". Pur rimanendo un folkie nel profondo, Martyn ha spinto i confini musicali per tutta la vita. E se questo non è progressive, non sappiamo cosa lo sia!
Consigliato: Solid Air (Island, 1973)
Nick Drake, da Birmingham
Sottovalutato in vita (morì nel 1974 all'età di 26 anni per
overdose di antidepressivi), Nick Drake riuscì comunque a cambiare la percezione della musica
folk tradizionale, seppur postuma. Cronicamente timido e ostinato dalla
depressione e dall'insonnia, Drake non fu mai veramente tagliato per essere un
artista, ma furono queste condizioni psicologiche a influenzare chiaramente la
natura inquietante del suo lavoro.
Principalmente un chitarrista (e uno che usava alcune delle
accordature più strane e innovative immaginabili), i testi di Drake
riflettevano spesso il suo fragile stato mentale. Ma fu la combinazione del suo
modo di suonare idiosincratico, dei testi toccanti e degli abili arrangiamenti
orchestrali del suo amico di college e collaboratore Richard Kirby che
portarono davvero Drake oltre l'essere un semplice cantautore qualunque. Il suo
secondo album ("Bryter Later") avrebbe persino contenuto elementi di jazz.
Con solo tre album all'attivo, Drake è stato poco più di una
figura di culto durante la sua vita. Suonava raramente dal vivo e, nonostante
fosse stato scoperto da Ashley Hutchings dei Fairport Convention, la scena folk
non lo abbracciò mai veramente. Rimase un musicista per musicisti fino alla fine
degli anni '80, quando iniziò a essere citato nella stampa musicale popolare.
Oggi, Nick Drake è probabilmente il cantante folk progressivo più citato nella cultura mainstream.
Consigliato: Five Leaves Left
(Island, 1969)
Fairport Convention, da Londra
Formazione classica: Sandy Denny (voce), Dave Swarbrick (violino e viola), Richard Thompson (chitarra e voce), Simon Nicol (chitarra e voce), Ashley Hutchings (basso e voce), Dave Mattacks (batteria e percussioni)
I Fairport Convention nacquero nel 1967 a Muswell Hill, Londra. Frutto
dell'ingegno del bassista Ashley Hutchings, dei chitarristi Richard Thompson e
Simon Nicol, i Fairport erano una band che inizialmente aveva un grande debito
nei confronti della musica folk tradizionale americana e della nascente scena
acustica della West Coast.
Prima che il loro album di debutto omonimo arrivasse sugli
scaffali nel 1968, i Fairport avevano già sostituito la loro cantante solista
Judy Dyble con Sandy Denny. Conteneva principalmente materiale originale,
scritto principalmente da Thompson, fatta eccezione per una cover di Chelsea
Morning di Joni Mitchell. Il loro sound era abbastanza eclettico da attirare un
po' di attenzione e la band fu persino brevemente definita "i Jefferson
Airplane britannici".
L'aggiunta di Denny portò la band a vette più alte. Fresca
del suo periodo negli Strawbs, era una voce familiare al contingente folk
tradizionale. Il secondo album della band (“What We Did On Our Holidays”, 1969)
mescolò le cose: la band affrontò canzoni di Mitchell e Bob Dylan insieme a
melodie folk tradizionali inglesi.
Con “Unhalfbricking” (luglio '69) la band continuò su questa
strada, ma dopo un tragico incidente stradale in cui perse la vita il
batterista Martin Lamble, la band si riunì per registrare la loro definitiva
affermazione “Liege And Lief”. Il violinista Dave Swarbrick si unì a tempo
pieno e la band si immerse nel materiale, dai feroci riff acustici al violino
ad alto voltaggio, il tutto completato dalla straordinaria voce di Sandy Denny.
Sarebbe stato il loro momento decisivo, ma avrebbe anche
decretato la fine della formazione classica. Verso la fine del 1969, sia
Hutchings che Denny avevano lasciato la band.
Consigliato: Liege & Lief
(Island, 1969)
Tim Buckley, da Washington D.C.
Tim Buckley, a cavallo tra il mondo del prog folk e quello della
psichedelia, è stato uno dei cantautori più intriganti della fine degli anni
'60.
Sebbene la musica folk fosse sicuramente al centro della sua
attività, Buckley riuscì a infondere nella sua scrittura di canzoni elementi di
così tanti stili musicali diversi, dal progressive jazz alla West Coast
country. Di conseguenza, molti detrattori di Buckley (e persino fan) lo
criticano per il suo sound non coerente.
E, con il passare degli anni, Buckley si interessò sempre di
più al jazz, infondendo nel suo lavoro una bravura che raramente si sente nel
folk. Avrebbe usato la sua voce come uno strumento d'avanguardia e, come tale,
l'album “Lorca” del 1970 lo alienò da molti dei suoi fan. Sparito il cantautore
sensibile e pieno di sentimento, al suo posto c'era uno sperimentatore
eccentrico, pieno di scat vocali su jam stridenti e discordanti.
Purtroppo, il 1975 segnò la fine del viaggio musicale di Buckley, che morì per overdose di eroina. Ma, per quanto riguarda i folkster progressisti, Buckley rimane ancora all'avanguardia.
Consigliato: Starsailor (Rhino, 1970)
Steeleye Span, da Londra
Formazione classica: Tim Hart (dulcimer, chitarra e voce), Bob Johnson (chitarra e voce), Rick Kemp (basso, batteria e voce), Peter Knight (violino, tastiere e voce), Maddy Prior (voce)
Quando lasciò i Fairport Convention, il bassista Ashley
Hutchings aveva bisogno di un altro progetto: non aveva ancora finito nel mondo
progressive. Così si unì ai folk affermati Maddy Prior e Tim Hart per creare
gli Steeleye Span. Ma il mandato di
Hutchings non durò a lungo e dopo tre album prese strade diverse.
Questo non significò la fine degli Steeleye, però. La band
aveva lavorato duramente per tutta la sua esistenza per essere accolta nel
mondo del rock. Così decisero di continuare. Sfruttando un lato più duro e
proggy, gli Span pubblicarono “Below The Salt” (1972) e “Parcel Of Rogues”
(1973). Le grandi chitarre rock lottarono per la supremazia tra i violini
elettrici killer e le loro ormai caratteristiche linee vocali armoniche.
Per promuovere il loro sound prog folk, la band ha coinvolto Ian Anderson dei Jethro Tull per produrre “Now We Are Six” (che ha visto anche la partecipazione di nientemeno che David Bowie al sax), un album di canzoni folk principalmente tradizionali con il trattamento Steeleye. La loro svolta commerciale è arrivata sotto forma di “All Around My Hat” (1975) prodotto da Mike 'Womble' Batt, e nel 2019 la band ha pubblicato il suo 24° album in studio.
Consigliato: Parcel Of Rogues
(Chrysalis, 1973)
DONOVAN, da Glasgow
Spesso è stato chiamato "mellow yellow", ma Donovan è molto più di quel successo del 1966.
Salito alla ribalta nello stesso periodo in cui Bob Dylan stava facendo
progressi negli Stati Uniti, Donovan è stato spesso ingiustamente etichettato,
o addirittura liquidato come "il Dylan britannico".
Ma questo non sorprende affatto, dato che sia Dylan che
Donavan ammiravano il lavoro di Woody Guthrie e di altri primi folk americani
tradizionali. Il cantante fu anche influenzato dalla musica folk scozzese e
inglese (trascorse del tempo su entrambi i lati del confine durante la sua
crescita), e prese in mano la chitarra in giovane età e iniziò a imparare a
suonarla da solo. In termini di chitarra, il collega folk Bert Jansch ebbe
un'enorme influenza sul giovane chitarrista, tanto che Donovan scrisse la canzone
“Bert's Blues” in omaggio.
Una volta perfezionato, lo stile di Donovan nel suonare la
chitarra era davvero distintivo: sviluppò la sua tecnica distintiva, il
"flatpicking", e spesso gli viene attribuito il merito di aver
insegnato questo specifico stile di picking a George Harrison, Paul McCartney e
John Lennon dei Beatles mentre erano tutti in ritiro in India con il Maharishi.
Donovan non si accontentava di scrivere semplici canzoncine
folk acustiche e leggere; il suo sound si sarebbe presto evoluto, incorporando
elementi jazz (era un grande ammiratore di Billie Holiday), sfumature
psichedeliche e, grazie al suo soggiorno in India, orchestrazioni di sitar.
Nonostante avesse ampliato i suoi orizzonti musicali e reso
il suo genere folk il più progressivo possibile, Donovan rimase comunque una
presenza fissa sulla scena folk britannica, riuscendo a coinvolgere il suo
pubblico anziché alienarlo.
Oggi, Donovan continua questo viaggio musicale e ha pubblicato il suo album più recente, “Gaelia”, nel dicembre 2022. Attualmente si sta preparando per gli spettacoli del 60° anniversario nel 2025.
Consigliato: A Gift From A Flower To A Garden (Pye, 1967)
