La prima - e unica - volta che ho
avuto la possibilità di vedere di persona Giuseppe Scaravilli aveva tra le mani un flauto
traverso, si muoveva su di un palco un po’ improvvisato e stava proponendo la
musica dei Jethro Tull in forma
acustica, assieme ad Andrea Vercesi, altro amante e propositore del genere.
L’occasione era solenne, una
Convention dei Tull, nell’occasione a Novi Ligure. Era il 2006.
Gli anni sono passati e uno dei
maggiori protagonisti di quell’evento - Glenn Cornick - non è più tra noi, e
anche Scaravilli ha avuto qualche importante problema fisico personale, che non
cela ma, al contrario, racconta come una delle possibili “cose della vita”,
negative, che toccano e che fortificano mentre le si combattono, e che spesso
si riescono a superare, grazie anche alle passioni, qualunque esse siano.
Questo per dire che la musica
aiuta, a vivere e a ricordare, e gli amori originari, spesso irrazionali, non
ci abbandoneranno più.
Ed è tale l’amore di Giuseppe per
i Jethro Tull che, tra i mille impegni (musicali con i suoi Malibran e
professionali), trova il tempo per mettere su carta ciò che avrebbe voluto
trovare in qualche libreria e, vista la lacuna, si mette in azione
personalmente, approfittandone per raccontare quel mondo secondo il suo
pensiero.
Il titolo del libro è: “Jethro Tull, 1968-1978”, il sottotitolo è “The
Golden Years”: una precisazione temporale la
prima, che indica di quale periodo si tratterà nel book, accompagnata da una
sorta di giudizio storico sull’opera di una delle band più longeve della storia
del rock.
Concordo sul fatto che quello sia
stato il periodo d’oro, magari non solo per Ian Anderson e soci, ma per tutto
quel movimento che, a posteriori, è stato definito “Prog”.
A distanza di diversi lustri la
musica dei J.T. gira ancora sui palchi di tutto il mondo, grazie ad Anderson,
il “padrone” del brand, e occorre sottolineare come, tra difficoltà vocali e indubbie
skills, da quel decennio magico si attinga ancora oggi a mani basse.
Ciò che Scaravilli ci racconta nel
suo libro è un misto di passione, ricerca documentale, nalisi musicale e
sottolineatura dei dettagli, quei particolari che creano l’atmosfera e permettono
di rivivere in modo differente aneddoti, storie e filmati già metabolizzati, ma
che possono essere arricchiti da questa lettura.
Che cosa accadde l’11 gennaio a
Montreux quando fu presentato in anteprima “War
Child”? Che look avevano i componenti del momento?
Perchè Mick Abrahams “sparì” dopo “This Was”? E Cornick? Eppure era un bravo musicista!
Ogni capitolo si occupa di un anno
di vita e del relativo album rilasciato in quel periodo. Partendo dal titolo
del disco si arriva alla/e tournèe di riferimento, alle scalette dei concerti, all’evolversi
delle line up e agli aspetti di contorno, quelli che piacciono molto ai
fan di tutto il mondo.
Racconta Scaravilli di un feedback
che evidenzia una lettura molto rapida, del tipo… “quando inizi a leggere non ti fermi più!”. Personalmente ci ho
messo molto più tempo, perché una delle peculiarità di questo lavoro è, a mio
giudizio, la capacità di spingere ad un ascolto parallelo alla lettura, per
provare a sintonizzare musiche conosciute con aspetti decisamente nuovi - e
sarei curioso di sapere dove sono state trovate tutte queste informazioni, Giuseppe!
-; e così tra lo scorrere delle pagine e i Cd che girano ci si rituffa
facilmente nel mondo di appartenenza. Sì, di appartenenze, perché “Jethro
Tull, 1968-1978” è
soprattutto adatto agli “introdotti”, quegli affamati musicali che non saranno
mai sazi di notizie e musiche di Anderson e soci, ma si pensa sempre che la
curiosità possa spingere anche i giovani verso qualcosa che, probabilmente, è
completamente sconosciuto.
Un libro
davvero scritto bene, esaustivo di un certo periodo e stimolatore di
nuovi/vecchi ascolti.
Fantastica
anche la sezione fotografica, con immagini restaurate per l’occasione.
L’ultima
parte, l’appendice, costruisce il bridge con la musica dei Jethro Tull del
2018, ma la speranza è quella che Giuseppe Scaravilli trovi la voglia e il
tempo di proporre l’analisi capillare di altri 10 anni di storia, gliene
saremmo immensamente grati!
E’ appena uscito il nuovo album
dei Nathan, “Era” e, in attesa di
fornire un commento preciso, pubblico lo scambio di battute con parte
della band, utile a scoprire dettagli significativi, alla comprensione dei contenuti e all'iter realizzativo.
Intervista
a Piergiorgio Abba e Bruno Lugaro
Dopo
la lunga incubazione dell’esordio discografico del 2016, “Nebulosa”, ritornate
con grande rapidità ad un secondo capitolo che vedrà a breve la luce: viene
naturale chiedervi che cosa è cambiato rispetto al passato, tenendo conto che
la vostra storia è quella di una band di lungo corso, che ha dedicato gran
parte della vita alla proposizione di tributi, e che ora sguazza a piacimento
nel mondo della creazione personale…
BL:
Guarda,
i pezzi sono nati con una facilità estrema, come fossero lì ad aspettarci. Ne
abbiamo dovuti scartare una mezza dozzina. Credo che questa facilità nella
composizione sia dovuta ad una ormai consolidata sintonia tra Pier e me.
Tendenzialmente lui crea il manichino, il modello, e io lo vesto, gli cucio
addosso l’abito
PA: Praticamente è
dal 2007 che scriviamo, molto spesso separatamente, e poi curiamo le idee che
ci sembrano più promettenti; i Nathan si dedicano a musica propria appunto dal
2007, e per questo ho messo a disposizione la mia esperienza prima con gli
Armalite (prog classico anni ‘80, un CD autoprodotto) e poi con i Projecto
(power-metal sinfonico, con caratteristiche progressive, 2 CD prodotti dalla
Underground Symphony).
Spunti, riff, appunti sonori memorizzati
nel cassetto sono lì, pronti per uscire.
Ora
avete un’identità precisa che sarà bene sviscerare, ma chiedo a voi di
dipingere l’autoritratto del momento.
BL:
Siamo
meno “spaziali” (riferimento a “Nebulosa”)
e più “terreni”. Se il primo era un album di aria, questo è più cattivo,
nervoso: un album di terra e polvere.
PA: Per quanto
riguarda “l’autoritratto”, personalmente non lo riferirei al momento; credo che
sia una fusione di tutte le esperienza musicali personali, sia da autore, sia
da ascoltatore (a cominciare dagli anni ‘70!); inoltre sarà interessante vedere
come il nostro nuovo chitarrista contribuirà al sound del gruppo.
”Nebulosa”
è un gran disco e, al di là del mio giudizio, devo sottolineare come chiunque
lo abbia ascoltato sia rimasto piacevolmente sorpreso: potete tirare un pò di
somme a distanza di due anni dall’uscita?
BL:
“Nebulosa” è il primogenito, un’esperienza
unica e faticosa da realizzare. Con “Nebulosa”
ci siamo detti: “Sì, siamo capaci di
scrivere cose nostre…”, e abbiamo avuto riscontri eccezionali di critica,
ben oltre i confini nazionali. Resta un album speciale.
PA: I brani di “Nebulosa” mi suonano sempre convincenti
e, quando li proponiamo dal vivo, certe sezioni sono riarrangiate rispetto alla
versione su Cd, per cercare, per quanto mi riguarda, di adattare opportunamente
le parti tastieristiche alla resa live (che non è necessariamente la stessa che
su Cd).
Il
disco nuovo si chiamerà “Era”: trattasi ancora di un concept o avete scelto
un’altra strada?
BL:
No,
non è un album concept, ogni traccia vive di luce propria, non c’è un filo
conduttore ma piuttosto un’atmosfera unica, come ti dicevo prima.
Quali
sono i temi trattati e quali le eventuali novità meramente musicali?
BL:
Il
tradimento, il coraggio, il fratricidio, la mania che abbiamo di mascherare i
nostri sentimenti, persino il dolore di un cane abbandonato. Sotto il profilo
musicale, una chitarra più nervosa, un violino elettrico (in una sola canzone)
fuori di testa, molto crimsoniano, parti vocali più presenti e curate rispetto
a “Nebulosa”, e un grande lavoro di
tastiere.
Dal
punto di vista della costruzione dei brani - dall’idea sino alla soluzione
finale -, avete cambiato qualcosa?
BL:
Come
ti dicevo, scriviamo in due. Pier mette in piedi il brano, la struttura, l’idea
base, e io la melodia del cantato e il testo. Chiaramente con interazioni
continue.
Che
cosa unisce “Era” a“Nebulosa”?
BL/PA:Beh, crediamo
cheil sound cominci ad avere una
propria identità: il gusto per le melodie “aperte”, le tastiere stile prog anni
Ottanta, gli ampi spazi per sezioni strumentali, il sette quarti!
E’ appena uscito il nuovo album dei Nathan, “Era” e,
in attesa di fornire un commento preciso, pubblico lo scambio di battute con
parte della band, utile a scoprire dettagli significativi e alla comprensione dei contenuti.
Una
delle caratteristiche principali dei due lavori è fornita dalla chitarra di
Daniele Ferro che però non è più presente nell’attuale formazione: mi dite
qualcosa della new entry in un ruolo che appare fondamentale nella vostra
produzione?
BL/PA: Quella
da Daniele è stata una separazione dolorosa, decisa da lui per dedicare più
tempo ai suoi progetti. Ci ha lasciato, però, delle vere “perle” su “Era”. Il nuovo chitarrista, il genovese
Andrea Laurino, ha lo stile simile, ottima tecnica ed è subito entrato in
sintonia con il gruppo, grazie alla sua simpatia e disponibilità. La prima
volta che ci siamo visti ha portato tre pezzi di “Nebulosa” eseguiti esattamente come Daniele. Siamo stati fortunati.
E’ stato lui a contattarci leggendo il nostro annuncio su un sito per
musicisti.
Riassumiamo
quindi la line up?
BL/PA: Piergiorgio Abba,
tastiere; Bruno Lugaro, voce; Mauro Brunzu, basso; Fabio Sanfilippo, batteria;
Andrea Laurino, chitarre; e, dal vivo, Monica Giovannini, cori.
Cosa
mi dite dell’ospite?
BL/PA:Manuel Rosso, 28 anni, è un violinista che Robert Fripp
avrebbe reclutato immediatamente. Fa urlare lo strumento, lo distorce, ne
dilata il suono. Ci ha fornito il suo supporto in un solo brano - “Invisibile” -, per soli 30 secondi, ma
sono attimi originali e perfettamente inseriti nel brano, e in ogni caso… da brivido.
Il dibattito è avvenuto sul
suono… più pulito o carico di effetti? Alla fine abbiamo messo entrambe le tracce, con un opportuno bilanciamento.
Proseguiamo con le curiosità: l’etichetta… ancora AMS, come
all’esordio…
BL/PA: Con Ams è stato naturale proseguire il rapporto dopo la felice
esperienza di “Nebulosa”. E’ una
label estremamente seria e professionale e abbiamo trovato l’accordo in pochi
minuti. Mathias Sheller ha grande sensibilità per il prog e questo è
naturalmente un vantaggio.
Un commento sull’artwork?
BL/PA: La copertina deriva da un quadro di Federica Pigmei, un’artista
romagnola scoperta girovagando sul web. Avevamo una vaga idea di cosa fosse la
cosa migliore per l’album e cercavamo un’immagine suggestiva di un falco in
volo, e alla fine abbiamo trovato il dipinto di Federica - entusiasta della
possibilità - che a nostro avviso ha grande forza: unisce l’energia di un falco
a quella delle onde del mare.
Soffermiamoci un attimo sulla costruzione “fisica” del disco…
B.L./PA: Il grosso del
lavoro - le parti strumentali - lo abbiamo fatto nei nostri home studio (Abba, Lugaro
e Ferro). Siamo partiti dalla base ritmica, scritta
da Pier ed eseguita da Fabio Sanfilippo alla batteria e da Mauro Brunzu al
basso. Con Monica abbiamo registrato le voci dal bravissimo Giulio Farinellli -
lo stesso che aveva curato le voci di “Nebulosa” - mentre mixaggio e
masterizzazione - punto più delicato di tutta la catena di produzione - sono stati realizzati da un vero maestro, Giovanni
“Ragnar” Nebbia, all’Ithil World Studio di Imperia. Anche Giovanni, così
come Giulio, si è rivelato una persona affidabile ed ha lavorato con molta cura
e professionalità.
Recentemente
vi ho ascoltato dal vivo, al Teatro Don Bosco di Savona(con Il Cerchio D’Oro) e in quell’occasione
avete proposto un paio di tracce di “Era”: qual è stato il vostro feeling in
occasione della performance nella vostra città, e in particolare come giudicate
la resa live dei nuovi pezzi.
BL:
E’
stata una bella serata, ricca fra l’altro di richiami al passato, perché su
quel palco vidi suonare alcune band prog. E nel 1977 io feci ai Salesiani forse
il mio primo concerto, cantando e suonando al basso “The Knife” e “The Musical Box”.
C’era un buon feeling in sala e siamo complessivamente soddisfatti della nostra
esibizione. Andrea ci ha sturato le orecchie!
PA: Ottima serata:
anch’io l’ho trovato un flashback davvero emozionante, per il luogo (nel ‘75
era in programmazione il film “Yessongs”),
ma soprattutto per il pubblico, a mio avviso presente per assaporare ancora il
gusto del progressive. I nuovi brani vanno ancora rodati per la resa live,
comunque direi più che soddisfacente.
In
realtà i concerti sono stati due, ravvicinati, perché avete proposto la stessa
scaletta(sempre in compagnia de Il
Cerchio) in uno studio di registrazione, senza pubblico, come atto di amicizia
verso Yoshiko, presente in Italia in quei giorni: come descrivereste
l’esperienza?
PA:
Anche il “concerto ad invito” ha rappresentato un’esperienza interessante
(vissuta dall’altra parte quando vidi i Marillion dopo l’uscita di Brave: li ho
ascoltati in una sala-discoteca di Milano praticamente con il mento sulla
tastiere di Mark Kelly!)
In
realtà il pubblico c’era, ed era molto... selezionato!
Oltretutto,
dalle registrazioni effettuate, i brani mi sono sembrati più equilibrati
rispetto al Teatro Don Bosco!
So
che avete già materiale per il futuro, ma il futuro ora è rappresentato da
“Era”, e il secondo album rappresenta solitamente una conferma degli intenti o
il cambio di rotta: che cosa vi siete prefissati nel medio termine?
BL:
Ora
godiamoci “Era”. Ne siamo davvero
orgogliosi, personalmente credo sia un balzo in avanti rispetto a “Nebulosa”. Da settembre penseremo al
nuovo materiale. C’è roba notevole.
PA: beh, settembre è
un riferimento “provvisorio”, nel senso che il lavoro sui brani del prossimo album
è già in corso (direi perennemente in corso), intervallato dalle prove per
eventi live a cui dovremmo partecipare.
Un’ultima
cosa, rispetto a due anni fa avete inserito una novità per quanto riguarda il
lancio promozionale, curando gli aspetti visual che appaiono ormai
indispensabili come biglietto da visita: mi spiegate la scelta del brano -
“Esistono ore perfette” -e qualche
curiosità sul video?
BL:
E’
forse il brano dal testo più “scenografico”, ispirato alla storia di Caino e
Abele. Andrea Vescovi e Stefano Baldini hanno realizzato un video intenso e
artistico. Giorgio Zinola un ottimo interprete.
PA: Per il video
promo (che uscirà in anteprima), creato dopo varie insistenze di Bruno, ci
siamo messi a tagliare e ricucire i brani (già nella versione definitiva), una
specie di trailer cinematografico, dove compariamo nella veste di musicisti,
video sempre realizzato da Andrea e Stefano.
IlPorto Antico Prog
Fest, realizzato a Genova dalla Black Widow Records lo scorso luglio, mi
ha permesso di conoscere da vicino Nik Turner,
membro
degli Hawkwind dal 1970 al 1976, band con cui ha inciso sei album in studio e
uno dal vivo. Successivamente ha formato i Nick Turner's Sphinx, con i quali ha
militato fino alla fine del secolo scorso.
Non è più un ragazzino il buon Nik, ma parlare
con lui e, soprattutto, assistere alla sua performance, mi ha dato l’idea che i
suoi quasi 78 anni siano solo puro dato statistico, e che la musica - e più in
generale una passione - possa essere fonte infinita di energia.
A distanza di qualche mese gli ho posto alcune
domande a cui lui ha gentilmente risposto.
Ecco il nostro scambio di battute.
Parto dalla performance di pochi mesi fa a Genova: che
ricordo ti è rimasto del Festival prog realizzato dalla Black Widow?
Devo dire che ho apprezzato molto il Prog Festival di Genova
a cui ho preso parte, sono stato molto contento per l’opportunità musicale e
sono grato agli organizzatori, Massimo, Pino e Alberto e a tutti i loro amici, appassionati
ed entusiasti. È stato un evento molto ben organizzato e piacevole, con
un'atmosfera molto rilassata e stimolante.
L’impressione che personalmente ho avuto nel vederti sul
palco è che la tua motivazione sia sempre alta, così come la tua forma fisica:
come si fa a non perdere gli stimoli dopo una carriera lunga come la tua?
Beh, ho avuto la fortuna di esercitare una professione che
coincide con la mia passione, la musica, questo mi fornisce l’opportunità di
incontrare persone molto diverse e, nel caso specifico, molto piacevoli,
accomodanti, disponibili, eccitanti e… formidabili, e questo dà la carica!
A proposito di Genova, ti è piaciuto suonare con gli Arabs in
Aspic?
Sì, The Arabs in Aspic
sono una band Space-Rock scandinava molto eccitante, ragazzi divertenti e
davvero fantastici, musicalmente parlando.
La tua band, gli Space Ritual, è ancora in attività? State
registrando nuovo materiale?
Sì, gli Space Ritual sono ancora al lavoro, e oltre a
partecipare a grandi concerti, dove propongono sempre molto del mio repertorio
registrato, stanno lavorando e scrivendo nuovo materiale per il futuro.
Mi racconti qualcosa del concept “Annunaki” con i Chromium
Hawk Machine?
L'album "Anunnaki"
è un concept suggerito da Massimo Gasperini, come progetto in comune tra me, il
mio vecchio amico chitarrista e cantante Helios Creed, (della band Chrome) e il
tastierista e produttore Jay Tausig. L'ispirazione nasce dalla musica e dall'atteggiamento
di Sun Ra. Il retroscena si basa su alcune teorie di Zaccaria Sitchin - basate
su aspetti storici, mitologici, metafisici, teoretici - e sulle idee del
teorico scientifico Michael Tellinger, che espone il suo credo molto
avvincente, interessante e convincente, in diverse conferenze fruibili su youtube.
L'idea è che migliaia di anni fa, a causa di un'esplosione avvenuta nel sistema
solare, il pianeta Tiamat esplose, causando la creazione del pianeta Nibiru, il
pianeta Plutone, il pianeta Terra e la Luna. Poi, 285.000 anni fa, i giganti
chiamarono gli Anunnaki, venuti sulla Terra dal pianeta Nibiru, per estrarre
l'oro di cui avevano bisogno per la loro avanzata tecnologia. Crearono delle
miniere, che continuarono a lavorare per qualche tempo, in gran parte in
Africa, ma anche in altre parti della Terra, dovunque fossero disponibili le
risorse. Poi si stancarono di quel lavoro e decisero di creare uno schiavo che lavorasse
per loro. Questo doveva essere "L'Adamo", programmato geneticamente
per fare ciò che era necessario per la sua sopravvivenza, abbastanza
intelligente da far funzionare un meccanismo, e con una “Eva” al suo fianco,
capace di riprodursi, il tutto vivendo per un periodo limitato, senza avere
ricordi duraturi.
Da dove hai tratto suggerimento per i testi? Pensi davvero
che la vita sia stata portata sulla terra dagli alieni?
Le idee per i testi delle canzoni sono state influenzate dagli
scritti di Michael Tellinger e dalle idee di Zachariah Sitchin. Sento che la
vita umana potrebbe essere stata portata sulla Terra da extraterrestri. Perchè
no?
Che giudizio dai
dell’album?
È stato un lavoro davvero affascinante, molto sfaccettato e,
a tratti, sconvolgente.
Gli Hawkwind sono
sempre stato un esempio di famiglia, di fratellanza cosmica, e tutto ciò ha
portato alla creazione di capolavori musicali: come sono ora i tuoi rapporti
con Dave Brock, dopo i vecchi problemi legati all’utilizzo del nome della band?
Beh, non ho alcun problema con Dave Brock; lui ha sicuramente
bisogno di guardare oltre se stesso e comprendere che tutti noi abbiamo la
necessità di aiutarci l'un l'altro, per spingere la nave spaziale a piani e
dimensioni della realtà diversi e infinitamente variabili.
Mi dici un tuo pensiero
sul tuo amico Lemmy, scomparso un paio di anni fa, e uno su Dik Mik, anch’esso
mancato recentemente?
Il mio amico Lemmy, dopo una lunga vita di sperimentazioni
fisiche e metafisiche è finalmente entrato in una dimensione completamente
diversa, tra “reale e surreale”, e questo vale anche per il mio buon amico Dik Mik.
Cosa c’è nel futuro di
Nik Turner?
Il mio futuro prevede il suonare la musica in un contesto di
benessere e innalzamento della coscienza, creando consapevolezza e diffondendo
felicità.
Ti rivedremo in Italia?
Lo spero sinceramente, con la mia band o solo come Nik Turner,
in qualsiasi progetto mi stimoli e mi ispiri. Sarà quella l’occasione per
vedere il pubblico italiano, là fuori, con grande piacere.
David Cross & David Jackson “Another Day" (marzo 2018)
Cherry Red Records
I King Crimson incontrano i Van der Graaf Generator
Da un pò di tempo
osservavo da lontano l’attività di David Jackson e David Cross nella speranza di
vedere un loro prodotto concreto, al di là della spettacolarità che è propria
dei live che li ha visti assieme on stage. Jackson ama particolarmente
l’Italia, la sua musica e gli artisti di riferimento per il prog, e sono molte le
occasioni in cui si è… messo a disposizione, dagli Osanna agli OAK passando per
i Garybaldi. Ma per chi come me lo ha visto da adolescente - con lui avvenne il
mio battesimo live - il marchio VdGG è qualcosa di incancellabile.
Della mia tenera età
fa parte pure David Cross, che vidi nel pieno dello splendore assieme ai King
Crimson.
E poi mi capitò di
trovare entrambi in un momento di relax, a Roma, nell’occasione delle prima
Prog Exhibition, nel 2010, un tempo in cui probabilmente vennero gettate le
basi per questo “Another Day”, un disco non certo
facile da assimilare ma, ascolto dopo ascolto, capace di diventare penetrante,
anche se è possibile che la mia oggettività venga minata dalla storia, dal mio
vissuto, da sonorità che riescono ad attivare una contaminazione dei sensi
stimolando la mia memoria.
Roma, novembre 2010-Prog Exhibition
E poi la denominazione
ufficiale, “I King Crimson
incontrano i Van der Graaf Generator”, è allettante per chi ama certa musica!
Sono oltre 52 minuti
di musica (divisi su 12 i brani), raccontati nei dettagli da Jackson nell’intervista a seguire, chiacchierata in cui si può capire tutto della
genesi, della costruzione e degli aspetti tecnici che caratterizzano il disco.
L’album è strumentale
e non poteva essere diversamente, ma esiste una certa concettualità a cui si farebbe
fatica ad arrivare se non ci fosse il racconto di uno dei due “creatori”.
Dice l'ex VdGG: “Quando suoniamo da soli e liberamente, ci sono due solisti
che lavorano l'uno attorno all'altro e la sezione ritmica che lascia molto
spazio e dà il giusto supporto”.
Ecco la
strana sensazione che deriva dall’ascolto… il bilanciamento tra la necessità
dell’assoluta libertà esecutiva - basata sull’improvvisazione iniziale - e la
compattezza di una band solida che nulla lascia al caso. Siamo al cospetto di due
enormi solisti che ci ricordano, allo scoccare della prima nota di sax e al
primo tocco di violino, chi loro siano, chi siano stati e quale sia l'eredità lasciata alle generazioni a venire.
La base
potente che li accompagna - la sezione ritmica - è quella della David Cross
Band, ovvero il bassista Mick Paul e
il drummer Craig Blundell, preparati e
collaudati, capaci di regalare ai due David la possibilità di spaziare a
piacimento.
Ci sono attimi da
brivido, come nella toccante “Breaking Bad”,
supportata da un ritmo vorticoso e coinvolgente, o nella più intimistica “Mr. Morose”, dove il mood cupo avvolge e
coinvolge guidando gli stati d’animo e promuovendo immagini e sentimenti
contrastanti.
Ecco… ogni singolo brano appare capace di condizionare lo stato d’animo, una azione che forse solo il connubio tra violino e sax è
in grado di promuovere con tale efficacia.
I due David mi appaiono mostruosi in questa
nuova avventura artistica che, tenuto conto dei tempi, mi sembra sostenuta
adeguatamente dal punto di vista promozionale, il che dimostra che i signori
fanno sul serio!E poi il “Duo” può
funzionare in tanti modi differenti, Cross e Jackson non hanno bisogno di molto
per dare sfogo alla loro arte… qualche metro di palco e i loro strumenti, ciò è quanto basta
per unire cuori e cervelli di chi ama pensare che il tanto tempo che è ormai alle spalle
non sia passato invano.
L’INTERVISTA
L'incontro
tra te e David Cross risale a molti anni fa: perché è nato solo ora un progetto
comune?
Il "progetto" è nato poco dopo
il nostro primo incontro nel 2010. Eravamo entrambi ospiti al Club il Giardino
nel contesto del Verona Prog Festival. Dovevo suonare con i N.y.X., ma per
qualche motivo dovettero rinunciare. Anche l'altro ospite di N.y.X, Trey Gunn
(ex King Crimson,) non riuscì ad essere presente e quindi entrarono in gioco
gli Arti & Mestieri, con cui collaborava l’ex King Crimson David Cross.
Io e Cross, provenienti dalla stessa terra, ci siamo incontrati al desk della
Ryanair e siamo diventati amici molto rapidamente. C'era un “buco” nello
spettacolo di quella sera, così decidemmo di improvvisare, diventando così...
una coppia spontanea. Il tutto è stato molto divertente e anche estremamente
soddisfacente, soprattutto per l’evidente gradimento del pubblico.
Dopo poco ci siamo ritrovati a Londra e
abbiamo iniziato a lavorare registrando improvvisazioni e cercando di scrivere
nuova musica insieme. Quando ci siamo rivisti, nel novembre dello stesso anno
alla Prog Exhibition di Roma - e tu eri presente! - avevamo nel cassetto già
diversi pezzi importanti e improvvisazioni stupefacenti.
Tuttavia David Cross era anche nel bel
mezzo della realizzazione di "Sign of the Crow", un grande
album rilasciato con la sua band, oltre ad essere preso da diversi altri progetti. Era
estremamente impegnato, così come lo ero io, quindi abbiamo deciso di prenderci
il nostro tempo e lasciare che i nostri scritti e la creatività prendessero il
loro tempo per maturare.
"King
Crimson Meets Van der Graaf Generator" appare come un richiamo molto forte
per tutti gli appassionati di musica progressiva: quali sono le caratteristiche
principali di "Another Day"?
Penso che la caratteristica principale sia
quella che l'album non suona come nessun altro! C'è un grande ensemble su cui
risalta un modo di suonare individuale e la presenza di grandi melodie. Penso che sia un nuovo
tipo di sound-set che nessuno ha mai visto prima e un nuovo modello di
creatività collaborativa. Quando suoniamo da soli e liberamente, ci sono due
solisti che lavorano l'uno attorno all'altro e la sezione ritmica che lascia
molto spazio e dà il giusto supporto. Da aggiungere che il violino può fare
doppi stop, il che significa armonia costruttiva; i due Sax suonati all’unisono
(Double Horns) danno lo stesso risultato. Entrambi i “solisti” possono quindi
suonare potenti e duri riff. Sia io che Cross siamo tastieristi, scrittori e
arrangiatori, quindi ci sono alcuni brani divertenti e corali. Abbiamo poi
deciso di chiudere il cerchio inserendo una sezione ritmica straordinaria che
ha lavorato insieme per diversi anni.
Qual è il tema di fondo
dell'album? Riesci a considerarlo concettuale nonostante sia un lavoro
strumentale?
Durante il nostro primo incontro del 2010
al Club il Giardino abbiamo scherzato sui personaggi di “Vladimir ed
Estragon” protagonisti del dramma “Aspettando Godot”, di Samuel
Beckett. Ci sono voluti otto anni per finire l’album perché, come ti dicevo, eravamo molto
impegnati in molteplici progetti. Ciononostante abbiamo continuato a tornare
verso questo tema disincantato dei vecchi uomini e probabilmente abbiamo
inserito riferimenti religiosi, filosofici, classici, biografici e persino
legati alla guerra, tutte cose che emergono nella scelta del materiale, nei
titoli dei brani e persino negli arrangiamenti. Un esempio potrebbe essere
l'inclusione del Big Ben da The Houses of Parliament in "Millennium
Toll". Altri potrebbero essere "Going Nowhere" e "Mr.
Morose”. Lo considererei quindi un concept album e non solo una raccolta di
brani musicali.
Ulteriori indizi si possono trovare nella
brillante copertina dell'album di Michael Inns. Prossimamente Cross e io
riveleremo un'altra sorpresa e una dimensione pubblica di "Another Day",
ma per il momento è un segreto. Ma renderà l'idea di concept molto più chiara.
Quanto è importante la
tecnologia in un album come "Another Day"?
STRUMENTAZIONE: David Cross ha una meravigliosa serie di pedali FX e
Loopers di cui ha il dominio totale e che hanno fatto parte del suo set up per
molti anni. E’ materiale progettato per chitarristi ma si adatta
perfettamente al suo violino elettrico. In questo modo ha creato una vasta
serie di toni e colori che si abbinano alla sua gamma di espressioni basate
sulla flessibilità. Anche io ho molte unità FX e Loopers, ma su questo album e
in questa particolare situazione ho sentito che era giusto suonare usando tutti
i suoni naturali, unendo solo grandi riverberi ed echi occasionali. Nel disco suono fischietti, flauti, sax (sopranino, soprano, sassofono e tenore), e
uso ottimi microfoni per ottenere un'espressione molto più ampia dalle mie
trombe.
REGISTRAZIONE:
la tecnica di registrazione ha sempre modellato il processo creativo in
studio. Per fortuna sono passati i giorni delle macchine a nastro e della
strana alchimia legata al “suono su suono”! Sia io che Cross usiamo al
momento Logic X, sebbene avessimo avviato il processo di questo album su
Logic 9. La potenza di questo sistema è legata alla facile registrazione, di
alto livello, e da potenti tecniche di editing. Aggiungiamo a tutto ciò
l'accesso immediato a grandi FX, e meravigliosi strumenti armonici e sezioni
ritmiche attraverso il MIDI. Quando abbiamo iniziato, siamo stati in grado da
subito di improvvisare e sperimentare: scrivere, organizzare e spedire idee
avanti e indietro via Internet, così da poter lavorare insieme e separatamente.
Quando improvvisavamo con la band,
registrare con una separazione totale permetteva a Cross e a me di modificare
brani come "Trane to Kiev", "Breaking Bad",
"Mr. Morose” e “Time Gentlemen, Please”, fornendo alla
tracce nuove forme eccitanti.
PRODUZIONE:
L'altro ruolo vitale che la tecnologia ora gioca è nel mixaggio e nella
produzione. Siamo stati fortunati nella realizzazione di "Another
Day" anche per la presenza di mio figlio Jake, ovviamente felice di
lavorare con noi. Ha vinto due premi (Breakthrough Engineer 2010 e miglior Live
Recording 2012) e si adopera in tutte le aree della musica registrata. Lavorare
in due studi diversi ci ha causato problemi nel creare suoni di batteria
coerenti. Mick Paul e Jake sono arrivati alla fine per una grande e risolutiva
giornata agli Air Studios! Jake lavora molto per Nick Cave, il che significa
anche suonare con il violinista Warren Ellis. Naturalmente anche il sax e i
flauti sono stati prodotti magnificamente. Il master del processo finale
ottenuto da Jake e il misterioso mondo dei plug-in ha fatto sì che la
tecnologia ci abbia aiutato a produrre il miglior suono che avessimo mai
registrato finora!
MASTERING:
Jake ha scelto Jon Webber per completare il suono masterizzato in "Another
Day". Questa modalità ci ha portato verso piccoli viaggi a ritroso per
rimuovere i dettagli sonori errati che nessuno aveva notato prima, ma il
risultato finale è meraviglioso.
Cosa puoi dire degli altri due
elementi che compongono la squadra, Mick Paul e Craig Blundell?
La nostra sezione ritmica, Mick Paul e
Craig Blundell, proviene dalla David Cross Band. Lavorano insieme da molti anni
e hanno una comprensione reciproca unica e grande. Sono una squadra
meravigliosa pronta a imparare e registrare rapidamente arrangiamenti complessi
- o improvvisare senza una parola! Mick Paul è famoso per la sua potenza e
delicatezza del basso a 6 corde Fretless e per la sua sensibilità armonica
individuale. Craig Blundell ha la padronanza di complessi drum kit e ha un
suono e un approccio caratteristico. È un batterista famoso in tutto il mondo
in ambito Prog Rock, molto richiesto e considerato un top tra i drummers.
Molti dei pezzi di questo album provengono
da improvvisazioni "cieche" in un piccolo studio. Il 'Blind' sta a
significare che eravamo tutti in stanze diverse - essenziali per la separazione
- e solo uniti da cuffie - con una traccia casuale per segnare il tempo. I soli
pezzi dell'album che provengono da improvvisazioni di gruppo sono "Trane
to Kiev", "Breaking Bad", "Mr. Morose” e “Time Gentlemen,
Please”. Un credito equo va a Mick e Craig nell'identità di queste tracce!
È possibile definire la tua musica
per alcuni giovani che difficilmente conoscono il prog degli anni '70?
Probabilmente no! Ecco perché abbiamo
bisogno di giornalisti e analisti musicali.
Il disco è ben eseguito e ha un suono
eccezionale, e fa riferimento alla musica che ci ha preceduto e ci ha
influenzato tutti, ma realizza un suono - e forse una nuova voce - tutto suo.
Può essere feroce e può essere sublime; può essere edificante e può essere
inquietante. Riflette il tempo in cui ci troviamo ora, proprio come il Prog
degli anni '70 rifletteva quel tempo e quel sentimento.
Avete pianificato un tour per
promuovere l’album? Verrete in Italia?
David Cross e io ci godiamo la libertà e
la spontaneità di suonare come un Duo e abbiamo già suonato così in UK, Olanda
e Italia. Questo è quanto è stato pensato per "Another Day".
Dal vivo usiamo copiose quantità di tecnologia, sia in FX che in Loop, e
creiamo versioni di diverse tracce dell'album. Includiamo anche alcuni brani
dei “nostri” King Crimson e Van der Graaf Generator. Ci piace coinvolgere il
pubblico!
Quindi siamo pronti e disposti a
promuovere l'album comunque e ovunque ci sia un pubblico. Potremmo anche creare
una band per riprodurre l'album così com'è, ma richiede molto investimento a
tutto tondo, ma non vogliamo escludere questa idea!
O come Cross e Jackson Duo, o Cross &
Jackson Band, ovviamente vogliamo venire a suonare l'Italia! Per favore aiutaci
a trovare la strada!
