Ci ha lasciato Maartin Allcock

Dal profilo di Cat Stevens arriva una notizia terribile, la morte – annunciata – di Maartin Allcock.

Un mio amico personale, con cui ho persino suonato un paio di volte…

Riposa in pace Maart, le corde che hai montato sulla mia chitarra sono ancora in posizione!

Athos
 

Deeply saddened at the passing of Maartin Allcock. A musical genius who featured prominently on the last album "The Laughing Apple". He knew his death was imminent and never have I seen someone face this reality with such brave honesty and peaceful acceptance. May God have mercy on his melodious soul.
Yusuf

1° Psycho Prog Festival a Savona: il resoconto

1° Psycho Prog Festival-9 settembre 2018

“Che ne dici se organizziamo un festival tra il prog e la psichedelia?”

E’ con questa frase buttata lì, apparentemente azzardata, che Davide Pansolin mi ha proposto di mettere assieme due entità attive all’interno del mondo musicale, la “sua” Associazione Culturale Vincebus Eruptum e MusicArTeam, di cui faccio parte.

Conosco Davide da un paio di anni e di lui mi ha colpito la sua determinazione nel proseguire progetti apparentemente impossibili e, soprattutto, in solitaria.

Io al contrario ho bisogno di… compagnia, essendo fervente credente nel gioco di squadra.

Ci siamo venuti incontro e credo sia palese che il successo del 1° Psycho Prog Festival sia all’insegna della condivisione dei compiti.

Il tutto in tempi brevissimi - un mese -, senza denaro, e molta fortuna.

Certamente esiste in questo contesto la mano e il cervello di un gruppo di musicisti che, nel corso dell’ultimo anno, sono diventati amici… parola grossa ma verosimile in questo caso: parlo delle due band savonesi più famose nel prog, i Nathan e Il Cerchio D’Oro.

Non solo si sono messi a disposizione dal punto di vista musicale, ma si è vista la mano di tutti nel colmare le ovvie lacune, tipiche di quando si lavora in tempi ristretti e senza risorse economiche.

La location è spettacolare per gli eventi all’aperto, Il Giardino Serenella, che fornisce la possibilità di assistere ad un evento e godere di un buon cibo, per non parlare del mare a due passi.

Nella testa di tutti c’era una giornata fatta di concerti, incontri e scambi culturali… dal pomeriggio alla sera.

La sezione musicale nasce attorno alla band gallese dei Sendelica - psichedelia pura la loro -, che all’interno del tour italiano trovano una giornata da dedicare al pubblico savonese che ha già avuto modo di vederli alla Fortezza del Priamar, un pò di tempo fa.

Nelle quattro ore e mezza disponibili rientrano altri tre gruppi, i già citati Cerchio e Nathan e un’altra realtà cittadina, La Blindo Red.

Service affidato a un paio di amici professionali, Fulvio e Maddalena e, a completamento del progetto, arriva la televisione - Antenna Blu - che, attraverso Giorgio Nasso, contribuirà nel dare importanza alla kermesse, tra interviste e riprese del live.

E poi i banchetti con i vinili, il merchandising e i fumetti rock di Elena Terzi e Dario Isopo.

Ci si aspetta un paio di centinaia di persone, da cibare in modo tradizionale o con i “coni psichedelici” di Monica Giovannini (vocalist dei Nathan) che contengono pesci fritti e patatine… un po’ di birra e… vediamo l’effetto che fa…

Alle 17, ora di inizio, si intuisce che qualcosa di positivo che sta per accadere.

Gli aspetti meteo aiutano, con una rara perfezione, equilibrio di sole calante e temperatura adeguata.

La musica gira a dovere mentre i tecnici si muovono davanti al palco, una zona in cui sono stati stesi tappeti verdi con la speranza di vedere anime sedute a terra, come accadeva nei seventies.

E la gente arriva… fluisce, si siede, chiacchiera, e si predispone all’ascolto.

Le stime di chi ne sa di più racconteranno alla fine di 400 persone, disposte in un giardino colmo come forse non mai!

Non commenterò la qualità della musica, non farò graduatorie poco interessanti, ma per ogni ensemble propongo un brano in modo che ci si possa fare un’idea personale.

Parte La Blindo Red, che si rifà ad un modello prog fusion ambizioso, perché non presenta alcuna tastiera.

Ecco la loro pillola…

Quando la luce cala arrivano i Nathan, che propongono un mix tra i loro due album (“Era” è stato rilasciato pochi mesi fa).

Di loro ho catturato quanto segue…

Il pubblico risponde, non è una situazione da “cazzeggio” come spesso accade quando ci si avvicina al modello “sagra”, e questo dà una grande carica a chi si trova sul palco.

Anche Il Cerchio D’Oro regala un set adeguato alla sua fama, come testimonia il brano a seguire.

E tocca alla band più titolata, i Sendelica, con una valanga di album e tour alle spalle.

La cosa che più mi ha colpito è stata la presenza di molti giovani, fatto abbastanza inusuale se si pensa che la musica proposta nella serata non trova minimo spazio nei canali ufficiali… bella cosa!

La proposta dei Sendelica non è semplice, ma la compattezza dei suoni e le skills personali arrivano all’audience, che si gode i lunghi brani, dilatati e "perforanti", e alla fine la richiesta di bis sarà un'azione spontanea.

Un successone per loro!

Per tutti gli altri una grande soddisfazione e la quasi certezza che ci saranno altre edizioni dedicate al genere, con la voglia di mettere a disposizione dei giovani savonesi un luogo come i Serenella, spazio in cui la cultura musicale possa progredire e aggregare.

Diffondiamo il verbo…

La 1° serata del Prog Festival di Veruno ( 7 settembre): un pò di video

Quello che segue non può essere il commento al Festival Prog di Veruno, giacchè la mia presenza alla sola prima giornata non mi permette di essere esaustivo, ma le pillole di esibizione delle prime quattro band potranno fornire l’idea di quanto accaduto.

Il resoconto totale e completo verrà pubblicato prossimamente sul web magazine MAT2020 (WWW.MAT2020.COM).

Superfluo sottolineare l’importanza raggiunta dalla manifestazione, ma tengo sempre ad evidenziare l’atmosfera che si respira: non un ritrovo per nostalgici (nonostante certi nomi altisonanti arrivino direttamente dai seventies…) ma un luogo in cui la musica - in questo caso prog - e tutto ciò che la circonda prendono vita, dove ci si incontra - magari trasformando in contatto reale una “amicizia” virtuale -, dove si scambiano esperienze e opinioni, dove si tocca con mano il musicista mai raggiunto.

E se poi il meteo è favorevole - come è accaduto venerdì 7 settembre - Veruno diventa un luogo da sogno, e non è esagerato, a fine evento, immaginare e pianificare il viaggio dell’anno a venire.

Il programma di quest’anno era come sempre allettante, con una netta prevalenza per il sound straniero, che culminerà nella giornata di domenica con i Vanilla Fudge.

Ad aprire la kermesse i genovesi Panther & C., giunti al secondo album.

Conosco bene la loro storia e ho avuto un paio di occasioni per vederli dal vivo, non mi sorprende quindi il consenso che riescono a suscitare nell’audience.

Loro sono… Mauro Serpe alla voce e flauto, Alessandro La Corte alla tastiere, Riccardo Mazzarini alla chitarra, Giorgio Boleto al basso e Folco Fedele alla batteria.

E’ un prog molto vicino al  mio ideale, miscela di “antico” e melodia, e il gradimento dei presenti sarà totale, manifestato in modo sincero anche nel post concerto.

Ecco un elemento del loro puzzle…

Le RanestRane sono introdotte con enfasi da Octavia Brown, uno dei pilastri organizzativi, e propongono il loro “Prog Contemporaneo” testimoniato dagli 8 album rilasciati e dai loro tour internazionali, con importanti collaborazioni in “area Marillon”.

Il loro è un concerto che prevede la proiezione di pellicole e tende a realizzare una performance multimediale molto coinvolgente.

La formazione prevede Riccardo Romano alle tastiere, Daniele Pomo batteria e voce, Maurizio Meo al basso e Massimo Pomo alla chitarra.

Anche per loro presento uno spezzone di esibizione…

Quando arrivano gli ANGE il buio cala sull’area concerto e il fascino aumenta, anche perché sta per arrivare la storia, che attualmente si incarna in Christian Décamps alla voce e tastiere addizionali, Tristan Décamps canto e tastiere, Hassan Hajdinalla chitarra, Thierry Sidhoum al basso e Ben Cazzulini alla batteria.

Gli ANGE sono un pilastro del prog, francese e internazionale -29 album, 6 dischi d’oro, 6 milioni di album  venduti -, e la figura dell’istrionico frontman Christian monopolizza il palco, e la consapevolezza di essere al cospetto di una band così “grande” influenza probabilmente i presenti.

A tratti i brani scivolano su un rock un po’ più… semplice e lineare, ma la capacità di incantare la massa in front of fa sì che i dubbi vengano - almeno i miei - vengano superati, lasciando spazio alla certezza di aver vissuto un’ora probabilmente irripetibile.

Eccoli…

A chiudere la serata gli Amon Duul II, altra “roba” per personaggi storici.

Li avevo persi da tempo e mi aspettavo musica “molla” - mea culpa -  e ho trovato una buona dose di psichedelica, particolarmente adatta alla situazione.

Non è questo lo spazio per ricordare la storia e le dicotomie di idee che hanno portato all’attuale formazione, ma sul palco era presente una buona dose di seme originario.

Si presentano con il doppio batterista (Jan Kahlert e Ulli “Flist” Linzen), che a ben vedere non mi è parso giustificato (ma c’è chi, di questi tempi, è arrivato a tre!), Dario al basso (non ci è dato di conoscerne il cognome…), John Weinzierl alla chitarra e synth, Chris Karrer alle chitarre e violino e la mitica frontwoman Renate Kanupp-Krotenschwanz.

Anche in questo caso si innesca la magia, si supera l’elemento musicale e ci si accorge di far parte di un momento unico, mentre le trame cupe, ossessive, a tratti laceranti, avvolgono e entrano nell’intimo.

Da metabolizzare con calma, ma poi arrivano e non ti mollano più!

Un piccolo sunto video…

Al momento non ho riscontri del proseguimento del festival, ma se tanto mi da tanto...

Come sempre un plauso enorme al deux ex machina della situazione, Alberto Temporelli, che, visto dall’esterno, deve essere dotato, anche, di pazienza infinita… ma le passioni aiutano a superare tutte le intemperie!

The Doors/Jefferson Airplane: The Roundhouse, Londra, 6-7 settembre 1968

The Doors/Jefferson Airplane

The Roundhouse, Londra, 6-7 settembre 1968

Un deposito ferroviario in disuso poteva sembrare uno spazio insolito per ospitare la prima esibizione sul suolo britannico dei due principali gruppi della scena Americana alternative (e non solo). E’ vero però che nel 1968 l’ampio edificio circolare della Roundhouse aveva sostituito l’UFO quale principale luogo di ritrovo degli Hippie londinesi. Date le notevoli dimensioni dell’ambiente, oltre 10.000 appassionati poterono accorrere alle attese esibizioni dei due gruppi, ma molti di più furono coloro che rimasero fuori dai cancelli senza biglietto. All’appuntamento si presentarono anche le telecamere di Granada TV, ansiose di immortalare l’inedito incontro con il rock acido della West Coast, soprattutto, di vedere all’opera il cantante dei Doors, Jim Morrison.

La rivista Rave aveva definito Morrison una superstar (all’epoca il termine non era ancora inflazionato) sulla spinta dei resoconti giornalistici d’oltreoceano che lo definivano poeta e uomo di spettacolo originale e travolgente, autentico sciamano pop che fondeva la sessualità con una debordante teatralità. Morrison, che si autodefiniva “un politico erotico”, appariva un miracoloso ibrido fra Elvis Presley e una divinità greca e le esibizioni del gruppo, come spiegò il chitarrista Robbie Krieger, somigliavano a “esperienze religiose”.

Nel buio, seduti a gambe incrociate in mezzo al pubblico, c’erano Paul McCartney, Arthur Brown e i Traffic. Di fronte a loro un Jim Morrison vestito di cuoio crollò a terra dopo un balzo, emise urla da far gelare il sangue e poi rincuorò la platea con la lettura sussurrata di un sonetto. Ogni parola, ogni movimento sembravano carichi di significati.

“Jim Morrison vive nell’esagerazione”, scrisse entusiasta Mike Grant su Rave. “Il passo incerto e quasi strascicato, la strana indolenza, l’espressione imbronciata, gli occhi semichiusi rivolti verso l’alto, la recitazione ampollosa ma nitida”.

Anche la folla ebbe un ruolo importante. “Uno dei migliori pubblici che ci siano mai capitati”, disse Morrison a Grant dopo gli spettacoli. “Sembravano tutti così sereni… questo ci ha aiutato ad esprimerci al meglio”.

Tratto da “Io c’ero”, di Mark Paytress

Aldo Tagliapietra Band / Annie Barbazza e Marco Colombo live al Farnese.

Per la seconda volta in questa calda estate  ho trovato la magia di una location all’interno della quale viene calata la musica di qualità. Non è un dettaglio di poco conto: musica come elemento culturale, musica intesa come arte, musica portatrice di benessere, musica come via certa per la serenità. In quest’ottica anche il “luogo” fa la sua parte.

Palazzo Farnese, a Piacenza, regala la situazione solenne, e in due occasioni ne sono stato testimone.

E’ accaduto un mese fa con il prog rock mediterraneo degli Osanna: spettacolari.

E’ riaccaduto il 29 agosto, con il palco occupato da Aldo Tagliapietra - voce storica de Le Orme - e i “ragazzi” della sua band.

Ma non solo loro.

Parto dal cuore e cervello della manifestazione, il direttore artistico Max Marchini e affido a lui l’introduzione alla serata, video che permette di scoprire l’arte di Irma Zanetti.

Annie Barbazza viene citata più volte, con un accostamento fisso, quello con Greg Lake.

Ne è passato di tempo da quando la vidi condividere il palco - proprio a Piacenza - con Greg, Bernardo Lanzetti e Aldo Tagliapietra. Era il novembre 2012.

Successivamente l’ho ritrovata nel ruolo di ospite, ma è stata questa la prima volta a cui ho assistito ad una sua performance in proprio. Pazzesca!

Direi, purtroppo, fuori dal tempo: nata troppo presto, oppure… troppo italiana! Un talento cristallino che dovrebbe trovare ampi sfoghi espressivi, sfuggendo dalla nicchia, alla ricerca della condivisione massima.

Nel piccolo gap tra la prima e la seconda parte di concerto mi è venuta alla mente la famosa “Melanie” (Safka), cantautrice americana presente a Woodstock come spettatrice, che casualmente riuscì ad esibirsi, voce e chitarra, dando vita ad una carriera piena di soddisfazioni: altri tempi!

Nella sua performance è accompagnata da un chitarrista - conosciuto - notevole, Marco Colombo, e il duo si dimostrerà una miscela esplosiva.

Rispetto alla scaletta che pubblico a seguire manca la componente “The Who”, ma i 40 minuti di esibizione ci conducono in un viaggio onirico: dai Pink Floyd ai Beatles, da Kevin Ayers ai King Crimson, con un accenno a Bowie.

Psichedelia, poesia, rock e una perizia tecnica notevole, con la soddisfazione nel vedere suonare, per la prima volta, un sitar elettrico (chissà cosa ne ha pensato Tagliapietra, cultore dello strumento “originale”!).

Annie ha una voce strepitosa, ma relegarla al ruolo di vocalist mi pare limitante, vista la sua capacità interpretativa e la sua sapienza, nonostante l’età, nel “tenere il palco”.

Ecco un sunto di quanto hanno proposto Barbazza e Colombo.

Il piccolo intervallo legato al cambio set mi permette di realizzare lo stato di benessere termico: forse ha ragione Gloria Tagliapietra, che mi dice: “Quando arriva papà tutto si illumina!”.

E Aldo arriva, e ci regala, oltre alla sua musica, la dimensione serena di cui è simbolo.

Lo incontro prima del concerto, assieme alla band, musicisti che ammiro realmente e che conosco da molto tempo. Parliamo, anche, del suo ultimo album e della profondità delle liriche, e lui sottolinea l’importanza, in questa stagione, dello spirito, rispetto al materialismo tipico della gioventù.

Per chi fosse interessato ad un commento all’album e al pensiero di Aldo consiglio il seguente link:

http://athosenrile.blogspot.com/2017/12/aldo-tagliapietra-invisibili-realta.html

La band di cui parlavo è costituita da: Andrea De Nardi alle tastiere, Matteo Ballarin alle chitarre, Manuel Smaniotto alla batteria e, ultimo entrato, Andrea Ghion al basso.

Ghion, che ho visto per la prima volta dal vivo, è subentrato nel ruolo di bassista a Tagliapetra, che ora si dedica in modo specifico a voce e chitarra.

Propongono un set diviso in due parti, la prima costituita dal nuovo disco di cui presento due brani:

A mio giudizio una situazione magica, con la personalità del “bianco” Aldo tutt’altro che schiacciante rispetto ai musicisti di cui si circonda, ed è forse proprio questo il segreto (situazione analoga a quanto avviene con Vairetti negli Osanna), l’amalgama tra un mito del rock e un manipolo di talentuosi - ed educati - strumentisti.

Nel corso della seconda parte va in scena il conosciuto, quello che alimenta la memoria, anche di quelli che non hanno seguito le “cose della musica” per tutta la vita.

Anche in questo caso propongo la scaletta, con materiale tratto da buona parte del lavoro delle Orme, a partire da “Collage” per approdare a “Felona e Sorona”.

E in “Gioco di Bimba” Annie Barbazza fornisce il proprio contributo vocale.

Il pubblico (sono molti i fan di Tagliapetra che arrivano da lontano) apprezza incondizionatamente, e nel corso del bis si “attacca” al palco per godere da vicino “Cemento Armato” e “Canzone d’Amore”.

Anche per la parte finale del concerto ho realizzato un mix musicale significativo…

Una segnalazione doverosa per il tecnico di sempre, Riccardo Dondi e un ringraziamento ad Alice Bellati per il servizio fotografico.

Cos’altro aggiungere… lunga vita a chi è capace di regalare al pubblico simili emozioni, e ancora un doveroso grazie all’organizzazione.

Deep Purple: Osaka e Tokyo, Giappone, 15-17 agosto 1972

Deep Purple

Osaka e Tokyo, Giappone, 15-17 agosto 1972

Impegnato nell’epico ed esplosivo  crescendo di Childe in Time, il bassista dei Deep Purple Roger Glover alzò per un attimo gli occhi dallo strumento e si rese conto che almeno 10000 persone stavano cantando in coro il pezzo. Glover e il suo gruppo si trovavano in Giappone, all’epoca una tappa relativamente insolita per dei musicisti famosi. La folla probabilmente non sapeva bene  il significato di ciò che stava cantando, ma Glover si commosse moltissimo: “Se c’è stato un momento in cui mi sono sentito orgoglioso di far parte dei  Deep Purple, è stato quello”.

Durante il 1972 i Deep Purple trascorsero 44 settimane in torunèe e sarebbe stato proprio quell’iperattività a causare, nella primavera dell’anno seguente, lo scioglimento della formazione. Il soggiorno giapponese fu breve (solo tre concerti, originariamente previsti in maggio e posticipati di tre mesi per inserire un maggior numero di date americane), ma fruttò quello che è in genere considerato il più classico album dal vivo di tutto l’hard rock.

Il gruppo, la cui reputazione si era consolidata per merito di dischi come Deep Purple In Rock, Fireball e Machine Head, era in quel momento una poderosa macchina da spettacolo live, al pari di grandi nomi come Led Zeppelin e Who. Consapevoli dei propri mezzi, i cinque davano il meglio di sé quando dilatavano brani come Space Truckin’ e Highway Star, trasformandoli in epiche e articolate cavalcate sonore. Tanto stupefacente virtuosismo era comunque lontano dall’autocompiacimento dei gruppi Prog del periodo e si manifestava sotto forma di canzoni suonate a velocità vertiginosa.

Il risultato di quei tre straordinari concerti fu un esplosivo doppio dal vivo intitolato Made In Japan. “E’ l’album in cui i nostri pezzi sono suonati meglio”, commentò Ian Gillian all’epoca, confermando che il contesto più consono al gruppo era il palco e non lo studio. La rivista americana Rolling Stone descrisse il disco come ”il perfetto monumento hard dei Deep Purple”. Al ritorno in patria l’esperienza giapponese venne immortalata nella canzone Woman From Tokyo (“In volo verso il Sol Levante /Visi sorridenti ovunque”) e da allora Made In Japan ha sempre consolidato la sua reputazione di album live fra i più riusciti e venduti della storia. Ma molto del merito va anche all’incandescente sintonia creatasi fra musicisti e pubblico. 
(Da un racconto di Mark Paytress)

Anche io ho un ricordo da “Io C’ero”… il concerto tenuto al Palasport di Genova l’11 marzo del 1973.

I ricordi di quel pomeriggio sono sfuocati, ma conservo ancora il biglietto da 1500 lire.

Compie oggi 71 anni Ian Anderson

Compie gli anni oggi, 10 agosto, Ian Anderson, simbolo dei Jethro Tull.

Anderson è genio assoluto, affabulatore, incantatore, innovatore, capace di rendere “rock” uno strumento prettamente classico come il flauto traverso, un chitarrista acustico eccelso, un vocalist straordinario e la sua voce, a ben vedere, è quella che manca di più ai fan sparsi nel mondo che, forse solo a posteriori, si sono accorti dell’assoluta importanza di quella timbrica calda e pastosa, insostituibile, che nessun aiuto artificiale potrà riportare ai fasti iniziali.

Ian Anderson è anche un saggio e previdente uomo di affari – cosa che quasi sempre è mancata alla giovani star degli anni ’70 –  e credo risalga già alla metà dei seventies il suo status di datore di lavoro della band, ovvero lui il capo e gli altri stipendiati, con le naturali differenze di compensi economici e di responsabilità.

Il gruppo è ancora molto seguito e anche in Italia esiste una cellula primaria – di cui in qualche modo faccio parte – che prevede un fanclub che ha a capo un Presidente – Aldo Tagliaferro – che è uno dei pochi con cui il buon Ian ha instaurato un rapporto di salda amicizia, con tutti i risvolti positivi del caso.

Impossibile riassumere una storia così complessa e una discografia sterminata, e allora provo a ripescare un mio vecchio pensiero riguardante quella musica che considero la colonna sonora della mia vita… il perché non mi è chiaro sino in fondo, ma indagare sarebbe persino doloroso.

Potrei raccogliere numerosi aneddoti e svariate conoscenze personali per descrivere i miei sentimenti, ma preferisco sottolineare un momento particolare su cui ho riflettuto spesso, perché ogni volta che riascolto “My God” – e mi capita con una certa frequenza – performata al festival dell’Isola di Wight, mi nasce una domanda spontanea.

Per inciso “My God”, che considero tra le più belle canzoni rock di tutti i tempi, fa parte di un album cult, Aqualung, che consiglio a tutti i giovani che non hanno mai avuto l’occasione di accostarsi alla musica dei Tull. Io ho provato in passato a diffondere il verbo, anche, con i miei figli, e devo dire che non sono rimasti indifferenti.

E ritorno all’episodio a cui accennavo.

Era il 30 agosto 1970, una domenica non comune, e i Jethro Tull anticipavano il set di Jimi Hendrix.

La manifestazione era già alla terza edizione, e molte altre sarebbero arrivate, ma quella è l’unica che si ricordi con grande enfasi.

La band di Anderson era già conosciuta per effetto di un secondo album strepitoso, “Stand Up” e quando salì sul palco, “Benefit”, il terzo lavoro, era in circolo da alcuni mesi.

Ma il pubblico di Wight, almeno in quell’occasione, non era numericamente parlando quello dei pub, dei teatri, delle realtà cittadine, ma, more or less, 600.000 persone!

Mi è capitato di chiedere banalmente a Clive Bunker, batterista in quell’occasione, cosa si provi a suonare davanti ad una muraglia umana, e la sua risposta, altrettanto scontata, ha evidenziato la totale “incoscienza da palco” che si innesca in quelle occasioni, quando mille o centomila fanno poca differenza.

Quei giovani, hippies e amanti del nuovo che stava arrivando, imbevuti dell’esperienze dell’estremo occidente musicale, avevano abitudini diverse, fatte di rock più o meno duro, di folk, di country, di contaminazioni varie, abituati a Hendrix e agli Who, Mitchell e Doors, Baez e Mody Blues, e forse non avevano idea di cosa volesse dire trovarsi al cospetto di una band sconvolgente, con un frontman unico che all’improvviso dava dignità rock ad uno strumento a fiato, suonato alla Roland Kirk, soffiato, parlato, usato come prolungamento dell’uomo e dell’artista, raccogliendosi su di una sola gamba.

Ecco, ogni volta che ascolto “My God” provo a mettermi nei panni di quei ventenni di 48 anni fa, e mi piace immaginare il loro stupore, per la novità e per la bellezza di un brano carico di significati, musicali e lirici.

Sono passati lustri, tanti, e i Jethro Tull hanno cambiato ogni pezzo usurato dal tempo, solo lui è rimasto al timone, Ian Anderson, l’antipatico, l’illuminato, o forse tutto il contrario. Noi amanti della sua musica ce lo coccoliamo, sempre pronti a ringraziarlo per quello che ha saputo regalarci: essere riconoscenti è il minimo che si possa fare in questi casi!

Porto Antico Prog Fest 2018: il commento

Un nuova edizione del Porto Antico Prog Fest, la terza, è andata in scena il 3 agosto a Genova, Piazza delle Feste.

Ancora una volta l’aspetto organizzativo è stato curato dalla Black Widow Records, questa volta in collaborazione con la Cooperativa DOC-L’ARTE SI FA VALORE, la cui mission è stata ampiamente spiegata nel corso della serata: trattandosi di musica e del mondo che la circonda, sarebbe buona cosa curiosare sul sito di riferimento…

http://www.docservizi.it/

Il pubblico ha premiato la nuova idea di aggregazione delle band, partecipando in modo significativo e pronto a lasciarsi coinvolgere, sottolineando con entusiasmo le varie performance. Ma qual è la nuova formula proposta? La grande differenza rispetto al passato si sintetizza nella la presenza di due tribute band, non prese certo a casaccio, ma capaci di riportare al sound del prog originario, quello che ha aperto la strada a miriade di gruppi che ancor oggi si rifanno ai fasti dei seventies; nel caso specifico mi riferisco alla musica dei Genesis e dei Pink Floyd, ovvero due entità mitiche che, a distanza di quasi mezzo secolo, riescono ancora a emozionare fan di ogni età.

La dicotomia di giudizio quando si fa riferimento a musica inedita e a riproposizione di modelli del passato non trova mai un punto di incontro, ma ciò che Massimo Gasperini e soci hanno creato nell’occasione appare come un giusto equilibrio, l’utilizzo di musica di forte richiamo per poter regalare al contempo qualcosa di “nuovo”, con la speranza che l’effetto domino spinga ad allargare le conoscenze personali.

Occorre anche riflettere sul fatto che per ascoltare dal vivo la musica del "rock" del passato esista ormai una sola possibilità, quella che passa attraverso gruppi di musicisti, anch’essi fan, che vestono i panni di ELP o Gentle Giant e propongono le fondamenta del prog. Certo, occorre del talento e della predisposizione naturale, quelle doti di cui hanno goduto i presenti al Porto Antico Prog Fest.

Ad aprire le danze una band locale, gli Ancient Veil, nati dalle ceneri degli Eris Pluvia, artisti che, dopo un ventennio di sosta, sono ritornati nel 2017 con un album di inediti targato Lizard, e che, nel 2018, propongono ben due dischi: il primo è una rivisitazione dell’album omonimo del 1995 mentre il secondo racchiude il live de La Claque del 2017.

Il fil rouge tra il passato e il presente è rappresentato dal chitarrista e cantante Alessandro Serri e dal fiatista Edmondo Romano.

E’ un prog vivace e fresco quello che propongono e l’elemento importante, seppur ovvio, è la dimostrazione del ritrovato affiatamento e della sicurezza da palco, rapportata al concerto a La Claque, di cui sono testimone.

L’audience apprezza particolarmente la miscela di rock e folk in un set che… finisce troppo presto!

Alla fine sono proprio Serri e Romano a raccontare le loro impressioni e il nuovo percorso da poco inizato.

L’attuale formazione prevede inoltre Fabio Serri alle tastiere - già presente progetto originale -, Massimo Palermo - basso - e Marco Fuliano  alla batteria.

Un piccolo video a fine articolo racchiude particelle di festival, purtroppo inficiate dall’infelice posizione di registrazione, ma utili a presentare l’atmosfera di giornata.

In attesa del secondo gruppo c’è spazio per le parole, quelle che portano on stage Mauro Serpe - Panther & C. - e Diego Banchero, de Il Segno del Comando.

E arriva il momento dei milanesi Get’Em Out, ovvero la musica dei Genesis, in questo caso circoscritta all’era “Peter Gabriel”. E’ da subito un tripudio, e i presenti si immedesimano e provano a sostituirsi a Franco Giaffreda - voce e flauto -, che suscita la “compassione” dei presenti per l’utilizzo dei “vestiti di Gabriel” in una giornata di decisa afa e alta temperatura.

Unico rammarico rispetto al loro set è la presenza della luce naturale (erano all’incirca le 20) che ha penalizzato gli aspetti visual proiettati sullo schermo alla spalle, essendo il loro un progetto che ricalca nei particolari un periodo magico targato Genesis, e i dettagli ricercati non sono solo quelli musicali.

Era la seconda volta che li vedevo e penso che siano tra i migliori nel proporre una musica che, soprattutto dal punto di vista tecnico, presenta un alto tasso di difficoltà: l’audience ha gradito e cantato all’unisono le trame più conosciute… di più non si può volere!

Gli altri membri sono: Dario D'Amore - tastiere, chitarra acustica e voce - Renato Giacomelli - batteria e voce - Gianfranco Oliveri - chitarre, basso, bass pedal e voce - e Gianluca Oliveri alla chitarra.

Alla fine Giaffreda/Gabriel si ferma a chiacchierare sul palco, raccontandoci del suo recente passato come chitarrista de Il Biglietto per L’inferno, soffermandosi sulla complessità della proposta genesisiana.

Ancora un siparietto con Paola Tagliaferro, artista completa, in procinto di rilasciare il suo album “Fabulae” di cui parlerò a breve. La sua proposta si colloca decisamente all’interno del mondo prog, essendo costituita da estrema libertà espressiva, avanguardia, sperimentazione e spiritualità.

E arriva il momento del prog napoletano, anche se Sophya Baccini può considerarsi una cittadina genovese, per il legame artistico e affettivo che la lega alla città.

Difficile inquadrarla tra i suoi tanti progetti; quello che propone a Genova nell’occasione è il Sophya Baccini’s Aradia, che oltre a lei - cantante e tastierista - prevede la presenza di altre tre donne - Marilena Striano, Francesca Colaps, Isa Dido - e il chitarrista Peppe Gianfredi.

Propongono un set incentrato sul loro secondo album, “Big Red Dragon”, ma non mancano le “divagazioni”, come “Music” di John Miles, particolarmente adatta alla situazione.

Sophya è un talento naturale, sia dal punto creativo che espressivo, ma in questo progetto un pò anomalo - quattro donne sul palco sono inusuali - emerge il sound gruppale, e la proposta innovativa viene valutata positivamente dal pubblico, pronto a far sentire il calore di cui l’artista ha sempre bisogno.

Performance di rilievo… davvero bravi. Anche in questo caso alla fine dei brani la piccola sosta permette di scambiare quattro chiacchiere con Sophya, visibilmente soddisfatta.

In attesa dell’arrivo del quarto ensemble salgono sul palco Fabio Nicolazzo e Laura Menighetti, ovvero Una Stagione all’Inferno, che ha appena rilasciato l’album “Il mostro di Firenze”, pubblicizzato a dovere nell’occasione, quasi un obbligo trattandosi di un gruppo genovese dedito al prog.

Ultimo ospite Gianmaria Zanier, virtualmente conosciuto da tutti gli amanti del genere per il suo impegno in rete e in radio… uno di quelli da… ringraziare per il lavoro divulgativo quotidiano e instancabile!

A chiudere la kermesse gli Outside The Wall, ovvero il tributo genovese ai Pink Floyd.

Vediamo i loro nomi: Renato Pastorino (chitarre e voce), Mauro Vigo (batteria), Lorenzo Gazzano (tastiere), Fabio Cecchini (basso), Martin Grice (Sax) e Elisabetta Rondanina (voce).

Li avevo ascoltati pochi giorni fa nell’alessandrino, e anche in questa occasione ho trovato un sound vincente, aggettivo che significa fedeltà di proposta ed efficacia di un mix che si esalta attraverso la cura delle sfumature e la capacità chitarristica.

E’ bene sottolineare anche le doti canore della vocalist e il fatto che la band si avvalga di un musicista di lungo corso, quel Martin Grice di provenienza Delirium che diventa il valore aggiunto indiscutibile. A raccontarci sul palco qualcosa degli OTW è il drummer Mauro Vigo, impegnato in mille progetti rock.

Anche per loro grande successo e bis, non previsto dalla rigida scaletta.

Una giornata caldissima, toccata anche da un principio di nubifragio, tutti ingredienti che potevamo minarne il risultato.

E’ andato invece tutto bene, benissimo, e già si pensa alla prossima edizione!