Manfred Mannè
stato un gruppo musicale rock britannico attivo negli anni Sessanta nell'ambito
del fenomeno musicale della British invasion.
È conosciuto soprattutto per
alcune cover di particolare interesse, come quelle dei brani di Bob Dylan Just
Like a Woman, del 1966, incluso nell'album Blonde on Blonde, e Quinn
the Eskimo (Mighty Quinn), composto nell'anno successivo e inserito in The
Basement Tapes, che nella loro versione raggiunse i primi posti nelle hit
parade (segnatamente raggiunse il primo posto nelle Official Singles Chart il
14 febbraio 1968 rimanendovi per due settimane).
Presero il nome dal loro fondatore, il
tastierista di origine sudafricana Manfred Mann.
Band in origine conosciuta con il nome
di Mann-Hugg Blues Brothers, incise per diverse etichette discografiche:
HMV, EMI Records, Capitol Records, Fontana Records, Ascot e Mercury Records,
negli Stati Uniti.
Ospiti nel 1964 e nel 1965 del
Festival di Reading e Leeds, sono fra gli artisti che hanno partecipato allo
spettacolo televisivo Top of the Pops.
Dal gruppo originale sono derivate
negli anni Settanta altre band conosciute con nomi diversi: Manfred Mann
Chapter Three, Manfred Mann's Earth Band, The Blues Band, The Manfreds.
Hanno collaborato, fra gli altri, con la
cantante Carole King, con il chitarrista e compositore Trevor Rabin, con il
batterista Gavin Harrison e con gli Uriah Heep (il solo Manfred Mann, nel 1971,
per l'album Look at Yourself).
Questi i
musicisti che si sono alternati nella formazione dei Manfred Mann:
Manfred Mann - tastiere (1962-1969)
Mike Hugg - batteria, vibrafono,
tastiere (1962-1969)
Dave Richmond - basso elettrico
(1962-1964)
Mike Vickers - chitarra elettrica, sax
alto, flauto - (1962-1965)
Paul Jones - canto, armonica a bocca
(1962-1966)
Tom McGuinness - chitarra, basso
(1964-1969)
Jack Bruce - basso (1965-1966)
Klaus Voorman - basso (1966-1969)
Mike d'Abo - canto, tastiere
(1966-1969)
Glyn Thomas - batteria (nei Mann Hugg Blues Brothers 1960 - 1962)
Tony Smith - basso (nei Mann Hugg Blues Brothers 1960 - 1962)
Grazie a Beat-Club sono risalito aiThe Lords, una band rock tedesca,
formatasi a Berlino nel 1959.
È stato uno
dei gruppi beat più longevi della Germania, attivo nell'ultimo mezzo secolo.
Sono molto
conosciuti per la loro attività durante gli anni Sessanta e i primi anni Settanta
e sono noti per il loro approccio a volte umoristico e irriverente.
Tra il 1965 e
il 1969, i The Lords hanno avuto ben dodici brani nelle classifiche tedesche,
principalmente prodotti da Heinz Gietz.
Il loro più
grande successo fu il classico, "Gloryland", del settembre 1967, che
raggiunse il numero 5.
Il loro
ultimo successo fu "Three-Five-Zero-Zero" nell'agosto del 1969.
Nel 1989 i The
Lords potevano contare sulla pubblicazione di oltre trenta singoli, e
raggiunsero sette milioni di copie vendute, un vero record per una rock band
tedesca nel proprio paese.
Discografia
In
Black and White – In Beat and Sweet (1965)
Shakin'
All Over (1966)
Some
Folks by the Lords (1967)
Good
Side of June (1968)
Deutschlands
Beatband Nr. 1 Die Volksplatte (1968)
Ulleogamaxbe
(1969)
Shakin'
All Over '70 (1970)
Inside
Out (1971)
1964–1971
(1971)
Birthday
Album – 15 years (1974)
20
Jahre Lords (1979)
The
Lords '88 (1988)
Stormy
(1989)
The
Very Best (1992)
The
Original Singles – Collection/The A & B-Sides (1999)
Questo articolo rientra in un’ipotetica rubrica che potrebbe
avere come titolo… “Guida all’ascolto“, o “Alla scoperta
di...”,
momenti capaci di indirizzare gusti e acquisti dei giovani di un epoca lontana,
cercando di sfatare qualche luogo comune ribadendo che esiste musica che tocca
nel profondo del cuore, qualunque sia la provenienza.
Vivo il presente musicale, e la grande quantità di nuove musiche
che superano l’uscio di casa, anche contro la mia volontà, fa sì che io
resti abbastanza aggiornato, nondimeno sono convinto che esistano perle
musicali che, ancor oggi, risultano insuperabili, qualunque sia il loro
DNA.
Sono stato testimone, casualmente, della nascita e della crescita
di quella che col tempo avrebbe assunto il nome di Musica
Progressiva. Troppo complicato spiegare in poche righe quali
siano le linee guida di questo genere, in grande evidenza solo per pochi e
remoti anni, ma tutt’oggi molto amato, seppur da una nicchia di persone,
non necessariamente costituita da nostalgici.
Di certo si può affermare come il prog, sin dagli inizi, abbia utilizzato un
repertorio classico, grazie anche alla presenza di musicisti super
virtuosi. The Nice, e il prolungamento ELP (Emerson, Lake & Palmer)
furono maestri assoluti e archetipi del genere.
Ed è proprio su ELP che mi vorrei soffermare oggi, nella speranza che qualche
lettore di passaggio, non dentro all’argomento, possa trovare affascinante un brano, Trilogy, tratto dal loro
album omonimo, del 1972, traccia che normalmente innesca una reazione che
conduce al ricordo e al senso di tristezza, per la cupezza di atmosfera e
l’utilizzo particolare della voce (quella di Lake è una delle più belle che io
conosca).
Brano molto lungo – quasi 9 minuti – come è tipico del prog, con una seconda
parte a tratti strumentale che sfocia nel rock jazz e che potrebbe provocare,
quella sì, una crisi di rigetto nei neofiti, ma sarebbe buona cosa appropriarsi
almeno dei primi 3 minuti, cercando di cogliere l’attimo in cui parte
l’attacco vocale… momento magico!
Ho tradotto la lirica, con interpretazione personale, e la storia che ne deriva
è molto comune, ma rispecchia perfettamente il mood del brano.
“Ho provato a mettere a posto le cose, l’amore che è finito
molto tempo fa, e anche se abbiamo continuato a fingere il nostro amore sta
volgendo al termine. Non sprecare il tempo che hai, devi poter amare ancora.
Abbiamo cercato di nasconderlo, ma io e te sapevamo bene cosa stava accadendo.
Il pensiero di mentirti mi fa piangere, e penso al tempo che abbiamo passato
assieme. Ho inviato questa lettera nella speranza che possa raggiungere la tua
mano, e se accadrà spero che capirai che devo lasciarti in un istante, e se io
sorrido sai che il sorriso è lì solo per nascondere quello che mi sento davvero
nel profondo, e vedo in te solo un volto in cui posso appendere il mio
orgoglio. Arrivederci… Parleremo dei luoghi in cui siamo stati, e del il
tempo passato insieme, senza un soldo ma liberi. Ora vedrai il giorno in un
altro modo, e ti sveglierai con il sole che scende in basso e illumina il
luogo in cui giaci. Ti innamorerai ancora, anche se non so quando, ma
se accadrà lo saprò, e alla fine vedrò la tua felicità”.
Stadio Comunale,
Bologna, Firenze, 9-10 settembre 1979
“Ne ho abbastanza. E’
finita”. Sono le parole che Patti Smith, la sera del 10 settembre 1979,
pronuncia tornando in albergo dopo il concerto tenuto allo stadio di Firenze.
“Firenze fu il
nostro ultimo lavoro. Arrivammo e io battei le strade, alla ricerca degli
schiavi di Michelangelo. C’erano migliaia di ragazzi accampati nelle strette
vie del centro. Che cazzo stava succedendo? Passai davanti a un‘edicola e vidi
la mia faccia sulla copertina di ogni rivista. Seguita da orde di ragazze
urlanti in camicia e cravatta, cercai di raggiungere per vie secondarie l’hotel
Minerva. Mi rintanai là per ore, ingurgitando un espresso dopo l’altro. Il
nostro ultimo lavoro.In uno
stadio di calcio. Chilometri da Michelangelo.”
Patti Smithricorda bene quello
show italiano di fine estate ’79. Lo ricorda per la spropositata folla, 70000
persone (e 50000 il giorno prima al Comunale di Bologna), quando il pubblico
medio dei suoi show era di 5-10000 spettatori; lo ricorda per le roventi
polemiche e le passioni contrapposte; ma soprattutto lo ricorda perché fu
l’ultimo per molti anni, un ultimo walzer eccitato e tormentato, un addio alle
scene ritrattato solo nel 1988. Patty Smith era un nome popolare in Italia fin
dai giorni di “Horses”, ma le decine di migliaia di giovani convenuti a
Bologna e Firenze non era li solo per onorare una donna di musica. Erano li
piuttosto per testimoniare, con velleità e passione, la loro fede in un rock
taumaturgico, capace di interferire con la storia, la politica, i tempi nuovi.
Avevano impresso in mente la Patty Smith rivoluzionaria punk, la guerriera con
l’aureola di “vive l’anarchie”, e sbandarono nello scoprire che quel
personaggio che si erano dipinti non erra vero, forse non era mai esistito. La
Patti Smith che trovarono in carne e ossa parlava si di cambiamenti, ma
soprattutto spirituali, e se citava ancora l’adoratoRembaud, eRilke, eJean Genet,un posto lo riservava anche aPapa Luciani, l’effimero Papa
del sorriso, che aveva voluto nel suo ultimo disco(Wave)in foto e parole: “La musica è
riconciliazione con Dio”.
Il giorno prima del
concerto di Bologna Patty Smith lo trascorse a Venezia, ospite di Enzo Ungari e
della Mostra Internazionale del Cinema. Visitò la città in motoscafo, come una
turista, e la sera al Lido fece un’apparizione a sorpresa(in effetti non così
segreta) dopo la proiezione in anteprima del film "American Graffiti 2”.
Fu un happening abbastanza velleitario di un’ora circa, in duo, lei con il
clarinetto e Richard Sohl al pianoforte.
La fame di musica dei giovani degli anni ’70 è la stessa che
ha caratterizzato i periodi successivi, con una differenza fondamentale a vantaggio
delle nuove leve: la possibilità di comunicare e di informarsi in modo capillare.
I primi seventies portarono musica nuova dall’estero - britannica
e americana - e la contaminazione provocò una rivoluzione musicale nel nostro
paese che partì da chi era più vicino al “mestiere” - musicisti e operatori del
settore - e che avvolse i fan che avevano già abbandonato il mangiadischi dei
genitori - quello con Villa, Ranieri e Morandi - a favore del beat, e che stavano
per essere contagiati dalla musica progressiva e, subito dopo, dal fenomeno del
cantautorato.
I soli canali informativi, ai tempi in cui stava nascendo ARPANET (la rete di dialogo tra computer pensata per scopi
militari statunitensi durante la guerra fredda), sintetizzando, si potevano individuare nella
radio - “Per Voi Giovani” -, nella stampa cartacea - “Ciao 2001”
- e nella televisione, di cui mi appresto a fare accenno.
Esistevano poi i fortunati, quelli che avevano fratelli
maggiori e viaggianti che potevano riportare in patria le novità del momento: una nicchia fortunata!
La televisione dicevo: l’unica trasmissione di cui ho
memoria, a dire il vero pochissima, è “UNDER 20”.
Andò in onda nel momento in cui il giovane ascoltatore e
fruitore di concerti aveva imparato a conoscere il meglio del prog inglese, e
le band italiane dedite al rock avevano trovato il coraggio per imboccare una
nuova strada, simile a quella dei cugini d’Oltremanica.
Ho immagini sfuocate, ma mi è rimasta addosso l’emozione, l’attesa
spasmodica delle ore 19 - mi pare -, momento designato per vedere i miei miti, per
almeno un’ora - anche qui… mi pare.
Solo playback, sfacciato in alcuni casi, ma era importante
vedere ascoltare la musica proposta dai “capelloni” - era questa la
definizione preferita dai genitori!
Ho trovato un commento in rete di un mio probabile coetaneo,
che modifica la mia sensazione relativa all’orario!
“Bel programma
musicale che andò in onda nel 1973-74, il sabato alle 18.30 su Raidue per la
regia di Enzo Trapani, curata da Paolo Giaccio e con la voce fuori campo di
Raffaele Cascone. Fu un programma innovativo che portò in Tv i nuovi cantautori
e gruppi italiani oltre che filmati di musica straniera, però dovette
sottostare a dei compromessi, invitando anche personaggi della vecchia scuola e
per questo su Ciao 2001 ci fu una sorta di processo al programma a cui Paolo
Giaccio replicò.
Purtroppo, Paolo
Giaccio non può più ricordare con noi, potrebbe farlo però Raffaele Cascone,
e chissà che questo articolo non possa arrivare dalle sue parti e spingerlo a inviarci
qualche memoria interessante!
Intano godiamoci un’ampia
sintesi di quel programma che permette di scoprire alcuni dei protagonisti dell’epoca…
Un deposito ferroviario in disuso poteva
sembrare uno spazio insolito per ospitare la prima esibizione sul suolo
britannico dei due principali gruppi della scena Americana alternative (e non
solo). E’ vero però che nel 1968 l’ampio edificio circolare della Roundhouse aveva sostituito l’UFO quale
principale luogo di ritrovo degli Hippie londinesi. Date le notevoli dimensioni
dell’ambiente, oltre 10.000 appassionati poterono accorrere alle attese
esibizioni dei due gruppi, ma molti di più furono coloro che rimasero fuori dai
cancelli senza biglietto. All’appuntamento si presentarono anche le telecamere di
Granada TV, ansiose di immortalare l’inedito incontro con il rock acido della
West Coast, soprattutto, di vedere all’opera il cantante dei Doors, Jim Morrison.
La rivista Rave aveva definito Morrison una superstar (all’epoca il termine
non era ancora inflazionato) sulla spinta dei resoconti giornalistici d’oltreoceano
che lo definivano poeta e uomo di spettacolo originale e travolgente, autentico
sciamano pop che fondeva la sessualità con una debordante teatralità. Morrison,
che si autodefiniva “un politico erotico”,
appariva un miracoloso ibrido fra Elvis Presley e una divinità greca e le
esibizioni del gruppo, come spiegò il chitarrista Robbie Krieger, somigliavano a “esperienze religiose”.
Nel buio, seduti a gambe incrociate in
mezzo al pubblico, c’erano Paul
McCartney, Arthur Brown e i Traffic. Di fronte a loro un Jim
Morrison vestito di cuoio crollò a terra dopo un balzo, emise urla da far
gelare il sangue e poi rincuorò la platea con la lettura sussurrata di un
sonetto. Ogni parola, ogni movimento sembravano carichi di significati.
“Jim
Morrison vive nell’esagerazione”, scrisse entusiasta Mike Grant su Rave. “Il passo incerto e quasi strascicato, la strana indolenza, l’espressione
imbronciata, gli occhi semichiusi rivolti verso l’alto, la recitazione
ampollosa ma nitida”.
Anche la folla ebbe un ruolo importante. “Uno dei migliori pubblici che ci siano mai
capitati”, disse Morrison a Grant dopo gli spettacoli. “Sembravano tutti così sereni… questo ci ha
aiutato ad esprimerci al meglio”.
Facendo uso di ermetismo estremo,
ovvero dando un giudizio di un album musicale utilizzando una sola parola, voglio
oggi ricorrere alla lingua inglese che viene in mio soccorso con l’esclamazione
positiva “amazing”, un termine che riporta allo stupore al cospetto di una
bellezza assoluta, estetica e di contenuti.
La prima riporta al termine
“esordio”, che potrebbe far pensare ad un musicista in erba, magari talentuoso,
ma dal curriculum working in progress.
Tanto per fugare ogni dubbio,
consiglio di cliccare sul link a seguire per avere un’idea del percorso di
Pavone, con cui entrai in contatto circa otto anni fa, quando era parte dei Greenwall,
che all’epoca erano al quattordicesimo anno di vita e proponevano un mix
creativo a base di rock progressive.
La seconda riflessione che nasce
spontanea mi porterebbe ad allargare il perimetro di pensiero sino alla
divagazione personale estrema, ma provo a gettare pillole e frammenti che si
trasformano nel paradigma della mia attuale idea del periodo musicale che
stiamo vivendo.
Non vedo musica di qualità che mi
gira intorno in modo naturale, e se la vado a cercare negli anfratti del
panorama attuale, nei luoghi più reconditi, il risultato non cambia. Nondimeno
riconosco che la mia musica di riferimento, quella con cui sono cresciuto negli
anni ’70 e che ancora mi emoziona, non sia di possibile comprensione immediata
per i giovani d’oggi, e la fruizione non può quindi essere rivolta che ad una
nicchia di appassionati.
Per mettere tutti d’accordo
servirebbe una musica universale, trasversale, capace di toccare l’anima di chi
l’ascolta, a patto che non esistano pregiudizi e la presenza di onestà
intellettuale accompagnata da sensibilità e virtuosismo personale.
Ecco, “Canzoni in Verticale” rappresenta
in questo senso la perfezione, contenitore entro il quale troviamo profondità
di liriche, musiche prive di un riferimento certo capace di etichettarle,
arrangiamenti vincenti, melodie caratterizzanti, miscela di differenti sonorità
che fuggono dalla definizione di genere, una sorta di cantautorato di pregio
che sposa ogni tipo di musica colta e popolare, ma mai snob.
Andrea Pavoni è autore in toto di
musica e testi, tranne in un caso (“Sabato Sera”, coautore del testo
Sergio Migliorati) mentre appare determinante la collaborazione - e
coproduzione - con Phil Mer, batterista e compagno di viaggio da molto
tempo.
Sono diciassette le tracce proposte, suddivise
idealmente in un “Volume I” e “Volume II”, ed è bello immaginare
la ripartizione sulle due facciate di un vinile.
Per ogni traccia cantata esiste una
differente proposizione vocale(eccezion fatta per il brano “Stella Stellina” cantato
dall’autore), con l’obiettivo di abbinare le particolarità timbriche al tema
della canzone proposta.
“Canzoni in Verticale” appare
anche la chiusura di un cerchio e il probabile inizio di un nuovo corso.
Dice l’autore: “Il disco nasce da
un percorso molto lungo, dalla rielaborazione di alcuni brani e temi composti
negli anni, ai quali ho dato vita portandoli dal passato al presente,
rielaborandoli, aggiornandoli, in parte ricreandoli.
In questo percorso ho avuto l'onore e
la fortuna di essere insieme a grandissimi personaggi del panorama musicale
italiano, primo fra tutti Phil Mer, che mi ha accompagnato in questo percorso
sia come musicista, ma anche e soprattutto nella Produzione Artistica, e poi
tantissimi altri musicisti eccezionali, che mi hanno aiutato a vestire al
meglio le mie idee”.
Le origini del titolo? Pavoni ci
viene ancora in aiuto: “Rappresenta al meglio l’estetica di un lavoro curato
nei minimi dettagli, l’uno sull’altro”.
Andrea Pavoni si ritaglia quindi un
nuovo ruolo, quello di pianista/autore/ cantautore, superando - ma non
rinnegando nei fatti - l’esperienza in ambito prog, mettendo al centro
l’importanza del messaggio e realizzando un blog dinamico, cartoline che
immortalano le esperienze quotidiane, fatte di vita vissuta, tra dolori, serenità
e prodotti di relazioni umane.
Proverò ora a commentare il disco
brano per brano, anticipando che la track list a fine articolo permette,
attraverso un click, di ascoltare la traccia e leggere il testo.
Apre il disco “La discussione”
e il primo vocalist è Big Tia.
Un rapporto di coppia, un pensiero
che sa di incomprensione, di solitudine, di insoddisfazione, un manifesto
dell’incomunicabilità nonostante l’assidua presenza, un amore che può essere
Paradiso, ma a volte prigione.
Un pianoforte e la giusta melodia
possono alleviare lo spiacevole stato di spleen.
Tu ora dormi, forse sognerai,
forse al tuo risveglio mi vorresti
cancellare,
ed io suono pensandoci, chissà tra
queste ore
se ti sarà passata la tua voglia di
capire.
Quadretto sonoro magnifico, con una
vocalità che si sposa perfettamente al testo, un’atmosfera vagamente
settantiana che prende il volo nei due minuti strumentali finali che riportano
al proto prog dei Procol Harum.
Segue “Parole dal mare”,
con l’intervento vocale di Oliviero Malaspina.
Nel caso tu ti accorgessi di me,
sapresti che io non ero lì a difendere, non ero lì a disgregare gli attimi
della tua vita, non ero lì, non cercarmi, troveresti un guscio vuoto.
Un senso di drammaticità pervade la
canzone, le parole - cantate e parlate - seguono l’andamento delle onde, mentre
il movimento delle acque riporta in superficie ricordi e disagio.
Un esempio di come musica, arrangiamenti
e interpretazione potrebbero evocare gli stessi sentimenti anche se non
accompagnati da una lirica.
Con “Il campo di battaglia”
entra in gioco Massimo Leoni.
Com’è triste stare
in questo campo di battaglia
desolato,
dove ci sono milioni di persone
che aspettano la guerra e non ce
l’hanno,
e gli occhi di piccoli bambini
aspettano sgranati
di incontrare un giorno o l’altro
quello dei padri.
Il tema della guerra è sempre
presente, purtroppo, nelle nostre vite, ma il periodo contingente avrà
sicuramente condizionato e toccato l’autore.
Angolo di estrema qualità, una sorta
di duetto tra racconto e pianoforte, con l’evoluzione finale di ampio respiro,
un’orchestrazione che regala sapore aulico e tocca la sensibilità personale.
“Interludio #1” è la traccia
più corta (meno di due minuti) e rappresenta il primo strumentale dell’album.
Un po’ di virtuosismo e di avanguardia,
senza sfociare nel narcisismo ma mettendo il tutto al servizio della
concettualità dell’album che, seppur non dichiarata, appare evidente, almeno
nella forma compositiva.
Quadretto godibile senza molti
commenti.
La prima voce femminile è quella di Loredana
Maiuri, al servizio del pezzo “Se Non Dovessi Tornare”.
Se questa notte non dovessi tornare
coglierò da solo fiori sulla strada,
e pregherò che m’inghiotta il vento…
Ci sono molto modi per raccontare una
separazione, magari inaspettata, ma la forza evocativa che fuoriesce da questa
creazione mette in ombra il tradizionale modo di proporre l’argomento, perché il
racconto diventa poesia, la realtà si mischia all’onirico, e quando alla fine
si lascia spazio alla sola musica resta un’amarezza che, a ben vedere, tutti
hanno provato.
“Buongiorno! (La Notte E La
Collina)” è uno strumentale di quasi cinque minuti.
Ampio respiro e band in evidenza (a
seguire elenco tutti i protagonisti) per la descrizione paesaggistica in un
particolare momento del giorno con la delineazione dell’ambiente circostante:
musica globale, contaminata, carica di elementi “popular” che pescano nella
tradizione e nella cultura specifica in cui l’autore ha da sempre navigato.
Con “La Casa Al Sole”
ritornano due vocalist già ascoltati, Leoni e Maiuri, che assumo
due ruoli distinti e dialogano…
Mi piaceva parlare con te in
pomeriggi calmi,
e sognare caldi anni fatti per
diventare più grandi.
E ho dipinto le mura in vernice
arancione...
Ma perché sono grigie?
Ambiente descritto in un modus
bucolico, ma la tristezza di contenuto non ci abbandona, perché è questa la
vita, raccontata attraverso una sorta di cantilena di stampo quasi orientale,
mentre il percorso scorre rapidamente e ricordare i momenti salienti non
provoca quasi mai un sorriso.
Joe Balluzzo canta in “Un tuo ritratto”.
Troppi film e poi troppi progetti
per poterli realizzare,
ma quante volte vorresti vivere?
Utilizzo le parole di Pavone per una
descrizione efficace: “Rappresenta un tentativo di applicare alla musica i
procedimenti tipici della pittura, descrivendo una persona attraverso una
canzone, con musica e parole…”.
Impossibile rimanere indifferenti nel
corso dell’ascolto e le parole di Pavone ci aiutano ad entrare in piena
sintonia con la sua creazione, facendo nascere l’idea del pennello sonoro che
si muove in modo autonomo e dipinge su di una tela immaginaria sentimenti
impalpabili ed elementi materiali. Magnifico!
“Stella Stellina” è
l’unica traccia in cui ascoltiamo la voce di Pavone.
Stella stellina, prima mia sola
amica,
dimmi se poi
ci sarà un'altra vita…
scenderà mai la notte?
Splenderai sempre tu
tra persone sconfitte?
Un sentimento mai sbocciato
completamente? Una storia d’amicizia e d’amore mai completata?
Struggente nel cantato,
nell’arrangiamento, nel finale solo musicale, qualche lacrimuccia può cadere, e
non c’è da vergognarsi!
A terminare il “Volume I”
troviamo un altro strumentale, “L’Ascensione di Cristo”.
Altro pezzo di bravura che mette in
risalto le doti compositive e strumentistiche dell’autore; da ascoltare ad
occhi chiusi, immaginando l'ultimo episodio della presenza materiale di Gesù.
Una sorta di necessità di
trascendenza a completamento di racconti ed episodi molto… terreni e comuni.
Il “Volume II” si apre con “Il Castello Di Sabbia”, suddiviso in due parti, con la compartecipazione
di un altro duetto vocale, quello tra Big Tia e Loredana Maiuri.
L’acqua scorre sulle mani ed il mio
castello ancora
si erge solo sulla prora della
spiaggia abbandonata,
non so più se tu ci sei, io non vedo,
credo,
mentre io non posso immaginare
che il castello regga sempre…
Un fluire corposo di immagini, il
mare in sottofondo, utile a raccontare storie del passato, evidenziando
sentimenti basici e fondamentali.
Le percussioni disegnano situazioni
folk dal profumo mediterraneo, mentre la proposta vocale esce dalla metrica
tradizionale e inventa cambi di rotta che si evolvono a spirale - in verticale!
- in un crescendo quasi distopico e molto scenico.
“Con “Sonia non esiste”
riprende il timone della voce Massimo Leoni.
Sonia non esiste, è frutto della mia
fantasia
quando vola nel cielo, varca le
nuvole,
si posa sul mare…
Una ballata triste, una voce, un
pianoforte e una fisarmonica ci portano indietro nel tempo, magari in un bar
fumoso del passato, mentre qualcuno balla e nascono amori e storie da lasciare
per i posteri.
È bello sognare ad occhi aperti,
tutto ci è concesso e anche la perfezione diventa un elemento a portata di
mano, modellato tirando le leve della fantasia, salvo poi realizzare che non c’è
nulla di reale, avendo la certezza che un nuovo sogno è sempre lì, a portata di
mano…
Ancora Joe Balluzzosi
rende driver vocale di “La Tua e La Mia Vita” …
Ieri per la prima volta ti ho vista,
dopo settimane di silenzi
e all’inizio non riuscivo a guardarti
negli occhi,
e forse vuoi troppo dalla vita,
e nei tuoi silenzi, e nelle parole
calme
covi la voglia di una vita diversa…
Due vite apparentemente vicine ma
distanti mille miglia, perché l’incomprensione e l’incomunicabilità realizzano enormi
distanze, anche se è solo un pianerottolo il simbolo della divisione.
Brano acustico e intimistico,
caratterizzato dall’arpeggio di chitarra, un altro elemento di riflessione che
potrebbe trovare facile rotazione radiofonica… in un mondo normale!
La voce di Big Tia introduce “Sabato
Sera” …
Sabato a casa, a non pensare…
Sento una voglia di respirare,
Sabato a casa… devo scappare.
Brano più “leggero”, quasi
divertente, nonostante un topic davvero serioso.
Samba e jazz per raccontare il giorno
più bello della settimana in modo ironico.
“Mai Viene La Notte” coincide con il ritorno di Loredana
Maiuri.
Mai viene la notte,
inutile illusione,
velo non si tesse mai sul mondo,
e sulla pace, e sulla guerra,
ed
aspettare è inutile…
Non esiste una fine per i dolori e le
disavventure che la vita ci prospetta, è un’illusione pensare che, prima o poi,
arriverà una notte che farà calare il sipario su ciò che mai avremmo pensato di
dover vivere.
Una pillola dominata dall’interpretazione
della vocalist, un rincorrersi tra voce, piano e archi… un sogno!
E si termina con due tessere strumentali.
La prima è “Music For Piano & Cello #1”.
Bellezza infinita per questo
abbinamento strumentale che va vissuto senza fiatare, lasciandosi andare
alimentando voli pindarici sconfinati. Un bene per l’anima!
Si chiude con quella che è definita
“bonus track”, ovvero la title track “Canzoni in Verticale”.
Riemerge l’amore per il prog, che
permette alla traccia di diventare il paradigma, l’estrema sintesi di un disco
meraviglioso. Sonorità floydiane, tempi composti, melodia mediterranea.
Non posso aggiungere altro se non
consigliare l’ascolto che, come già evidenziato, può avvenire anche qui,
cliccando sul singolo brano.
Complimenti ad Andrea Pavoni e a tutti i musicisti che hanno contribuito alla riuscita di un album unico, che sicuramente potrà mettere d’accordo i palati più fini.
Voce su “Stella Stellina”, pianoforte
aggiunto su “L’Ascensione di Cristo”, Effetti, Rumori vari
PHIL MER
Batteria, Percussioni, Produzione
Artistica
ANDREA LOMBARDINI
Bassi
ALBERTO MILANI
Chitarre
OLIVIERO MALASPINA, MASSIMO LEONI, JOE BALLUZZO, LOREDANA
MAIURI, BIG TIA
Voci principali e Cori
ALESSANDRO TOMEI - sassofoni, solo su “Sabato Sera”
MARC PAPEGHIN – corni, trombe, solo su
“Buongiorno!”
PIETRO GIURA LONGO, CORRADO VECCHI,
MINO CURIANO’ –
trombe
ANDREA CAVALLO - pianoforte su “L’Ascensione di
Cristo” e “Music for Piano & Cello #1”
ALFREDO DE DONNO – pianoforte aggiunto su
“L’Ascensione di Cristo”
REBECCA RAIMONDI – violini
MARIO GENTILI, GIUSEPPE TORTORA
(LAYER BOWS) -
violini, viole, violoncelli
MICAELA GALAMINI - oboe
GIULIO COSTANTINO – corno inglese
WILLIAM PERSICHILLI - flauto
GIULIA STENTI, LORENA COSSU – cori
TOBIA LELI è il bambino recitante su “Stella
Stellina”
Registrato a Roma, “La Miniera”
recording studio e Music Village Institute, da Andrea Pavoni e Gianluca
Siscaro, e a Milano “Studio Q” da Antonio Nappo.
Mixed and Mastered a Roma, Music
Village, da Gianluca Siscaro.
