Ultima lezione dell’anno alla UniSavona quella del 18 dicembre: argomento del
giorno sono gli Emerson, Lake & Palmer.
È stata forse questa la prima giornata in cui l’ascolto e la
narrazione hanno trovato un punto di equilibrio, anche se il tempo disponibile
risulta sempre ristretto rispetto ad argomenti che richiederebbero lunghi
approfondimenti.
Prima dello start, si è proposto il brano "Trilogy" come esempio di "perfezione", con la proposizione, anche, di una versione coverizzata di estrema qualità, quella del Jad & Den Quintet.
Si parte dagli esordi e si arriva rapidamente alla formazione
del “supergruppo”, avvenuta nel ’70, con la presentazione delle copertine di
vinili storici, tutti pubblicati in un ristretto spazio temporale, sottolineando l’esordio
in grande stile al Festival di Wight.
Il mio ricordo personale ha riportato al concerto genovese
del 15 giugno 1972…
… e subito dopo Fabrizio ha sintetizzato la loro
storia, intercalata da spezzoni video focalizzati sul periodo analizzato e su
album specifici.
Tra le tante clip ha trovato spazio anche quella di "The Only Way", di Paola Tagliaferro e la Compagnia dell'ES.
A seguire, Renata ha decodificato una delle copertine
iconiche della produzione di ELP, tra le più riuscite all’interno del panorama prog
dell’epoca, “Brain Salad Surgery”.
Nel tempo rimasto si è accennato alla storia
personale di Keith Emerson, Greg Lake e Carl Palmer, un percorso glorioso, per
Keith e Greg terminato nel 2016.
Una lezione che si svolge il 18 dicembre non poteva che
finire con un tema natalizio, e dopo la lettura del testo da parte di Franca,
è stato dato lo start a “I Believe In Father Christmas”, un
invito alla riflessione in un mondo che non appare cambiato dai giorni in cui
il testo fu scritto da Lake.
Ecco uno stralcio di quanto accaduto nella Sala Stella Maris
di Savona…
Metà del corso è alle spalle, ma ci aspettano ancora tante
sorprese, e al “rientro a scuola” troveremo i Genesis… non male come
inizio d’anno!
Il nuovo video live di David Gilmour
per The Piper's Call è stato registrato durante le esibizioni a Brighton, Roma,
Londra, Los Angeles e New York
David Gilmourha condiviso un nuovo video di The Piper's Call,
pubblicato anche in formato digitale come The Piper's Call Live Around The
World.
Il brano è stato il primo singolo estratto dall'album numero
uno di Gilmour, Luck And Strange, ed è stato registrato al Brighton
Centre, al Circo Massimo di Roma, alla Royal Albert Hall di Londra, all'Intuit
Dome di Los Angeles e al Madison Square Garden di New York, e montato insieme
da Gilmour, Charlie Andrew e Matt Glasbey per formare un unico brano omogeneo.
"Nel tour Luck And Strange, ho suonato con la
migliore band che abbia mai avuto", afferma Gilmour. "Le loro
personalità, le loro capacità di suonare e l'entusiasmo per la mia nuova musica
hanno reso l'esperienza favolosa per Polly e me. La voce di Romany spicca
davvero e ha un carattere tutto suo, porta un senso di malizia e divertimento
all'esibizione dal vivo di cui penso avessimo bisogno. Grazie a tutti coloro
che hanno assistito agli spettacoli in Europa e America e grazie per aver
acquistato Luck And Strange. Spero che abbiate trovato nella musica tanto
divertimento quanto noi mentre la eseguivamo".
Il tour Luck And Strange è iniziato con due spettacoli di
riscaldamento sold-out al Brighton Centre prima di spostarsi al Circo Massimo
di Roma per sei serate sold-out, seguite dalle stesse serate alla Royal Albert
Hall di Londra prima di spostarsi negli Stati Uniti per serate sold-out
all'Intuit Dome e all'Hollywood Bowl di Los Angeles prima di concludersi con
cinque serate sold-out al Madison Square Garden di New York.
Non furono molte - accade ancora oggi - le band completamente al
femminile, per cui vale la pena segnalare ciò che esiste… ciò che è esistito. Il pensiero si ferma oggi sui Beatles al femminile: stesso periodo, stessa città
di provenienza ed esperienze tedesche molto simili.
The Liverbirdsfu un
gruppo rock inglese di Liverpool, attivo tra il 1963 e il 1968.
Era composto dalla cantante e chitarrista Valerie Gell, dalla
chitarrista e cantante Pamela Birch, dalla bassista e cantante Mary
McGlory e dalla batterista Sylvia Saunders.
È stata una delle poche band femminili della scena Merseybeat, nonché
una delle prime band rock and roll al mondo.
Il loro nome deriva da “Liver Bird”, uccello mitico, mezzo cormorano e
metà aquila, simbolo della città di Liverpool da cui provenivano.
Gell, Saunders e McGlory formarono la band nel 1963 insieme alla
chitarrista Sheila McGlory (sorella di Mary) e alla cantante Irene Green - che
se ne andarono rapidamente per unirsi ad altre band e furono sostituite dalla Birch -, e nella loro storia ottennero un maggior successo commerciale in
Germania piuttosto che nella loro Gran Bretagna.
All'inizio della carriera seguirono le orme dei Beatles e si
diressero ad Amburgo, dove si esibirono allo Star-Club, e dopo il passaggio dei
Beatles furono bollate come "i Beatles femminili".
John Lennon non fu tenero con loro e disse causticamente che le
"ragazze" non erano in grado di suonare la chitarra.
JOHN
LENNON DISSE A PROPOSITO DEI THE LIVERBIRDS:
"LE RAGAZZE NON SANNO SUONARE
LA CHITARRA!"
Indipendentemente da ciò, le The Liverbirds divennero una delle
principali attrazioni dello Star-Club, e pubblicarono due album e diversi
singoli per la loro etichetta. Uno di questi brani, una cover di Bo Diddley, “Diddley
Daddy', raggiunse la quinta posizione nelle classifiche tedesche.
Il gruppo si sciolse
nel 1968, subito dopo aver terminato un tour in Giappone (si registra una breve
riunione nel 1998).
Tre dei membri della band si stabilirono definitivamente in Germania. La
Saunders si trasferì in Spagna, sistemandosi ad Alicante con suo marito John e
ora vive a Glasgow, dopo la morte del consorte. McGlory gestisce una società
con sede ad Amburgo che ha fondato con suo marito, il cantautore tedesco Frank
Dostal (morto nell'aprile 2017), che è stato uno degli ex colleghi della band
allo Star-Club e in seguito vicepresidente dell'organizzazione tedesca per i
diritti di esecuzione GEMA. Anche la Birch si stabilì ad Amburgo e lavorò per
molti anni nei club della città. Morì il 27 ottobre 2009, all'età di 65
anni. Gell visse per molto tempo a Monaco di Baviera, ma in seguito tornò ad
Amburgo, dove si spense l'11 dicembre 2016, all'età di 71 anni.
Saunders e McGlory, i due membri sopravvissuti della band, pubblicarono un'autobiografia The Liverbirds: Our life in Britain's first female rock 'n' roll band nel 2024
Una bella storia di musica e gioventù, forse terminata troppo presto…
I Liverbirds feat. Lisa Troyer e Dawn
Yoder eseguono la loro nuova canzone natalizia "Joy To The World" al
NDR Talk Show il 6 dicembre 2024
Album:
Star-Club Show 4 (1965)
More of the Liverbirds (1966)
Singoli:
"Shop Around" (1964)
"Diddley Daddy" (1965)
"Peanut Butter" (1965)
"Loop de Loop" (1966)
Compilation:
From Merseyside to Hamburg - The Complete Star-Club
Recordings
Disponibile il nuovo EP Fairytale Of
New York di cinque tracce di
Les Penning e Robert Reed
Il Natale non sarebbe Natale senza una nuova proposta
stagionale di Les Penning e Robert Reed, e la coppia ha appena condiviso il
video del singolo di quest'anno, la loro interpretazione del classico Fairytale Of New Yorkdei
Pogues.
Inutile dire che il musicista di Magenta e Sanctuary,
nonché ex collaboratore di Mike Oldfield ha dato un tocco progressive al brano,
che ha raggiunto il secondo posto nella classifica dei singoli del Regno Unito
nel 1987 e che più di recente ha raggiunto il quarto posto nel 2018, 2019,
2020, 2021 e 2023!
Il brano è presente in un nuovo EP di cinque tracce di
Penning e Reed che contiene anche quattro nuove registrazioni, tra cui due
canti natalizi, The Little Drummer BoyeDing Dong, Merrily
On High, un nuovo brano della coppia, The Long Road To Glastonbury e
un remix della traccia che dà il titolo all'album.
"Quando Robert mi ha proposto per la prima volta di
fare Fairytale of New York, l'ho rifiutata immediatamente", dice
Penning. "È una canzone meravigliosa e unica, tanto che non riuscivo a
capire come avremmo potuto farla funzionare. Pensavo che il suo fascino fosse
dovuto interamente alle voci di Shane MacGowan e Kirsty MacColl, ma quando ho
ascoltato la demo di Robert, era ovvio che anche la musica in sé era fantastica
e, unita alle meraviglie dell'arrangiamento di Robert, sarebbe stata
sicuramente divertente da fare.
"Ho incontrato per la prima volta The Little Drummer
Boy registrato dalle Beverley Sisters nel 1959. Mia madre aveva la Decca 78 con
etichetta blu, quindi non potevo fare a meno di ascoltarla, ancora e ancora!
C'era qualcosa nella canzone stessa che aveva una sorta di insistenza
implacabile, non solo una bella melodia, ma un messaggio che era determinato a
essere ascoltato. Immagino di non averci pensato molto da allora, non fino alla
versione di Robert. Quella stessa insistenza che ho notato tutti quegli anni fa
è lì in questo arrangiamento bizzarro, ma notevolmente amplificata. Quel
messaggio, ovviamente, riguarda il dare. Il piccolo tamburino era determinato a
dare il dono più prezioso che possedeva; non oro o beni terreni, ma l'unica
cosa che sapeva fare meglio di qualsiasi altra cosa: avrebbe suonato il suo
tamburo, per il meraviglioso bambino."
"Ogni anno, in questo periodo, ci preoccupiamo sempre
di cercare un brano classico che funzioni in un arrangiamento che si adatti al
nostro stile", aggiunge Reed. " Fairytale In New York non era
un brano scontato, in quanto è noto per il suo incredibile contenuto lirico, ma
per me c'è anche una fantastica melodia musicale.Ero anche molto
consapevole di quanto fosse noto il brano in quel formato, ma non appena ho
fatto un arrangiamento demo, ho capito che avrebbe funzionato. Les mi inviava
le sue parti e sapevo che avevamo una versione fantastica, e potevo rilassarmi
per un altro anno".
Non resta che ascoltare "Fairytale Of New York"...
"Genesis: 1975 to 2025 - The Phil
Collins Years" sarà pubblicato da Kingmaker il 17 aprile
L'acclamata biografia di Mario
Giamettisui Genesis dell'era Phil Collins è stata aggiornata e
la nuova edizione, intitolata Genesis: 1975 to
2025 - The Phil Collins Years, sarà pubblicata da Kingmaker il 17
aprile.
Pubblicato originariamente nel 2021 con il titolo Genesis:
1975 to 2021 - The Phil Collins Years, il libro è fuori stampa dal 2022. La
nuova versione include uno sguardo dettagliato al tour d'addio della band The
Last Domino? del 2021 e 2022, oltre a parlare della scomparsa dell'ex
compagno di scuola della band e in seguito tour manager, Richard Macphail
e dell'imminente ristampa di The Lamb Lies Down On Broadway.
Il libro copre anche l'era di Calling All Stations,
quando Collins lasciò la band e fu sostituito dall'ex cantante degli Stiltskin Ray
Wilson nel 1997
Genesis: 1975 to 2025 - The Phil Collins Years è il seguito dell'altrettanto
popolare Genesis: 1967 to 1975 - The Peter Gabriel Years di Giammetti,
pubblicato anch'esso da Kingmaker e ancora disponibile.
Il frontman dei Killing JokeJaz Colemanè un
uomo dalle mille risorse: cantante, autore, documentarista, compositore,
direttore d'orchestra, arrangiatore. La sua ultima avventura lo vede impegnato
con un'orchestra svizzera nel suo arrangiamento di The Dark Side Of The
Moon dei Pink Floyd.
"Sono incredibilmente emozionato per l'esecuzione di
Dark Side Of The Moon il 26 febbraio 2025 da parte dell'Orchestre de la Suisse
Romande", afferma Coleman. "Come molti sanno, Ginevra è una
città da Killing Joke (abbiamo scritto Eighties e gran parte di Night Time lì).
"Quando ho composto Us And Them dei Pink Floyd nel
1994, era 70% Dark Side e 30% The Wall. Per questa speciale occasione,
presenterò l'intero Dark Side Of The Moon. Sono grato all'OSR e all'Antigel
Festival per aver organizzato questo concerto il giorno in cui è iniziato
Killing Joke, che per puro caso è il mio 65° compleanno!"
Non è la prima volta che Coleman lavora con l'Orchestre de
la Suisse Romande, fondata nel 1918 e con sede alla Victoria Hall di Ginevra,
in Svizzera. Un anno fa ha collaborato a una serata di orchestrazioni dei Led
Zeppelin all'Antigel Festival.
I Jethro Tull fanno parte della colonna sonora della
mia vita, ma quando arrivai a loro, da adolescente, Mick
Abrahamsera già fuoriuscito dal
gruppo e di fatto partecipò solamente al primo album, “This Was"
Grazie a questo è rimasto nella storia!
Sintetizziamo il suo percorso musicale, quello di uno dei
migliori - e sottovalutati - chitarristi blues della sua generazione, con uno
stile potente e influenzato da grandi del genere.
Il suo stile chitarristico ha a sua volta influenzato molti
musicisti successivi e il suo contributo per Jethro Tull è stato fondamentale
per definire il sound iniziale della band, quell’immagine che, però, andava
stretta a Ian Anderson, che aveva una visione prospettica in progressione verso
nuovi lidi sonori.
Dopo aver lasciato i Jethro Tull, nel 1968, Mick fondò la
band Blodwyn Pig, che ha prodotto un sound blues-rock progressivo in cui il
chitarrista si sentiva a proprio agio.
Con i Blodwyn Pig, per alcuni anni, ha ottenuto visibilità, pubblicando
due album, "Ahead Rings Out" e "Getting To This" ma, a seguito
di una mediocre accoglienza, Abrahams decise di lasciare il mondo
della musica per dedicarsi in pieno al suo lavoro di venditore di automobili,
salvo poi ritornare sui suoi passi nel 1987, quando ricominciò a registrare sia
come solista sia con i vecchi membri dei Blodwyn Pig.
A fine anni Novanta Abrahams formò una nuova band chiamata
This Was, proprio come l'album d'esordio dei Jethro Tull, nella quale figurano
alcuni dei vecchi membri del gruppo - escluso ovviamente Ian Anderson - e con
cui si esibì con le canzoni di quell'album.
Ma torniamo all’abbandono dai Jethro Tull nel 1968 e pensiamo
all’impatto significativo sul sound e sulla direzione musicale della band dopo
l’entrata di Martin Barre, cercando di comparare i due stili.
Con Abrahams alla chitarra, i Jethro Tull avevano un sound
fortemente radicato nel blues rock, caratterizzato da riff potenti e
un'atmosfera più grezza. La chitarra di Abrahams era al centro dell'attenzione,
definendo il suono della band, forse più del flauto di Anderson.
Dopo la sua partenza arrivò Barre, un chitarrista con uno
stile più melodico e versatile, e ciò permise una evoluzione verso quello che,
successivamente, verrà definito il progressive rock.
Con Barre, i Jethro Tull iniziarono a sperimentare sonorità
più complesse, integrando elementi di folk, jazz e musica classica. Il flauto
di Ian Anderson assunse il ruolo di protagonista, creando un sound unico e
distintivo, e la musica divenne più varia e articolata, con
brani che spaziavano dalle ballate acustiche a pezzi rock più complessi.
Abrahams era al contrario un chitarrista blues di razza, e il
suo suono era caldo e graffiante, con un vibrato
pronunciato e un uso frequente del bending. I suoi riff erano spesso semplici
ma efficaci, con un buon impatto emotivo. La sua musica era certamente ricca di feeling e
di passione, trasudando un'autentica passione per il blues, con assoli spesso
lunghi e improvvisati.
Martin Barre era un chitarrista molto più versatile di
Abrahams, in grado di adattarsi a diversi stili musicali. Oltre al blues, seppe
incorporare elementi di rock, folk e musica classica nel suo suono, maestro nell'intrecciare le sue linee melodiche
con quelle degli altri strumenti, creando armonie complesse e affascinanti, e la
sua chitarra aveva un ruolo più integrato nella musica dei Jethro Tull, spesso
dialogando con il flauto di Ian Anderson e con gli altri strumenti.
Poco importante stabilire primati e vincitori, entrambi hanno
marchiato il sound dei JT ed entrambi resteranno nella storia del rock!
Ascoltiamo qualcosa che riguarda l’Abrahams post Jethro Tull…
Jethro Tull is
part of the soundtrack of my life, but when I got to them, as a teenager, Mick Abrahams had already left the group and in
fact only participated in the first album, "This Was"
Thanks to this, it has remained in history!
Let's summarize his musical career, that of one of the best -
and underrated - blues guitarists of his generation, with a powerful style
influenced by greats of the genre.
His guitar style has in turn influenced many subsequent
musicians and his contribution to Jethro Tull was fundamental in defining the
initial sound of the band, that image that, however, was tight to Ian Anderson,
who had a perspective vision in progression towards new sonic shores.
After leaving Jethro Tull in 1968, Mick founded the band Blodwyn
Pig, which produced a progressive blues-rock sound that the guitarist felt
comfortable in.
With Blodwyn Pig, for a few years, he gained visibility,
releasing two albums, "Ahead Rings Out" and "Getting
To This" but, following a mediocre reception, Abrahams decided to
leave the music world to devote himself fully to his work as a car salesman,
only to retrace his steps in 1987, when he began recording again both as a solo
artist and with the old members of Blodwyn Pig.
In the late nineties Abrahams formed a new band called This
Was, just like Jethro Tull's debut album, which featured some of the old
members of the group - excluding Ian Anderson of course - and with whom he
performed the songs from that album.
But let's go back to the departure from Jethro Tull in 1968
and think about the significant impact on the sound and musical direction of
the band after the entry of Martin Barre, trying to compare the two styles.
With Abrahams on guitar, Jethro Tull had a sound strongly
rooted in blues rock, characterized by powerful riffs and a more raw
atmosphere. Abrahams' guitar was the center of attention, defining the band's
sound, perhaps more than Anderson's flute.
After his departure came Barre, a guitarist with a more
melodic and versatile style, and this allowed an evolution towards what would
later be called progressive rock.
With Barre, Jethro Tull began experimenting with more complex
sounds, integrating elements of folk, jazz and classical music. Ian Anderson's
flute took on the lead role, creating a unique and distinctive sound, and the
music became more varied and articulated, with songs ranging from acoustic
ballads to more complex rock pieces.
Abrahams was a thoroughbred blues guitarist, and his sound
was warm and scratchy, with pronounced vibrato and frequent use of bending. His
riffs were often simple but effective, with a good emotional impact. His music
was certainly full of feeling and passion, exuding an authentic passion for the
blues, with often long and improvised solos.
Martin Barre was a much more versatile guitarist than
Abrahams, able to adapt to different styles of music. In addition to the blues,
he was able to incorporate elements of rock, folk and classical music into his
sound, a master in interweaving his melodic lines with those of the other
instruments, creating complex and fascinating harmonies, and his guitar had a
more integrated role in the music of Jethro Tull, often dialoguing with Ian
Anderson's flute and with the other instruments.
It is not important to establish records and winners, both
have marked the sound of JT and both will remain in the history of rock!
Let's listen to something about Abrahams post Jethro Tull...
Questa su Joe Vescovi,
ne sono certo, non la sa nessuno!
Nella prima lezione del corso sul prog che tengo alla UniSavona
ho citato Joe Vescovi, facendo ascoltare un nostro dialogo telefonico che
evidenziava il momento esatto dello start del movimento, quando i Vanilla Fudge
vinsero il Festival di Venezia con “Some Velvet Mornig”, e tanti giovani
musicisti italiani presero coraggio e iniziarono a proporre materiale che
faticava ad uscire dal cassetto, perché giudicato inadeguato per un pubblico
abituato ad altre trame sonore.
A distanza di un mese, il gestore dell’aula, presente per “obbligo”
a tutte le lezioni mi dice: “Sbaglio, o qualche giorno fa hai parlato di
tale Vescovi? Io avevo un compagno di scuola alle elementari, si chiamava Vescovi,
Giuseppe Vescovi, ma di che anno era?”.
Stabilito che stavamo parlando proprio del mitico Joe, che
con lui aveva fatto tutte le scuole elementari, mi racconta un aneddoto
divertente.
Pare che Joe fosse l’unico biondo mentre tutti i compagni avevano
i capelli scuri, per cui il maestro dell’epoca “utilizzava” Joe per spiegare la
rotazione dei pianeti attorno al sole, ovvero, poneva Joe, il sole, in mezzo
alla stanza e tutti gli altri scolari, i pianeti, in girotondo attorno a lui.
Non so se quelle lezioni siano servite per formare dei fisici
o astronomi, ma di sicuro il futuro tastierista dei The Trip ha illuminato musicisti
e fan per lungo tempo!
La band SatchVai intraprenderà un
tour nel Regno Unito e in Europa la prossima estate
Gli eroi della chitarra Steve Vaie Joe Satriani hanno
formato una nuova band insieme e faranno un tour in Europa la prossima estate.
La SatchVai Band suonerà una lunga serie
di spettacoli, iniziando a giugno con cinque concerti nel Regno Unito. Il primo
sarà al Barbican di York il 13 giugno.
"Il SatchVai Band Tour sta per iniziare!"
dice Satriani. "Non vedo l'ora di condividere di nuovo il palco con
Steve. Ogni volta che suoniamo insieme, ritorno a quando eravamo adolescenti,
mangiavamo e respiravamo musica ogni secondo del giorno, ci spingevamo, ci
sfidavamo e ci aiutavamo a vicenda per essere i migliori che potevamo essere.
Immagino che non ci fermeremo mai!”.
"Andare in tour con Joe è sempre un piacere e un
onore", aggiunge Vai. "Èil mio chitarrista preferito
con cui suonare, e ora abbiamo un'altra opportunità di condividere il palco. Mi
sento come se fossimo entrambi al top della nostra carriera, e lo spettacolo
sarà una potente celebrazione dello strumento più cool del mondo, la chitarra
elettrica!"
I biglietti saranno in vendita generale a partire dalle 10:00
di venerdì 13 dicembre, ma è già in corso una prevendita di 48 ore.
I due chitarristi, che all'inizio di quest'anno hanno
pubblicato il loro primo singolo insieme, The Sea Of Emotion, Pt 1,
hanno anche pubblicato un video in cui spiegano cosa diavolo sta succedendo.
La SatchVai Band: Surfing With The
Hydra Tour 2025
13 giugno: York Barbican, Regno Unito
14 giugno: Londra Eventim Apollo,
Regno Unito
17 giugno: Glasgow Royal Concert
Hall, Regno Unito
18 giugno: Wolverhampton Civic Hall,
Regno Unito
19 giugno: Manchester O2 Apollo,
Regno Unito
21 giugno: Clisson Hellfest, Francia
22 giugno: Parigi Palais Germanys
Congres, Francia
23 giugno: Antwerp Lotto Arena,
Belgio
24 giugno: Amsterdam Afas, Paesi
Bassi
26 giugno: Copenhagen Amager Bio,
Danimarca
29 giugno: Casa della Cultura di
Helsinki, Finlandia
30 giugno: Tampere Hall, Finlandia
02 luglio: Uppsala Parksnackan,
Svezia
03 luglio: Oslo Sentrum Scene,
Norvegia
05 luglio: Varsavia Torwar, Polonia
08 luglio: Monaco Tollwood Festival,
Germania
lug 10: Dusseldorf Mitsubishi
Electric Hall, Germania
11 luglio: Francoforte
Jahrhunderthalle, Germania
12 luglio: Zurigo Volkshaus Zürich,
Svizzera
luglio 13: Milano, Comfort Festival @
Villa Casati Stampa, Italia
Lug 15: Pordenone Parco San
Valentino, Italia
16 luglio: Perugia Umbria Jazz,
Italia
17 luglio: Bologna Sequoie Music
Park, Italia
18 luglio: Saint-Julien Guitares en
Scene Festival, Francia
Rick Wakeman era fuori, Patrick Moraz
(il nuovo arrivato) era dentro, e gli Yes stavano per fare il loro album più
sottovalutato degli anni '70
È il 1973 e il cantante degli Yes Jon
Anderson è a casa ad ascoltare un paio di album che gli sono appena stati
regalati. Sempre desideroso di aggiornarsi su ciò che accade nel mondo della
musica contemporanea, rivolge la sua attenzione a “Sing Me A Song Of Songmy”,
della compositrice turco-americana Ilhan Mimaroglu. Pubblicato nel 1971, è una
zuppa eclettica di suoni elettronici, colonne sonore orchestrali d'avanguardia
e il quintetto jazz del trombettista Freddie Hubbard intervallato da parole
cantate e parlate che affrontano argomenti che includono l'omicidio
dell'attrice Sharon Tate, l'uccisione di studenti disarmati alla Kent State
University da parte della Guardia Nazionale e la guerra in Vietnam.
L'altro disco è la colonna sonora
appena pubblicata di Vangelis Papathanassiou, “L'Apocalypse des Animaux”.
Registrato nel 1970, quando il maestro delle tastiere greche era ancora un
membro degli Aphrodite's Child, la musica dalla trama esotica aleggia serena,
soffusa di una bellezza scintillante e incontaminata ma intrisa di una
malinconia che lo rode. Occupando un universo sonoro completamente diverso
rispetto al disco precedente, la natura riflessiva delle melodie agrodolci
affascina Anderson e stuzzica il suo appetito creativo.
Mentre ascolta, le cose stanno
andando bene per gli Yes. Gli ordini anticipati per la loro prossima uscita, “Tales
From Topographic Oceans”, hanno già assicurato che il doppio album
raggiungerà lo status di disco d'oro prima ancora che arrivi nei negozi. Un
tour nel Regno Unito in gran parte sold-out sta per iniziare e le prevendite
per la tappa americana del tour hanno spinto la band in luoghi ancora più
grandi rispetto alla loro precedente visita. Con le idee e i temi concettuali
che già cominciavano ad emergere per il prossimo progetto della band da
affrontare nella mente di Anderson, il futuro degli Yes sembrava davvero molto
luminoso. Tutto sommato, cosa potrebbe mai andare storto? Solo sette mesi dopo
l'avrebbe scoperto.
Non tutti condividevano il suo stato
d'animo. Profondamente annoiato dall'aver girato l'Europa e l'America con
quella che vedeva come una serie di idee musicali sparse troppo sottilmente su
un concetto troppo inflazionato, Rick Wakeman era infelice da un po' di tempo.
Né riusciva a suscitare molto entusiasmo per quella che considerava la
direzione influenzata dal jazz-rock verso cui gli Yes sembravano dirigersi. Il
18 maggio, giorno del suo venticinquesimo compleanno e giorno in cui ricevette
la notizia che il suo secondo album da solista “Journey To The Centre Of The
Earth” era al primo posto delle classifiche degli album del Regno Unito,
Wakeman lasciò.
"Il morale era basso e
ovviamente la gente era delusa che se ne fosse andato perché Rick era una parte
importante della band", ha ricordato il batterista Alan White,
parlando con Classic Rock nel 2012. "Penso che avessimo iniziato a
lavorare su parte del materiale di “Relayer” prima che Rick se ne andasse, ma
aveva l'amaro in bocca dopo aver suonato e portato in tour “Tales From Topographic
Oceans”, e immagino che volesse solo continuare con la sua musica. Abbiamo
preso atto e ovviamente abbiamo iniziato a cercare una nuova persona e abbiamo
iniziato a lavorare come un quartetto per far andare avanti il flusso. Abbiamo
passato molto tempo a provare a mettere insieme le idee di base per “Relayer".
Ricordando lo strano timbro esotico
de “L'Apocalypse des Animaux”, Jon Anderson ebbe un'idea per un
sostituto già pronto per Wakeman. Fece una chiamata per portare Vangelis alle prove
in corso a casa del bassista Chris Squire. L'abilità del greco di tessere
orchestrazioni e arrangiamenti elaborati, combinata con le sue formidabili
capacità come solista, avrebbe dovuto renderlo una scelta naturale per il
gruppo. Tuttavia, man mano che le sessioni iniziavano, diventava sempre più
chiaro che le cose non stavano procedendo come previsto o desiderato.
"Quando gli dicevamo di
suonarla di nuovo, lui diceva: 'Beh, non sarà più la stessa cosa'",
ricorda il chitarrista Steve Howe. "Stavamo improvvisando, ma stavamo
imparando delle parti man mano che andavamo avanti e penso che sia stato allora
che ci siamo resi conto che era un musicista così spontaneo che gli Yes
sarebbero stati un problema per lui. Volevamo elaborare un arrangiamento solido
e fare affidamento su di lui in qualsiasi momento per suonare qualcosa che
avremmo riconosciuto. Vangelis sentiva di non averne bisogno. Avrebbe sempre
suonato a braccio, il che sarebbe stato meraviglioso, ma non eravamo un gruppo
jazz".
Dopo aver convenuto che non aveva
molto senso continuare, Vangelis tornò a Londra lasciando il quartetto a
lavorare sul nuovo materiale. Il chitarrista ricorda di aver telefonato a Keith
Emerson degli ELP, il cui arrivo nei ranghi della band, se avesse accettato
l'invito di Howe, avrebbe potuto cambiare il corso del rock progressivo
dell'epoca.
"Mi disse: 'Perché devo unirmi
agli Yes quando ho ELP?' Musicalmente sarebbe stato fantastico lavorare
con Keith Emerson, ma se le personalità si sarebbero fuse o meno, non lo so.
Stavamo iniziando a renderci conto che le personalità nel gruppo sono una cosa
molto importante e non importa quanto la musica sembri essere l'obiettivo, non
funzionerà a meno che non si vada tutti d'accordo".
Ciò di cui avevano bisogno era qualcuno
con una conoscenza quasi enciclopedica degli arrangiamenti dettagliati degli
Yes e la capacità tecnica non solo di mettere tutto insieme, ma anche di
lanciare alcuni assoli abbaglianti. La persona che corrispondeva esattamente a
quel disegno era Patrick Moraz. Il tastierista svizzero era conosciuto nel
Regno Unito per le sue esuberanti esibizioni come membro dei Refugee, il trio
formato dagli ex compagni di band di Emerson nei The Nice Lee Jackson e Brian
Davison dopo che il tastierista aveva lasciato per formare gli ELP.
I Refugee avevano firmato un
contratto con la Charisma Records ed erano stati ben accolti in tour, ma non
avevano sfondato. Lo stesso Moraz viveva in un seminterrato umido e infestato
dai topi a Earls Court a Londra, ed era pratica comune dover camminare per tre
miglia fino alla sala prove dei rifugiati. Amava la musica che il trio stava
facendo, ma quando arrivò un invito a partecipare a un'audizione con gli Yes,
Moraz colse l'occasione e si imbatté immediatamente nel mondo molto diverso in
cui vivevano i musicisti della band.
Arrivato in anticipo, ebbe
l'opportunità di assistere all'arrivo di ogni membro, uno dopo l'altro nelle
loro costose auto. "Stavo parlando con la squadra stradale che si stava
occupando del posto e mentre guardavo fuori dal campo vidi Alan White nella sua
auto sportiva: era una cosa speciale personalizzata", ricorda Moraz. “Poi
Steve è arrivato con la sua auto sportiva Alvin blu metallizzato, guidata dal
suo roadie. Poi Jon è arrivato con una Bentley vecchio stile e rara, e poi
Chris è arrivato con quella che penso fosse una Rolls Royce Silver Cloud".
Dato che una sala prove si doveva
pagare a ore, Moraz rimase colpito dal ritmo lento con cui le persone si
sedevano a chiacchierare, fumare e bere tè. "Accordai gli strumenti
prima di iniziare a suonare insieme e questo mi diede l'opportunità di suonare
intorno a quelle tastiere che Vangelis aveva usato mentre i ragazzi si stavano
preparando. Stavo improvvisando, mostrando un po' della mia velocità e abilità,
e loro smisero di parlare e si riunirono tutti intorno al piano elettrico e al
Moog per guardare e ascoltare. Suonai ogni sorta di cose, incluso un po' di “And
You And I”. Ad essere onesti, penso di aver ottenuto il contratto a quel punto,
prima ancora che avessimo suonato una nota insieme".
La band gli suonò la sezione vocale
di “Sound Chaser”. Moraz era sbalordito. "La suonarono a una
velocità incredibile", ricorda. "Poi Jon mi chiese cosa avrei
offerto come introduzione al pezzo".
In un attimo l'arpeggio di piano
elettrico che apre il pezzo gli cadde dalla punta delle dita catturando
immediatamente l'attenzione della band, che gli chiese di spiegare cosa aveva
appena suonato con l'obiettivo di integrarlo nel brano.
"Spiegai il ritmo ad Alan e
Chris in modo che potessero trovare la risposta alla chiamata della tastiera,
per così dire. Suggerii anche a Jon di usare il suo flauto con il quale avrei
potuto suonare questi piccoli grappoli veloci". Man mano che il
nastro scorreva fecero alcune riprese, all'inizio lentamente, ma poi
accelerando man mano che le parti diventavano più familiari. "Poi registrammo
l'introduzione in una take che fu usata nell'album finito prima che mi venisse
offerto il lavoro".
Alan White era in fermento per le
nuove aggiunte alla pista. "La prima volta che Patrick ha suonato con
noi, aveva questa sorta di intro jazz prog che è diventatal'apertura di
“Sound Chaser”. Non c'era un tempo prestabilito, ma piuttosto qualcosa che si
sentiva tra le tastiere e la batteria. Arrivo con il pattern di batteria che è
in 5 e 7. Ho avuto modo di conoscere molto bene il lick e l'ho suonato nota per
nota sulla batteria intorno al kit".
Da parte sua, Steve Howe ricorda la
sensazione che la band fosse ancora una volta al completo, con la recente
incertezza e frustrazione che avevano sperimentato ormai alle spalle. "Una
volta che abbiamo avuto Patrick, siamo stati operativi; la sua stravaganza ci
portò qualcosa di simile a sangue fresco, come avevo fatto io quando mi ero
unito e come quando Rick si era unito. Patrick era più che in grado di tenere la
parte".
I concetti musicali di Anderson per “The
Gates Of Delirium” richiesero tutte le sue considerevoli capacità di
persuasione per convincere il resto della band che il pezzo era fattibile.
"Il mio obiettivo principale in quel momento era quello di avere
un'idea completa prima di mostrarla alla band", dice Anderson. "Suonai
la maggior parte del tempo al pianoforte e deve essere sembrato molto strano e
non troppo musicale per i ragazzi, dato che non suonavo molto bene in quel
momento. Ma mi sembrava di conoscere ogni sezione e il motivo per cui tutto potesse
funzionare nel suo insieme. Quindi sono stato molto felice quando hanno deciso
di assumerlo".
C'era sempre un elemento di lusinga e
di esortazione a seguire una linea di indagine musicale, suggerisce Anderson.
"Le idee mi venivano molto velocemente e la struttura era qualcosa che
stavo imparando a conoscere in quel momento. Quindi ero sempre un passo avanti
ai ragazzi mentre stavano imparando l'ultima parte, e io ero nella parte
successiva, in un certo senso aprendo la strada; questo è dove stiamo andando,
questo è il modo in cui lo faremo, e ci proveremo. Forse funzionerà, potrebbe
non funzionare, ma proviamoci. Registrare la scena della battaglia fu un po'
caotico all'epoca".
Alan White ricordava quel caos con un
certo affetto. "Si estendeva a me e Jon che andavamo in un deposito di
rottami e sbattevamo pezzi di metallo al mattino per circa un'ora per vedere
cosa suonava bene. In realtà abbiamo costruito untelaio in studio fatto
di molle e parti di auto che ovviamente sono finite nell'album nella sezione
battle. Era una roba pazzesca".
Anche se si parla molto della natura
ambigua dei testi di Anderson, le parole di “The Gates Of Delirium” sono
probabilmente tra le più dirette, anche se presentate nella sua sintassi
insolita e idiosincratica. Proprio come l'architettura della terza sinfonia di
Sibelius aveva influenzato la struttura di “Close To The Edge” e gli
scritti del mistico indiano Paramahansa Yogananda, presentatogli dal
percussionista dei King Crimson, Jamie Muir dopo che si erano incontrati al
ricevimento di nozze di Bill Bruford, avevano aiutato Anderson con
l'inquadratura concettuale di “Tales From Topographic Oceans”, “War And Peace”
di Tolstoj,e forse si potrebbe dire che
elementi dei collage sonori di Ilhan Mimaroglu abbiano alimentato le idee di
Anderson per una suite che tratta della psicologia del potere e dell'ideologia
lasciata incontrollata.
"Era ancora un periodo molto
triste con il Vietnam che indugiava nella mia mente e la Guerra Fredda.
Sembrava che non ci fosse fine al ciclo della guerra in tutto il mondo",
dice il cantante.
Vale anche la pena notare che
nell'album finito, dopo la tempesta della battaglia, c'è un momento di calma,
mentre le nebbie e il fumo iniziano a diradarsi, e la musica ha echi che
Anderson ha sentito per la prima volta su “L'Apocalypse des Animaux” di
Vangelis. Non è certo un caso che “Création du monde” di quell'album sia stata
suonata prima del concerto durante il successivo tour di “Relayer”.
Nonostante l'ambizioso e a volte
difficile terreno musicale che ha tracciato, alla sua uscita nell'inverno del
1974 era nella top 5 delle classifiche degli album su entrambe le sponde
dell'Atlantico. Contenuto nell'ultima cover di Roger Dean degli anni '70,
includeva anche alcune delle loro musiche più spigolose fino ad oggi.
Eppure, lontano da tutte le
turbolenze ritmiche e le dissonanze jazz-rock, la traccia di chiusura
dell'album, “To Be Over”, irradia un anelito emotivo che dà voce alle
inclinazioni più gentili degli Yes senza compromettere il tipo di intensità che
avrebbero esplorato pienamente in seguito con “Awaken”. Dal loro debutto
fino a “Tales From Topographic Oceans”, la capacità collettiva della band di
assimilare e sfruttare idee e influenze diverse appare misurata e incrementale,
ognuna costruita sui successi e sulle lezioni apprese dai suoi predecessori, ma
in questo contesto “Relayer” si sente il più radicale di tutti e negli anni
successivi la sua reputazione e la stima in cui è tenuto ha continuato a
crescere.
Parlando nel 2012, Alan White ha
valutato l'album come uno dei suoi preferiti. "Eravamo tutti totalmente
coinvolti. Eravamo in studio e ogni giorno ci venivano in mente nuove idee. Un
album non suona bene se non ti stai divertendo ed è quello che senti quando
metti su quel disco: Sì, divertiti".
