Buffalo Springfield: un lampo di genio che ha illuminato il Rock.

 

Nel crogiolo creativo e spesso turbolento della Los Angeles degli anni '60, prese forma un gruppo destinato a lasciare un segno indelebile nella storia del rock, pur brillando per un periodo relativamente breve: i Buffalo Springfield. La loro storia è un racconto di talenti individuali incandescenti, chimica musicale effimera e un'eredità di canzoni che avrebbero gettato le basi per il folk-rock e il country-rock a venire.

Le radici dei Buffalo Springfield affondano in un incontro casuale sulla Sunset Strip nel 1966. Stephen Stills, talentuoso chitarrista e cantante texano, riconobbe Neil Young, cantautore canadese dallo stile unico e intenso, alla guida di un carro funebre. Entrambi avevano militato in band precedenti e condividevano il desiderio di esplorare nuove sonorità musicali.

A loro si unirono Richie Furay, un cantante e chitarrista con una voce melodica e un'anima country, Bruce Palmer al basso e Dewey Martin alla batteria. Il nome "Buffalo Springfield" fu preso da un rullo compressore a vapore che videro per strada, un nome che evocava un senso di potenza industriale e paesaggi americani.

La band firmò rapidamente un contratto con la Atlantic Records e nel 1966 pubblicò il suo album di debutto omonimo. Il disco conteneva la canzone che avrebbe dato loro il primo assaggio di successo, "For What It's Worth". Scritta da Stephen Stills in risposta ai disordini giovanili sulla Sunset Strip, la canzone divenne un inno pacifista con la sua melodia inquietante e il suo testo riflessivo, raggiungendo le vette delle classifiche.

Il suono dei Buffalo Springfield era una miscela affascinante delle diverse influenze dei suoi membri. C'era l'energia rock e blues di Stills, le melodie folk e il lirismo intenso di Young, il tocco country e la voce armoniosa di Furay. Questa combinazione creò un folk-rock ricco di sfumature, con armonie vocali intricate e un interplay chitarristico dinamico tra Stills e Young.

Il loro secondo album, Buffalo Springfield Again (1967), mostrò una crescita artistica e una maggiore sperimentazione. Canzoni come "Mr. Soul" di Young, con il suo riff distorto e il testo introspettivo, "Rock 'n' Roll Woman" di Stills, con il suo ritmo incalzante e le armonie vocali, e "Bluebird" di Furay, con le sue influenze country, evidenziarono la diversità del loro talento compositivo.

Tuttavia, la chimica creativa all'interno della band era spesso fragile. Le personalità forti e le visioni musicali distinte di Stills e Young portarono a frequenti tensioni e conflitti. La band subì diversi cambi di formazione, con bassisti e batteristi che andarono e vennero, minando la stabilità del gruppo.

Nonostante le turbolenze interne, i Buffalo Springfield continuarono a produrre musica di alta qualità. Il loro terzo e ultimo album, Last Time Around (1968), fu un lavoro frammentato, con i membri che registrarono spesso le proprie canzoni separatamente a causa delle crescenti tensioni. Nonostante ciò, l'album conteneva gemme come "On the Way Home" di Young, "I Am a Child" di Young e "Kind Woman" di Furay, che preannunciavano le direzioni musicali che i membri avrebbero intrapreso nelle loro carriere soliste.

Neil Young e Stephen Stills

Nel maggio del 1968, dopo soli due anni di attività intensa ma travagliata, i Buffalo Springfield si sciolsero. Le divergenze creative e le difficoltà interpersonali si rivelarono insormontabili.

Tuttavia, hanno lasciato un’eredità significativa e, nonostante la loro breve esistenza, hanno contribuito in modo fondamentale allo sviluppo del folk-rock e del country-rock. Le loro canzoni hanno influenzato innumerevoli artisti e hanno contribuito a definire il suono della musica californiana della fine degli anni '60.

Dopo lo scioglimento, i membri dei Buffalo Springfield continuarono a lasciare un segno indelebile nella storia della musica. Stephen Stills formò i Crosby, Stills & Nash (e occasionalmente Young), diventando una figura centrale della scena folk-rock degli anni '70. Neil Young intraprese una carriera solista prolifica e influente, esplorando una vasta gamma di stili musicali. Richie Furay fu un membro fondatore dei Poco, una band pionieristica del country-rock.

I Buffalo Springfield furono una supernova musicale, un gruppo di talenti eccezionali che si unirono per un breve periodo, creando una musica brillante e influente prima di disperdersi in direzioni diverse. La loro storia è un promemoria di come la magia musicale possa nascere anche da dinamiche complesse e di come un breve lampo di creatività possa illuminare il panorama musicale per sempre.

Addio a Mick Ralphs: un pilastro del rock ci lascia a 81 anni

 

Addio a Mick Ralphs: scompare a 81 anni il co-fondatore di Mott the Hoople e Bad Company, lasciando un'impronta indelebile nel rock

 

Ci ha lasciati Mick Ralphs, chitarrista e co-fondatore di due band iconiche degli anni '70: i raffinati rocker Mott the Hoople e il celebre supergruppo Bad Company. Aveva 81 anni.

La scomparsa di Ralphs è stata annunciata dal suo portavoce, sebbene non siano state divulgate la data precisa o le cause del decesso.

"Il nostro Mick se n'è andato, il mio cuore è a pezzi", ha dichiarato Paul Rodgers, frontman dei Bad Company, in un commosso comunicato. "Ci lascia un'eredità di canzoni e ricordi straordinari. Era il mio amico, il mio compagno di scrittura, un chitarrista eccezionale e incredibilmente versatile, con un grandissimo senso dell'umorismo. La nostra ultima conversazione, pochi giorni fa, ci ha riempito di risate, e non sarà l'ultima. Ci sono innumerevoli ricordi di Mick che continueranno a far sorridere. Le mie più sentite condoglianze a tutti coloro che lo amavano, in particolare al suo unico vero amore, Susie. Ci rivedremo in paradiso."

Nato nel 1944 nell'Herefordshire, in Inghilterra, Ralphs fu tra i fondatori del Doc Thomas Group a metà degli anni '60. Dopo alcune modifiche alla formazione e un contratto con la Island Records, la band si trasformò nei Mott the Hoople. Il contributo di Ralphs come compositore e chitarrista fu fondamentale nel traghettare il rock 'n' roll dalla psichedelia degli anni '60 verso l'eleganza e la teatralità del glam rock anni '70. Le loro energiche performance dal vivo gli valsero un seguito fedele, che includeva futuri collaboratori come David Bowie e Mick Jones dei Clash, nonostante il successo in classifica tardasse ad arrivare.

Su suggerimento di David Bowie, la band cambiò management e la loro carriera prese il volo quando Bowie offrì loro la sua canzone "All The Young Dudes", che trasformò l'omonimo LP del 1972 in un successo mondiale. Anche il successivo album, "Mott", riscosse grande successo, con i singoli "All the Way From Memphis" e "Honaloochie Boogie".

Tuttavia, Ralphs nutriva ambizioni che andavano oltre i Mott the Hoople e nel 1973 decise di intraprendere una nuova strada, unendosi agli ex membri dei Free, Rodgers e Simon Kirke, e all'ex bassista dei King Crimson, Boz Burrell, per formare un nuovo supergruppo.

I Bad Company furono tra le prime band a firmare con l'etichetta Swan Song dei Led Zeppelin, ottenendo un successo globale immediato. Il loro album di debutto del 1974, anch'esso intitolato "Bad Company", raggiunse il quintuplo disco di platino, grazie a brani di successo come "Can't Get Enough" e una nuova versione di "Ready for Love" di Ralphs, originariamente registrata con i Mott the Hoople. L'album successivo, "Straight Shooter", conteneva il classico rock "Feel Like Makin' Love", e i Bad Company rimasero una presenza costante nelle classifiche fino al loro scioglimento nel 1982.

Ralphs si è riunito ai Mott the Hoople per un tour di reunion nel 2009 e ha partecipato a diverse formazioni riunite dei Bad Company e della sua Mick Ralphs Blues Band, fino a quando un ictus nel 2016 lo costrinse al riposo negli ultimi anni della sua vita. La sua ultima apparizione con i Bad Company risale al 2016, presso la O2 Arena di Londra. La band sarà introdotta nella Rock and Roll Hall of Fame entro la fine dell'anno.

"Era un caro amico, un meraviglioso cantautore e un chitarrista eccezionale", ha affermato Simon Kirke, batterista dei Bad Company, in una dichiarazione. "Ci mancherà moltissimo."

Ralphs lascia la sua compagna Susie Chavasse, i suoi due figli e i tre figliastri.

Il rock anni '70 dei B.E.C.S. & B. arriva ai Giardini Serenella

 

Domenica 15 giugno, i Giardini Serenella di Savona, presso lo spazio dedicato al Ristorante “Bella Recco” della S.M.S. Fornaci, hanno vibrato al ritmo del rock americano anni '70.

Sul palco, i B.E.C.S. & B., un progetto acustico nato un paio di anni fa e costantemente evolutosi, pur mantenendo intatto il suo DNA musicale.

Il nome del gruppo, un acronimo formato dalle iniziali dei cognomi dei suoi componenti, B.E.C.S. & B., è una soluzione provvisoria in attesa della formazione definitiva. Nati quasi per caso, con l'intento iniziale di accompagnare presentazioni di libri, i "becsandbi" hanno ampliato il loro repertorio da sei brani a un vasto catalogo che permette loro esibizioni prolungate, spaziando da Bob Dylan agli Eagles, dagli America ai Lynyrd Skynyrd, e ancora da Neil Young a Joe Cocker.

Un lungo medley realizzato da Renata Rusca, disponibile a fine articolo, offre un chiaro assaggio della direzione musicale intrapresa dal gruppo.

Per la prima volta, la formazione si è arricchita della presenza di un bassista. Ecco i componenti e i loro ruoli:

• Briano Maro: chitarra 12 corde e cori (la prima "B")
• Enrile Athos: chitarra, cajon e voce/cori (la "E")
• Cruciani Fabrizio: voce (la "C")
• Storace Roberto: voce, chitarra, armonica e "driver" del gruppo (la "S")
• Bologna Ivo: basso e cori (la seconda "B")

Nonostante una giornata uggiosa, umida e minacciosa, la partecipazione del pubblico è stata notevole. Un mix di amici e "forestieri" ha dimostrato grande coinvolgimento per le oltre due ore di musica ininterrotta.

L'organizzazione dell'evento, curata da Lorenzo – gestore dello spazio eventi e ristorazione del tendone Serenella, che si conferma ideale per ogni tipo di manifestazione – è stata impeccabile.

Il calore del pubblico ha trovato l’apice nella partecipazione spontanea di Annie La Rouge, musicista esperta che, attratta la tipologia musicale a lei particolarmente vicina, si è aggiunta come corista in un paio di brani.

In sintesi, una splendida serata di musica, all'insegna della comunione d'intenti, della semplicità e della condivisione di un momento di serenità in un mondo spesso caotico.

Un ringraziamento speciale a Renata Rusca per aver dedicato il suo tempo, creando la testimonianza video e pubblicando un resoconto della giornata sui suoi spazi.

Un pezzo di storia del Rock Italiano: le Tumbe e il Gong di Silvana Aliotta cercano una nuova casa

 

Silvana Aliotta e il Circus 2000 al Festival di Altare, luglio 1974

Un capitolo si chiude, una leggenda continua: Silvana Aliotta offre un'opportunità unica ai collezionisti e amanti della musica

Un'occasione unica per gli amanti della musica e i collezionisti: Silvana Aliotta, l'indimenticabile voce dei Circus 2000, storica band progressive rock italiana degli anni '70, mette in vendita due pezzi iconici della sua collezione personale: le sue inconfondibili tumbe e uno straordinario gong Paiste. 

Questi strumenti non sono semplici oggetti, ma veri e propri testimoni di un'epoca d'oro della musica e di una carriera artistica leggendaria.

Le tumbe di Silvana Aliotta arrivarono alla fine del 1968, segnando l'inizio di un'avventura sonora. Furono suonate per la prima volta con i Best Genius (la band che sarebbe poi diventata i Circus 2000) durante una stagione al mitico Voom Voom di Torino. Il loro suono, inconfondibile, ha impreziosito tutti i dischi dei Circus 2000 e diverse collaborazioni di rilievo, tra cui l'LP Non farti cadere le braccia di Edoardo Bennato e Canto nomade per un prigioniero politico del Banco del Mutuo Soccorso.

Nel 1973, le tumbe furono restaurate e riverniciate di un caldo marrone, e oggi continuano a vibrare al Vocalstudio, mantenendo intatto il loro fascino e la loro potenza.

Il gong Paiste, un altro pezzo da collezione, fu acquistato da Silvana nel 1970 a Torino, presso Ricordi Strumenti Musicali. Con un diametro di 71 cm, questo strumento ha contribuito in maniera determinante alle sonorità dei Circus 2000, con il suo timbro potente e d'impatto. La sua risonanza è immortalata in momenti indimenticabili, come l'ultimo colpo al termine di "Need" al Foro Italico, un'eco che scatenò un'ovazione memorabile.

Sul retro del gong è ancora visibile il timbro "Circus 2000", apposto nel 1972 dall'organizzazione di Ezio Radaelli per l'ultima edizione del Cantagiro sotto la sua guida. Dopo oltre 55 anni, il suono di questo gong è rimasto intatto, anzi, il tempo lo ha reso ancora più profondo e affascinante. Presente il supporto originale, il gong è in ottime condizioni e continua a fare bella mostra di sé.

Questi sono gli unici strumenti a percussione usati e posseduti da Silvana Aliotta dalla fine degli anni '60 ad oggi, dai primi passi con i Best Genius fino ai palchi più importanti dei Festival Pop con i Circus 2000. Strumenti essenziali, amatissimi, che hanno preso parte a un sogno unico, in un'epoca incredibilmente magica.

Come afferma Silvana stessa: "In questa mia richiesta non c'è tristezza. So che la persona che si farà avanti porterà con sé un pezzo di vita e di energia di una ragazza ribelle dai capelli rossi, che con gioia, passione e coraggio — tra collanine colorate e jeans — si avventurava, senza saperlo, per cambiare la storia della musica, non solo italiana. E so che più di chiunque altro, ne avrà cura e ne apprezzerà l'energia. E questo mi basta."

Per ulteriori informazioni e per esprimere il vostro interesse nell'acquisto di questi pezzi unici, si prega di contattare direttamente l'artista all'indirizzo e-mail: 

oroglam8@gmail.com

Nota di Silvana:

“A te che mi scriverai, chiedo — insieme a un’offerta che senti giusta — un pensiero, un ricordo, un’emozione. Questi strumenti non sono solo oggetti: sono parte della mia storia. E vorrei che continuassero a vivere con chi saprà accoglierli come qualcosa di più di semplici percussioni.”

LO STATO ATTUALE: con un po’ di cure amorevoli e un po’ di olio di gomito, le mie percussioni sono tornate ad avere la bellezza di 57 anni fa! Le tumbe suonano perfettamente e hanno davvero una grande personalità! 

Il gong che già aveva un canto armonico potente e corposo, ora completo del suo supporto originale, e anche della sua mazza (o mazzuola) originale, è tornato allo splendore di allora! Restano qua e là solo alcuni segni del tempo che, come le mie rughe, danno il valore a quelli che sono stati per me, i gioielli di cui più con orgoglio mi sono adornata.

La sigla di Teatro 10, dove usavo le tumbe, è stata un grande successo che mi ha dato il privilegio di cantare una sigla di Canzonissima, ed è inoltre un bel ricordo. “Regalami un sabato sera” fu un brano scritto su misura per me dal maestro Gianni Ferrio che si divertì a farmi fare un bel po’ di evoluzioni, sia ritmiche che vocali, gioco che mi divertì alla grande!

Brian Wilson: il genio dei Beach Boys muore a 82 anni

 

Scompare il visionario dei Beach Boys: la vita, la musica e le lotte di un'icona che ha plasmato il suono di un'epoca

Il mondo della musica piange la scomparsa di Brian Wilson, co-fondatore e mente creativa dei leggendari Beach Boys, autore di successi come "God Only Knows". Wilson si è spento all'età di 82 anni, lasciando un'eredità musicale che ha profondamente influenzato la musica popolare americana.

La sua famiglia ha annunciato la notizia oggi, 11 giugno 2025, tramite i social media, esprimendo un profondo dolore. Wilson lascia le figlie Carnie e Wendy (delle Wilson Phillips) e cinque figli adottivi avuti con la seconda moglie, Melinda Ledbetter.

La carriera di Wilson è stata un mix di straordinarie creazioni pop e lunghe battaglie contro la malattia mentale. Nonostante decenni di allontanamento dal mainstream negli anni '70 e '80 a causa dei suoi problemi psicologici, la sua influenza è rimasta intatta. Le sue armonie iconiche in brani come "California Girls" e "Little Deuce Coupe" hanno definito l'essenza della California del sud. L'album Pet Sounds, da lui prodotto, fu così innovativo da ispirare persino i Beatles per il loro Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Sua figlia Carnie lo ha definito "la persona più forte che conosca".

Wilson mostrò un talento musicale precoce nonostante una significativa perdita dell'udito all'orecchio destro, forse dovuta a un difetto congenito o abusi paterni. Nato a Inglewood, California, nel 1942, da adolescente sviluppò una passione totale per la musica, dedicando ore al pianoforte e all'apprendimento di composizione e ingegneria del suono.

Nel 1961, ispirato da gruppi vocali come i Four Freshmen, formò una band con i fratelli Carl e Dennis, il cugino Mike Love e l'amico Al Jardine. Inizialmente Pendletones, furono ribattezzati Beach Boys dalla loro etichetta discografica, un nome che catturò perfettamente lo spirito dell'epoca.

Nei quattro anni successivi, i Beach Boys dominarono le radio. Wilson, influenzato da Phil Spector, creò inni pop di tre minuti, ricchi di armonie, celebrando auto, surf e amori adolescenziali. Brani come "Surfin' USA" e "California Girls" sgorgarono dalla sua penna prolifica. Già nel 1963, il ventiduenne prodigio aveva prodotto, arrangiato e diretto decine di canzoni per altri artisti, dimostrando ambizioni ben oltre il successo del suo gruppo.

L'arrivo della Beatlemania negli Stati Uniti spinse Wilson a intensificare i suoi sforzi in studio, vedendo nei Beatles formidabili rivali. Questa competizione, tuttavia, evidenziò anche le prime crepe nella sua psiche fragile. A metà degli anni '60, Wilson si ritirò dalla maggior parte dei tour dei Beach Boys per concentrarsi sulla produzione, sentendosi frustrato dall'essere etichettato come "surf band". In questo periodo, aumentò anche il consumo di droghe.

Nonostante le difficoltà, nel maggio 1966, Wilson presentò il capolavoro Pet Sounds. L'album, che includeva classici come "Good Vibrations" e "God Only Knows", non fu subito un successo tra i fan, ma lasciò sbalorditi i Beatles, che lo usarono come ispirazione per creare il loro album di riferimento, "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", nel maggio 1967. Wilson tentò di rispondere con il suo album Smile, che però venne pubblicato solo nel 2011.

Dopo "Pet Sounds", Wilson si ritirò in isolamento. Negli anni successivi gli fu diagnosticato un disturbo schizoaffettivo, caratterizzato da allucinazioni, depressione e paranoia. Voci lo assillavano e la sua vita era segnata da droghe e cibo in eccesso. Le sue condizioni peggiorarono dopo la morte del padre nel 1973, con resoconti di comportamenti eccentrici.

Nel 1976, tentò un ritorno sotto le cure del controverso psicologo Eugene Landy, ma la relazione si rivelò distruttiva, con Landy che prese il controllo quasi totale della sua vita e dei suoi affari.

L'album solista Brian Wilson del 1988 segnò un suo ritorno, ma fu oscurato dal successo di "Kokomo" dei Beach Boys, brano a cui Wilson non aveva contribuito. Le sue uscite da solista evidenziarono la frattura con il cugino Mike Love, che spesso denigrava Wilson e in seguito ottenne i diritti sul nome dei Beach Boys.

Tuttavia, gli anni '90 videro Wilson riprendere gradualmente il controllo della sua vita. Una causa di tutela intentata dalla famiglia liberò Wilson dal controllo di Landy. Collaborò a un documentario sulla sua vita nel 1995 e intraprese il suo primo tour da solista nel 1999.

Nel nuovo millennio, grazie a cure e medicina tradizionali, Wilson riuscì a esprimere nuovamente il suo genio. Nel 2010 pubblicò un album di reinterpretazioni di George Gershwin. La sua vita fu celebrata nel film biografico "Love & Mercy" del 2014, acclamato dalla critica.

Negli ultimi anni, Wilson era tornato in tour, eseguendo "Pet Sounds" per intero nel 2016 e continuando a esibirsi prima e dopo la pandemia di COVID-19. Nonostante l'età, non aveva alcuna intenzione di ritirarsi. "Pensione? Oh, cavolo. Niente pensione," disse a Rolling Stone nel 2016. "Se andassi in pensione non saprei cosa fare del mio tempo... Preferirei mettermi in viaggio."

Le Porte della percezione sonora: The Doors e l'oscuro fascino della psichedelia urbana

L'epicentro culturale della metà degli anni '60 in America ribolliva di fermento, un crogiolo di ideologie in collisione e una fervente ricerca di nuove forme espressive. In questo scenario dirompente, Los Angeles, la scintillante metropoli californiana, divenne un terreno fertile per l'emergere di sonorità inedite. Tra le molteplici band che cercavano di catturare lo spirito del tempo, i The Doors si distinsero per un'aura di mistero, un lirismo oscuro e una presenza scenica magnetica e spesso destabilizzante. La loro musica non era semplicemente un intrattenimento, ma un viaggio sonoro attraverso le zone d'ombra della psiche, un'esplorazione delle "porte della percezione" evocate dal titolo del celebre saggio di Aldous Huxley, da cui la band trasse il proprio nome.

La genesi dei Doors affonda le radici in un incontro casuale tra due menti creative apparentemente distanti ma complementari: Jim Morrison, un enigmatico studente di cinema con una profonda inclinazione per la poesia simbolista e una presenza scenica animalesca, e Ray Manzarek, un tastierista dalla formazione musicale eclettica e dalla visione sonora innovativa. A completare l'organico si aggiunsero il chitarrista Robby Krieger, le cui linee melodiche spesso travalicavano i confini del blues rock per abbracciare influenze jazz e flamenco, e il batterista John Densmore, la cui ritmica solida e dinamica forniva la spina dorsale pulsante alle loro composizioni.

L'assenza di un bassista tradizionale si rivelò non una limitazione, bensì un elemento distintivo del loro sound. Manzarek supplì a questa mancanza orchestrando linee di basso profonde e sinuose attraverso la tastiera, creando un tappeto sonoro denso e atmosferico che avvolgeva l'ascoltatore in un abbraccio sonoro unico. Su questo sfondo sonoro inconfondibile si stagliava la voce baritonale e penetrante di Morrison, un veicolo per testi intrisi di immagini potenti, riferimenti letterari colti (da Rimbaud a Blake) e una fascinazione per i temi tabù della morte, del sesso e della trasgressione.

Brani come "Light My Fire" (1967), con il suo iconico assolo di tastiera che si snodava come un serpente ipnotico, catapultarono i Doors verso la fama, ma la loro musica era ben più complessa e sfaccettata di un semplice successo radiofonico. "Riders on the Storm" (1971) evocava atmosfere cupe e cinematografiche, con il suono della pioggia che si fondeva con il Fender Rhodes di Manzarek e la voce sussurrata di Morrison che narrava una storia di inseguimento e presagio. "Break on Through (To the Other Side)" (1967) era un inno all'evasione e alla rottura degli schemi, con il suo ritmo incalzante e l'organo vorticoso. E poi c'era "The End" (1967), un'epopea musicale oscura e controversa, un viaggio psicanalitico attraverso i meandri dell'inconscio, che culminava in un climax edipico e perturbante.

La carriera dei Doors fu un susseguirsi di successi discografici e performance live incendiarie, ma fu anche costellata di controversie. La figura di Jim Morrison, con il suo carisma magnetico e il suo comportamento imprevedibile sul palco e fuori, divenne un simbolo della ribellione giovanile e della sfida alle convenzioni sociali. I suoi eccessi, spesso amplificati dalla stampa, portarono a scontri con le autorità e a episodi di censura, alimentando ulteriormente la loro aura di band maledetta e trasgressiva.

Nonostante la loro parabola artistica relativamente breve, troncata dalla prematura scomparsa di Morrison nel 1971 a soli 27 anni, l'impatto dei Doors sulla musica rock e sulla cultura popolare rimane innegabile. La loro fusione di rock, blues, psichedelia e elementi di musica classica e jazz aprì nuove strade sonore. Il lirismo oscuro e introspettivo di Morrison elevò il rock a forma d'arte poetica, influenzando generazioni di cantautori. La loro capacità di creare atmosfere sonore intense e evocative li rese pionieri di un certo tipo di rock teatrale e cinematografico.

In definitiva, i Doors rappresentano un capitolo cruciale nella storia del rock, un'esplorazione audace e inquietante delle profondità dell'anima umana, un invito ad aprire "le porte della percezione" e a confrontarsi con le zone d'ombra che spesso la società preferisce ignorare. La loro musica, ancora oggi, continua a risuonare con una forza primordiale, testimoniando la potenza di un'arte che non teme di sfidare i limiti e di addentrarsi nell'ignoto.

Sly Stone: scomparso a 82 Anni il pioniere di funk, soul e inclusione

 

Il frontman degli Sly and the Family Stone si spegne a 82 anni, lasciando un'impronta indelebile nella storia della musica e dei diritti civili

Si è spento lunedì 9 giugno, all'età di 82 anni, Sly Stone, leggendario frontman degli Sly and the Family Stone, lasciando un vuoto incolmabile nel panorama musicale globale.

Sylvester Stewart, questo il suo nome all'anagrafe, è deceduto a Los Angeles a seguito di una lunga battaglia contro una broncopneumopatia cronica ostruttiva (BPCO) e altre patologie pregresse. La notizia è stata confermata dalla sua agente Carleen Donovan e, successivamente, dalla sua famiglia, che ha espresso profondo cordoglio per la perdita di una "figura monumentale, un innovatore rivoluzionario e un vero pioniere".

Nato a Denton, Texas, nel 1943, Sly Stone ha iniziato il suo percorso musicale giovanissimo, distinguendosi presto per la sua versatilità strumentale e la capacità di abbattere le barriere di genere. Alla fine degli anni Sessanta, a San Francisco, fondò gli Sly and the Family Stone, una band che non solo mescolava sapientemente R&B, gospel, funk progressivo, rock psichedelico e soul, ma che si affermò anche come il primo grande gruppo musicale composto da membri di diverse etnie e generi. Questa audace visione multirazziale e inclusiva, in un'epoca segnata dai movimenti per i diritti civili, rese la band un simbolo potente e un punto di riferimento culturale.

Brani iconici come "Everyday People," "Stand!" e "Family Affair," insieme a esibizioni memorabili come quella al festival di Woodstock, hanno cementato la leggenda degli Sly and the Family Stone. La loro musica, caratterizzata da uno stile eccentrico e innovativo, ha influenzato generazioni di artisti, da Michael Jackson ai Red Hot Chili Peppers, con campionamenti dai loro primi album che risuonano in centinaia di altre canzoni.

Nonostante il successo, l'inizio degli anni Settanta vide emergere tensioni interne e problemi legati all'abuso di droghe da parte del frontman, che portarono allo scioglimento definitivo della band negli anni '80. Tuttavia, l'impatto di Sly Stone non si è limitato alla musica; la sua band è stata un faro per la difesa dei diritti civili e della comunità afroamericana, andando oltre il semplice intrattenimento.

La famiglia ha ricordato Sly Stone come una figura che ha "ridefinito il panorama della musica pop, funk e rock", e ha rivelato che l'artista aveva recentemente completato la sceneggiatura della sua biografia, un progetto che si aggiunge a un memoir pubblicato nel 2024 e che verrà condiviso con il mondo a tempo debito. Questo testimonia il suo instancabile spirito creativo, attivo fino agli ultimi giorni.

La sua scomparsa segue quella di altri membri della band, come la trombettista Cynthia Robinson nel 2015 e il bassista Robbie Shakespeare nel 2021. La famiglia ha concluso il proprio comunicato esprimendo gratitudine per l'affetto ricevuto e augurando "pace e armonia a tutti coloro che sono stati toccati dalla vita di Sly e dalla sua musica iconica".

Dr. Schafausen-Commento al nuovo album "Psychiatric Dark Hotel"

 Tra distopia e introspezione, il nuovo lavoro del Dr. Schafausen svela le profonde risonanze del metal con le fragilità della psiche umana

Il genere metal, nella sua essenza più profonda, non è mai stato soltanto un'espressione musicale, ma un potente veicolo per esplorare le profondità più oscure dell'animo umano e le tensioni latenti della società. Con le sue sonorità estreme, l'intensità viscerale e la capacità di abbracciare narrazioni complesse, il metal si rivela il terreno fertile ideale per affrontare temi scomodi e tabù. È in questo contesto che si inserisce Psychiatric Dark Hotel, il nuovo concept album del Dr. Schafausen. Quest'opera, che consolida la statura artistica di Sergio Pagnacco, spinge le corde del metal a risuonare con le dissonanze della mente umana, trascinando l'ascoltatore in un incubo sonoro che si confronta direttamente con la follia, l'isolamento e la disperazione, temi da sempre cari all'immaginario metal ma qui elevati a un nuovo livello di urgenza e attualità.

Il nuovo concept album del Dr. Schafausen emerge dalla scena metal italiana con una proposta che trascende il semplice ascolto, invitando l'ascoltatore a un'immersione completa in un universo distopico e inquietante. L'opera, annunciata dalla firma con Metal Zone Italia, si presenta come un viaggio sonoro attraverso i corridoi di un ospedale psichiatrico immaginario, dove la mente umana è il teatro di una disperazione palpabile e di una follia che si insinua, frammentando la percezione della realtà.

L'immagine di copertina è un precursore visivo perfetto per l'atmosfera che l'album intende evocare. Ritrae una figura, presumibilmente un'infermiera, con uno sguardo allucinato e segni di sangue o ferite sul viso, mentre offre pillole con una mano e ne tiene un'altra alla bocca. Il suo abbigliamento è macchiato e la scena è immersa in una penombra inquietante che suggerisce un ambiente ospedaliero o manicomiale. L'immagine, con i suoi toni cupi e la sua estetica disturbante, incarna perfettamente il concetto di "Psychiatric Dark Hotel", anticipando il viaggio sonoro in un luogo dove la cura si confonde con la prigionia e la medicina con l'oblio. L'espressione del soggetto, a metà tra l'invito e la minaccia, cattura l'essenza della "spirale di follia, isolamento e disperazione" descritta nei testi.

A livello sonoro, "Psychiatric Dark Hotel" si distingue per la sua intensità e la capacità di costruire un'atmosfera cupa. Le chitarre sature e acide, i bassi profondi e una batteria martellante si fondono per creare una tensione costante, un vero e proprio paesaggio acustico che riflette la frammentazione della realtà e il trionfo della follia. L'album non si limita a un assalto uditivo ininterrotto; al contrario, alterna passaggi di violenza pura a momenti di introspezione e atmosfera, creando un dinamismo che mantiene l'ascoltatore in costante stato di allerta e coinvolgimento emotivo. Questa alternanza è fondamentale per il concept, permettendo di esplorare le diverse sfaccettature della mente intrappolata e delle sue paure più recondite.

Il background di Sergio Pagnacco, alias Dr. Schafausen, con le sue esperienze nei Vanexa e nei Labyrinth, si percepisce nella professionalità e nella maturità artistica che permeano questo lavoro. Pagnacco dimostra una consapevolezza e una libertà creativa che gli consentono di spingersi oltre i confini del genere. "Psychiatric Dark Hotel" è un esempio di come l'istintività musicale possa tradursi in un'opera coesa e potente. I dieci brani sono edificati su un rock moderno che fonde ritmo, rabbia e dolore, mantenendo una forma-canzone solida ma allo stesso tempo contratta, sorretta da partiture strumentali incisive e arrangiamenti lisergici.

Preferisco fornire un giudizio globale anziché analizzare i singoli episodi, ascoltabili in ogni caso utilizzando la tracklist a seguire. L'amalgama sonora dell'album si presenta come un impatto di alta gradazione, dove la distorsione della realtà si traduce in un'esplosione di energia e atmosfere lisergiche. Questo lavoro spazia con disinvoltura attraverso le vibrazioni intense dell'hard rock, le venature malinconiche del post-grunge, la potenza travolgente dell'alternative metal e le sfumature più melodiche del rock alternativo. Il risultato è un'esperienza coesa e dinamica, un paesaggio sonoro dove le tensioni si alternano a momenti di ipnotica gravità, e l'oscurità delle visioni interiori viene catturata in ogni singola nota, delineando l'essenza dell'alienazione mentale con una forza sorprendente.

Il coraggio del Dr. Schafausen di guardare avanti, senza timore reverenziale verso un passato importante ma ingombrante, è ammirevole. L'album rifiuta le facili classificazioni, dimostrando una duttilità che potrebbe proiettare la band verso un definitivo salto di qualità. L'autenticità espressiva permea ogni nota di questo progetto e, sebbene "Psychiatric Dark Hotel" non sia concepito come una semplice colonna sonora, si configura indubbiamente come un'esperienza capace di arricchire l'individuo, innescando una profonda introspezione sulle complessità della psiche umana e la sua intrinseca vulnerabilità.

In un'epoca in cui le questioni di salute mentale sono sempre più al centro del dibattito, "Psychiatric Dark Hotel" assume un significato particolarmente rilevante. L'album non è solo un'esplorazione artistica della follia, ma anche una metafora delle pressioni e delle ansie che possono condurre all'isolamento e alla disperazione nella realtà contemporanea. La "spirale di follia" e l'"isolamento" descritti nell'album possono essere letti come un'amplificazione artistica di esperienze reali, invitando l'ascoltatore a confrontarsi con le proprie paure e con le sfide della società. La musica, in questo contesto, diventa un veicolo non solo di intrattenimento, ma anche di consapevolezza e catarsi, spingendo il metal ai suoi limiti e consolidando il Dr. Schafausen come uno degli artisti più audaci e innovativi della scena italiana.

 

Track List:
1. Psychiatric Dark Hotel
2. Where Are My Pills My Sweet Zombie
3. Psycho Knocks on Room 13
4. The Ward of Broken Minds
5. Dancing on The Edge of Sanity
6. Doctors Speak In Voices Cold
7. Caged Shadows
8. Voices In My Mind
9. Gas Boys
10. Echoes Of Tomorrow 

Line up:
Milo - vocals, synth
Elias - vocals, guitars
Victor - vocals, guitars
Dr. Schaffausen - bass, keyboards, vocals
Anatole - drums

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Le radici elettriche – L'evoluzione dei Fairport Convention

 

Nel fervore musicale della Londra underground del 1967, un gruppo di giovani musicisti si ritrovò con un'idea audace: sposare la ricchezza della tradizione popolare inglese con l'energia del rock and roll. Fu così che, prendendo il nome dalla casa di Simon Nicol dove provavano, nacquero i Fairport Convention, un'entità che avrebbe ridefinito il panorama musicale britannico e dato i natali a un genere: il folk rock inglese.

I membri fondatori – Richard Thompson e Simon Nicol alle chitarre, Ashley Hutchings al basso e Shaun Frater alla batteria (ben presto sostituito dal più convincente Martin Lamble) – inizialmente si cimentarono con cover di artisti folk rock americani come Joni Mitchell e Bob Dylan, infondendo in esse un'energia e un'urgenza tipicamente britanniche. Tuttavia, fu l'arrivo di Sandy Denny nel 1968 a segnare un punto di svolta cruciale per il gruppo.

Sandy Denny non era una novizia: con una voce potente, espressiva e profondamente radicata nella tradizione folk britannica, aveva già lasciato il segno con gli Strawbs. La sua presenza nei Fairport Convention non rappresentò solo l'apporto di una vocalista di straordinaria caratura, ma anche quello di una cantautrice sensibile e un'interprete capace di infondere nuova profondità al materiale della band, e fu capace di catalizzare l'evoluzione nel suono del gruppo, spostando l'attenzione verso un repertorio più autenticamente britannico.

Questo primo periodo di sperimentazione e definizione del loro sound culminò con l'uscita del loro omonimo album di debutto, Fairport Convention, nel 1968.

Gli album successivi, What We Did on Our Holidays e soprattutto Unhalfbricking (entrambi del 1969), furono la testimonianza di questa trasformazione. Pur contenendo ancora alcune cover di artisti americani, questi lavori videro la band iniziare a esplorare il repertorio folk tradizionale inglese, riarrangiandolo con strumenti elettrici, ritmi rock e una sensibilità moderna. Canzoni come "She Moves Through the Fair" e "Nottamun Town" (su What We Did on Our Holidays) beneficiarono enormemente della voce eterea e malinconica di Sandy Denny, mentre la sua interpretazione della sua stessa composizione, "Who Knows Where the Time Goes?" (su Unhalfbricking), divenne immediatamente un classico, definendo un'epoca e mettendo in luce la sua straordinaria capacità di fondere folk e sensibilità contemporanea.

Il culmine di questa fase pionieristica, fortemente influenzata dalla presenza e dal talento di Sandy Denny, giunse con la pubblicazione di Liege & Lief nel dicembre del 1969. Considerato da molti il capolavoro del folk rock inglese, questo album fu un'immersione profonda nel folklore britannico, con reinterpretazioni elettriche di ballate tradizionali come "Matty Groves", "Tam Lin" e "Reynardine". La maestria strumentale della band, in particolare il fiddle di Dave Swarbrick (che si unì al gruppo in questo periodo) e la chitarra inconfondibile di Richard Thompson, si sposarono perfettamente con le narrazioni epiche e spesso oscure dei brani, con la voce di Denny che fungeva da filo conduttore emotivo, conferendo drammaticità e pathos alle antiche storie.

Tuttavia, come spesso accade nelle storie musicali più avvincenti, il successo fu accompagnato da cambiamenti e tragedie. La prematura scomparsa del batterista Martin Lamble in un incidente stradale nel maggio del 1969 scosse profondamente la band, e poco dopo anche Sandy Denny lasciò il gruppo per intraprendere la carriera solista. Nonostante questi eventi, i Fairport Convention trovarono la forza di proseguire, evolvendo costantemente la loro formazione e il loro suono negli anni a venire. Figure come Dave Pegg, che subentrò al basso portando con sé una solida musicalità e un carisma contagioso, e in seguito Dave Mattacks alla batteria, contribuirono a mantenere viva la fiamma del gruppo. Anche l'apporto di talentuosi polistrumentisti come Ric Sanders e Chris Leslie, e in precedenza di Jerry Donahue e Maartin Allcock, arricchì ulteriormente il tessuto sonoro dei Fairport Convention nelle decadi successive. Sebbene il periodo formativo rimanga indissolubilmente legato alle "radici elettriche" e all'inconfondibile voce di Sandy Denny, la loro storia è anche un testamento alla resilienza e al continuo rinnovamento di una band che ha saputo accogliere e valorizzare numerosi talenti, mantenendo viva la tradizione del folk rock inglese per molte generazioni a venire.

Iron Butterfly: dalle ombre di San Diego al “volo di ferro e farfalla”

 

La California del sud, a metà degli anni '60, era un terreno fertile per l'esplosione di nuove sonorità. L'eco del surf rock si stava affievolendo, lasciando spazio a un'onda più potente e psichedelica che si propagava dalle spiagge assolate ai club fumosi dell'entroterra. In questo ambiente vibrante e in continua evoluzione, nelle tranquille periferie di San Diego, stava per prendere forma una band il cui nome evocava una strana e potente dualità: Iron Butterfly.

La genesi degli Iron Butterfly non fu un fulmine a ciel sereno, ma piuttosto una lenta metamorfosi, un processo che coinvolse diversi musicisti con aspirazioni comuni e un desiderio di spingersi oltre i confini del rock tradizionale.

Al suo centro si trovava un giovane tastierista e cantante di nome Doug Ingle. Nato nel 1945 a Omaha, Nebraska, Ingle si era trasferito con la famiglia in California, dove la cultura musicale in fermento lo aveva rapidamente catturato. Influenzato dal blues, dal rock and roll e dalle nascenti sonorità psichedeliche, Ingle possedeva una voce potente e un talento per creare atmosfere sonore cupe e intense con il suo organo.

È nel 1966 che si possono rintracciare i primi inizi di Iron Butterfly, quando Ingle iniziò a collaborare con altri musicisti locali a San Diego. Tra questi figurava il batterista Jack Pinney, un ragazzo con un ritmo solido e un'energia contagiosa. Insieme, iniziarono a esplorare un suono che era più oscuro e pesante rispetto a molte delle band beat che dominavano le onde radio in quel periodo. Le loro prime prove erano un crogiolo di riff bluesy, improvvisazioni acide e testi che spesso toccavano temi di oscurità e introspezione.

La formazione iniziale subì diversi cambiamenti nei suoi primi mesi di vita. Il chitarrista Danny Weis, con il suo stile blues-rock incisivo, si unì al gruppo, portando con sé un elemento di virtuosismo e aggressività sonora. Al basso si alternarono diversi musicisti, fino all'arrivo di Greg Willis, che fornì una solida base ritmica. Questa prima incarnazione degli Iron Butterfly si esibiva nei piccoli club e nelle feste della zona di San Diego, costruendosi lentamente un seguito locale grazie alla loro energia sul palco e al loro suono distintivo.

Il nome "Iron Butterfly" nacque da un'idea di Doug Ingle. Voleva un nome che rappresentasse un contrasto, un'unione di elementi apparentemente opposti: la forza e la pesantezza del ferro accostate alla fragilità e alla leggerezza di una farfalla. Questa dicotomia rifletteva in qualche modo la loro musica, che spesso combinava riff potenti e ritmi incalzanti con melodie eteree e passaggi strumentali atmosferici.

Nel 1967, la band decise di fare il grande salto e trasferirsi a Los Angeles, l'epicentro della scena musicale californiana. Qui, si immergerono nel fervore creativo di Sunset Strip, suonando in locali leggendari come il Whisky a Go Go e il Bido Lito's. La competizione era feroce, ma gli Iron Butterfly riuscirono a distinguersi grazie al loro suono unico e alla presenza scenica intensa di Ingle.

Fu durante questo periodo cruciale a Los Angeles che la formazione della band subì un cambiamento significativo che avrebbe plasmato il loro destino. Il bassista Greg Willis lasciò il gruppo e venne sostituito da un giovane e talentuoso musicista di nome Lee Dorman. Dorman, con il suo stile di basso melodico e la sua solida presenza scenica, si integrò perfettamente nel suono della band, aggiungendo una nuova profondità alle loro composizioni.

Poco dopo l'arrivo di Dorman, anche il batterista Jack Pinney decise di lasciare la band. Il suo sostituto fu un giovane e dinamico batterista di nome Ron Bushy. Bushy portò con sé una precisione ritmica e una potenza che diedero un nuovo impulso alla sezione ritmica degli Iron Butterfly. La sua chimica con Lee Dorman creò una base solida e propulsiva per le evoluzioni sonore della band.

Con questa nuova formazione, composta da Doug Ingle (organo, voce), Danny Weis (chitarra), Lee Dorman (basso) e Ron Bushy (batteria), gli Iron Butterfly erano pronti a spiccare il volo. Le loro esibizioni dal vivo divennero sempre più potenti e ipnotiche, catturando l'attenzione di un pubblico sempre più numeroso. Il loro suono, un misto di blues oscuro, psichedelia acida e proto-heavy metal, stava trovando la sua voce distintiva.

Le voci sulla band che univa la forza del ferro alla delicatezza di una farfalla iniziarono a diffondersi oltre i confini dei club di Los Angeles. Qualcosa di speciale stava per emergere dalle ombre di San Diego, un suono che avrebbe presto conquistato le classifiche e lasciato un segno indelebile nella storia del rock. Questo era solo l'inizio del loro viaggio, il preludio al loro volo epico.

Eugenio Finardi - Commento all'album "Tutto"

 

 

Premessa necessaria

Eugenio Finardi mi ha accompagnato dai vent'anni ad oggi, diventando una colonna sonora costante delle mie vicende quotidiane. Ho avuto il privilegio di intervistarlo un paio di volte e ho sempre trovato nella sua musica un tema che si accoppiava perfettamente alle mie esperienze. A differenza di molti cantautori suoi coevi, Finardi ha sempre dimostrato un'attenzione quasi maniacale per gli aspetti musicali, partendo dal rock ma sconfinando in ogni genere possibile, e miscelando una certa classicità, diventando a mio giudizio molto trasversale.

A pensarci bene, negli anni ’70 non esisteva nulla di italiano che proponesse il rock, a differenza, ad esempio, del genere Prog, che poteva contare su grandi gruppi che nulla avevano da invidiare alle band d’oltremanica. Insomma, il rock – carico di messaggi – era targato “FINARDI”!

COMMENTO AL NUOVO ALBUM

 

Con Tutto, Eugenio Finardi ci consegna un'opera che, sebbene possa evocare un senso di congedo dopo cinquant'anni di carriera, e a undici anni dal precedente lavoro in studio, si rivela in realtà un'esplorazione senza tempo delle sue speranze, riflessioni e profonde autoanalisi. Il ventesimo album in studio del cantautore milanese è un concentrato di saggezza e lucidità, un bilancio esistenziale che guarda simultaneamente al passato e al futuro, mantenendo una sorprendente attualità sonora.

L'album si dispiega attraverso undici tracce che fungono da istantanee della sua esistenza, osservate da una prospettiva che trascende il contingente. Finardi si conferma un maestro narratore, guidandoci attraverso un percorso intimo e universale. La sua capacità di attraversare le "ere" musicali e sociali con integrità artistica è evidente anche qui: le sonorità elettroniche avvolgenti, che a tratti richiamano un certo Franco Battiato, si fondono con testi densi e ricchi di significato, creando un connubio equilibrato tra musica, parole e concetti. La tracklist stessa rivela una struttura narrativa interconnessa, dove ogni brano sembra portare in sé l'eco del precedente, in una sorta di "blockchain" cantautorale.

Un aspetto fondamentale nella realizzazione di questo disco è il metodo di lavoro adottato, ispirato al modello "Beatles" nel film Get Back, come lo stesso Finardi ha raccontato. Si è trattato di un lavoro quotidiano e codificato, con orari di lavoro pianificati e rigorosamente rispettati, una disciplina che ha permesso di plasmare l'opera con precisione e dedizione.

In questo processo, un ruolo di primaria importanza è stato svolto dal chitarrista e produttore Giovanni "Giuvazza" Maggiore, da molti anni suo compagno di viaggio nella musica. La sua maestria e la sua sensibilità musicale hanno contribuito in modo significativo a definire le sonorità e l'arrangiamento delle tracce, dimostrando una sinergia artistica consolidata e profonda che si riflette nella qualità del risultato finale.

Tutto è un disco che scava nei ricordi, analizza il presente e si confronta con le incertezze del futuro, toccando persino la fisica quantistica e i misteri dell'esistenza. Finardi traccia un quadro del suo percorso come uomo, sempre attento alla realtà sociale e alle sfumature del sentimento.

Il viaggio si apre con "Futuro", dove la speranza in una tecnologia capace di unire le persone nell'Amore si contrappone all'ironica consapevolezza di un potenziale distacco umano, in un dialogo con il suo celebre "Extraterrestre" del '78. 

Il brano successivo, "Bernoulli", approfondisce ulteriormente le riflessioni sul caos e l'ordine dell'esistenza. 

Il brano successivo, "Tanto tempo fa", rievoca le sonorità degli esordi, riflettendo sulla semplicità di un tempo in cui le idee erano la vera ricchezza, pur mettendo in guardia dalla schiavitù del pensiero e dalla ricerca di ideali effimeri. La lucida affermazione che "La Verità non esiste. Esistono le persone" ne è il culmine.

Il percorso si fa più intimo con "La Battaglia", un brano dalla profonda risonanza interiore, dove la chitarra acustica introduce un momento di riflessione sulla genitorialità, sull'amore incondizionato che include il doloroso ma necessario atto di "lasciar andare" i figli verso la propria libertà. Questa tematica si evolve in "Francesca Sogna", un duetto toccante con la figlia Francesca (in arte Pixel), in cui la voce giovane e sfumata di lei si accosta a quella matura del padre, esplorando le incertezze e le speranze della giovinezza.

"La mano di uno che sa" e "Onde di Probabilità" introducono una tensione più marcata, con musiche ipnotiche che accompagnano riflessioni sulla vita, sulla saggezza acquisita e sul parallelismo tra l'esistenza e la fisica quantistica. "I venti della luna" alleggerisce l'atmosfera, riprendendo il ritmo della speranza e della spinta vitale, con un richiamo al Bob Dylan della giovinezza, sottolineando come la vita vada affrontata qui, sulla Terra, con tutte le sue forze.

A seguire, "Massiccio attacco di panico" offre un momento di catarsi e liberazione, affrontando con lucidità e una certa ironia un'esperienza comune e profonda.

"Pentitevi" affronta il tema della fine e della redenzione con un'ironia che esorta a vivere pienamente, accettando gli errori. L'album si chiude con "La facoltà dello stupore", un brano di straordinaria liricità che celebra l'amore e il cammino condiviso con una persona speciale, affermando che, nonostante le apparenze, per un amore così profondo non esiste mai un vero finale.

Tutto non è solo un disco, ma un testamento artistico di grande spessore. La sua forza concettuale e la profonda liricità sono accompagnate da una musicalità senza tempo, capace di spaziare tra atmosfere leggere, passaggi rock e la maestosità di brani complessi. Eugenio Finardi, con quello sguardo un po' beffardo e complice in copertina, ci interroga e ci invita a riflettere. Un'opera da ascoltare con attenzione, che smentisce ironicamente la sua stessa idea di "fine", dimostrando che la sua energia creativa è tutt'altro che esaurita.

 A proposito del video di "Futuro", devo dire che è un'esperienza davvero suggestiva e, per chi come me ha seguito Finardi per tanto tempo, quasi commovente. La magia sta proprio nella sua capacità di far scorrere cinquant'anni di vita in pochi minuti.

È incredibile come in quelle immagini si riesca a cogliere l'essenza di un percorso artistico e personale lunghissimo. Rivisitare mezzo secolo di storia attraverso gli occhi e l'arte di Finardi, condensato in un'unica clip, è un'occasione rara. Si vedono gli inizi, le trasformazioni, le evoluzioni, ma anche la coerenza e la lucidità che lo hanno sempre contraddistinto. È un concentrato visivo che permette di apprezzare ancora di più la profondità e la longevità della sua carriera, rendendo tangibile il viaggio che ha compiuto e che, in qualche modo, abbiamo fatto anche noi al suo fianco.

 

Tracklist

01. Futuro (03:07)

02. Bernoulli (03:01)

03. Tanto Tempo Fa (03:31)

04. La Battaglia (04:00)

05. Francesca Sogna (feat. Pixel) (03:05)

06. La Mano Di Uno Che Sa (04:19)

07. Onde Di Probabilità (02:36)

08. I Venti Della Luna (03:52)

09. Massiccio Attacco Di Panico (02:01)

10. Pentitevi (04:21)

11. La Facoltà Dello Stupore (04:48)