Ricordando i The Trip attraverso un video storico

Approfitto di un video storico di UNDER 20 per ricordare - senza voler essere esaustivo - in modo minimale i The Trip, band italiana di rock progressivo che ha lasciato un segno importante nella scena musicale italiana degli anni '70. Cliccando sui titoli degli album è possibile rinfrescare la memoria.

Il gruppo nasce dall'incontro tra musicisti italiani e britannici, tra cui Riki Maiocchi e Ritchie Blackmore (futuro chitarrista dei Deep Purple).

La loro musica è da subito caratterizzata da un mix di rock psichedelico, blues e influenze sinfoniche, che li ha resi un punto di riferimento per gli appassionati del genere.

Il loro primo album, semplicemente intitolato "The Trip", viene pubblicato nel 1970 e riscuote un grande successo, posizionandoli tra i protagonisti del rock progressivo italiano.

Nel corso degli anni la band sperimenta diverse sonorità, mantenendo sempre un alto livello di qualità e originalità.

Dopo lo scioglimento negli anni '70, il gruppo si è riunito più volte nel corso degli anni, mantenendo viva la fiamma della loro musica.

La musica dei The Trip è caratterizzata da arrangiamenti complessi, melodie accattivanti e improvvisazioni virtuosistiche. I loro testi affrontano temi esistenziali e sociali, con un linguaggio ricco di immagini e suggestioni.

Sintetizzando, I Trip hanno ispirato numerose band italiane, contribuendo a diffondere il rock progressivo nel nostro paese.

Della primissima formazione facevano parte Riki Maiocchi (voce, uno dei fondatori della band), Ritchie Blackmore (chitarra; prima di raggiungere la fama con i Deep Purple, ha suonato con i Trip), William Gray (voce e chitarra, altro membro fondatore, Arvid Wegg Andersen (voce e basso), Ian Broad (batteria).

La lineup dei primi due album ha visto in campo Joe Vescovi (tastiere e voce, un vero e proprio maestro delle tastiere, colui che ha portato una dimensione sinfonica e complessa alla musica dei The Trip), Pino Sinnone (batteria), Wegg Andersen (voce e basso, che ha continuato a essere una presenza importante nella band), Billy Gray (chitarra; lasciò il gruppo dopo l'album "Caronte" per intraprendere una carriera solista).

Dopo l'uscita di Billy Gray e Pino Sinnone, Furio Chirico prese il posto di quest'ultimo alla batteria. Con questa formazione sono stati registrati gli album "Atlantide" e "Time of Change".

Personalmente ricordo di aver visto i The Trip live con Nunzio “Cucciolo” Favia alla batteria.

Esistono oggi nuove diramazioni della band, ma in questa occasione mi preme sottolineare il passato…

Ovviamente il nome The Trip porta immediatamente alla figura di Joe Vescovi, incarnazione della musica progressiva italiana e oltre.

Ecco lo spezzone video a cui accennavo, vero pezzo di storia!

Steve Howe si racconta...

 

Steve Howe sceglie i suoi dischi, artisti e concerti di importanza duratura

Attraverso periodi di alto profilo con gli Yes (in quattro ere), i supergruppi Asia e GTR, lo spin-off degli Yes Anderson Bruford Wakeman & Howe, lo Steve Howe Trio e anche come prolifico artista solista, il chitarrista, cantautore e produttore Steve Howe ha svolto un ruolo chiave nella scena musicale britannica per sei decenni.

La prima musica che ricordo di aver sentito…

Quando ero giovane i miei genitori avevano molti dischi. Avevano Les Paul e Mary Ford e un bel po' di musica dance. È probabile che la mia prima esperienza musicale sia stata qualcosa di Mantovani (direttore di orchestra leggera).

La prima canzone che ho eseguito dal vivo…

Non posso dirlo con certezza, ma è probabile che fosse qualcosa dei The Shadows. Era una band formata da un gruppo di ragazzi della Barnsbury Boys School, ragazzi come me, che pensavano di saper suonare quel repertorio. Da ricoradere “Apache”.

Il più grande album di tutti i tempi…

Uno degli album più grandi che mi vengono in mente oggi è “Teensville”, di Chet Atkins (1960). È il disco di chitarra più influente che abbia mai sentito. Gli Shadows erano dannatamente bravi e mi hanno davvero scosso, ma Chet era di un'altra lega. Teensville aveva suoni e texture così grandiosi e così tante canzoni fantastiche, ma era il suo modo di suonare la chitarra che significava così tanto per me.

Il cantautore…

Bob Dylan. Anche i Beatles erano grandi autori, ma come singolo Bob uscì con “Blowin' In The Wind” (1962) e questo mi colpì molto. L'ho seguito fino a “Street-Legal” (1978). C'erano un sacco di asperità, ma è quello che mi piaceva delle sue canzoni. Bob aveva un repertorio molto più ampio dei Beatles, ed entrambi divennero incredibilmente influenti, ma trovo ancora Dylan meraviglioso.

L'eroe della chitarra…

Avevo sedici anni quando vidi suonare Wes Montgomery. È un chitarrista meraviglioso! Wes suonava con il pollice, il che era insolito. Suonava anche le ottave a velocità mai sentite prima, a volte con un metodo di accordi. È una parte del mio modo di suonare da molti, molti anni. Era meraviglioso.

Il cantante…

Ci sono stati tanti cantanti che mi sono piaciuti negli ultimi quarant'anni, da Tony Bennett a Seal, sino a Jon Davison negli Yes, ma penso che il migliore sia Elvis Presley, in particolare i suoi anni alla Sun Records (1953-'55). In un certo senso, rispetto a ciò che è venuto dopo, alcune di quelle prime canzoni erano un po' scialbe, ma il modo in cui è entrato in scena, il modo in cui cantava e le cose che faceva con la sua voce lo hanno reso straordinario.

Il miglior disco che abbia mai fatto…

Senza pensarci troppo dico “Close To The Edge” (quinto album degli Yes, del 1972). È un disco fantastico. Quando senti quel pezzo di chitarra all'inizio di “And You And I”, intendo... questo è un disco con molta atmosfera, e a quel punto eravamo una band davvero vivace.

Il peggior disco che abbia mai fatto…

Vediamo se me ne viene in mente uno. Ci sono alcuni movimenti che ho suonato su “Tormato” (1978) di cui mi pento. Mi rende la vita difficile quando provo ad ascoltare quell'album, quindi la colpa è solo mia. Ma sono riuscito a farne alcuni buoni nel frattempo, giusto?

La band più sottovalutata di sempre…

I Big Three, una band di Liverpool. Avevano una canzone intitolata “Some Other Guy” (1963), e ogni volta che la sentivi l'assolo di chitarra faceva sì che tutti si chiedessero: "Chi è quel tizio?" Be', si chiamava Brian Griffith. Ora vive in Australia. Avevo qualche contatto con lui. Suonava una Hofner Colorama, che non era uno strumento con cui mi sarebbe piaciuto cimentarmi.

Il miglior album dal vivo…

I Weather Report hanno realizzato diversi album dal vivo molto intensi ed emozionanti. Stavano lì a suonare e ti facevano pensare: "Questo è incredibile". È una band che ha davvero cambiato le cose.

L'eroe di culto…

Albert Lee meriterebbe una fetta molto più grande di riflettori. Guarda le persone con cui Albert ha lavorato: gli Everly Brothers, Chris Farlowe, Bill Wyman... che chitarrista sottovalutato. Ma penso che per fare quel salto successivo devi fare un patto col diavolo, per così dire, e lui non l'ha mai fatto.

La mia canzone per la festa del sabato sera…

Se sto per uscire, mi capita di ascoltare “Rock Around The Clock” di Bill Haley & The Comets. È sempre il mio sabato sera. È una canzone che ha davvero superato la prova del tempo.

Il mio vizio colpevole…

Negli anni '70, prima che diventasse di moda ammetterlo, erano gli ABBA. Amavo quei singoli degli ABBA. E quando uscirono i Libertines mi piaceva molto quella band. Il loro grunge era fantastico. Mi piaceva il modo in cui rockeggiavano davvero, e anche il fatto che quasi crollarono ma non ci riuscirono del tutto.

I Pink Floyd - e i Van der Graaf Generator - approdano alla UniSavona... e i corsisti diventano docenti!

 

Nuova puntata Prog all’UniSavona, quella del 27 novembre.

Dopo un’introduzione dedicata all’importanza delle liriche all’interno di un brano musicale, e qualche riflessione sul concetto di “qualità e virtuosismo”, riferiti ai musicisti che hanno fatto la storia, rispetto a quelli attuali, si è passati all’argomento principale di giornata, i Pink Floyd, già affrontati nella lezione precedente attraverso il brano iconico “The great gig in the sky”.

In questo caso Renata ha illustrato agli altri corsisti i significati racchiusi nella copertina di “The Dark Side Of The Moon”.

Ma non è stato, il suo, l’unico intervento… guardare il video per trovare soddisfazione nella presentazione di Corrado!

Ma quante ne sanno questi “scolari”!

Nella seconda parte si è dato inizio al topic su cui verterà la prossima lezione, i Van der Graaf Generator.

Dei Pink Floyd e dei VdGG si è ascoltato alcuni brani, sfruttando a pieno le possibilità fornite dalla Sala Stella Maris, posta nella Darsena savonese.

Si prosegue spediti, chiacchierando e ascoltando musica, momenti sereni, impagabili, fortunatamente ripetibili.

E chissà cosa accadrà il prossimo mercoledì!

I Riverside annunciano il nuovo album dal vivo, “Live ID”: "È un album che rivela la vera identità della band".

I prog rocker polacchi Riverside pubblicheranno a gennaio il nuovo album dal vivo, Live ID.

 

I prog rocker polacchi Riverside hanno annunciato che pubblicheranno il 24 gennaio un nuovo album dal vivo, Live ID., tramite InsideOut Music.

La band ha anche condiviso un nuovo video live di Landmine Blast dal nuovo album, registrato il 1° giugno al COS Torwar di Varsavia durante il tour di supporto all'album I D.Entity dell'anno scorso, che contiene 12 canzoni per una durata complessiva di oltre 110 minuti.

"Direi che i Riverside danno sempre il meglio di sé, sia nei concerti che negli album in studio", afferma il bassista e cantante Mariusz Duda. "In effetti, è solo durante le esibizioni dal vivo che le nostre canzoni raggiungono il loro pieno potenziale. Inoltre, alcuni arrangiamenti sono molto migliori nelle versioni live che nelle registrazioni in studio. Ci sono molte sfumature, stranezze e, soprattutto, spiegazioni su cosa rappresenti la musica dei Riverside. Ecco perché “Live ID”. non è solo un normale album dal vivo. È un album che rivela la vera identità della band".

I Riverside si esibiranno al Midwinter Prog Festival del prossimo anno al TivoliVredenburg di Utrecht il 25 gennaio e anche al Cruise Toe The Edge del prossimo anno ad aprile.

“Live ID.” sarà disponibile in edizione limitata come digipak 2CD+Blu-ray (con libretto di 24 pagine; il Blu-ray include le opzioni audio stereo e 5.1 per lo spettacolo dal vivo, più uno speciale dietro le quinte), gatefold 3LP su vinile da 180 g con libretto LP di 8 pagine o come album digitale.

CD1

1. #Addicted

2. Panic Room

3. Landmine Blast

4. Big Tech Brother

5. Lost

6. Left Out

CD2

1. Post-Truth

2. The Place Where I Belong

3. Egoist Hedonist

4. Friend or Foe?

5. Self-Aware

6. Conceiving You

I Pink Floyd non sapevano come uscire dall'assolo di “Another Brick In The Wall”: posso provarci?" Così il maestro del jazz Lee Ritenour ha aiutato David Gilmour a tracciare il singolo epico della band

Il chitarrista americano sapeva che le sue registrazioni non sarebbero mai apparse sul disco, ma sa che il suo contributo ha fatto la differenza nella canzone del 1979

Quando i Pink Floyd stavano lavorando a The Wall, decisero di chiamare il maestro del jazz americano Lee Ritenour, le cui centinaia di crediti includono Steely Dan e Sparks, per aiutarli a rinforzare alcune delle sezioni di chitarra. Nel 2020 Ritenour raccontò a Prog del suo coinvolgimento in Another Brick In The Wall, Part 2, e di come l'esperienza accrebbe il suo rispetto per la band.

Gli anni '70 sono stati un periodo fantastico a Los Angeles. Ero in giro per un po' di roba prog rock, quando ricevetti una chiamata da Bob Ezrin che mi diceva: 'Vorresti registrare con i Pink Floyd?', ma non mi disse che era per The Wall.

Dissi che sarebbe stato meraviglioso ma… David Gilmour aveva davvero bisogno di me?" Bob rispose che volevano un po' di ritmo e colore in più, e forse avrei potuto dare una mano. Ho finito per suonare il ritmo su “One Of My Turns” e la chitarra acustica su “Comfortably Numb”.

Mi presentai con una enorme cassa piena di chitarre e mi sistemai pensando che avrei fatto colpo su David Gilmour. Entrai nel laboratorio del produttore e David aveva circa 21 chitarre allineate nella stanza, tutte le più grandi chitarre che si possano immaginare! È stato fantastico!

Erano molto cool, e stavano lavorando all'assolo di chitarra per Another Brick In The Wall. Ricordo che Bob, David e l'ingegnere proposero un ascolto: suonava davvero bene!

Era Gilmour al 100%... anche se forse ci sono un paio di riff a cui diedi un po' di ispirazione.

Dissero che non sapevano come uscire dall'assolo e mi chiesero se mi sarebbe piaciuto provare qualche riff alla fine. Era solo per vedere cosa avrei fatto, anche se poi non l'avrebbero usato. Insomma, volevano solo rinfrescarsi le orecchie, nel tentativo di ottenere il punto di vista di qualcun altro per trovare ispirazione.

Impostai il mio sound e cercai di avvicinarmi un po' a quello che stava facendo David, che non era poi così lontano dal mio modo di suonare dell’epoca. Quando il disco uscì, era al 100 percento Gilmour con le sue idee. Ma forse ci sono un paio di riff lì dentro per i quali ho dato loro un po' di ispirazione!

Con tutta la mia roba jazz e pop che ho fatto, i Pink Floyd mi risultano come un’esperienza insolita una cosa insolita, ma quel disco regge ancora. In quel periodo, i Pink Floyd, insieme ai Genesis, in particolare col versatile Phil Collins, erano i miei preferiti.

 

 

"Pink Moon" di Nick Drake: la canzone e l'album

Vorrei soffermarmi su di una canzone singola, “Pink Moon” di Nick Drake, meravigliosa e super conosciuta per effetto di una pubblicità in particolare, ma forse abbinata ad altre “necessità comunicative”.

"Pink Moon" è anche il titolo dell'album uscito nel 1972, che contiene la traccia omonima come titolo di apertura.

Stiamo parlando di una canzone acustica caratterizzata da una melodia semplice e un testo evocativo, famosa per il suo stile minimalista e l'intensità emotiva che trasmette. È diventata una delle canzoni più conosciute e amate di Nick Drake, ed è stata utilizzata in diverse produzioni cinematografiche e pubblicitarie nel corso degli anni, guadagnando un maggior riconoscimento postumo per l'artista.

Ho trovato un commento al brano che mi ha fatto sognare, come e più della canzone:

La ascolto tutte le sere, dieci minuti dopo aver timbrato il cartellino di fine lavoro. Guido per le strade di campagna ringraziando Dio di essere tornato a casa sano e salvo ogni notte. Questa canzone significa per me profondità. Non importa quanto sia stato brutto il turno, quante cose siano andate storte, anche le più semplici. Io sorrido sempre perché la canzone mi ricorda che ho superato un altro giorno.

L'ho visto scritto e l'ho visto dire

La luna rosa è in arrivo

E nessuno di voi è così alto

La luna rosa vi prenderà tutti

Ed è una luna rosa

Sì, una luna rosa

 

Beh, proviamo ad ascoltarla!

 

Si sente spesso parlare di Nick Drake, genio/malato/sfortunato, cantautore mancato giovanissimo.

Una sintesi della sua storia…

Nick Drake è stato un cantautore britannico nato il 19 giugno 1948 e morto il 25 novembre 1974. Nonostante la sua breve carriera e la scarsa notorietà durante la sua vita, Drake è diventato un’icona della musica folk e ha influenzato molti artisti successivi.

Drake è conosciuto per le sue canzoni intime e malinconiche, caratterizzate da una chitarra acustica delicata e un’estetica poetica. I suoi album più noti includono “Five Leaves Left” del 1969, “Bryter Layter” del 1970 e “Pink Moon” del 1972. Nonostante il suo talento musicale, Drake lottò con problemi di salute mentale e depressione, e si ritirò dalla scena musicale poco prima della sua morte all’età di soli 26 anni. La sua musica ha guadagnato popolarità e apprezzamento postumo, e viene spesso citata come un esempio di genio misconosciuto.

Scopriamo qualcosa in più dell’album…

 

 Nick Drake- "Pink Moon” 

Island Records

25 febbraio 1972

"Pink Moon" è il terzo e ultimo album in studio di Nick Drake, pubblicato nel 1972, ed è considerato uno dei capolavori più intimi e influenti nella storia della musica folk. 

Con soli 28 minuti di durata, rappresenta un'esperienza musicale compatta, ma intensa. È un lavoro minimalista, caratterizzato principalmente dalla voce di Drake accompagnata dalla sua chitarra acustica. L'album è stato registrato in pochi giorni, conferendo un'atmosfera intima e spontanea alle registrazioni.

Le canzoni sono intrise di malinconia e tristezza, e affrontano temi come l'isolamento, la solitudine e la fragilità dell'esistenza umana. Le liriche di Drake sono profonde, introspettive e poetiche, con un'economia di parole che amplifica l'impatto emotivo delle sue canzoni. La sua voce delicata si fonde perfettamente con la melodia malinconica della chitarra, creando un'atmosfera struggente e intima.

Il titolo dell'album è tratto dalla canzone omonima che apre il disco. È un brano iconico che cattura immediatamente l'ascoltatore con la sua semplice bellezza e la sua melodia coinvolgente. Altri pezzi notevoli includono "Place to Be" e "Road", che esplorano sentimenti di alienazione e ricerca interiore.

"Pink Moon" non ha ricevuto un grande successo commerciale all'epoca della sua uscita, ma nel corso degli anni ha guadagnato un seguito devoto di appassionati grazie alla sua profondità emotiva e alla sua qualità musicale senza tempo, ed è un album che merita di essere ascoltato attentamente, lasciandosi catturare dalla bellezza malinconica delle sue canzoni.

È cosa certificata che abbia lasciato un'impronta indelebile nella storia della musica folk.

Tracce (cliccare sul titolo per ascoltare)

Testi e musiche di Nick Drake

Lato A

Pink Moon – 2:00

Place to Be – 2:39

Road– 1:58

Which Will – 2:56

Horn – 1:19

Things Behind the Sun – 3:23

Lato B

Know – 2:23

Parasite – 3:30

Free Ride – 2:57

Harvest Breed – 1:00

From the Morning – 2:25

Qualcuno ha scritto a proposito del disco:

“Mi piace pensare a tutto questo come un esempio del perché la musica registrata è una forma d'arte così importante. Questo album mi ha fatto provare delle forti emozioni, che non riesco ad esprimere a parole, ma è per me uno stato tangibile. Se sei un creatore di qualsiasi tipo, che tu sia un poeta, un pittore o un cantante, ti esponi, ma è facile dimenticare perché l'arte è così preziosa. Medici, vigili del fuoco, cuochi e insegnanti svolgono mestieri nobili, importanti linee di lavoro, e sono le persone che ci tengono in vita. Tuttavia, gli artisti come Nick Drake sono le persone che rendono la vita degna di essere vissuta, e questo è altrettanto importante.

Sono dispiaciuto del fatto che Nick Drake sia morto così giovane, ma sono contento che possiamo ancora sperimentare la sua musica e del senso di pace che produce.”

“Nick Drake, il Van Gogh della musica, giovane timido rifiutato durante la sua vita, ma diventato estremamente influente dopo la sua morte. La sua musica è come quei dipinti, quelli di Van Gogh, colorata, calda e piacevole”.

Parlando di "We Used to Know" dei Jethro Tull

 

"We Used to Know" - Jethro Tull 

I melomani più navigati saranno abituati all’accostamento tra “We used to know” dei Jethro Tull e “Hotel California” degli Eagles.

 

In effetti il brano degli Eagles ricorda molto quello dei Tull essendo la progressione degli accordi la medesima. In ogni caso esiste una differenza temporale: ’69 per i JT e ’77 per gli Eagles, quindi, se influenza c’è stata, va in una direzione precisa.

Gli Eagles e i Jethro Tull fecero un tour insieme agli inizi degli anni '70 e gli Eagles ebbero modo di ascoltare questa canzone. Ian Anderson, comunque, in un'intervista, esclude, generosamente, il plagio e parla piuttosto di un tributo degli Eagles al pezzo in questione.

Ma proviamo a raccontare qualcosa su "We Used to Know", presente nell'album "Stand Up", brano che, nonostante la sua apparente semplicità, cela profondità lirica e musicale notevoli. La canzone, composta da Ian Anderson, è diventata un classico, apprezzata per la sua melodia malinconica e per il testo evocativo.

Le parole della canzone forniscono chiari i riferimenti ad un tipo di vita disagiata, comune ai membri della band prima di ottenere il grande successo, ed è chiaro il riferimento ai vecchi compagni che decisero di abbandonare il gruppo per tornare a casa (Barriemore Barlow, John Evan e i due sassofonisti Neil Valentine e Tony Wilkinson), a cui Anderson si rivolge con un'amichevole saluto e con un augurio di buona fortuna. Come risaputo, Barrie e John daranno successivamente… una grossa mano!

Ma come accade per le liriche in generale (sfido chiunque a svelare la cripticità di certi testi in lingua italiana senza l’aiuto dell’autore!), è possibile fornire una interpretazione personale, che è poi il modo per interagire con chi ha creato. E poi l’impatto sonoro risulterà determinante per condizionare il mood generale e quindi le conclusioni.

La prima cosa che colpisce ascoltando "We Used to Know"- e questo è un fatto oggettivo - è l'atmosfera nostalgica che pervade l'intera canzone. La melodia, caratterizzata da un ritmo lento e da una partenza in accordo minore (il MI), evoca un senso di spleen legato al racconto di un passato ormai lontano. Il flauto di Anderson, elemento distintivo del suono dei Jethro Tull, ha qui un ruolo soprattutto solista e di congiunzione tra le strofe.

Il testo è ricco di riferimenti al passato e all'infanzia. L'uso di espressioni come "bad old days" e "shillings spent" crea un'immagine vivida di un tempo ormai perduto ela canzone sembra essere una riflessione sulla crescita, sul passare del tempo, e sul modo in cui ricordiamo il passato.

Molti fan interpretano la canzone come una semplice espressione di rammarico per l'infanzia ormai lontana, un periodo della vita caratterizzato dalla spensieratezza e dall'innocenza. Altri vedono in "We Used to Know" come una riflessione più profonda sulla vita e sulla mortalità. Le frasi "Fears of dying, getting old" e "Then to revisit stony grounds" suggeriscono un'ansia per il futuro e una consapevolezza della finitezza dell'esistenza.

La canzone potrebbe anche essere interpretata come un rimpianto per un passato che non può essere recuperato, per un'amicizia o un amore perduti. Insomma, sono tanti gli spunti di riflessione e tutti centrati, anche se forse al contorno dell’esatto obiettivo.

Dal punto di vista musicale, "We Used to Know" è un brano che dimostra la versatilità dei Jethro Tull. La canzone combina elementi del folk rock con influenze blues e jazz, creando un sound unico e riconoscibile. Il ruolo del flauto di Anderson è fondamentale, in quanto conferisce alla canzone una complessità che la distingue dai brani più commerciali dell'epoca.

E quindi… non resta che ascoltarla!

PAR CONDICIO

"Adoro programmare tutta la musica house prima dello spettacolo": ascolta la playlist per il pubblico che Mike Portnoy ha compilato per il tour dei Dream Theater

La playlist per il pubblico di Mike Portnoy per DT40 include brani di Snarky Puppy, Queens Of The Stone Age, Frank Zappa, Jack White e molti altri

Il batterista Miker Portnoy ha condiviso la playlist che ha compilato per il tour del 40° anniversario dei Dream Theater. Portnoy, che si è riunito alla band nel 2023 dopo averla lasciata nel 2010, è tradizionalmente responsabile della musica che il pubblico ascolta prima che i Dream Theater salgano sul palco.

Tra i brani della playlist ci sono l'apertura Lingus del gruppo fusion Snarky Puppy, l'epica Follow My Way di Chris Cornell e due canzoni del duo jazz-funk elettronico Knower, tra cui il singolo dell'anno scorso dal titolo eccellente Do Hot Girls Like Chords?

"Una delle cose che amo fare per tutte le band e i tour che ho fatto è programmare tutta la musica house prima dello spettacolo", dice Portnoy. "Ecco cosa hanno ascoltato i partecipanti agli spettacoli del DT40 prima che Rooster e Psycho iniziassero lo spettacolo ogni sera"...

Snarky Puppy - Lingus

The Flaming Lips - Pompeii Am Götterdämmerung

Air - Playground Love

Frank Zappa - Fifty-Fifty (Basic Tracks, Take 7)

Knower - Do Hot Girls Like Chords

The Pillbugs - Thou Doth Warm Me (Like The Sun)

Biffy Clyro - Cop Syrup

Beck - Lonesome Tears

Sonoride - Vagabond Avenue

Chris Cornell - Follow My Way

Queens Of The Stone Age - Il vampiro del tempo e della memoria

Muse - Sing For Absolution

Jack White - Lazaretto

Knower - It's All Nothing Until It's Everything

Opeth - To Rid The Disease

Mr. Bungle - Ars Moriendi

Dopo questa selezione, il pubblico ascolta Rooster degli Alice In Chains, una scelta ricorrente di Portnoy durante il suo primo mandato nei Dream Theatre, prima che la vera e propria registrazione introduttiva (il tema principale della colonna sonora di Bernard Herrmann per il classico film horror di Alfred Hitchcock Psycho) faccia entrare tutti in uno stato d'animo festoso.

L'intera playlist è incorporata qui sotto, a parte la traccia Pillbugs, che non è su Spotify, quindi occorre immaginarla.

Il DT40 dei Dream Theater continua - date a seguire.

ASCOLTA LA PLAYLIST SU SPOTIFY

Tour del 40° anniversario dei Dream Theater

21 novembre: Francoforte Jahrhundderthalle, Germania

23 novembre: Parigi Adidas Arena, Francia

24 novembre: Amsterdam AFAS Live, Paesi Bassi

07 feb: Philadelphia The Met, PA

08 feb: Raleigh Martin Marietta Center, NC

10 feb: Nashville Opry House, TN

11 feb: Atlanta Coca-Cola Roxy, GA

12 feb: Biloxi Hard Rock Cafe, MS

14 feb: Houston 713 Music Hall, TX

15 feb: Dallas Texas Trust CU, TX

16 feb: San Antonio Majestic, TX

18 feb: Phoenix Arizona Financial Center, AZ

19 feb: Highland Yaamava Theater, CA

21 feb: Las Vegas Cosmo, NV

22 feb: Los Angeles Youtube Theater, CA

24 feb: San Jose San Jose Civic, CA

25 feb: Sacramento Safe Credit Union Performing, CA

27 feb: Seattle Moore Theater, WA

28 feb: Portland Keller Auditorium, OR

02 mar: Reno Grand Sierra, NV

04 mar: Salt Lake City Maverik Center, UT

06 mar: Denver Mission Ballroom, CO

Mar 08: Chicago Theatre, IL

09 marzo: Cleveland MGM Northfield Park, OH

11 marzo: Toronto Coca-Cola Coliseum, ON

12 marzo: Montreal Place Des Arts, QC

14 marzo: Wallingford Oakdale Theater, CT

15 marzo: Boston Boch Center, MA

17 marzo: Rochester Kodak, NY

18 marzo: Wheeling Capitol Theater, WV

19 marzo: Cincinnati Brady Music Center, OH

21 marzo: Washington The Anthem, DC

22 marzo: New York Radio City Music Hall, NY

Riscoprendo l'Uovo di Colombo

 

Incuriosito da un vecchio brano di l’Uovo di Colombo, estrapolato dalla trasmissione RAI settantiana “UNDER 20”, propongo un ricordo minimale della band e qualche novità.

L'Uovo di Colombo è stata una delle realtà più interessanti della scena rock progressivo italiana degli anni '70. Nato a Roma nei primi anni del decennio, il gruppo si formò attorno a musicisti già attivi nella scena musicale romana, tra cui Enzo e Elio Volpini (provenienti dai Flea on the Honey), Ruggero Stefani (ex batterista degli Equipe 84) e Toni Gionta.

L'Uovo di Colombo proponeva un sound potente e coinvolgente, con un'impronta hard rock che si mescolava a elementi tipici del progressive, come lunghe jam session, sperimentazioni sonore e strutture complesse.

Tra le principali influenze della band si possono citare gruppi come Emerson, Lake & Palmer, le Orme e Deep Purple, ma avendo una forte personalità, il loro sound risultò riconoscibile e caratteristico.

Si misero in luce come uno dei gruppi più promettenti di quegli anni, con alcune esibizioni dal vivo in festival e concerti, tra i quali quello forse più memorabile ebbe luogo il 10 marzo del 1973 al Palasport di Roma, dove fecero da spalla ai Deep Purple.

Ottenuto un contratto discografico con la EMI Italiana, il gruppo pubblicò il suo unico album dell’epoca, omonimo, e pochi mesi dopo l'uscita si sciolse.

Il disco, considerato uno dei migliori del rock progressivo italiano, venne ristampato più volte nei decenni successivi, sia in vinile che in CD, ed è anche stato pubblicato in Giappone.

Dopo lo scioglimento, il batterista Ruggero Stefani continuò la sua strada musicale con i Samadhi, con i Mediterraneo e con gli Alunni del sole, mentre Elio Volpini ritornò nei Flea on the Honey, ed il cantante Gionta, con il suo vero nome Toni Tartarini entrò a far parte dei Goblin registrando l'intero LP (Cherry Five).

Un album da riscoprire…

 

A cinquant’anni esatti dall’uscita dell’omonimo LP, l’ Uovo di Colombo si è ricostituito per un nuovo lavoro, “Schiavi del tempo”, con l’unico superstite leader Elio Volpini accompagnato da Stefano Vicarelli (tastiere), Sabrina Scriva (basso) e Lucrezio De Seta (batteria).

La nuova band ha dato vita ad una rivisitazione di alcuni brani della vecchia produzione nonché a nuovi inediti, ognuno dei quali interpretato da ospiti d’eccezione tra cui citiamo Antonio ed Agostino Marangolo, Carlo Pennisi, Fabio Cerrone, Pino Ballarini, Luciano Regoli e molti altri.

Il progetto riprende anche alcuni brani della produzione dei Flea (da Topi o Uomini) e degli Etna (dall’omonimo Etna).

Formazione

Toni Gionta (voce)

Enzo Volpini (tastiere, chitarra acustica, voce)

Elio Volpini (basso, chitarra, voce)

Ruggero Stefani (batteria, percussioni, voce)

Discografia

Album in studio

1973 - L'Uovo di Colombo

2024 - Schiavi del tempo 

Singoli

1973 - L'indecisione/Turba

Steve Hackett annuncia il nuovo album "Live Magic At Trading Boundaries" in uscita a gennaio

Steve Hackett pubblicherà il suo ultimo album dal vivo, Live Magic At Trading Boundaries, a gennaio

Steve Hackett ha annunciato che pubblicherà il suo nuovo album dal vivo, Live Magic At Trading Boundaries, tramite InsideOut Music il 17 gennaio.

Il nuovo album è stato registrato al locale Trading Boundaries di Fletching, East Sussex, l'anno scorso, in quella che ormai è diventata una specie di tradizione per Hackett.

Gli intimi concerti annuali vedono Hackett presentare materiale ridotto all'osso e mettere in mostra le sue acclamate composizioni classiche.

Il nuovo album dal vivo raccoglie varie registrazioni di questi spettacoli nel corso degli anni e presenta anche apparizioni di collaboratori abituali, tra cui il fratello John Hackett al flauto, Roger King alle tastiere, Rob Townsend al flauto sax e Amanda Lehmann alla chitarra e alla voce.

"È sempre una gioia per me suonare al Trading Boundaries, un luogo magico e intimo pieno di luci meravigliose e immagini esotiche, che illumina il periodo più buio dell'anno durante Natale e Capodanno", si entusiasma Hackett. "È la location perfetta per il mio set acustico".

L'album contiene una selezione di brani dei Genesis insieme al repertorio solista di Hackett, oltre a due esecuzioni di brani dall'ultimo album solista di Amanda Lehmann, Innocence And Illusion .

L'uscita è programmata in modo da coincidere con le prossime due esibizioni dal vivo di Hackett nello stesso locale, il 18 e 19 gennaio.

Live Magic At Trading Boundaries sarà disponibile come CD digipak in edizione limitata, gatefold 180g 2LP, album digitale, mixato da Ben Fenner, storico tecnico del suono dal vivo.

Steve Hackett: Live Magic At Trading Boundaries

1. Improv

2. Blood on the Rooftops

3. The Barren Land

4. Black Light

5. Horizons

6. Jacuzzi

7. Supper’s Ready (Excerpt)

8. After the Ordeal

9. Hairless Heart

10. Jazz on a Summer’s Night

11. Gnossienne No. 1

12. Walking Away from Rainbows

13. Poulenc Organ Concerto (excerpt)

14. The Red Flower of Tai Chi Blooms Everywhere

15. Hands of the Priestess

16. Memory Lane

17. Only Happy When It Rains

18. Ace of Wands

19. The Journey

Il progressive settantiano dei PING PONG

I Ping Pong sono stati un gruppo musicale rock progressivo italiano, attivo negli anni Settanta. La loro storia è piuttosto interessante e merita di essere approfondita.

Il gruppo si formò nel 1970 per iniziativa di Alan Taylor, ex bassista dei The Casuals, con il nome The Eden Rocs.

Inizialmente, la band si trasferì in Grecia e incise un album, "Reggae And Hard Rock", che però ottenne scarso successo.

Tornati in Italia, nel 1971, decidono di cambiare nome in Ping Pong e di adottare uno stile più orientato al rock progressivo, firmando un contratto con la Emiliana Records, incidendo un album acustico interamente in inglese (con l'apporto del saxofonista inglese Alan King).

Passano poi alla Spark, che pubblica il loro secondo album, About Time, con influssi fusion e testi in italiano, e che riscuote un discreto successo di critica, ma non quello commerciale sperato.

Il loro terzo album omonimo esce nel 1973.

La loro canzone più nota è Caro Giuda, cover di A Time For Winning dei Blue Mink (con il testo italiano scritto da Roberto Vecchioni), mentre il terzo 45 giri, Il miracolo (che si avvicina al pop melodico), frutta loro un'apparizione televisiva nel 1975 nel programma Adesso musica, presentato da Nino Fuscagni e Vanna Brosio.

La band si dedicò attivamente all'attività live, esibendosi in numerosi concerti in tutta Italia.

Nel 1975, con l'ingresso del batterista Roberto Poli, il gruppo cambiò nuovamente nome in Bulldog e virò verso un sound più commerciale, mescolando rock e pop.

Dopo un periodo di successo con il nuovo nome, la band si sciolse definitivamente.

Successivamente, Celso Valli diventerà un noto arrangiatore ed Alan Taylor darà vita ai Barbados Climax e contribuirà come produttore al lancio di Vasco Rossi.

I Ping Pong rappresentano uno dei tanti esempi di band italiane che hanno contribuito a far crescere e diffondere il rock progressivo nel nostro paese. Il loro sound originale e la loro passione per la musica li rendono ancora oggi un punto di riferimento per gli appassionati del genere.

 

Formazione

Mauro Falzoni: chitarra, voce

Celso Valli: tastiere

Paride Sforza: sax, clarino

Alan Taylor: basso, voce

Vittorio Volpe: batteria

Giorgio Bertolani: voce (dal 1973)

 

Discografia

Album in studio

1970 – Reggae and Hard Rock

1971 – About Time

1973 – Ping Pong

Singoli

1971 – Funny Wife/Flash Back

1973 – Caro Giuda/Il castello

1974 – Il miracolo/Plastica e petrolio