Indovinello musicale n.31

Cantante di New York dalla voce inconfondibile....

suona a Woodstock per caso,sfruttando il ritardo di Joan Baez....

come non riconoscerla!!!

Citazione del giorno:

"Il momento migliore per farsi degli amici è prima di avere bisogno di loro"(Ethel Barrymore)

Iron Buterfly

Gli Iron Butterfly, formati dall'organista Doug Ingle nel 1966 a San Diego, funsero da trait d'union fra il garage-rock e l'acid-rock .

Finirono per essere più influenti come precursori dell'heavy-metal, pur conservando la virulenza dei due stili citati.

Il primo album, "Heavy" ( 1967) mise in mostra soprattutto una grinta insolita per il rock psichedelico.

Il secondo, "In A Gadda Da Vida" (1968), facente seguito a un cambio di formazione (con il chitarrista Erik Braunn al posto di Danny Weis, passato ai Rhinoceros), divenne uno degli album più venduti di tutti i tempi.
L'"Iron Butterfly Theme" che scorazzò per le spiagge occidentali nel 1968 è il brano che sancì il loro successo di pubblico.

Sul disco troneggia una suite di diciassette minuti,” In A Gadda Da Vida”: un riff d'attacco alla Cream con improvvisazione collettiva a tema guidata dalla chitarra, un chilometrico assolo di batteria a cui si sovrappone una litania ecclesiastica d'organo con variazioni "Bachiane", e al centro il supersonico lavoro di chitarra, sino al ritorno incandescente del leit-motiv.

Fu il primo album di platino della storia del rock, con oltre tre milioni di copie vendute. .

"Ball" (1969) e "Metamorphosis" (1970) continuarono l'evoluzione del gruppo verso l'hard-rock, che era diventato di moda grazie anche loro .

Ingle stava anche tentando di incorporare stili differenti come il funk e il jazz, mentre al tempo stesso cercava di tenere a freno i ritmi furibondi e le selvagge improvvisazioni dei loro classici.

I risultati furono originali e a volte anche audaci, ma non sempre piacevoli.

Il gruppo si sciolse nel 1971 e si riformo' per “Sun and Steel” (1974) e “ Scorching Beauty” (1975), due dischi oscuri, dominati dal cantante e chitarrista Erik Braunn.

Ascoltiamoli nel loro pezzo più famoso

Fine Young Cannibals

Fine Young Cannibals
Le storie personali dei tre componenti la band sono abbastanza anonime, ma il loro amalgama ha dato un contributo indimenticabile alla storia del brit-pop degli anni ottanta.

L'avventura dei FYC parte dallo scioglimento di una formazione precedente, chiamata The Beat, avvenuto nel 1983. Il chitarrista Andy Cox e il bassista/tastierista David Steele, forti dell'esperienza nello ska/dance, cercano in fretta un cantante per formare un nuovo gruppo, e lo trovano in Roland Gift, nato a Birmingham come Cox, ma di origini caraibiche .

Gift, che stava intraprendendo una carriera da attore, si rivela l'elemento ideale per completare la miscela: dotato di un falsetto davvero singolare, aggiunge freschezza e originalità alle raffinate melodie composte dagli esperti compagni. Il nome del gruppo si ispira al film "All The Fine Young Cannibals" di Robert Wagner.

Il singolo d'esordio, "Johny Come Home" (1985) raggiunge in fretta la top ten inglese, aprendo la strada all'album "Fine Young Cannibals", uscito l'anno successivo.

Dopo questo progetto, Gift prosegue la strada del cinema, mentre Cox e Steele vanno avanti da soli sotto il nome di "Two Men, A Drum Machine And A Trumpet".

Un loro singolo house, " I'm Tired Of Being Pushed Around", raggiunge un lusinghiero successo nel 1988.

Quando il trio si riunisce, tuttavia, è tutta un'altra cosa: nel 1989 il secondo album "The Raw And The Cooked" (il titolo deriva dal libro di Claude-Levi Strauss, "Le cru et le cuit", 1964) arriva a vendere due milioni di copie, soprattutto grazie al traino del singolo "She Drives Me Crazy", un hit planetario.

Ai Brit Awards del 1990 vincono il premio per il miglior gruppo e il miglior album, ma lo rifiutano in opposizione al partito conservatore e a Margaret Thatcher. Per quanto clamoroso, questo gesto risulta coerente con un impegno civile avvertibile fin dal singolo di esordio, dove si racconta la storia di un ambizioso provinciale che migra verso la grande città pieno di speranze, trovandovi solo sofferenza e alienazione.

In tutti gli anni successivi i FYC hanno pubblicato solo un remix e una raccolta. Si inseguono, per ora senza fondamento, voci di un atteso nuovo lavoro. Intanto ci godiamo questo bel pezzo:

Jonny Come Home

Citazione del giorno:

"La ricerca della verità è più preziosa del suo possesso" (Albert Einstein)

PFM

Ed ecco un' altra "vecchia" recensione di Enzo Caffarelli, ancora per Ciao 2001.
Era il 1972.
Il disco non ha bisogno di grosse presentazioni ,e neanche la PFM.

PREMIATA FORNERIA MARCONI
Storia di un minuto - Numero uno (1972)

Devo dire subito che questo è il disco che attendevamo con fiducia da parecchi mesi, da quando cioè si era capito che i Quelli, tornati alla ribalta con una nuova originalissima denominazione, e con un quinto elemento, il cantante e polistrumentista Mauro Pagani, avevano le idee molto chiare sua quale tipo di musica suonare, e verso quali modelli stranieri orientarsi, o comunque da essi prendere lo spunto.
Così, mentre la Premiata Forneria Marconi continua a sviluppare una personalità sempre più propria, cercando di evitare ogni palese imitazione, esce questa "Storia di un minuto", il primo episodio di un cammino probabilmente molto lungo.
Franco Mussida, chitarrista e cantante della formazione, e Mauro Pagani, che si alterna al flauto all'ottavino ed al violino, sono gli autori di tutte le musiche e di quasi tutti i testi (c'è lo zampino del solito Mogol).
Parte dell'album era già nota per l'edizione su 45 giri de "La carrozza di Hans" e di "Impressioni di settembre".
Parlavo prima di ispirazioni: ebbene la principale viene dai King Crimson, dei quali il gruppo amava interpretare in concerto più di una pièce. La "introduzione" è tipicamente crimsoniana, mentre la successiva "Impressioni di settembre", dolce e stupenda per la musica e per il testo, ricostruisce la struttura caratteristica della "Lucky man" di Greg Lake, con le aperture a largo respiro di organo e di moog. Intimista allo stesso modo, ma più acustica e stilisticamente più personale la prima parte di "Dove... quando".
Due le cose principali da osservare: una prima è la levatura tecnica degli strumentisti, la loro poliedricità, fruttata pienamente nell'impiego di flauto, violino, clavicembalo, mellotron, sintetizzatore, pianoforte, chitarra a dodici corde, percussioni. Sicuramente un album come questo potrebbe avere un certo successo anche all'estero, forse nella stessa Inghilterra.
L'altra considerazione è la ricerca del gruppo all'interno di certe matrici classicheggianti tipicamente italiane: Vivaldi, Rossini, Verdi: l'amore adombrato per la musica operistica, e soprattutto il desiderio, comune un po' a tutti i nuovi gruppi nostri, di riscoprire contenuti da rivestire e da reinterpretare nel patrimonio musicale italiano, colloca la PFM in una posizione del tutto particolare nel panorama di coloro che cercano un aggancio al classico. I sintomi emergono in " E' festa" e nella seconda parte di "Dove... quando", carosello di suoni, di pause, di dialoghi ricchi di fantasia e di una strumentazione varia e costantemente indovinata.
L'album è molto frammentario: ma frammentario non è un aggettivo negativo, vuole solamente significare la tessitura sfaccettata, intrecciata, elaboratissima, dei colori che compongono il mosaico dei suoni, su cui veleggiando testi semplici ma significativi, anch'essi frammentari, ricchi di silenzi, editi alla descrizione di piccole cose, di immagini tradizionali ma rivissute con ingenuo incanto, simili alla poesia di stampo crepuscolare.
Il flauto ed il violino, rispetto alle esibizioni dal vivo, sono molto impiegati, mentre impiegati sovente il mellotron ed il moog, e la chitarra acustica è l'autentica dominatrice.
Buona la registrazione, anche se la voce è troppo in sottofondo. E bello il disegno di copertina, opera di Caesar Monti, Wanda Spinello e Marco Damiani.
Enzo Caffarelli

La Carrozza di Hans




Citazione del giorno:

"Le parole delle canzoni sono così banali che appena ci metti un pizzico di intelligenza ti chiamano poeta" (Paul Simon)

Indovinello musicale n.30

Era settembre ed ero un adolescente.

Nei juke box imperversava un loro brano.

Gruppo rock inglese, inizialmente con radici nel rhythm and blues e successivamente famoso per il primo rock psichedelico e progressivo.

Li riconosci?

Citazione del giorno:
"Per arrivare all'alba non c'è altra via che la notte" (Kahlil Gibran)

Creedence Clearwater Revival

Difficile conoscere la completa discografia dei tanti i artisti che ci hanno accompagnato nella vita… a meno che tutto ciò non rappresenti un lavoro.
E’ altrettanto difficile slegarsi da quattro o cinque brani che caratterizzano ogni gruppo.
Se parliamo di Stones o Beatles forse la prospettiva cambia, ma se ci riferiamo a gruppi che sono stati “enormi” in un fazzoletto temporale, per poi scemare col tempo, la cosa cambia.

Ma ciò che è fatto rimane per sempre.
La bella musica creata sopravviverà a chi l’ha scritta ed interpretata e pochi giorni da leone sapranno regalare l’immortalità.

In questo mio discutibile (ci mancherebbe) giudizio,inserisco un gruppo che ha scritto canzoni da storia della musica rock.
Mi riferisco a “Proud Mary”, “Have You Ever Seen The Rain”, “Fortunate Son” , “Up Around The Band” e così via.
I Creedence Clearwater Revival coniarono un linguaggio unico, sposando i ritmi delle "paludi" con le melodie del folk-rock e lo spirito di Bob Dylan.
In qualche modo quella fusione creò uno stile semplice e orecchiabile che rappresenta la quintessenza della musica americana.
I fratelli Fogerty, John (canto, chitarra) e Tom (chitarra), erano in realta` cresciuti a Berkeley, nella San Francisco Bay Area, e avevano militato fin dal 1959 in un complesso di rhythm and blues (Tommy Fogerty & the Blue Velvets), pubblicando alcuni 45 giri a partire dal 1964, negli anni "caldi" della British Invasion.
Nel 1967 cambiarono nome in Creedence Clearwater Revival e pubblicarono due cover di Jay Hawkins, "Suzie Q" e "Put A Spell On You", che li catapultarono subito in classifica.

Sono i cardini del primo album, Creedence Clearwater Revival (Fantasy, 1968).
Il segreto della loro musica stava non tanto nelle melodie quanto nei ritmi. Il ritmo era stata la grande riscoperta di quegli anni, grazie al "blues revival" che veniva da Chicago e che aveva messo piede nella stessa San Francisco. Il folk-rock, il surf e l'acid-rock avevano per lo più lasciato in secondo piano il ritmo, ma il blues revival stava riportando prepotentemente in primo piano la "groove". I CCR puntarono proprio sulla "groove".

John Fogerty iniziò a comporre materiale originale, lasciandosi alle spalle le cover che lo avevano educato. John compose tutti i classici del 1968-70, definendo un sound innovativo.

“ Bayou Country “(Fantasy, 1968) e` un album molto più robusto. Annovera innanzi tutto "Proud Mary", la loro canzone più celebre, che, facendo leva su un ritmo febbricitante, funse da ponte tra lo spirito festoso del folk-rock e quello cupo del blues-rock, e altri brani costruiti sulla groove, come Bootleg e Graveyard Train.
La chitarra aveva un compito puramente atmosferico: non solo gli assoli erano limitati a pochi secondi, ma la sezione ritmica era in primo piano.
"Green River" (Fantasy, 1969) continuò la progressione verso quel sound con "Lodi" (1969), una miscela di elementi blues e gospel accelerata secondo la stessa prassi di Proud Mary, Bad Moon Rising, sempre piu` immersa in sinistri incubi voodoo, Green River, la prova generale per Run Thru The Jungle, e Tombstone Shadow.

John Fogerty era la linfa vitale del complesso, con la sua voce cupa e un po' roca, il cui tono oscillava da vero bluesman del Delta.
Fogerty esibiva pero` la tendenza a ripetersi, ad auto-citarsi, a sfruttare all'infinito riff, ritornelli e cadenze celebri delle sue canzoni, e per questa ragione la sua gloria resta affidata a poche geniali idee,più che ad un percorso duraturo.
“Willy And The Poorboys” (Fantasy, 1969), un concept dedicato alla classe proletaria, fece leva su canzoni meno ossessive e su testi piu` realisti. Le canzoni più rappresentative sono "Down On The Corner", quadriglia sincopata e caraibica, e "Fortunate Son", primo dei loro tre grandi rock and roll acrobatici.
“Cosmo's Factory” (Fantasy, 1970), probabilmente il loro capolavoro, punta fin da " Ramble Tamble" sulle cadenze viscerali e trascinanti del blues del Delta e sulle atmosfere inquietanti dei rituali della jungla. Nasce così" Run Thru The Jungle", l'incubo più tetro e ipnotico della loro carriera.

Ma il gruppo ha raggiunto la maturità nel reinterpretare la tradizione e lo dimostra con "Travelin' Band", secondo dei loro grandi rock and roll," Looking Out My Backdoor", ragtime orecchiabile ed effervescente, "Up Around The Bend" , e "Who'll Stop The Rain".

“Pendulum “(Fantasy, 1971) sembra quasi la copia del precedente. Fogerty ricopia uno per uno quei classici. L'unico degno degli originali e`" Have You Ever Seen The Rain".
"Molina, Hey Tonight, It's Just A Thought e Hideaway" sono brillanti ma generiche canzoni rock.

Il gruppo esaspera gli elementi che hanno reso grande il disco precedente nelle lunghe " Pagan Baby" e "Born To Move". Ciònonostante, l'album divenne il best-seller del gruppo. Tom Fogerty aveva gia` lasciato il gruppo (morirà di tubercolosi nel 1990).
I C.C.R. si sciolsero dopo il mediocre “Mardi Gras” (Fantasy, 1972), che contiene "Sweet Hitch-hiker", ultimo dei loro grandi rock'n'roll.
In quegli anni i CCR dominarono le charts dei 45 giri, pur non essendo affatto un gruppo commerciale. Fatto e` che avevano coniato un linguaggio in cui l'americano medio si identificava subito, prototipo del rock per famiglia dei '70.
"Chronicle "(Fantasy, 1976) e` l'antologia degli hit.
John Fogerty lancio` la carriera solista con due album su cui suono` tutti gli strumenti:” The Blue Ridge Rangers” (Asylum, 1973), tributo agli eroi della musica country (Hank Williams, Jimmie Rodgers), e “John Fogerty “(Asylum, 1975), sul quale compaiono due discreti rock and roll," Rockin' All Over The World e Almost Saturday Night". Il terzo album,” Hoodoo”, rifiutato dalla casa discografica, rimase inedito, e Fogerty si ritiro` dalle scene. Torno` in sala d'incisione dopo dieci anni e fece centro. “Centerfield” (Warner, 1985) fu un grosso successo, grazie soprattutto alla verve di "Rock And Roll Girls" e "The Old Man Down The Road", una palese revisione di "Run Thru The Jungle "per la generazione che si era perso l'originale.” Eye Of The Zombie” (Warner, 1986), però, fu un'altra delusione, nonostante "Sail Away e Change In The Weather".

Dopo dieci anni di assenza dalle scene, “Blue Moon Swamp” (Reprise, 1997), e il live “Premonition” (Reprise, 1998) lo riporteranno un'altra volta in auge. Continuera` imperterrito a registrare un paio di album per decennio:” Dejavu” (2004) e soprattutto ” Revival” (2007.)

Estratto da intervista di Paul Zollo a John Fogerty.

Quando scrivi una canzone, da dove incominci?

Mi siedo con una chitarra in mano e strimpello, provo dei riff, degli accordi, qualunque cosa per ottenere un buon ritmo, o un buon “nonsoché ”. Considerando che sono un tipo da rock’n‘ roll, cerco di legare una canzone ad un riff, e da lì ad un arrangiamento. Perché solo che alla fine ne farò un disco.
Come dicevo sempre, un disco è buono se risponde a quattro cose ,in questo ordine:
titolo, sound, testi e poi per ultima cosa(e tutti i grandi dischi di rock ce l’hanno)un riff di chitarra veramente bello.

Quindi potrebbe sembrare che io parta dalla fine, cominciando per prima cosa da un riff.
Ma è questo che mi mette in moto. E poi penso al titolo. Perché quando senti una canzone alla radio , deve avere un bel titolo. Come “Bad Moon Rising” . Quello è un bel titolo. E ho un quaderno di titoli che conservo da molto tempo. 

Ed ecco svelato il segreto del successo, secondo John Fogerty

Citazione del giorno:

"Quando uno stupido fa qualcosa di cui si vergogna, dice sempre che è suo dovere" (George Bernard Shaw)

Beach Boys

Oggi cambio genere musicale e mi "tuffo" sui Beach Boys.

I Beach Boys sono un celebre gruppo musicale pop statunitense degli anni '60 nato a Hawthorne, California.

Sono considerati il gruppo più rappresentativo del sottogenere noto come Surf, una forma di rock'n'roll/pop associata, nell'immaginario collettivo, alla vita balneare sulle spiagge assolate della California. Hanno inciso decine di singoli di successo; molti di essi sono considerati classici della musica leggera di tutti i tempi e sono paragonabili, per popolarità, solo ai più noti brani firmati da Lennon/McCartney per i Beatles (fra tutti si possono citare "Surfin" e "California Girls").

Figura centrale del gruppo fu Brian Wilson, uno dei massimi compositori di canzoni dei primi anni '60, insieme ai già menzionati Lennon-McCartney, Lee Hazelwood e pochi altri. Brian Wilson fu forse il primo musicista popolare a eccellere tanto nella composizione quanto nell'arrangiamento (oltre a inventare uno stile molto imitato al proprio strumento, il basso). In tal senso, fu più un compositore classico (con una spiccata sensibilità per la polifonia sinfonica) che un cantante di musica pop. Il formato originale delle sue canzoni (la musica surf) servì a pagare i conti, ma ovviamente gli risultò rapidamente stretto. Anche quando Wilson si emancipò da quel formato e cominciò a produrre canzoni più elaborate ("Good Vibration" e gli album "Pet Sounds" e "Smile").

La sua rimase sostanzialmente una carriera sprecata: con quell'orecchio avrebbe potuto fare ben altro che semplici canzoni.

Con la formazione rinnovata (nel 1972 esce dal gruppo Bruce Johnston, che era nel frattempo subentrato a Brian) pubblicano 2 album, forse gli ultimi capolavori del gruppo: "So tough/Carl & the Passion" (1972) e "Holland" (1973), registrato interamente nei Paesi Bassi, con Brian che produceva via telefono dalla California.

In questi album i Beach Boys abbandonano le sonorità e le tematiche che li avevano resi celebri nella decade precedente (e che torneranno prepotentemente dalla seconda metà dei 70 caratterizzando l'immagine del gruppo fino ai giorni nostri): niente macchine, ragazze, spiagge ma temi ecologici e di pesante denunica sociale , con decisi accenti R&B .

La seconda metà dei '70 è un periodo assai caotico per il gruppo: Blondie e Rick lasciano il gruppo mentre ritorna Brian, apparendo per un breve periodo anche dal vivo (1976). In formazione originale a 5 pubblicano una serie di album di scarso successo , mentre l'attività live si concentra quasi esclusivamente sugli hit anni '60 "Cars & Girls".

I Beach Boys, pur essendo un icona della musica anni '60, hanno partecipato al Live Aid del 1985 a Philadelphia riscuotendo un notevole successo di pubblico.

Saint Just

Dopo l'indovinello, tappa fissa del fine settimana, provo una nuova (vecchissima) strada, che è quella di rispolverare le mitiche recensioni di Ciao 2001 per riproporre artisti di valore.
A Ciao 2001 ho già dedicato un post e non posso dimenticare ciò che ha rappresentato per me.
Di fatto la mia cultura musicale, seppur limitata, è nata da quelle pagine e da quelle recensioni che prendevo come oro colato.
Tra i "santoni" più seguiti ricordo soprattutto Enzo Caffarelli che "sfrutterò" utilizzando i suoi vecchi scritti.
Inizio dal pensiero DOC di Enzo su un disco dei "Saint Just".

Ecco cosa scriveva nel 1973.

SAINT JUST

Omonimo - Harvest (1973)

Anche il mercato italiano pare maturo per sfornare una rivelazione. I Saint Just sono tre ragazzi napoletani, di cui due, Robert Fix e Jane Sorrenti, sorella del più celebre Alan, per metà inglesi.
Tentando di esprimersi con un linguaggio veramente nuovo, e nello stesso tempo di allinearsi con quegli artisti britannici che hanno riscoperto e riattualizzato l'originario folk nazionale, i Saint Just compiono la medesima operazione, scandagliando nella cultura italiana e non, dei secoli scorsi, principalmente del Medioevo. In questo i tre possono essere ricollegati, cpiù che a formazioni quali i Pentangle o gli Steeleye Span, alla Third Ear Band, che essi ringraziano espressamente sulle note di copertina.
Certe tematiche meravigliosamente antiche non sono però che il pretesto per una musica totalmente nuova, completamente acustica, con una strumentazione ampliata da alcuni elementi di supporto.
Una nota particolare merita Fix, i cui contralto e tenore mi ricordano il miglior Chris Wood dei Traffic, e la voce di Jane, discepola del fratello maggiore (anche se sostiene di essersi formata artisticamente in maniera indipendente da Alan): ella alterna i toni con estrema sicurezza e con indubbia tecnica, anche se non ancora con la varietà e la flessibilità necessarie. Ogni brano meriterebbe un discorso particolare. Atmosfere rarefatte, pochi tocchi sapienti di ciascuno strumento per creare momenti affascinanti, una dolcezza pregna di contenuti appassionanti in ogni dove, e canti ora indefinitamente malinconici ora convulsi. Segnalo in particolare "Una bambina", in cui la voce maschile è proprio quella di Alan Sorrenti, e il titolo omonimo "Saint Just", cantato in lingua francese.
L'album necessita di parecchi ascolti prima di essere compreso appieno ed apprezzato quanto merita. Ma è eccezionale, specie considerando che il gruppo è all'esordio, e s'impone immediatamente come uno degli avvenimenti più nuovi e più interessanti della scena italiana.
Enzo Caffarelli

Non ho trovato filmati dell'epoca e allora propongo "La belle Se Sit", per me piacevole sorpresa , dal disco :

Medieval Zone,2001

Indovinello n. 29

Facile oggi...gruppo australiano di inizio anni 80....

....purtroppo il cantante scompare prematuramente....

....grande ritmo per un semplice riff....

E in Italia cosa si ascoltava?

Dream Syndicate

Alcuni giorni fa ho presentato il resoconto di Nazario relativo ad un concerto di Steve Wynn, tenutosi in Italia a metà marzo.

Non conoscevo l’artista, ma i termini entusiastici utilizzati da Nazario per parlare di Wynn e del gruppo di origine, vale a dire i Dream Syndicate, hanno sollecitato la mia curiosità ed ho cercato di colmare un vuoto di conoscenza.

Dalla ricerca in rete ne ho ricavato la seguente sintesi.

I Dream Syndicate furono uno dei gruppi della new wave che meglio espresse quella sintesi fra Bob Dylan e i Velvet Underground che fu un po' il tema fondamentale dell'intero movimento.

Quando esplosero il punk-rock e la new wave, Steve Wynn, Russ Tolman, Kendra Smith e Scott Miller erano studenti alla UC Davis, a metà strada fra San Francisco e Sacramento. Miller sarebbe rimasto in zona con i Game Theory. Tolman avrebbe formato i True West.

Il chitarrista Steve Wynn e la bassista Kendra Smith, trasferitisi a Los Angeles, conobbero l'altro chitarrista Karl Precoda e formarono nel 1982 i Dream Syndicate.

Il sound di questo gruppo apparteneva al revival psichedelico di quegli anni ma se ne differenziava perché si teneva alla larga dagli stereotipi del folk-rock e del garage-punk e pescava invece a piene mani nella tradizione "alta" di quel rock ambiguo che lambisce i Rolling Stones ma che trova espliciti referenti soprattutto nei Velvet Underground, negli Stooges, nei Doors.

Il loro album di debutto, "The Days Of Wine And Roses "(Ruby, 1982), fece epoca e sensazione , coniando un linguaggio a cui si sarebbero ispirati innumerevoli complessi degli anni '80. La tensione drammatica dei pezzi e le liriche maniacali e introverse (che raccontano storie estreme di alienazione, depravazione e terrore), il canto intossicato di Wynn e il lavoro doppio di chitarre (quella melodica di e nervosa di Wynn e il feedback di Precoda) creano un acid-rock molto particolare.

Senza piu` la bassista e con un Precoda disarmato dei suoi feedback ma piu` che mai scatenato in infuocati assoli, il secondo disco, "Medicine Show "(A&M, 1984), risultò molto più rilassato, nonostante una lunga e febbrile jam/deliquio intitolata John Coltrane Stereo Blues.

Il terzo ,"Out Of The Grey "(Big Time, 1986), sterzo` verso il country-rock "acido" di Neil Young, con Paul Cutler al posto di Precoda e un sound infinitamente più moderno, ballabile e radiofonico.

Wynn aveva preso il sopravvento e preferiva il formato tradizionale della canzone (con tanto di storia e di atmosfera) alle eruzioni libere di Precoda e Smith.

Completando un'evoluzione (o "involuzione") iniziata da "Medicine Show", "Ghost Stories"(Enigma, 1988) sanciva l'avvento di una canzone rock senza rumori e senza distrazioni, ancorata classicamente alla melodia.

La nuova carriera di Wynn si inserisce nel filone inaugurato da Neil Young con le sue violente ed elettriche ballate folk.

Benché  il disco ospiti ancora tracce di rimembranze antiche, il nuovo genere e` ormai chiaramente definito, e non ha più nulla delle vertigini psichedeliche delle origini (che forse appartenevano più a Kendra Smith che a lui).
Wynn esprime una visione truce e pessimista della condizione umana attraverso un fatalismo depresso da film-noir; ma la morale delle sue saghe negative e` sempre all'insegna della speranza di redenzione. In tal senso la sua e` una musica catartica, nobile anche nei momenti di massima afflizione, al contrario di quella di Young, che non ammette rivincita, e di Reed, che gode del martirio. 

Ciò non toglie che la redenzione) si debba ottenere passando per prove di dolore intenso (reso dalle tremende piogge di distorsioni).

Wynn resta uno dei pochi, che sappia far sanguinare i versi delle sue canzoni.

Citazione del giorno:

"La virtù non è odiosa. Lo sono invece i discorsi sulla virtù.(Albert Camus)

Janis Joplin

In questo blog, ed in altri spazi a me gentilmente concessi, credo sia emersa la mia "totale avversione” per la sfera privata di alcuni miei miti.

Ho raccontato di Hendrix e di Jim Morrison, tra i meno fortunati, di Clapton e di Townsend tra quelli ancora in vita, e la lista continuerà.

In ogni piccola intervista che riesco a realizzare, esiste sempre una domanda di carattere generale che riguarda il collegamento tra musica ed eccessi.

In effetti ho una morbosa curiosità verso la sfera del degrado, fisico e morale.

Mi capitava anche da adolescente, quando vestito da Hippie, durante i concerti, avevo le sempre le antennine in funzione per carpire qualche “strano atteggiamento/movimento” dei vari partecipanti.

Mi identificavo in quel mondo, cercavo in qualche modo di farne parte, ma d’istinto mi si innescava un meccanismo di autoprotezione che mi suggeriva dove fossero i pericoli e cosa dovessi fare per evitarli.

Eppure ero attratto (sono attratto) da chi osa, da chi ha il coraggio di sfidare la sorte e le leggi della natura.

Intendo attratto dall’aspetto psicologico.

Forse la forza della gioventù fa pensare che si possa vivere in eterno.

Forse in gioventù non si ha interesse a vivere in eterno.

Forse in gioventù ci si pone un limite oltre il quale si “metterà la testa a posto”.

Tutto questo preambolo per introdurre un altro artista “ maledetto”: Janis Joplin.
Non l’ho mai conosciuta a fondo, ma mi e’ rimasta marchiata a fuoco la sua esibizione a Monterey.

Biografia sintetica.

Janis Joplin fu uno dei grandi miti degli anni '60, e ancor piu` dopo la sua morte.

E` uno dei casi in cui vita e arte si confondono ed e` difficile giudicare l'una senza tener conto dell'altra.

Fu senza dubbio una grande cantante, dotata di una voce che e` rimasta uno degli archetipi del canto blues. Fu invece una pessima musicista, incapace di scrivere brani memorabili e limitata a eseguire cover d'autore.

Janis Joplin fu fedele nello spirito, travagliato e disperato, nel destino, emarginato e fatale, e nel canto, vibrante e passionale, ai grandi bluesman del Delta: "un incrocio fra una locomotiva a vapore, Calamity Jane, Bessie Smith, una trivella e un liquore disgustoso", com'ebbe a dire un critico del tempo.

Janis Joplin era nata in Texas e aveva avuto un'adolescenza turbolenta nonostante fosse di famiglia abbiente. Nel 1963 arrivò per la prima volta a San Francisco e cominciò a esibirsi nei club alternativi. Nel 1966, nel pieno dell'era hippy, trovo` impiego in pianta stabile come cantante dei Big Brother & The Holding Company.

Il loro primo disco, Big Brother & The Holding Co (Mainstream, 1967), orrendamente registrato, diede già la misura del blues-rock del gruppo, ma fu la loro esibizione al festival di Monterey del giugno 1967 ad attirare l'attenzione su quell'indemoniata cantante.

La leggendaria potenza dei loro show venne meglio immortalata sul secondo album, Cheap Thrills (CBS, 1968), ora che le chitarre di Sam Andrew e James Gurley erano maturate e fornivano l'adeguato accompagnamento all'istrionismo della cantante.

Joplin era già un personaggio, che sul palco mette in vista esibizionismo, auto-commiserazione, e una scandalosa volgarita`.

Univa un temperamento emotivo e una personalità insicura, una disastrosa vita sentimentale, una precoce assuefazione agli stupefacenti, alcoolismo da angoscia e solitudine. Sfogava le sue nevrosi nei concerti. Davanti al pubblico le sue terribili tensioni esplodevano. La sua voce roca, deteriorata dall'alcool e dal fumo, strillava con forza disumana e bisbigliava con tenerezza struggente. Più che "cantare", Joplin gemeva, rantolava, delirava. Ogni canzone era un rituale di auto-distruzione in cui Joplin elargiva tutte le proprie forze.

Al termine di un concerto disse che si sentiva come se avesse fatto l'amore con migliaia di persone e fosse tornata a casa sola.

In "Pieces Of My Heart" sembra veramente che le stiano strappando il cuore quando grida sgolata "...take another little piece of my heart".

La lunga, strascicata litania di "Ball And Chain" (il classico di Big Mama Thornton) divenne un po' la metafora della sua vita.

Lasciati i Big Brother, Janis Joplin incise poi "I Got Dem Ol' Kozmic Blues "(1969), un disco molto meno spontaneo.

Joplin sembra volersi inventare una nuova carriera come cantante soul, ma riesce sempre meglio in blues tormentati come Try (ancora di Ragovoy).

Era gia` arrivata al capolinea. I suoi atteggiamenti da primadonna irritavano tutti.

Si stava disintossicando ma nell'ottobre del 1970 ebbe una ricaduta che le fu fatale:

morì sola in una camera d'albergo di Hollywood.

I discografici misero insieme le ultime registrazioni e pubblicarono "Pearl "(1970), che e` il suo album più maturo. Invece della strega oltraggiosa Joplin si rivela una creatura vulnerabile, che si esprime nei blues melodrammatici di "Half Moon", "Move Over", "Cry Baby", "My Baby" e "Get It While You Can" (le ultime tre ancora di Ragovoy), sposando la propria ruggente voce ora a un boogie da saloon e ora a un gospel accorato.

E finisce per commuovere quando canta a cappella "Mercedes Benz", senza sapere che la ascolteranno come un requiem.

Joplin, più che uno stile, impose un personaggio emblematico di quella generazione disperata di ragazzi scappati da casa per cercare un mondo migliore, e, dopo estenuanti torture, fucilati dalla realtà.

Ascoltiamola

Citazione del giorno:

"Non vendere te stesso.Tu sei tutto ciò che hai" (Janis Joplin)

Area

In alcune riviste specializzate, gli Area vengono inquadrati nell’area Prog italiana.

A me riesce difficile una collocazione schematica.

Nei miei ricordi antichi, gli Area erano separati dal gruppone prog, ed erano più tendenti al contenitore free jazz , in compagnia dei Perigeo.

Per quello strano meccanismo che ci porta a cercare il simbolo di qualsiasi cosa ci troviamo davanti, ho sempre identificato gli Area con la voce di Demetrio Stratos, ben conscio del valore di musicisti come Capiozzo, Djivas, Fariselli, Tofani, Tavolazzi ecc.

Stratos ci ha lasciato prematuramente.

Capiozzo anche.

Resta il loro lavoro ed il loro insegnamento.

Io ero innamorato del loro disco “Arbeit macht frei”, secondo me attualissimo.

Per ricordarlo degnamente ho rispolverato la recensione che a quei tempi fece Enzo Caffarelli su Ciao 2001 .

Mi sembra davvero strano presentare a distanza di anni una di quelle recensioni che leggevo con dedizione assoluta,quasi fosse il Vangelo che settimanalmente mi veniva fornito dall'edicolante di fronte a casa.

AREA
Arbeit macht frei - Cramps (1973)

Sono nati da circa un anno, ma la loro formazione ha già subìto numerosi cambi (vedi anche le mininotizie di questo stesso numero), cosicché due soli dell'originaria formazione sono i superstiti. Gli Area sono comunque il gruppo più interessante venuto alla ribalta in questo 1973 in Italia, e il loro difficile album conferma le belle premesse di tanti spettacoli e di tanti inviti (ricordo fra parentesi che hanno suonato in tour con i Gentle Giant, i Soft Machine, gli Atomic Rooster, i Faces, sono stati invitati alla Biennale di Parigi ed alla Triennale di Milano, ecc.).
Dall'iniziale free jazz, orientato verso i Nucleus o i Soft Machine, gli Area si sono spostati verso una ricerca più attenta di contenuti e di effetti sonori, attingendo alla musica popolare, in modo particolare a quella greca ed araba, ed alle esperienze concreto-contemporanee con le quali sono venuti a contatto: Luigi Nono, Luciano Berio, l'ungherese Gyorgy Ligeti, il greco Yannis Xenakis fra i principali. La loro musica vuole essere assolutamente di "rottura", radicale nelle intenzioni dei musicisti e di chi li guida. "Arbeit Macht Frei" significa in tedesco "Il Lavoro Rende Liberi", ed era lo slogan posto all'entrata dei campi di concentramento nazisti. I sei brani che compaiono sull'album sono legati da un filo ideologico simboleggiato appunto dalla consapevolezza del carattere totalitario dell'affermazione.
Il contenuto del LP si ispira a riflessioni sulla violenza e sul terrorismo: ma scelte orientative come l'introduzione di una recitazione in lingua araba, i richiami al folklore mediorientali trasfigurati, le citazioni si Smirne o di Settembre nero, sono da una parte la logica conseguenza della provenienza (greca) del leader Demetrio Stratos, dall'altra tendono a sottolineare un percorso storico-geografico della violenza: dai campi nazisti agli ebrei, al mondo arabo, turco, greco, russo.
E la musica è violenta, aggressiva, specie nella struttura volutamente caotica di certi momenti, nelle sofferte interpretazioni vocali, alcune delle quali recitative, di Demetrio. Così il brano conclusivo, "L'abbattimento dello Zeppelin", dal sapore sinistro e provocatorio, sottolineato da effetti particolari dell'uso della voce, che segue le indicazioni di Berio nell'affiancamento voce-musica elettronica, ha un doppio senso: da un lato l'abbattimento di una realtà difesa dai miti; dall'altro un chiaro attacco alla musica pop tradizionale, individuabile in quel momento nei Led Zeppelin.
Tutti i brani sono ad alto livello: "Luglio, agosto, settembre (nero)" con la voce araba che introduce una melodia orientaleggiante; "Arbeit macht frei" di sapore più tipicamente jazzistico, come pure "240 km da Smirne", esclusivamente strumentale, un pezzo fra i migliori anche eseguito secondo schemi piuttosto classici di free, Infine "Le labbra del tempo" si presenta più varia e contorta, un insieme di sensazioni e di voci che si accavallano e si divaricano con particolare cura degli effetti.
Complessivamente la ritmica si rivela particolarmente efficace: Ian Patrick Djivas, neo acquisto della Premiata Forneria Marconi, suon un basso Fender Precision privo di tasti ed il contrabbasso, rivelandosi un solista instancabile e fantastico. L'altro musicista di spicco è Eddy Busnello, un sassofonista già con una lunga esperienza alle spalle.

Ma anche tutti gli altri si muovono con attenzione giungendo a risultati ricchi di potenza e di fantasia, come Stratos, che opera alle percussioni, suona l'organo con il compito principale di creare un continuum di fasce sonore per gli altri solisti, ed utilizza la voce alla maniera tipica e significativa di uno strumento.

Qualche nota su Demetrio

Il 13 giugno 1979 Demetrio Stratos si spegneva al Memorial Hospital di New York, dov'era ricoverato in attesa di un trapianto midollare a cui i medici volevano sottoporlo nell'estremo tentativo di salvarlo dalla leucemia fulminante che lo aveva colpito poche settimane prima.

Era uno sperimentatore audace e irrequieto, raramente disposto ad accomodarsi sugli allori.

E dire che in carriera aveva raggiunto traguardi di assoluta rilevanza...

Nato il 22 aprile 1945 ad Alessandria d'Egitto in una famiglia di origine greca, era cresciuto ad Atene frequentando nell'adolescenza il conservatorio locale. Arrivò in Italia nel 1962 e si stabilì a Milano, dove ben presto finì nell'orbita della nascente scena beat. Entrò così a far parte dei Ribelli, inizialmente come tastierista, divenendone dopo poco anche cantante. Suonavano rhythm'n'blues all'italiana, sanguigno e irruente, come nel loro massimo successo a 45 giri: "Pugni chiusi".

Un'esperienza che si concluse con la fine degli anni Sessanta: "Ero stanco di scimmiottare Tom Jones", disse allora Stratos.

Aspirava ad altro e le sue ambizioni si materializzarono nella formazione che al principio del decennio seguente radunò insieme al batterista Giulio Capiozzo: gli Area. A conti fatti, il più significativo gruppo italiano di quella generazione.

Musica aperta a 360 gradi: jazz, rock, folclore mediterraneo, avanguardia colta... Impossibile definirla in modo univoco, se non assumendone come principio fondante l'esplicita politicità.

Ascoltiamo gli Area ...musica e intervista.

BANCO a Savona

Savona, 4 aprile 2008

Ho appena assistito al concerto del BANCO, al teatro Chiabrera, e provo a raccontarlo.
Il teatro è gremito e incontro le solite “facce da concerto”, quelli che io chiamo “addicted to music”, gli inguaribili seguaci della musica rock(il prog di questa sera è una diramazione della grande famiglia in cui tutti si riconoscono).
Sono in seconda fila ,seduto su di una bella poltroncina rossa, e forse non ho mai visto nessuna performance in queste assolute condizioni di favore, vale a dire comodo e vicino.
Si è sparsa la voce che Di Cioccio e’ in zona ed io scorgo anche Nico di Palo, che avevo già notato in platea al concerto della PFM dello scorso anno.
Non vedevo da anni il Banco .
Del gruppo che avevo sentito a Genova un secolo fa sono rimasti Vittorio Nocenzi alle tastiere, Franceso Di Giacomo al canto, Rodolfo Maltese alla chitarra (come ci rimasi male quando sostituì Todaro!!).
A completamento il bassista Tiziano Ricci, il batterista Filippo Masi ed il giovane Filippo Marchegiani , che scopro sia membro del gruppo da quattordicianni.
Commento col mio vicino di sedia, musicista da sempre, “il materiale” tecnico presente sul palco.
I grandi amplificatori fatti di casse e testate, le ridondanti batterie, le tastiere a trecentosessantagradi, le selve di chitarre, che un tempo colpivano lo spettatore, oggi non esistono più, forse non servono, e anche un “appoggiachitarra” risulta elemento superfluo.
Insomma, un palco minimalista che e’ in sintonia con le idee che Francesco ci regala.
Entra per ultimo sul palco, dopo che il resto della band si è gia’ scaldato.
Lo trovo più in forma di trentacinque anni fa ed anche il suo look non mi sembra casuale.
Esordisce elogiando il pubblico, unica cosa di cui un musicista non può fare a meno, elemento indispensabile per la realizzazione di un buon concerto.
Ci presenta il suo assoluto anticonformismo, con una certa vena polemica permeata di delusione .
Sfiora gli argomenti di attualità e sembra quasi capitato per caso on stage.
Un cantante di passaggio su di un palco pieno di luci alternate.
Ad un certo punto si avvicina a Nocenzi e gli chiede..... un permesso .
La cosa non sembra preparata.
Francesco si accentra e racconta una storia antica, quella di due gruppi che erano presentati come antagonisti, tanti anni fa.
Il BANCO e la PFM si contendevano con le ORME lo scettro del miglior gruppo italiano di Musica Prog, e probabilmente la rivalita’ era sentita, al di là di quanto dichiara un saggio (ma lo poteva essere a 25 anni?) Di Cioccio, nel piccolo filmato che segue.
Ma essere rivali non significa essere nemici e sono sicuro che l’affetto visto sul palco è rappresentativo di una stima umana e professionale dimostratasi palpabile questa sera.
E così Di Giacomo saluta Di Cioccio e Di Palo a centro sala , che si guadagnano una buona dose di applausi.

Franz sale sul placo e ringrazia , dal luogo in cui , nel gennio 2007, aveva incantato le genti col suo“ceeeeellllleeeebreeeesssccciooooonnnnn” , distribuito per settori di pubblico.
E poi la musica.
Pezzi antichi, come” R.I.P.,La Danza dei Grandi Rettili, La Conquista della Posizione Eretta, Il Ragno, Emiliano, E mi Viene da Pensare”.
Due ore di musica di qualità, con emozioni che arrivano dai ricordi, dalla tecnica, e dall’amalgama dei protagonisti, vecchi e nuovi.
E tutti i passaggi sono sottolineati da urla di approvazione e dalle mani che battono, elementi che sembrano davvero dare soddisfazione a Rudy(cosi’ ho captato nel labiale di Nocenzi) e soci.
E poi il bis.
Inzia Maltese con un assolo pro Beatles e a lui si unisce Marchegiani, per l’inizio di un sorprendente blues.
A ruota Nocenzi e Ricci, ma…manca il batterista.
Vittorio chiama Franz e Franz risponde.
Ed ecco una jam con un Di Cioccio scatenato che riempie la scena.
E’ il gran finale e non posso fare a meno di pensare che il “sembrar quasi per caso sul palco” , di Francesco, rechi in se una contraddizione .
Se è vero che il pubblico è l’elemento portante del concerto, e interagisce con la band, dando a lei energia, è altrettanto vero che la platea accumula e rilascia forza stimolata da qualcosa che non è necessariamente “la musica”.
Ho sempre definito Di Cioccio un animale da palcoscenico, un grande musicista capace di far saltare e di coinvolgere oltre misura il pubblico.
Forse il culmine si è toccato proprio nell’ultimo atto , nel momento “ibrido “ della serata.
Grande merito va a quel gruppo di amici che , dal palco, ci hanno regalato emozioni che non hanno niente a che vedere con la nostalgia del tempo passato.

Citazione del giorno:

"Ci sono quelli che perdono, ma che non si perdono, imperfetti indistruttibili,
costretti a essere liberi, sai che cosa c’è?
Hanno una specie di anima, che è sacra come i raggi di sole…" (Francesco Di Giacomo)