La leggenda del basso Tony Levin rivela quale sessione in studio è stata la più significativa della sua leggendaria carriera

Il bassista Tony Levin ha suonato con John Lennon, Pink Floyd, King Crimson, Peter Gabriel, David Bowie e altri, ma una sessione in studio è stata più significativa delle altre

Il CV di Tony Levin è ridicolo, nel senso migliore del termine. Il bassista 78enne, nato a Boston, ha suonato con alcuni dei musicisti più leggendari del mondo - John Lennon, David Bowie, Pink Floyd, Tom Waits e Lou Reed tra loro - ma recentemente ha rivelato quale sessione musicale è stata la più significativa della sua carriera.

Questo onore va al suo lavoro sull'omonimo album di debutto da solista di Peter Gabriel, pubblicato dalla Charisma il 25 febbraio 1977. "Peter aveva appena lasciato i Genesis", spiega Levin. "Non sapevo chi fosse o cosa rappresentassero i Genesis. Sono stato fortunato nel senso che, per prima cosa, ho potuto suonare con Peter, e ho ancora un rapporto musicale e di amicizia con lui. E due, uno dei chitarristi di quella sessione, Robert Fripp, è il fondatore dei King Crimson, a cui mi sono unito in seguito. Quanto è significativo nella carriera di una persona, nella carriera di chiunque, creare due connessioni come queste, che durano così tanti anni e coinvolgono tale musica?

Era una formazione formidabile per Peter Gabriel", aggiunge. "Il produttore, Bob Ezrin, era responsabile della mia presenza lì, e aveva usato la stessa sezione ritmica per alcuni dischi di Alice Cooper e Lou Reed.

Peter era diverso da chiunque avessi mai sentito", continua Levin. "La musica si è rivelata molto diversa da quella dei Genesis, quindi anche se avessi fatto i compiti a casa, sarei stato sorpreso e contento che il nuovo sound andasse in una direzione completamente diversa. Era così energico, giovane e in forma... Poco dopo, ero in tour con lui e ho visto l'altro lato di Peter. Non direi che Peter è timido, ma è una persona tranquilla, umile e gentile. E poi sono salito sul palco con lui e mi ha svelato Rael, il personaggio di Genesis che interpreta. È fondamentalmente un delinquente minorenne fuori controllo. Ho pensato, chi diavolo è questo?"

Nella stessa occasione, Levin ha rivelato che gli fu offerta la possibilità di andare in tour con i Pink Floyd dopo aver suonato il basso in “A Momentary Lapse of Reason”, ma rifiutò l'offerta perché il loro tour si sovrapponeva alle date di Peter Gabriel, a cui era già impegnato.

I Gentle Giant annunciano la versione rivisitata, remixata e rimasterizzata dell'album live del 1977 “Playing The Fool”

 

I Gentle Giant pubblicheranno in primavera “Playing The Fool: The Complete Live Experience”

 

Le leggende del prog britannico Gentle Giant hanno annunciato che pubblicheranno una versione rivisitata, rimasterizzata e remixata del loro primo album live del 1977 “Playing The Fool in the Spring”.

“Playing The Fool: The Complete Live Experience” presenterà l'intero set del concerto della band di quel periodo e includerà tre tracce aggiuntive, “Interview”, “Timing” e “Ray Shulman's Violin Feature”. La nuova uscita, che è stata mixata e prodotta da Dan Bornemark, sarà disponibile anche in Stereo (96/24), 5.1 Surround Sound e Dolby Atmos.

"Questa release definitiva offre la performance live completa dei Gentle Giant così come era stata originariamente concepita", afferma la band. "Completa di commenti restaurati tra le canzoni, introduzioni della band e l'atmosfera autentica di ogni locale. Include anche la scaletta originale completa e tre tracce inedite.

The Complete Live Experience conferisce un nuovo livello di chiarezza e profondità alle registrazioni dal vivo dei Gentle Giant, catturando l'intera portata artistica della band così come era stata concepita per essere ascoltata."

Il nuovo progetto sarà disponibile in vinile, CD, Blu-ray e digitale. La band non ha ancora rilasciato informazioni sulle preordinazioni.

LA VECCHIA VERSIONE

"Che uomo! Che vita! Che perdita!": Peter Gabriel rende un sentito omaggio al "presidente del rock'n'roll" Jimmy Carter

L'ex presidente degli Stati Uniti Jimmy Carter è morto all'età di 100 anni

 

Peter Gabriel è tra i musicisti che rendono omaggio all'ex presidente degli Stati Uniti Jimmy Carter, scomparso all'età di 100 anni.

In un post intitolato "Che uomo! Che vita! Che perdita!", Gabriel dice: "Il presidente Jimmy Carter era un uomo davvero straordinario e un politico raro che si è sempre fatto avanti e ha parlato a favore dell'idealismo, della compassione e dei diritti umani e in particolare dei diritti delle donne e di coloro che hanno sofferto una vera oppressione. È sempre stato lì per sostenere coloro le cui lotte erano passate inosservate o inascoltate, un paladino dei senzatetto con visite annuali per la costruzione di case con Habitat for Humanity, ed è stato il portabandiera di tante minoranze.

Ha sostenuto coloro che soffrivano di malattie rare le cui cure non avrebbero mai fatto guadagnare molti soldi alle grandi aziende farmaceutiche. malattie mortali, come il” verme della Guinea” e la cecità fluviale. Il Carter Centre ha avuto un ruolo fondamentale nell'eradicazione in molti paesi di alcune malattie mortali, come il” verme della Guinea” e la cecità fluviale.

Ha anche fatto una campagna senza sosta per il diritto a una rappresentanza adeguata, a elezioni libere ed eque in tante democrazie nascenti e, più vicino a casa, ha sostenuto con orgoglio tutto il lavoro di Rosalyn (la defunta moglie di Carter), dando priorità alla salute mentale e facendola uscire dall'ombra".

Gabriel ha continuato parlando di The Elders, l'organizzazione non governativa di leader globali fondata da Nelson Mandela nel 2007. La ONG, inizialmente guidata da Gabriel e dall'imprenditore Richard Branson, ha beneficiato dell'influenza di Carter e della sua capacità di aprire le porte.

"Divenne poi uno degli Anziani più attivi e influenti dalla sua creazione, viaggiando in Darfur, Israele e Palestina, Corea del Nord, Costa d'Avorio e Sudan del Sud", dice Gabriel. "A tutti gli incontri, per quanti anni avesse alle spalle, era sempre uno dei primi a fare esercizio e manteneva la sua mente straordinariamente acuta, piena di fatti, esperienza e storia, con la passione di un ingegnere per la precisione".

Tra gli altri musicisti che hanno reso omaggio a Carter ci sono Nancy Wilson degli Heart, che lo ha definito "un incredibile ponte tra la politica e la nostra umanità", e i Drive-by Truckers, che hanno affermato: "Tutto il nostro amore e i nostri pensieri più affettuosi sono rivolti al grande Jimmy Carter e alla sua meravigliosa famiglia e a tutti coloro che amano e ammirano il più grande dei grandi uomini. Oltre 98 anni dedicati a rendere questo mondo un posto migliore".

L'amore di Jimmy Carter per la musica è stato catturato nel documentario del 2020 “Jimmy Carter: Rock & Roll President”, che ha esplorato come questa passione gli abbia dato un improbabile vantaggio come candidato alla presidenza, quando chiamava band come gli Allman Brothers, Marshall Tucker, James Brown, Jimmy Buffet e la Charlie Daniels Band per raccogliere fondi per la campagna elettorale durante spettacoli di beneficenza.

Il chitarrista della Marshall Tucker Band Toy Caldwell, il governatore della Georgia Jimmy Carter e il chitarrista della Marshall Tucker Band George McCorkle durante un ricevimento prima del concerto per il governatore allo Stouffer's Hotel il 31 ottobre 1975 ad Atlanta

"Sono stati gli Allman Brothers ad aiutarmi ad arrivare alla Casa Bianca", ha detto Carter, "raccogliendo fondi quando non ne avevo".

Una volta eletto, Carter invitò regolarmente musicisti alla Casa Bianca per esibirsi, tra cui Crosby, Stills e Nash, Dolly Parton, Charles Mingus e Willie Nelson (che notoriamente affermò di aver fumato marijuana sul tetto dell'edificio), così come Loretta Lynn, Conway Twitty, Dizzy Gillespie e Herbie Hancock.

1° gennaio 1962: i Beatles scartati dalla casa discografica Decca

1° gennaio 1962: i Beatles scartati dalla casa discografica Decca

Tratto da the Beat Circus

Articolo originale

 https://www.thebeatcircus.it/1-gennaio-1962-i-beatles-scartati-dalla-casa-discografica-decca/

 

All’epoca in cui Brian Epstein (il famoso manager dei futuri Fab Four) cercava un contratto discografico per i Beatles, la Decca, insieme alla EMI, era una delle più importanti etichette discografiche, anche se, nel corso degli anni, verrà ricordata, abbastanza ingiustamente, come la casa discografica che rifiutò i Beatles!

Fu piuttosto la prima etichetta a mostrare abbastanza entusiasmo per il gruppo, tanto da concedergli una prova di registrazione. Tutte le etichette affiliate alla EMI, viceversa, rifiutarono i futuri baronetti senza neppure offrirgli la possibilità di un’audizione. Fu solo per caso che George Martin, dal 1955 manager della Parlophone (una società minore sotto la guida del colosso multinazionale EMI, non specificamente indirizzata verso la musica pop, anzi riservata prevalentemente all’incisione di dischi umoristici), alla fine mise i Beatles sotto contratto.

In un momento in cui le classifiche inglesi erano dominate da artisti americani, da cover di successi americani, da cantanti solisti e da gruppi jazz, la Decca, tramite il Presidente Sir Edward Lewis, aveva deciso di cercare attivamente nuovi talenti inglesi nel campo della musica pop e aveva dato istruzioni al manager Dick Rowe ed ai suoi assistenti di concentrarsi su quell’obiettivo. Sembrava quindi proprio il momento più propizio per mettere sotto contratto i quattro ragazzi di Liverpool!

Epstein aveva incontrato grosse difficoltà nei suoi tentativi di trovare un contratto discografico per i Beatles. Aveva   avvicinato Les Cox della Pye Records, il quale gli aveva addirittura rifiutato un’audizione per il gruppo. Anche la Philips Records non si era mostrata interessata, insieme all’etichetta minore Oriole. Epstein aveva pensato anche di contattare l’etichetta Embassy, della Woolworths, ma si trattava di una compagnia che trattava solo edizioni economiche dei successi del momento e non firmava contratti con artisti. In seguito alle pressioni di Epstein, Ron White, addetto marketing della EMI, aveva avvicinato tutti e tre i manager che si occupavano delle etichette pop della compagnia, Norrie Paramor, Walter Ridley e Norman Newell che avevano manifestato il più completo disinteresse nei confronti dei Beatles. White non si rivolse a George Martin, il quarto manager della EMI (Etichetta Parlophone), perché all’epoca in vacanza. Tuttavia contattò Epstein per dirgli che la EMI non era interessata, dal momento che, di fatto, l’etichetta di Martin non era strettamente di orientamento pop, tant’è che Martin fino ad allora aveva registrato e prodotto artisti come Pete Seller ed il team di Beyond The Fringe.

La Decca viceversa aveva mandato Mike Smith fino a Liverpool per vedere il gruppo in azione dal vivo al Cavern il 13 dicembre 1961. Smith ne fu entusiasta ed organizzò un provino che si sarebbe svolto il 1° gennaio 1962 presso l’Hampstead Studio N.3 degli Decca Studios, 165 Broadhurst Gardens Londra.

La sera del 31 dicembre Brian Epstein si fece il viaggio comodamente in treno da Liverpool a Londra e dormì nella capitale ospite della zia Frida ad Hampstead. I Beatles (John, Paul, George e Pete, poiché all’epoca Ringo suonava ancora con Rory Storm …), con il loro road manager Neil Aspinal, si fecero il viaggio con un furgone che Neil si era fatto prestare. Il viaggio durò 10 ore, per la scarsa visibilità dovuta al tempo nevoso. A Wolverhampton sbagliarono strada e arrivarono a Londra alle dieci di sera. I Beatles e Neil avevano prenotato al Royal Hotel di Russel Square, ma subito dopo il loro arrivo se ne andarono in giro per le strade di West End, incontrando una serie di tipi bizzarri, come i nottambuli che festeggiavano a Trafalgar Square ed alcuni fumatori di marijuana che volevano mettersi a fumare nel loro furgone!

I componenti del gruppo arrivarono agli studi di registrazione alle ore 11.00 del mattino, in perfetto orario per l’appuntamento, ed incontrarono Brian che era furioso perché, per contro, Mike Smith era in ritardo. Smith, una volta arrivato, scartò i loro amplificatori e suggerì di collegare le chitarre direttamente alle casse dello studio. Brian ed i Beatles avevano avuto una discussione a proposito del repertorio. John intendeva proporre un set aggressivo, formato da pezzi rock come quelli che suonavano al Cavern; Brian invece voleva andare sul sicuro e raccomandò di non suonare brani come “The One After 909”, ma di concentrarsi piuttosto su standard come “Till There Was You”. Suggerì anche di suonare il minor numero possibile di canzoni composte da loro. John e Paul non erano d’accordo, ma decisero di seguire il consiglio di Brian.

Quando la luce rossa dello studio si accese e cominciarono a suonare fu subito evidente che i quattro ragazzi erano molto nervosi. La voce di Paul cominciò ad incrinarsi e George aveva problemi con la chitarra. Ad un certo punto Epstein cominciò a criticare la voce di John, il quale si infuriò e gli rispose urlando. Tutto si fermò, la luce rossa si spense, Epstein uscì dalla stanza e ci tornò solo dopo mezz’ora. Il gruppo eseguì quindici canzoni, con Paul alla voce in “Like Dreamers Do”, “Till There Was You”, “Sure To Fall, Love Of The Loved”, "September In The Rain”, “Besame Mucho” e  "Searchin’”; John cantò “Money”,” To Know Him Is To Love Him”, ”Memphis” (“Memphis Tennessee” di Chuck Berry) e “Hello Little Girl”; George cantò “The Sheik Of Araby”,”Take Good Care Of My Baby”, “Three Cool Cats” e “Crying, Waiting, Hoping”.

La session terminò intorno alle 14.00, ascoltarono la registrazione e sembrarono tutti soddisfatti del risultato. Allora Brian, per festeggiare l’avvenimento, li portò tutti a pranzo in un ristorante della zona di Swiss Cottage, poi i Beatles e Neil Aspinall ripartirono per Liverpool in furgone.

Tony Barrow (addetto stampa dei Beatles) contattò Mike Smith e gli chiese se avesse intenzione di mettere il gruppo sotto contratto. Lui rispose che doveva aspettare il ritorno di Dick Rowe dall’America, ma si disse convinto del fatto che il gruppo avrebbe ottenuto un contratto.

Si scoprì in seguito che Smith, quello stesso pomeriggio, aveva registrato un altro gruppo, Brian Poole & The Tremeloes, e la Decca scelse loro al posto dei Beatles. I dettagli precisi riguardanti questa decisione non furono mai del tutto chiariti. Si diceva che a Smith fossero piaciuti i Beatles ed avesse intenzione di fargli il contratto, ma che gli fu impedito; forse gli è stato semplicemente chiesto di scegliere fra uno dei due gruppi. Può avere sicuramente influito il fatto che The Tremeloes abitavano a due passi dalla sede della Decca, mentre i Beatles provenivano da 320 km di distanza e che, per una questione di rapporti, era più comodo prendere i Tremeloes.

Viene tuttavia da chiedersi come mai Rowe e Smith, se erano così informati come si diceva, non si fossero resi conto dell’enorme potenziale contenuto nel repertorio dei Beatles. Un terzo delle canzoni eseguite durante la session divennero dei successi di classifica. Tre brani dei Beatles – “Love Of The Loved”,”Hello Little Girl” e “Like Dreamers Do” – risultarono dei successi per Cilla Black, i Fourmost e gli Applejacks e due altri brani che suonarono – “Memphis” di Chuck Berry e “Money” di Berry Gordy – avrebbero fatto entrare in classifica Dave Berry e Bern Elliott & The Fenmen.

Quando il rifiuto della Decca venne confermato, furono consegnati a Brian i nastri dell’audizione, coi quali poteva fare altri tentativi per trovare un contratto discografico per il gruppo. Tuttavia, i nastri master della sessione dei Beatles rimasero negli archivi sotterranei della Decca e, alla fine degli anni Settanta ed all’inizio degli Ottanta, cominciarono a comparire degli album e dei singoli pirata della sessione; in seguito furono addirittura pubblicati dei cofanetti contenenti quel materiale, da parte di case discografiche legittime, anche se la legalità dei diritti non è mai stata portata in tribunale. La EMI non ha mai reclamato i diritti sui prodotti registrati prima che il gruppo firmasse per lei, ma la Decca stessa non ha mai pubblicato i brani con il proprio marchio e non è mai stato chiarito chi in realtà abbia venduto i diritti alle diverse case discografiche.

 

CURIOSITA’

Cinque delle quindici canzoni registrate il primo gennaio 1962 dai Beatles per la Decca, ovvero “Searchin’”, “Three Cool Cats”, “The Sheik Of Araby”, “Like Dreamers Do” e “Hello Little Girl” sono comparse per la prima volta in veste ufficiale nel 1995 sui CD della “Beatles Anthology 1” mentre a partire dal 1977, in modo e con tempistiche diverse, le quindici canzoni sono uscite in modo “pirata” su svariati Bootleg.

Nonostante i Tremeloes fossero stati preferiti ai Beatles dai funzionari della Decca, la loro carriera discografica sarebbe poi comunque proseguita con un’altra casa discografica: la Epic Records.

Paradossalmente, fu proprio con “Twist And Shout”, un brano composto da Phil Medley e Burt Russell, inciso dai Top Notes e dagli Isley Brothers, e portato al successo dai Beatles nel 1963, che i Tremeloes entrarono per la prima volta nelle classifiche di vendita britanniche (quarto posto nella Top Ten settimanale del 1963). Nel corso della loro carriera eseguirono, sia nei concerti che in trasmissioni televisive, altre cover di brani del quartetto di Liverpool e di altri artisti statunitensi.

Le due principali Hits dei Tremeoles  da ricordare, oltre alla già citata cover di “Twist And Shout”, sono la cover del brano di successo dei The Countours (gruppo della mitica Motown Records di Ditroid) “Do You Love Me” che nella versione del gruppo di Brian Pole raggiunse il primo posto nelle classifiche di vendita britanniche (oltre un milione di copie vendute in Inghilterra nel 1963) e “Silence Is Golden” che raggiunse la vetta nella classifica di vendita dei singoli inglesi il 18 maggio 1967 (restandovi per tre settimane) e l’undicesimo posto nella classifica settimanale di Billboard. Di quest’ultima canzone   i “Tremeloes” incisero anche una versione in lingua italiana intitolata “E In Silenzio” nel 1968.

La Decca riuscì ad attenuare la gaffe commessa “rifiutando” i Beatles, quando mise sotto contratto i Rolling Stones, su raccomandazione di George Harrison, paradossalmente. George semplicemente parlò del gruppo a Dick Rowe, in occasione di un loro incontro quali membri della giuria di un concorso Beat a Liverpool. Questa volta la Decca non tergiversò e scritturò il gruppo di Jagger e Richards.  I Rolling Stones avviarono così la loro formidabile carriera il 7 giugno 1963 con la pubblicazione del loro primo 45 giri Decca, due cover, di Chuck Berry (“Come On”) il lato A e di Muddy Waters (“I Want To Be Loved”) il lato B, discreto successo per essere un debutto con presenza nella top 100 inglese per quattro mesi (massima posizione raggiunta: la ventunesima).

Di seguito il video di “Like Dreamers Do“, composizione originale di Lennon -McCartney, composta da Paul nel 1957, canzone che fece parte del repertorio live dei Quarry Man a partire dal 1958 e successivamente dei Beatles fino alla fine del 1962, registrata il 1° gennaio 1962 dai Beatles durante l’audizione per la Decca:

Una guida al folk progressivo in 10 atti

Le band folk e folk rock sono responsabili di alcune delle musiche più progressive mai realizzate. Non solo, ma hanno influenzato il mondo del rock come lo conosciamo noi.

È una scienza imprecisa cercare di definire la musica per categoria e genere. Gli artisti si scagliano contro di essa, i critici si sforzano di inchiodarla nei termini più semplici, nelle definizioni più comode e nelle frasi ad effetto. Ma, in definitiva, è utile cercare di spiegare il legame che artisti apparentemente diversi possono condividere. Quindi, che tipo di folk è questo genere che chiamiamo folk progressivo?

Bene, esattamente questo: gruppi folk e artisti che hanno osato espandere i propri orizzonti rispetto al formato tradizionale. Nel profondo, la musica folk urla tradizione. Le canzoni folk vengono tramandate di generazione in generazione. Sono canzoni cantate nei pub e nei salotti di tutto il mondo. In quanto tale, la vera musica folk è un importante strumento storico.

Un contestatore al Manchester Free Trade Hall il 17 maggio 1966 chiamò Bob Dylan "Giuda" per aver osato espandere le sue radici folk, abbandonare la sua acustica malconcia e prendere e collegare una chitarra elettrica, ma in verità il folk è spesso stato tra le forme di musica più progressiste. Doveva esserlo, semplicemente per sopravvivere così a lungo. La musica ha dovuto cambiare con i tempi.

Ai tempi in cui non c'erano le chitarre, la musica folk veniva cantata a cappella di default. Poi a volte veniva cantata a cappella di proposito. Poi, quando la tecnologia ci ha portato chitarre, mandolini, pianoforti, chitarre elettriche, sitar, mellotron e migliaia di altri strumenti, la musica folk poteva essere suonata su qualsiasi cosa.

Gli artisti folk sono al centro delle forme di musica rock. Ammettiamolo, senza folk e blues non ci sarebbe il rock'n'roll. Senza l'innovativo lavoro di chitarra di Bert Jansch dei Pentangle o l'intrigante modo di suonare di Roy Harper, i Led Zeppelin avrebbero probabilmente avuto un suono molto diverso. Se Rick Wakeman non avesse iniziato la sua odissea musicale con gli Strawbs e non avesse abbracciato la loro natura progressiva, sicuramente gli Yes sarebbero stati una bestia dal suono completamente diverso.

Probabilmente la rock band più influente e grande del mondo avrebbe potuto svilupparsi in un modo totalmente diverso se non si fosse incrociata con un folk progressivo. Se Donovan non avesse ampliato le sue prime inclinazioni folk e non si fosse seduto a suonare la chitarra con John Lennon e George Harrison, i Beatles, forse, non avrebbero suonato come la band che conosciamo oggi.

I folk progressisti non avevano (e non hanno ancora) paura di sperimentare, sia vocalmente, sia nei testi, sia in termini di arrangiamento, usando musicisti extra, orchestre o semplicemente armeggiando con le loro chitarre che suonano così incredibilmente aliene. Usare violini e chitarre elettriche, sitar e zucche, voci all'unisono e linee di chitarra brucianti è la normalità per i nostri amici progressisti, e dobbiamo esserne loro grati.

Pentangle, da Londra 

Formazione classica: Terry Cox (batteria e voce), Bert Jansch (chitarra e voce), Jacqui McShee (voce), John Renbourn (chitarra e voce), Danny Thompson (contrabbasso).

Supergruppo folk? Beh, se mai ne è esistito uno, allora è sicuramente quello dei Pentangle. Due luminari del folk revival degli anni '60 si sono uniti per creare una gloriosa cacofonia di rumore folk progressivo: i chitarristi Bert Jansch e John Renbourn si sono uniti all'inizio del 1968 con la voce cristallina di Jacqui McShee, il contrabbassista Danny Thompson e il batterista Terry Cox. La sezione ritmica proveniva entrambi da un background jazz/blues che avrebbe avuto una profonda influenza sul sound della nuova band.

Jansch (una grande influenza su Jimmy Page dei Led Zep) e Renbourn avevano stili di chitarra diversi che si scontravano delicatamente, bruciavano e sottolineavano la voce slanciata di McShee. I ritmi jazzati che Thompson e Cox portarono alla band fornirono una leggerezza al folk rock prevalentemente acustico dei Pentangle.

Avendo i mezzi per realizzare che il rock e il folk non devono necessariamente escludersi a vicenda, la band arruolò il produttore Shel Talmy (che aveva lavorato sia con The Who che con The Kinks) per dare forma al loro sound. Mixarono con successo canzoni folk tradizionali come “Let No Man Steal Your Thyme” con standard jazz di artisti del calibro di Charlie Mingus.

I Pentangle hanno avuto un notevole successo mainstream: il loro terzo album “Basket Of Light” è entrato nella Top Five nel Regno Unito ed è rimasto nella classifica degli album per oltre sei mesi. La loro influenza rimane profonda e, infine, quest'anno la band è stata riconosciuta per i suoi risultati e la formazione originale si è riunita per i BBC Radio 2 Folk Awards, dove hanno ricevuto un Lifetime Achievement Gong. E ovviamente hanno anche suonato.

Consigliato: The Pentangle (Castle, 1968)

The Strawbs, da Londra 

Formazione classica: Dave Cousins (chitarra e voce), John Ford (basso e voce), Richard Hudson (batteria e percussioni), Rick Wakeman (tastiere),Tony Hooper (chitarra)

Sia Rick Wakeman degli Yes che Sandy Denny dei Fairport Convention hanno trascorso del tempo con gli Strawbs prima di avventurarsi nel loro futuro progressivo. L'album di debutto degli Strawbs è riuscito a cavalcare i confini tra folk e prog rock più tradizionale con canzoni come “Oh How She Changed” e “The Battle”. 

Ma la band non riuscì a mantenere questo ritmo con la loro seconda uscita “Dragonfly” nel 1970, e il membro fondatore Dave Cousins ​​coinvolse Rick Wakeman. Questa collaborazione fu un successo e gli Strawbs pubblicarono un autentico album crossover folk rock/prog rock chiamato “Just A Collection Of Antiques And Curios”.

Registrato dal vivo alla Queen Elizabeth Hall di Londra nel luglio 1970, il disco ha visto la band estendersi e include un'esaltante performance di Wakeman su “Temperament For A Mind”. Se non altro, questo è stato il disco che ha segnato in modo succinto la transizione degli Strawbs dai folk al rock progressivo più tradizionale. “Bursting At the Seams” del 1973 ha finalmente prodotto alla band un singolo di successo in “Part Of The Union”, ma ormai i loro inizi folk stavano svanendo. 

Consigliato: Bursting At The Seams (A&M, 1973)

The Incredible String Band, da Glasgow 

Formazione classica: Robin Williamson (violino), Mike Heron (chitarra),  Licorice McKechnie (voce e piatti a dita), Clive Palmer (banjo)

Non si penserebbe necessariamente che Glasgow sia il luogo da cui il folk progressivo ha tratto le sue influenze indiane e africane, ma The Incredible String Band ha preso il suo marchio infuocato di folk celtico e lo ha mescolato con alcuni sapori molto internazionali. Il chitarrista Mike Heron e il suo compagno di crimine violinista Robin Williamson sono riusciti senza sforzo a fondere sfumature indiane e africane nella loro musica. 

Le cose arrivarono davvero al culmine dopo che Williamson trascorse un po' di tempo in Marocco, dando vita al completo, impossibilmente eclettico “The 5000 Spirits Or The Layers Of The Onion” nel 1967 (che vedeva anche Danny Thompson dei Pentangle al basso). Molti critici lo citano come un disco psichedelico, ma se questo non è il titolo di un album prog, non sappiamo cosa lo sia. 

Nonostante le sue canzoni disparate, insolite e, francamente, folli (con testi su ricci canterini e riferimenti casuali agli alberi di Natale), la comunità folk lo adorava. “The Hangman's Beautiful Daughter” seguì nel 1968, e fu altrettanto psichedelico. 

Consigliato: The Hangman’s Beautiful Daughter (Warners, 1968

Roy Harper, da Manchester.

Il contributo di Roy Harper al folk progressivo non può essere sottovalutato. Cresciuto nella scena folk londinese della metà degli anni '60, Harper si è tenuto alla larga dall'interpretazione degli standard folk e si è concentrato sul suo materiale fin dall'inizio. I suoi primi album consistevano nel suo eccentrico lirismo poetico sostenuto dal suo intrigante modo di suonare la chitarra acustica. 

Cercando sempre di spingere i confini del folk tradizionale, Harper era creativo con la sua esplorazione sonora: un primo album (“Flat Baroque And Berserk“) lo vedeva suonare la sua chitarra acustica attraverso un pedale wah-wah nel brano "Hell's Angels". Mentre Hendrix ci aveva fatto conoscere il wah-wah su una chitarra elettrica, ascoltare l'effetto su uno strumento più tradizionale era sorprendentemente diverso. 

Harper aveva sempre ampliato il formato della canzone e il suo quinto album distintivo galvanizzò questo talento. Con solo quattro canzoni, “Stormcock” era un'opera sbalorditiva, che spaziava liricamente dalla religione che criticava (“The Same Old Rock”, una canzone che presenta un cameo furtivo di Jimmy Page mascherato da S. Flavius ​​Mercurius) a “Me And My Woman”, un tributo epico alle donne della sua vita, sottolineato da un grande arrangiamento orchestrale. Tanto di cappello a (Roy) Harper, davvero. 

Consigliato: Stormcock (Harvest, 1971)

John Martyn, dal Surrey (Regno Unito) 

Chitarrista e cantante fenomenale, John Martyn ha cambiato il suo stile di folk progressivo nel corso della sua lunga e brillante carriera.

Rifuggendo il folk tradizionale, Martyn incluse molti elementi sia del blues che del jazz nei suoi primi lavori. Ciò fu ulteriormente esaltato dai suoi trucchi con la chitarra. Senza paura di sperimentare, Martyn fece passare la sua chitarra acustica attraverso molti pedali di effetti, dalla distorsione (tradizionalmente usata con uno strumento elettrico) al flanger e al phase-shifter, trasformandone il suono in qualcosa di alieno e unico. 

Per molti, il modo di suonare di Martyn è sinonimo di Echoplex, un'unità che aggiunge un eco/ritardo al suono della chitarra, rendendolo distintivo e ultraterreno. Questo processo è stato utilizzato per ottenere un effetto raffinato sulla traccia “I'd Rather Be The Devil” nell'album “Solid Air di Martyn” del 1973, la cui traccia del titolo era un omaggio all'amico di John e collega folk prog Nick Drake.

Nel corso della sua carriera, Martyn ha abbracciato tutti gli stili musicali nel suo modo di suonare idiosincratico. Ha persino lavorato con il flautista/sassofonista jazz Harold McNair per il suo secondo album, "The Tumbler". Pur rimanendo un folkie nel profondo, Martyn ha spinto i confini musicali per tutta la vita. E se questo non è progressive, non sappiamo cosa lo sia! 

Consigliato: Solid Air (Island, 1973)

Nick Drake, da Birmingham 

Sottovalutato in vita (morì nel 1974 all'età di 26 anni per overdose di antidepressivi), Nick Drake riuscì comunque a cambiare la percezione della musica folk tradizionale, seppur postuma. Cronicamente timido e ostinato dalla depressione e dall'insonnia, Drake non fu mai veramente tagliato per essere un artista, ma furono queste condizioni psicologiche a influenzare chiaramente la natura inquietante del suo lavoro.

Principalmente un chitarrista (e uno che usava alcune delle accordature più strane e innovative immaginabili), i testi di Drake riflettevano spesso il suo fragile stato mentale. Ma fu la combinazione del suo modo di suonare idiosincratico, dei testi toccanti e degli abili arrangiamenti orchestrali del suo amico di college e collaboratore Richard Kirby che portarono davvero Drake oltre l'essere un semplice cantautore qualunque. Il suo secondo album ("Bryter Later") avrebbe persino contenuto elementi di jazz.

Con solo tre album all'attivo, Drake è stato poco più di una figura di culto durante la sua vita. Suonava raramente dal vivo e, nonostante fosse stato scoperto da Ashley Hutchings dei Fairport Convention, la scena folk non lo abbracciò mai veramente. Rimase un musicista per musicisti fino alla fine degli anni '80, quando iniziò a essere citato nella stampa musicale popolare.

Oggi, Nick Drake è probabilmente il cantante folk progressivo più citato nella cultura mainstream. 

Consigliato: Five Leaves Left (Island, 1969)

Fairport Convention, da Londra 

Formazione classica: Sandy Denny (voce), Dave Swarbrick (violino e viola), Richard Thompson (chitarra e voce), Simon Nicol (chitarra e voce), Ashley Hutchings (basso e voce), Dave Mattacks (batteria e percussioni) 

I Fairport Convention nacquero nel 1967 a Muswell Hill, Londra. Frutto dell'ingegno del bassista Ashley Hutchings, dei chitarristi Richard Thompson e Simon Nicol, i Fairport erano una band che inizialmente aveva un grande debito nei confronti della musica folk tradizionale americana e della nascente scena acustica della West Coast.

Prima che il loro album di debutto omonimo arrivasse sugli scaffali nel 1968, i Fairport avevano già sostituito la loro cantante solista Judy Dyble con Sandy Denny. Conteneva principalmente materiale originale, scritto principalmente da Thompson, fatta eccezione per una cover di Chelsea Morning di Joni Mitchell. Il loro sound era abbastanza eclettico da attirare un po' di attenzione e la band fu persino brevemente definita "i Jefferson Airplane britannici".

L'aggiunta di Denny portò la band a vette più alte. Fresca del suo periodo negli Strawbs, era una voce familiare al contingente folk tradizionale. Il secondo album della band (“What We Did On Our Holidays”, 1969) mescolò le cose: la band affrontò canzoni di Mitchell e Bob Dylan insieme a melodie folk tradizionali inglesi.

Con “Unhalfbricking” (luglio '69) la band continuò su questa strada, ma dopo un tragico incidente stradale in cui perse la vita il batterista Martin Lamble, la band si riunì per registrare la loro definitiva affermazione “Liege And Lief”. Il violinista Dave Swarbrick si unì a tempo pieno e la band si immerse nel materiale, dai feroci riff acustici al violino ad alto voltaggio, il tutto completato dalla straordinaria voce di Sandy Denny.

Sarebbe stato il loro momento decisivo, ma avrebbe anche decretato la fine della formazione classica. Verso la fine del 1969, sia Hutchings che Denny avevano lasciato la band. 

Consigliato: Liege & Lief (Island, 1969)

Tim Buckley, da Washington D.C. 

Tim Buckley, a cavallo tra il mondo del prog folk e quello della psichedelia, è stato uno dei cantautori più intriganti della fine degli anni '60.

Sebbene la musica folk fosse sicuramente al centro della sua attività, Buckley riuscì a infondere nella sua scrittura di canzoni elementi di così tanti stili musicali diversi, dal progressive jazz alla West Coast country. Di conseguenza, molti detrattori di Buckley (e persino fan) lo criticano per il suo sound non coerente.

E, con il passare degli anni, Buckley si interessò sempre di più al jazz, infondendo nel suo lavoro una bravura che raramente si sente nel folk. Avrebbe usato la sua voce come uno strumento d'avanguardia e, come tale, l'album “Lorca” del 1970 lo alienò da molti dei suoi fan. Sparito il cantautore sensibile e pieno di sentimento, al suo posto c'era uno sperimentatore eccentrico, pieno di scat vocali su jam stridenti e discordanti.

Purtroppo, il 1975 segnò la fine del viaggio musicale di Buckley, che morì per overdose di eroina. Ma, per quanto riguarda i folkster progressisti, Buckley rimane ancora all'avanguardia. 

Consigliato: Starsailor (Rhino, 1970)

Steeleye Span, da Londra 

Formazione classica: Tim Hart (dulcimer, chitarra e voce), Bob Johnson (chitarra e voce), Rick Kemp (basso, batteria e voce), Peter Knight (violino, tastiere e voce), Maddy Prior (voce) 

Quando lasciò i Fairport Convention, il bassista Ashley Hutchings aveva bisogno di un altro progetto: non aveva ancora finito nel mondo progressive. Così si unì ai folk affermati Maddy Prior e Tim Hart per creare gli Steeleye Span. Ma il mandato di Hutchings non durò a lungo e dopo tre album prese strade diverse.

Questo non significò la fine degli Steeleye, però. La band aveva lavorato duramente per tutta la sua esistenza per essere accolta nel mondo del rock. Così decisero di continuare. Sfruttando un lato più duro e proggy, gli Span pubblicarono “Below The Salt” (1972) e “Parcel Of Rogues” (1973). Le grandi chitarre rock lottarono per la supremazia tra i violini elettrici killer e le loro ormai caratteristiche linee vocali armoniche.

Per promuovere il loro sound prog folk, la band ha coinvolto Ian Anderson dei Jethro Tull per produrre “Now We Are Six” (che ha visto anche la partecipazione di nientemeno che David Bowie al sax), un album di canzoni folk principalmente tradizionali con il trattamento Steeleye. La loro svolta commerciale è arrivata sotto forma di “All Around My Hat” (1975) prodotto da Mike 'Womble' Batt, e nel 2019 la band ha pubblicato il suo 24° album in studio. 

Consigliato: Parcel Of Rogues (Chrysalis, 1973)

DONOVAN, da Glasgow 

Spesso è stato chiamato "mellow yellow", ma Donovan è molto più di quel successo del 1966. Salito alla ribalta nello stesso periodo in cui Bob Dylan stava facendo progressi negli Stati Uniti, Donovan è stato spesso ingiustamente etichettato, o addirittura liquidato come "il Dylan britannico".

Ma questo non sorprende affatto, dato che sia Dylan che Donavan ammiravano il lavoro di Woody Guthrie e di altri primi folk americani tradizionali. Il cantante fu anche influenzato dalla musica folk scozzese e inglese (trascorse del tempo su entrambi i lati del confine durante la sua crescita), e prese in mano la chitarra in giovane età e iniziò a imparare a suonarla da solo. In termini di chitarra, il collega folk Bert Jansch ebbe un'enorme influenza sul giovane chitarrista, tanto che Donovan scrisse la canzone “Bert's Blues” in omaggio.

Una volta perfezionato, lo stile di Donovan nel suonare la chitarra era davvero distintivo: sviluppò la sua tecnica distintiva, il "flatpicking", e spesso gli viene attribuito il merito di aver insegnato questo specifico stile di picking a George Harrison, Paul McCartney e John Lennon dei Beatles mentre erano tutti in ritiro in India con il Maharishi.

Donovan non si accontentava di scrivere semplici canzoncine folk acustiche e leggere; il suo sound si sarebbe presto evoluto, incorporando elementi jazz (era un grande ammiratore di Billie Holiday), sfumature psichedeliche e, grazie al suo soggiorno in India, orchestrazioni di sitar.

Nonostante avesse ampliato i suoi orizzonti musicali e reso il suo genere folk il più progressivo possibile, Donovan rimase comunque una presenza fissa sulla scena folk britannica, riuscendo a coinvolgere il suo pubblico anziché alienarlo.

Oggi, Donovan continua questo viaggio musicale e ha pubblicato il suo album più recente, “Gaelia”, nel dicembre 2022. Attualmente si sta preparando per gli spettacoli del 60° anniversario nel 2025. 

Consigliato: A Gift From A Flower To A Garden (Pye, 1967)

E la storia continua...